Iconografía del Niño Jesús

La iconografía es la ciencia que estudia el origen y la formación de las imágenes, las relaciones de las mismas con lo alegórico y lo simbólico, así como sus respectivas identificaciones por medio de los atributos que casi siempre las acompañan.
Muy poco aportaron los Evangelios canónicos a la iconografía del Niño Jesús, como consecuencia de la restringida información y extrema parquedad con que en ellos se trata su infancia, evidenciando el escaso interés de los evangelistas por los primeros años de Jesucristo. Marcos y Juan no hacen alusión alguna, mientras Lucas y Mateo, aparte de las escasas noticias sobre el Nacimiento y las Adoraciones, tan sólo hacen algunas referencias breves e inconcretas sobre episodios de su niñez, entre ellos la Circuncisión, la Imposición de su Nombre, o su presencia entre los Doctores.
Es patente que desde tiempos muy antiguos los católicos hemos tenido mucha devoción al Divino Niño Jesús, y hemos honrado su santa infancia.
En la Antigüedad, el Arte Romano nos ha dejado muestras de representaciones de carácter religioso, en las que se puede apreciar cierta analogía con la forma de realizar posteriormente las imágenes del Niño Jesús, ya que en ambas se ve englobado el sentido del dominio universal. Podemos citar las figuras de dos infantes: uno de la familia del Emperador Trajano y el otro, del también Emperador, cuando niño, Marco Aurelio. Se les representa con el globo imperial en la mano, corona laureada y reclinados sobre troncos de palmera. Estas figuras se encuentran integradas en la colección Brummer, de Nueva York, y en la Galería Borghese, de Roma, respectivamente

Vamos a intentar  un sencillo acercamiento a los orígenes y tipología de las imágenes exentas del Divino Infante, haciendo especial hincapié en la tradición de su presencia casi constante, en nuestros conventos.

El culto al Niño Jesús es muy antiguo, uno de los ejemplos más arcaicos le encontramos en la iglesia de Santa María de Aracoeli (Roma), que según la tradición, fue esculpido en un trozo de olivo del Huerto de Getsemaní, obra del siglo VII y se expone durante las fiestas navideñas en el Belén.

 Hacia el año 1200 San Francisco de Asís dispuso recordar con mucha solemnidad la Navidad haciendo un pesebre lo más parecido posible al de Belén y celebrando así entre pastores, ovejas, bueyes y asnos la misa de la medianoche, que se veneraba al Niño Jesús en la iglesia de Greccio, como uno de los ejemplos barrocos de la devoción a las imágenes infantiles del Señor.

Imagen de San Antonio con el Niño Jesús S.XIX

También, San Antonio de Padua fue un devoto tan entusiasta del Niño Jesús que según las imágenes que de él se conservan, mereció que el Divino Niño se le apareciera. La representación de Antonio de Padua en el arte pictórico o escultórico ha conocido una cierta evolución en algunos de los símbolos característicos. Antonio aparece en las primeras representaciones, además de vestido con el hábito franciscano (sayal y cíngulo que lo ciñe), con el libro de los Evangelios.

LOS PRECEDENTES

Fué en el Renacimiento, cuando en Italia, Flandes y España comenzaron a crearlos como estatua exenta para ponerlo en el foco de la devoción religiosa.

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Los precedentes más directos les encontramos en el Renacimiento italiano, más concretamente durante el Quattrocento, a partir de las figuras infantiles de Andrea del Verrocchio (1435-1488), que recreó distintos tipos clásicos de amorcillos romanos (putti) para presidir algunas fuentes.

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Francesco di Simone Ferrucci (1437-1493) también trabajaría en mármol algunas figuras de Jesús Infante con los atributos de la Pasión, siempre en un formato que apenas sobrepasa el medio metro de altura

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 Fue Desiderio da Setignano (1430-1464), formado en el círculo de Donatello, el pionero en elaborar una serie de imágenes del Niño Jesús en madera y mármol.

 LOS NIÑOS JESÚS DE MALINAS (BÉLGICA)

La producción italiana de figuras infantiles durante el siglo XV tuvo su contrapunto en la ciudad flamenca de Malinas, en cuyos talleres se comenzaron a elaborar unos modelos inconfundibles en madera en torno a los 30 cm

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Niño Jesús de la escuela de Malinas, s.XVI, perteneciente al convento de Santa Isabel de Toledo, llamado el “risitas”

Niño Jesús de la Bola Escuela de Malinas S.XVI en marfil tallado y dorado.

  Con una anatomía esquemática de anchas caderas, brazos en actitud de bendecir, rostros sonrientes, ojos rasgados y cabellos rubios y rizados. estas figuras tuvieron una gran difusión -sobre todo para la devoción particular llegando muchas de ellas a España.

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Niño Jesús ensimismado” colección particular

Será el siglo XVI el que contemple esencialmente la aparición de la iconografía y se continúe con gran auge durante los siglos siguientes.  

LOS GRANDES MAESTROS IMAGINEROS ESPAÑOLES

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Niño Jesús del Sagrario de Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

La cabeza y el busto son de estaño policromado. Descansa sobre peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

Se encuentra en la Capilla del Sagrario, adosada a la Catedral Hispalense , con especial protagonismo en los desfiles del Corpus.
El gran imaginero que tantas imágenes realizó, dentro de la Escuela Sevillana, hizo varios Niños Jesus, llamados “Montesinos” siendo el que aparece en la imagen, el mas famoso.

Durante el manierismo, en Sevilla se creó lo que podemos llamar el prototipo del Niño Jesús como escultura exenta destinada al culto, un paradigma muchas veces copiado (sin lograr del todo su calidad expresiva) y “exportado” a muchas regiones del Imperio Español. Se trata de una magnífica obra de Juan Martínez Montañés quien esculpió su famoso Niño Jesús de madera de cedro en el año 1606 o 1607. Hoy se encuentra en la Iglesia del sagrario al lado de la Catedral sevillana.

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Niño Jesús del Sagrario de Martinez Montañés vestido como Niño Eucarístico

Portando un cáliz y una hostia está concebido para presidir las celebraciones del Corpus.
El célebre Niño Jesús que realizara en madera Juan Martínez Montañés en 1606 para la Hermandad Sacramental del Sagrario de Sevilla, la imagen barroca infantil más bella de cuantas se hicieron en Andalucía y la más airosa de España, una auténtica joya de la imaginería a pesar de su aparente simplicidad.

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Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

Talla en madera con la cabeza y el busto de estaño policromado. Descansa sobre una peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

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Dulce Nombre de Jesús, titular de la Hermandad del Santo Entierro de Pilas

. Conocido como Niño Dios de las Carreritas. Obra anónima atribuida a Martínez Montañés. 

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Niño Jesús bendiciendo, de Juan de Mesa, discipulo de Martinez Montañés (Escuela sevillana S.XVII
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Huesca, Convento de Santa Teresa Niño Jesús, s. XVII

De la exposición “Signos, Arte y Cultura en Huesca”, 1994, ficha catalográfica de Belén Boloqui Larraya.
(No se menciona su autor, pero por su aspecto podria tratarse de un modelo de Mesa o Montañés.o al menos copia de ellos.)

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Niño Jesus atribuido a la Roldana (Escuela Sevillana) S.XVII Hermandad de la Redención de Huelva

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Niño Jesús Triunfante bendiciendo Atribuido a Alonso Cano (Granada, 1601-1667)

Entre 1634 y 1666 Peltre policromado Museo Nacional de Escultura, Valladolid

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Ya el pleno barroco nos traerá multitud de ejemplos, como el de la Hdad. Sacramental de San Juan de la Palma , obra de Francisco y Gaspar Dionisio de Ribas, donde el movimiento de los ropajes y la peana en forma de nube con querubines aportarán nuevos elementos a los modelos más afamados y del gusto de las corporaciones religiosas. Es costumbre que muchas Hermandades de la Semana Santa andaluzas, tengan un Niño Jesús entre sus imágenes. 

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Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia– encarga al escultor Jerónimo Hernández la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad.de Sevilla

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Francisco Salzillo. Niño Jesús del corazón. s.XVIII. Colección particular

El Niño Jesús del Corazón es uno de los temas más fascinantes, pero, por el contrario, más recientes en el corpus iconográfico cristológico.

LOS NIÑOS JESÚS CONVENTUALES:

El Niño Jesús entregando atributos de la Pasión a Santa Teresa de Jesús y a San Juan de la Cruz The Bowes Museum, en Durham (Inglaterra)

Es un cuadro muy raro, representa al Niño Jesús entregando signos de su pasión a santa Teresa de Jesús y a san Juan de la Cruz. El niño lleva puesto un roquete transparente con bordados, que deja ver todo su cuerpecito ( seguro que para el pintor o para los comitentes tenía algún significado) Los santos que más contribuyeron a difundir la devoción al Niño de Belén fueron Santa Teresa y San Juan de la Cruz, asi Teresa le tenía un amor tan grande al Divino Niño que un día al subir una escalera obtuvo tener una visión en la que contemplaba al Niño Jesús tal cual había sido en la tierra.

Imagen relacionada
Niño Jesús “el Lloroncito” de Santa Teresa. Convento de San José de Toledo

En recuerdo de esta visión la santa llevó siempre en sus viajes una estatua del Niño, y en cada casa de su comunidad mandó tener y honrar una bella imagen del Niño Jesús que casi siempre ella misma dejaba de regalo al despedirse. La hermosa imagen -que recuerda justamente al Niño Jesús de Praga, porque con su mano derecha bendice y con la izquierda sostiene un globo

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Niño Jesús de las Carmelitas de Sevilla

 Asi en museos carmelitas los Niños Jesús, cada uno bautizado con un apodo acorde con su iconografía o alguna de sus características, han sido vestidos de blanco, como se venía haciendo con motivo de la Pascua en los conventos del Carmelo Descalzo desde que fundara la orden Santa Teresa de Jesús. (Museo del Convento del Santo Angel de Sevilla)

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Era tradicional que algunas de estas imágenes fueran aportadas a la comunidad, durante el ingreso de las religiosas, como dote simbólico de su “matrimonio” con Cristo, dependiendo de las posibilidades económicas de las familias la calidad del escultor encargado de la talla y la riqueza de sus accesorios. Su presencia se implantó en todas las dependencias del convento: cocina, costura, lavandería, coro y en las propias celdas

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Curioso Niño Jesús articulado para vestir Escuela española,S. XVII. “Niño Jesús tipo melancólico”

En madera tallada policromada y dorada, con sistema articulado en brazos y piernas, cara de plomo y ojos de pasta vítrea

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Niño Jesús S.XVII Convento de las Carboneras del Corpus Christi (Madrid)

La presencia de pequeñas esculturas representando al Niño Jesús en las clausuras femeninas es un fenómeno extendido y en el que muchas veces se ha reparado, desde el punto de vista de la investigación, la devoción y la religiosidad popular. Acompañando el ajuar de las profesas, las representaciones del Niño Jesús servían de entretenimiento devoto y la posibilidad de modificar su ornamento y de trasformar su aspecto, suponían una agradable distracción.

Niño Jesús del Carmen, anónimo S.XVIII Convento del Santo Ángel de Sevilla
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Niño Jesús de las Carmelitas Descalzas, conocida popularmente como «Las Teresas»de Ecija

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Niño Jesús dormidito sentado Convento de Santo Domingo de Cadiz

Resultado de imagen de Niño Jesús de escuela española de fines del siglo XVI, perteneciente al convento de las Descalzas Reales de Madrid
Niño Jesús de escuela española del siglo XVI, convento de las Descalzas Reales de Madrid

En muchos monasterios femeninos era habitual la presencia de imágenes
del Niño Jesús
en las dotes de las religiosas; reflejo de ello son el largo
centenar de esculturas que se conservan en las Descalzas Reales. En esta
extensa colección se reúnen obras desde el siglo XVI hasta el XX, que
muestran muy variadas iconografías según los gustos artísticos y las
corrientes devocionales de cada época.

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Niño Jesús en Majestad del Monasterio de las Descalzas de Madrid

Las Descalzas Reales fué fundado a mediados del siglo XVI por la hija de Carlos V, doña Juana de Austria y contiene una preciosa colección de imágenes del Niño Jesús. Unos están desnudos, otros están cubiertos con pequeñas túnicas o camisas, los más suntuosamente vestidos con bordados y encajes; y mientras unos son delgados, otros son regordetes o decididamente obesos y con la cabeza llena de rizos.

EL CICLO LITÚRGICO EN LOS CONVENTOS

Resultado de imagen de En el monasterio de Santa Isabel de Madrid, se guarda esta imagen del Niño Jesús, tallada en madera en el siglo XVII.
Niño Jesús “Dormidito” Monasterio de Santa Isabel de Madrid

El ciclo liturgico era celebrado por las religiosas: Entre las actividades del Adviento figuraba en primer lugar la “Canastilla mística”, incitación a las religiosas a practicar la virtud mediante la realización de un pequeño sacrificio elaborando una prenda u ornato para una figura del Niño Jesús.

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Altar de las “Jornaditas· Convento de Santa Rosalía, Sevilla

El 16 de diciembre comenzaban las “Jornaditas”, procesión de las figuras engalanadas de la Virgen y San José por las celdas evocando el rechazo en la búsqueda de posada, Tambien se utilizaba el “Niño de las celdas”, una imagen del Niño

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Niño Jesús, “Tendidito”. Convento de Santa Clara, Montilla.

El día de Navidad se sacaban los mejores paños y objetos de orfebrería para la misa y una imagen del Niño Jesús presidía el refectorio, pasando después por todas las celdas para recibir de cada monja un verso que relataba los principales acontecimientos del año

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Niño de la Paja, Convento de Santa Clara Borja (Zaragoza)

En algunos conventos se celebraba el día 28 los Santos Inocentes y el día 30 la Sagrada Familia, practicándose el “Juego del Niño Perdido”, en alusión a la pérdida de Jesús en el Templo, consistente en esconder una imagen del Niño Jesús que la afortunada en encontrarla podía conservar un tiempo en su celda.

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Niño Jesús sentado Convento de Santa María de Dueñas o Convento de Nuestra Señora de la Consolación, Salamanca

El ciclo terminaba el 1 de enero con la celebración del Nombre de Jesús. Para ello se entronizaba una imagen del Niño Jesús y se le rendía culto con el apelativo de “Manolito”, nombre cariñoso derivado de Emmanuel. Tras la fiestas de los Reyes Magos y de la Purificación de María, conocida como la Candelaria, las imágenes del Niño Jesús, que recibían cariñosos apodos de las monjas, volvían a ocupar los arcones junto a sus ajuares.

LOS NIÑOS PASIONARIOS:

Niño Jesús del Convento de Santa Paula de Sevilla

La representación del Niño dormido responde al modelo de los Niños
de Pasión
que vincula la imagen infantil de Cristo con su futura muerte en
la cruz. A pesar de centrarse en el pasaje más dramático de su vida,
el semblante del Niño trasmite serenidad, fruto del convencimiento de
alcanzar la redención de todos los hombres a través de su Pasión de la que, finalmente, saldría victorioso.

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Niño Jesús del Cnvento del Carmen de Jeréz (Cadiz)

Otro de los modelos más significativos, y al que sencillamente denominaremos como Niño con los atributos de la Pasión, consiste precisamente en esto, una imagen de Jesús Niño a la que se complementa con atributos o elementos, habitualmente de reducido tamaño, identificables con la vía dolorosa.

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Niño pasionario-Convento de las Carmelitas de San José Toledo

Esta iconografía procede de las palabras de Santo Tomás: “Que en el momento de su concepción, el primer pensamiento de Cristo fue para su Cruz”. Es evidente que en el Medioevo se utilizaron los instrumentos de la Pasión, dominaban en la liturgia de las vísperas de la Semana de Pasión, en el canto del himno “Vexilla Regis” y encabezaban las procesiones del Jueves Santo. Será en el siglo XVI cuando se una la Infancia de Cristo con la Pasión, siendo los Jesuitas sus mayores propagadores, apareciendo con frecuencia

Cristo Niño jugaba en su casa de Nazaret tejiendo la corona de espinas, y se pinchaba en el dedo, del cual brotaba una gota de sangre, Como podemos observar en el Niño Jesús del Corazón

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Niño Pasionario de Alonso Cano

La túnica suele arrastrar por el suelo en señal de dolor por los sufrimientos. Sostiene una cruz de mayor tamaño revelando de este modo la aceptación de la Cruz a través de su unión al madero del suplicio.

Niño Jesús Pasionario S.XVIII

  No suelen presentar nimbo ni potencias, aunque por el contrario hay algunos que coronan su cabeza con lacerantes espinas.

El Niño meditabundo, a veces con sus mejillas llenas de lágrimas y otras con sus ojos llorosos, pero generalmente melancólicos, presiente y reflexiona sobre su trágico destino.
 Ordinariamente se presentan de pie aunque también pueden aparecer sentados sobre riscos de piedra o nobles sillones tallados, recostados, e incluso de rodillas.

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Niño Jesús Pasionario. Anónimo 1800. Convento de Jesús Nazareno. Chiclana (Cadiz)

A partir del siglo XVIII estas imágenes acentuaron el uso de postizos, incorporando pelucas reales junto a los ojos de cristal, destacando los ejemplares llegados desde los prestigiosos talleres napolitanos.

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Niño Jesús atado a la columna, es una representación poco usual como subtipo del Niño Pasionario.

Niño Jesús ensimismado de las Clarisas de Llerena (Badajoz)

 El Niño de Pasión también forman parte de este grupo los Niños que adoptan una actitud declamatoria, modelo denominado por algunos autores como “Niño ensimismado” o “Niño melancólico”, y que se representa habitualmente sin elemento iconológico alguno, y dirigiendo su mirada perdida al infinito o hacia el propio espectador; modelo que contó con gran difusión en los siglos XVII y XVIII.

“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid

Uno de los subtipos más recurrentes es el del Niño Jesús soñando con la Pasión. Se conservan ejemplares en los que el Niño aparece dormido sobre una cruz y una calavera que representa el triunfo de la vida sobre la muerte

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Niño Apocalíptico Convento de San Francisco de Asís de Sevilla

Las imágenes del Niño Jesús, en que éste aparece dormido o meditabundo sobre una calavera y que se puede interpretar como de Pasión por lo que de imagen premonitoria tiene

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“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid 
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Niño dormidito Convento de Santa Catalina Escuela castellana S.XVII Valladolid

Una de las representaciones menos frecuentes que se han  podido comprobar de los Niños estudiados han sido las imágenes de Niños Jesús en cunitas y este al estar recostado sobre la calavera, se le puede considerar entre los Apocalípticos.

 Otro ejemplar con su cuna

La espina, es una premonición de la Pasión de Cristo Es lógicamente esta escena una clara premonición de la Pasión de Cristo realizada a través de una descripción amable y en todo caso melancólica, que contó con una gran aceptación en la plástica colonial.

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Niño en la Cruz Monasterio de Santa María de Gracia

Regentado por las Madres Agustinas de Huelva, niño en la cruz contó con poca aceptación entre los fieles, debido a lo impactante que resultaba, rozando incluso lo desagradable, pero a pesar de haber sido censurada desde la propia Iglesia, se labraron y pintaron imágenes del Niño Jesús clavado en la cruz.


LOS NIÑOS TRIUNFANTES

Imagen relacionada
También llamados Victoriosos. de Jerónimo Hernández

 La Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia es la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad de Sevilla
Tiene que llevar en su mano izquierda una cruz o estandarte, pues la cruz no solo es símbolo de la Pasión sino también de la Resurrección y Victoria.Su tipo deriva muy directamente del creado por Juan Martínez Montañés, utilizado igualmente por Juan de Mesa.
Algunos autores consideran que hacia 1610, creó Martínez Montañés el tipo de Jesús desnudo, bendiciendo, en actitud naturalista, extendiéndose por España. También puede sujetar con la mano izquierda el globo terráqueo y bendecir con la mano derecha.

Niño de Plomo Aracena (Huelva)

Imagen antigua de estilo montañés La imagen esta realizada en metal de plomo policromado y porta una cruz de plata de ley.

NIÑO BUEN PASTOR

Presenta una mezcla iconográfica de dos tipos: bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda portando el estandarte, como Salvador del mundo, y también como Buen Pastor, con el báculo o cayado.

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El Buen Pastor de Bartolomé Esteban Murillo

Con este tema, sin embargo se produce una contraposición que raya casi en el antagonismo, entre pintores y escultores de la época.

Divino Pastorcillo de Hinojos, obra atribuida a Gabriel de Astorga.

Los primeros, salvo en raras excepciones, tratan la figura de Jesús Niño de una manera delicada y humana. Vemos Niños en los cuadros de Velázquez, de Zurbarán, pero sobre todo en los del artista que mejor ha sabido distinguir la infancia, Bartolomé Esteban Murillo, copiando sus modelos del natural e inmortalizándolos en lienzos de los que se conservan buena parte en nuestro país, repartidos por diferentes lugares, y muy especialmente en el Museo del Prado. Se representa en pintura al “Buen Pastor”, aparece Jesús Niño con una oveja, rememorando el pasaje evangélico de San Juan: “Yo soy el Buen Pastor y conozco a mis ovejas…

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Niño Pastorcito Divino de la Pastora de Capuchinos, obra de Cristobal Ramos

Su atuendo se compone de traje de pastor con zamarra, calzas y albardas, al que se incorporan, producto de la imaginativa piedad de la época, elementos complementarios como el zurrón, la esquila para llamar a la oveja perdida, sombrero de paja, pellica al hombro, e incluso en algunos modelos hasta navaja

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Niño Triunfante,llamado “Perdidito” de Antequera

Es otro de los modelos más populares y extendidos dentro del rico programa iconográfico de Jesús Infante, y tal vez por esta circunstancia sea uno de los que menos descripción necesita. En él se representa a Jesucristo en edad infantil siguiendo la iconografía bizantina de la Resurrección, muestra además el gesto bendiciente característico del modelo que nos ocupa 

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Niño Rey de Reyes S.XVIII Convento de Dominicas del Corpus Christi de Valladolid

  El Niño Majestad es uno de los primeros modelos del Niño Jesús exento que ha llegado a nosotros es el , modelo iconográfico, que nos muestra al Infante como Rey y Señor, vestido ordinariamente con trajes cortesanos y ostentando atributos propios de su realeza. 

Niño Jesús de la Virgen del Rosario del Convento de Madre de Dios de Sevilla

Niño Jesús entronizado del Convento de Santa Paula de Sevilla
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Niño Salvador del Mundo

Las más antiguas representaciones exentas del Niño Jesús que han llegado a nosotros pertenecen a los últimos años del siglo XV y principios del XVI, y la mayor parte de ellas corresponden al Niño Salvador del Mundo. En este modelo, como en otros tantos, se sigue más o menos libremente la iconografía homónima de la versión adulta de esta advocación. Así, el Niño Salvador o Niño Redentor, es otra interpretación de la realeza de Jesús, y que fue plasmada en la figura de Jesús, si bien derivada del Niño Majestad, despojada de atributos reales, pero mostrando el globo terrestre sobre el que se apoya o sostiene con su mano izquierda.

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Niño Jesús como Salvador del Mundo Convento de las Huelgas de Valladolid

  . 

Bendito Niño del Rosario de la Hermandad de los Remedios (Málaga)


OTRAS REPRESENTACIONES

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Vestido de sacerdote

  Hemos de referirnos también, a una gran variedad de adaptaciones que las figuras recibían en el interior de las clausuras, donde la indumentaria y los accesorios elaborados por las monjas les conferían diferentes caracterizaciones, dando lugar a un extenso catálogo en el que el Niño Jesús puede aparecer como pastorcillo, peregrino, abogado, hortelano, cocinero, fraile, sacerdote, obispo, papa, etc.

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Niño Jesús de la Paz de fraile franciscano La Algaba (Sevilla)

Se representa al Niño Jesús como emblema de una Orden con su propio hábito

 Niño Jesús de vestir Anónimo, siglo XVII
Niño Jesús Salvator Mundi “el Patroncito”   Anónimo, siglo XVII Valladolid

LAS DEVOCIONES EN ESPAÑA

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Algunas imágenes son el origen de célebres fiestas, como es el caso del Bautizo del Niño Jesús en Palencia, que celebra cada 1 de enero la Cofradía del Dulce Nombre del Niño, fundada en el siglo XVI y con sede en la iglesia de San Miguel.

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Santo Niño del Remedio (Madrid)

Es una de las más veneradas en la capital de España, tiene una singular historia: En el año 1898 un encuadernador de la costanilla de los Ángeles posee una talla de madera de un niño que, según creencia popular, posee unas propiedades curativas. Este niño reposó durante unos años en un oratorio particular de las cercanías y pronto la devoción popular del Santo Niño del Remedio se generalizó en Madrid

Bendito Niño Jesús de Ntra. Sra. de las Mercedes de San Fernando. (Cadiz)


LOS NIÑOS JESÚS DE OTROS PAÍSES 

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Santo Niño de Cebú (Filipinas)

Alrededor del mundo, nos encontramos con diversas veneraciones a Jesús Niño. Por un lado, se encuentran las que lo representan como un bebé, y por otro, las que lo caracterizan como un niño más grande. Con respecto a los Niños Jesús del segundo grupo mencionado,además de la veneración de La Rioja, existen otras esparcidas alrededor del mundo, tales como la del Divino Niño, la del Niño Jesús de Praga, la del Divino Niño Alcalde de Cuzco,el Niño Jesús de Perú, entre otras.  

Niño de la Compasión de la ciudad de Malolos.

La religiosidad popular cristiana en Filipinas tiene un ejemplo de ello es este Niño

Niño de la Bola o Santo Niño de la Bola iglesia de St. Michael de Ebersbach (Ravensburg)

  Esencialmente es el que lleva en su mano un orbe real (la bola) como símbolo de su poder sobre el mundo.

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Niño Jesús de Praga Iglesia de Nuestra Señora de la Victoria en Malá Strana

El Niño Majestad lo podemos observar en el Niño Jesús de Praga Muchos de estos modelos alcanzarían una gran popularidad devocional, Esta figura de origen español esta modelada en cera.

Niño Jesús de Aglipay de la ciudad de Malabon (Filipinas)

Esta ataviado de forma principesca.

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El Niño de la Espina (Cuzco- Perú)

  Esta es la historia del autor de una tradición enraizada en los cuzqueños de hoy, se trata del imaginero Antonio Olave Palomino quién realizó el primer Niño de la Espina o Manuelito, una representación del Niño Jesús.con el pie atravesado por una espina.

Santo Niño Jesus de Tucumán S.XVIII Argentina

En Tucumán puede apreciarse una pequeña imagen del Niño Dios, que data del siglo XVIII. Es originaria del Alto Perú y fue realizada en cera.

Algunos ejemplares de la imagineria peruana  la de la ciudad del  Cuzco. estan realizados con  féculas, cañas de maíz y maguey ( vegetal andino) incluso algunos tejidos orgánicos de animales (camélidos andinos)

Niño Jesús de la Demanda de la  la Iglesia de las Mercedes de Guatemala 

Niño de la Espina Cuzco
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Jesús Tinkunaco o Riojano vestido enteramente como un niño incaico 

Imagen del Niño Dios en disfraz de la cultura azteca (México)


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Santo Niño Jesús de las Suertes Concepcionistas de San Bernardo Xochimilco México

El Cabildo, convino que se echara en suertes entre dos conventos (de ahí su nombre de “las Suertes”), y que Dios mismo eligiera a qué convento de todos los de la ciudad quería ir. Se hizo la rifa y salió en suerte el Monasterio de San Bernardo. 

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  En la mayoría de este tipo de imágenes, los Niño Jesús se encuentran revestidos con atributos de autoridades civiles de distintas épocas. Este tipo de representación, comenzó aproximadamente en el siglo XVI en Europa, y desde allí se extendió hacia el resto del mundo. 

Niño de Belen de Xochimilco

 

FUENTES

http://www.lahornacina.com (fotos)

http://www.madrid.org/bvirtual/BVCM002463.pdf

https://prezi.com/h6nofxiczb24/iconografia-del-nino-jesus/

http://islapasionforos.mforos.com/1167541/6059431-imagenes-del-nino-jesus/?pag=3

En varias fotos, recogidas de la web, aparecen los nombres de sus autores.

El Greco

Imagen de cabecera: “Concierto de ángeles” 1608

El año 1541 Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco, nace en Candía (Creta), cuando la isla era territorio de la poderosa República de Venecia. El Greco se forma en Creta, en sus inicios fue uno de los grandes pintores de iconos, que mantenían las señas de identidad de la pintura griega ortodoxa, (a destacar su Adoración de los Magos)

Retrato de caballero anciano ca.1600

EL TALLER DEL GRECO:
El pintor organizó la producción de su taller a niveles distintos, los grandes encargos los realizaba en su totalidad él mismo, mientras que sus ayudantes realizaban lienzos más modestos con iconografías destinadas a la devoción popular. La organización de la producción contemplando obras totalmente autógrafas del maestro, otras con su intervención parcial y un último grupo realizado totalmente por sus ayudantes permitía trabajar con varios precios, pues el mercado de la época no siempre podía pagar los elevados precios del maestro. Por tanto hay múltiples obras del taller
En varios casos, el Greco y su taller pintaron varias versiones sobre un mismo tema, con variantes. Así sobre el Expolio, Wethey catalogó quince cuadros con este tema y otras cuatro copias de medio cuerpo. Sólo en cinco del artista y las otras diez las consideró del taller o copias posteriores. El tema que más se repitió es san Francisco, saliendo de su taller del orden del centenar de cuadros sobre este santo, de ellos veinticinco son autógrafos reconocidos, el resto son obras en colaboración con el taller o copias del maestro. Otros temas que repitió habitualmente son María Magdalena, los apóstoles, la purificación del templo, el bautismo de Jesús, el expolio de Cristo, Cristo con la cruz a cuestas, la Sagrada Familia y la Anunciación entre otros..

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Mapa de la isla de Creta (S.XVIII)

Domenico Theotokopoulos nació en la isla de Creta. Creta había sido la mítica isla de Zeus y Europa, del rey Minos, del laberinto y el Minotauro, para luego convertirse en parte del mundo griego y, más tarde, del mundo bizantino, ese mundo que pocos años antes había sido conquistado por los turcos.

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Knosos (Creta) frescos del Palacio de Minos

Fué el más importante de los palacios minoicos de Creta (Grecia). Fue construido hacia el 2000 a. C.

Domenico unió un gran interés por el color. La luz intensa de esta isla, en torno a la cual el sol hace brillar el Mediterráneo, hace que los colores se perciban de una manera especial, algo ya apreciable en las pinturas murales del palacio de Cnossos. Es habitual que las ciudades luminosas alumbren a pintores con una percepción especial de la luz y el color. Es así como surge un Sorolla en Valencia. Un Andrea Vaccaro en Nápoles. O un Tiziano en Venecia.


PERÍODO CRETENSE

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DOMENICO THEOTOCOPULI “EL GRECO”


Supuesto autorretrato año 1595-1600  Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) perIodo toledano de madurez

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La Dormición de la Virgen


Presenta la dualidad existente en la Escuela cretense del siglo XVI: la fidelidad a la Escuela bizantina tradicional y el eclecticismo inspirado en la Escuela italiana del Renacimiento, conocida gracias a estampas y algunos cuadros llegados de Venecia.
De un acertado eclecticismo que le lleva a incorporar novedades a un icono clásico: el tratamiento del grupo del cielo, la aparición del Espíritu Santo en forma de paloma, la inclinación de la figura de Cristo… Sin embargo, continúan los fondos dorados, el empleo de rostros estereotipados para las figuras o la ausencia de color y perspectiva

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San Lucas pintando a la Virgen

El Periodo cretense: Doménikos estudió pintura en su isla natal, Creta, y se convirtió en pintor de iconos en el estilo postbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años ya desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.

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San Lucas pintando a la Virgen detalle

 El estilo postbizantino era una continuación de la pintura tradicional, ortodoxa y griega, de iconos desde la Edad Media. Eran cuadros de devoción que seguían reglas fijas. Sus personajes se copiaban de modelos artificiales muy establecidos, que no eran en absoluto naturales ni penetraban en análisis sicológicos, con el oro como fondo de los cuadros.

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Adoración de los Reyes


Se trata de unas obras de la primera etapa de El Greco donde se puede apreciar claramente su formación como pintor de iconos en el taller de Georgios Klontzas.

PERÍODO VENECIANO:

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El muelle del Bacino de San Marcos en el día de la Ascensión, 1733-34, de Canaletto.
The Royal Collection, London.

En ese postbizantino, según Venturi, está el origen abstracto de las originales formas de la pintura del Greco. Logra el título de Maestro de la pintura y se traslada a Venecia en 1567. Venecia, capital de las artes y de la política cretense, donde conoce a los grandes maestros del Cinquecento veneciano como Tiziano y Tintoretto que convierten a El Greco en uno de los “madonneri” que, con una formación bizantina, trabajaron en Venecia.

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La curación del ciego , Gemäldegalerie (Dresde)

Realizada en 1567. Es la primera obra de su período veneciano.
Cristo y el ciego presiden el principal grupo a la izquierda, los discípulos a la derecha y un pequeño contingente en el centro. Todos se encuentra en movimiento, de acuerdo al eclecticismo de la época.

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Tríptico de Módena

La Galería Estense es el gran museo de bellas artes de Módena (Italia), heredero de las colecciones de los antiguos duques de la Casa de Este, que gobernaron durante el Renacimiento los ducados de Ferrara y Módena. Este museo tuvo su primera sede en el Palacio Ducal y fue trasladado en el siglo XIX a un sector del llamado Palacio de los Museos de la misma ciudad. Entre sus tesoros se cuenta el Tríptico de Módena, obra clave juvenil de El Greco
La tabla central tiene en su lado anterior esta imagen de la Alegoría del caballero cristiano y le acompañan en los laterales la Adoración de los pastores y el Bautismo de Cristo

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Tríptico de Módena reverso

Este pequeño altar portátil que se conserva en la ciudad italiana de Módena es una obra fundamental para entender la evolución del Greco durante sus primeros momentos de estancia en Italia. En su parte posterior una Vista del Monte Sinaí, la expulsión de Adán y Eva del Paraiso y la Anunciación.
 

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Anunciación de la Virgen

Perteneciente al Tríptico de Módena (Galería Estense), es una obra titubeante del inicio de su estancia veneciana.(ver foto anterior del tríptico completo)

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La anunciación, Museo del Prado.


Es una de las imágenes mejor logradas del período veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto, sobre todo en la arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un cuadro de ángeles
En estas obras estilísticamente distintas, se aprecia cómo asumió el lenguaje del Renacimiento veneciano.

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Tríptico de Ferrara La Oración en el huerto
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

El Tríptico de Ferrara, cuyas cuatro tablitas, de claro origen cretense, fueron las laterales del cierre del retablillo.

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Tríptico de Ferrara  La Crucifixión
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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Tríptico de Ferrara  El Lavatorio
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara  

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Tríptico de Ferrara Cristo ante Pilatos
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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La última cena , Pinacoteca Nazionale, Bolonia, Italia

Obra de El Greco, realizada en 1568. Representa a Cristo en la Última Cena con sus apóstoles, antes de sufrir su Pasión. El espacio pictórico, representado en perspectiva, tiene poco volumen corporal y parecer estar suspendido sobre el aire

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El entierro de Cristo año 1569-70 Museo Alexandros Soutzos (Atenas)

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La Adoración del nombre de Jesús (finales de la década de 1570)

También llamado como La Liga Santa o bien El Sueño de Felipe II o La Gloria. Parece que este fue uno de los primeros encargos que recibió El Greco de Felipe II. El cuadro original se encuentra en el Monasterio de El Escorial (Madrid) y esta pequeña obra no parece ponerse de acuerdo si se trata de un boceto del pintor antes de componer  la gran obra o bien es una copia que hizo a posteriori para tenerla en su estudio (práctica habitual de El Greco).El cuadro representa un momento histórico en la vida de Felipe II y es que tras la victoria de la batalla naval de Lepanto (1571), formado por la Liga Santa de los países de España, Venecia, Nápoles y Roma, se frenó el avance de los turcos por el Mediterráneo

EL PERÍODO ROMANO:

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Miguel Ángel – “La tentación de Adán y Eva y la expulsión del Paraíso” (1508-1512, fresco, Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma)

Resultaba muy difícil conseguir un exito decisivo en Venecia, la metrópoli de la pintura renacentista. La competencia parecía demasiado genial y sobre todo muy firmemente establecida en el gran mercado del arte: Tiziano, Tintoretto, Veronese, Bassano. Quizás era ésa una de las razones que motivaron El Greco a abandonar “La Serenissima” en 1569 e intentar su suerte en Roma, donde, no obstante, la situación resultó parecida.
Allí permaneció desde noviembre de 1570 hasta 1577. Cuando El Greco vivió en Roma, Miguel Ángel y Rafael habían muerto, pero su enorme influencia seguía vigente. La herencia de estos grandes maestros dominaba el escenario artístico de Roma. Allí aprendió una forma de pintar que los pintores romanos habían establecido, un estilo llamado manierismo pleno o maniera basado en las obras de Rafael y Miguel Ángel, donde las figuras se fueron exagerando y complicando hasta convertirse en artificiales.

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La purificación del templo o La expulsión de los mercaderes

Realizada en 1571 durante su periodo romano. Se exhibe en el Instituto de Arte de Minneapolis.

Esta obra es una de las primeras muestras de la madurez de El Greco. El pintor mantuvo las líneas básicas de su primera versión y consigue crear dos grupos contrapuestos

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La Piedad año 1571-76 29 x 20 cm Museo de Arte (Filadelfia)

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional de Capodimonte Nápoles

  o El soplón es una obra de El Greco, realizada en 1571 durante la estancia del artista cretense en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque no se conoce a ciencia cierta su origen.
El pintor repetirá este tema varias veces a lo largo de su carrera. El cuadro está inspirado en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.
Tradicionalmente se ha considerado esta imagen como producto de la influencia de Jacopo Bassano, aunque recientes estudios han determinado que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido.

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Fábula  1572 

 Otra versión del anterior

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional (Capodimonte)

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Retrato de Vincenzo Anastagi año 1571-76 Colección Frick (Nueva York)

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Retrato de Carlos de Guisa año 1572 Kunsthaus (Zúrich)

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Retrato de un hombre (Andrea Palladio?) año 1575 Museo de Arte (Copenague)

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La Anunciación El Greco, 1575 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Es una obra de El Greco, realizada en 1575-1576 y conservada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Es una de las primeras obras de esta temática realizadas por El Greco, que repetirá este asunto varias veces más a lo largo de su dilatada producción artística.

La Virgen María, sentada en un reclinatorio, gira para recibir la visita del Arcángel Gabriel y la paloma que representa al Espíritu Santo. La escena se enmarca dentro de un fondo arquitectónico sencillo y bien trazado, acentuado por un cortinaje rojo y un piso embaldosado. Al fondo se distingue un grupo de querubines.
Aquí se refleja la impronta de Tiziano y Tintoretto, sobre todo en la luz y el color.

El Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana

  Fue encargado en 1580 por Felipe II para decorar una de las capillas laterales de la Basílica del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, concretamente la capilla consagrada al santo.
 Doménico tardó casi tres años en pintar esta soberbia obra en su taller de Toledo, entregándola personalmente a finales de 1582, lo que demuestra que el pintor quería conseguir el favor de Felipe II y la oportunidad de poder trabajar en la decoración de El Escorial.  A su regreso de Portugal en 1583, el rey pudo ver la obra pero no resultó de su agrado, aunque su calidad artística le fue reconocida al tasarse la obra en 800 ducados.

ESCULTURA
La dimensión escultórica de El Greco recobró cierto auge, que hizo volver la mirada sobre su producción .

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Así, excluyendo este Ecce Homo cuya peculiaridad con respecto a otras obras es que es la única que supuestamente está firmada [con las iniciales griegas delta y theta] por El Greco

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Es dudosa la concepción por parte de El Greco del Cristo Resucitado que está en el museo toledano del Hospital de Tavera (restaurado tras la guerra civil)

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Y mas seguro el conjunto escultórico de la Imposición de la casulla de San Ildefonso en la Catedral de Toledo

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  Y, con algunas reservas de conocedores de la obra del cretense, las estatuas de Epimeteo y Pandora del Museo del Prado. Son trabajos indocumentados pero la atribución al artista suele ser generalmente aceptada.

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Está basada en el testimonio de Pacheco, que vio en el estudio de El Greco una serie de estatuillas de cera, estuco, y madera, pero pueden haber sido simplemente modelos, como los que se usaban en los talleres italianos donde El Greco fue entrenado.

La atribución se basaría en algunos desnudos en las pinturas de El Greco, en sus dimensiones alargadas,( evidentemente desproporcionadas) sus posturas flexibles y su oposición en contrapposto.

MITOLOGIA Pandora fue una hermosa creación de barro realizada por Hefesto por instigación de Zeus, quien pretendía vengars...
Epimeteo y Pandora

La identificación de las figurillas es también problemática. Al principio se pensó que representaban a Adán y Eva o incluso a Vulcano y Venus, pero fueron correctamente identificados como Epimeteo y Pandora en el año 1961.

Pudieron ser un encargo concreto o ser una creación para uso del propio artista, sirviendo tanto para su uso en el taller, como modelos para composiciones pictóricas, se interpretó que estas figuras eran representaciones de viendo en ellas una reinterpretación del David de Miguel Ángel con ligeras variaciones: figuras más alargadas, distinta posición de la cabeza y las piernas menos abiertas. Salas también señaló que Pandora corresponde a una inversión de la figura de Epimeteo, aspecto característico del manierismo. se consideró que fueron modelos para determinar la posición más acertada de las figuras de la derecha de la pintura del Laocoonte.

 PERÍODO TOLEDANO INICIAL:

En Roma, El Greco no destacó exactamente por una falta de orgullo: propuso remplazar los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina por nuevas obras suyas que serían más “decentes”. Aquella propuesta, como era de esperar, provocó el rechazo indignado de muchos pintores romanos y contribuyó a su convicción que tampoco en Roma iba a encontrar la suerte deseada. 

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Monasterio de El Escorial

Por lo tanto, cuando en el año de su muerte 1576 el gran Tiziano le dió una carta de recomendación al Greco, dirigida al Rey Felipe II, el que estaba buscando muchos artistas para decorar las más de mil habitaciones de su nueva residencia, el Palacio del Escorial (antaño la obra más grande de Europa), el pintor de Creta decidió intentar a su edad de 35 años un nuevo comienzo en España.

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Vista y plano de Toledo 1610-1614

   Con esta obra el Greco contribuye a la difusión de la nueva imagen de la ciudad de Toledo al representar las principales construcciones modernas de aquel momento -el Alcázar, la Puerta de Bisagra y, sobre todo, el Hospital Tavera, que domina claramente la escena, al tiempo que oculta las emblemáticas construcciones medievales: la Catedral y el Monasterio de San Juan de los Reyes. Así mismo representa alegóricamente la gloriosa historia de la ciudad, enfatizando su pasado romano mediante la representación de un dios fluvial, que derrama el agua y simboliza al río Tajo. Además, muestra su carácter de lugar favorecido por la divinidad, con la representación del milagro de la aparición de la Virgen para imponer la casulla a San Ildefonso, obispo visigodo de Toledo.

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La Trinidad (1577-79)

Desde 1577 residió en Toledo. En estos primeros años toledanos aparece el estilo personal del pintor pero el planteamiento es plenamente italiano. El oleo, que formaba parte de El retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo, su primer gran encargo en Toledo. Es notoria la influencia de Miguel Ángel.
 

PERÍODO TOLEDANO DE MADUREZ: 

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El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo)

Su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.
En este periodo se han incluido las obras desde 1586 en que le contrataron el entierro del Conde de Orgaz hasta 1596 en que le confiaron el retablo de doña María de Aragón. Muestra ya su característica elongación longitudinal de las figuras, así como el horror vacui (miedo al vacío), aspectos que se harían cada vez más acusados.

PERÍODO TOLEDANO TARDÍO:

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Cristo expulsando a los mercaderes del Templo (hacia 1600)

A partir de 1600 evolucionó a un estilo muy dramático, propio y original, intensificando sistemáticamente los elementos artificiales e irreales: cabezas pequeñas descansando en cuerpos cada vez más largos, la luz cada vez más fuerte y estridente.
El Greco se basó en el pasaje del Evangelio de San Juan, 22 (13-17) para realizar esta obra. El Greco realizó 5 pinturas con esta misma temática, la conservada en la Galería Nacional de Arte de Washington (1568), el Instituto de Arte de Mineápolis (1571), la presente de la National Gallery (1600), otra de la Colección Frick de Nueva York (1600) y por último la conservada en la iglesia de San Ginés de Madrid (1610).

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La expulsión de los mercaderes del templo

. Este óleo sobre tela mide 106 centímetros de alto y 130 cm de ancho, y fue ejecutado hacia el año 1600. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean

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La expulsión de los mercaderes del templo

Realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en la Iglesia de San Ginés de Madrid.
Tres versiones pintadas en Venecia (1570), Roma (1571-1576) y Toledo (1610-1614) donde se observa su evolución. La primera incorpora el colorido cálido veneciano y las mujeres de Tintoretto. En la segunda, los grupos de figuras han adquirido jerarquía y la arquitectura más romana está más integrada gracias a la luz. En la última, las figuras son típicas grequianas, el cuadro es más estrecho y dividido en una zona inferior con figuras y una superior de arquitectura etérea.  Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano

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Inmaculada Concepción

  A finales de 1607, el Greco se ofreció a terminar la capilla de Isabel de Oballe, que había quedado inconclusa por el fallecimiento del pintor Alessandro Semini. El artista, ya con 66 años, se comprometió sin gastos complementarios a corregir las proporciones del retablo y a sustituir una Visitación. La Inmaculada Concepción para esta capilla es una de sus grandes obras tardías, los alargamientos y los retorcimientos nunca antes habían sido tan exagerados o tan violentos

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San Jerónimo como cardenal (1590-1600)

La imagen de San Jerónimo fue un tema muy recurrido por el Greco. San Jerónimo es uno de los Padres de la Iglesia Latinos al traducir la Biblia del griego y el hebreo al latín.
Esta obra, realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en una de las salas del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

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Adoración de los pastores (1612-1614)


Una de sus últimas composiciones destinada a su capilla funeraria. Su estilo final es dramático y antinaturalista, intensificando los elementos artificiales e irreales: cuerpos muy largos en cabezas pequeñas iluminados con luces fuertes y estridentes.

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Firma de El Greco

Fuentes:

http://pedro-mundodebabel.blogspot.com.es/…/personajes-sing…

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/1418198

http://jmnavarron.blogspot.com.es/…/el-greco-y-el-museo-del…

http://materiaconstruida.blogspot.com.es/2014_03_01_archive…

http://www.academia.edu/…/Monogr%C3%A1fico_A%C3%B1o_Greco

El árbol de Jessé

Árbol de Jessé es el nombre que tradicionalmente recibe el árbol genealógico de Cristo, a partir de Jessé, padre del rey David. La representación del árbol de Jesé consta de tres elementos básicos:,
que se asocian respectivamente a las figuras de Jessé, María y Cristo.

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La representación más común consta de la figura reclinada de Jessé, padre del rey David, de cuyo cuerpo,generalmente de su vientre, nace un árbol en cuyo tronco y ramas aparecen algunos antepasados de Cristo (David, Salomón y María, entre otros) y por último la flor que es el propio Cristo.

Jessé que aparece casi siempre acostado, aunque también se le ve sentado o de pie, siendo en estos casos en muchas ocasiones por cuestiones del espacio en donde ha de estar localizada la obra. El tronco suele salir de su costado, del estómago, aunque también puede salir del corazón

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un
carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen.

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Entre los antecedentes de esta compleja representación debe señalarse el candelabro judío de siete brazos o menorá, que fue asumido por la liturgia cristiana,
con su implícito simbolismo de la llegada de El Mesías, al menos desde el siglo XI.
Desde finales del siglo XI y durante todo el siglo XII, se desarrollan todas estas imágenes que evolucionan de una naturaleza simple a otra más desarrollada.

El rey David,  Pedro Berruguete, Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Nava

Según las profecías el Mesías procedería de la Casa de David y nos aparece  en Mateo 1:1-17 y en Lucas 3:23-38; en ambas genealogías, los evangelistas tratan de conectar a Jesús con David por la profecía mesiánica. Jesús mismo en el Apocalipsis de San Juan dice (Ap 22,16) “Yo soy la raíz y retoño de David” incluyéndose dentro de los descendientes de David.

L'enfant Jésus dans les bras de Saint Joseph, par Guido Reni en 1635.

San José con el Niño, Guido Reni 1640  Museum of Fine Arts. Houston (EE. UU.)

También se hace la conexión a través de José, el cual solo era “padre putativo” pero la ley judía acepta este hecho como de pleno derecho genealógico y conexión a la familia del progenitor adoptivo. 

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Los Profetas del Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo en Santiago de Compostela

La veneración del arte medieval por el mundo antiguo llevó a la incorporación de algunos de sus personajes más ejemplares en el tema, además de los profetas. Su representación se basó en la creencia de que los paganos tuvieron su propia revelación.

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Ancianos filósofos.  Fresco en el  Sucevita Monastery,  Rumania

En el arte bizantino aparecen filósofos como Platón, con una filacteria que alude al dios desconocido.

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Sibila Eritrea Miguel Angel, Capilla Sixtina Vaticano

En Occidente, con el mismo sentido se representa a las sibilas, en ocasiones de forma personalizada, como la de Eritrea y en otras de forma genérica como simplemente Sibila, seguramente por influencia del drama litúrgico del “Ordo Prophetarum”del ciclo de Navidad.

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El teatro litúrgico u “Ordo Prophetarum”. Santiago de Compostela

(Desde 2001 se representa cada Navidad en la Catedral de Santiago de Compostela).

Es de reconocida opinión que el drama litúrgico de los profetas (Ordo Prophetarum), inspiró las más extensas representaciones de reyes y profetas en el tema del Árbol de Jessé.  A diferencia de otras obras similares no tiene su origen en la dramatización de un episodio bíblico, sino en un sermón atribuído a San Agustín.

 REPRESENTACIONES EN EL ARTE:

Muy numerosas a través de los tiempos y en distintos estilos y soportes

Árbol de Jesé de Bamberg (Baviera)
Tallado en marfil, ca.1200  actualmente en el Museo del Louvre

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Arbol de Jessé Manuscrito 340 Biblioteca Municipal de Douai 

Ciudad y comuna francesa situada en el departamento de Norte en la región Norte-Paso de Calais, capital de la comarca del Douaisis.

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Linaje de Jesús en la catedral de Altar Mayor de Limburg- ca 1400

Distrito de Limburg-Weilburg en Hesse, Alemania. La catedral de San Jorge (Georgsdom), construida sobre la antigua iglesia del monasterio, fue consagrada en 1235

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Variante de un Arbol de Jessé en forma de cepa, con la curiosa representación de la embriaguez de Noé, después del Diluvio.
El Génesis dice que Noé comenzó a labrar la tierra y nos lo muestra plantando una viña, de cuyo vino se embriaga, Cam ve “la desnudez” de su padre y se ríe de él (algunos sabios del Talmud piensan que no solo se rió de él, también abusó de él), el cual al saberlo pronuncia una maldición en contra del hijo de éste, Canaán, del cual profetiza que llegará a ser esclavo de Sem y Jafet, maldición que, según algunos traductores, se cumple cuando Israel (de origen semítico) somete a los Cananeos

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El árbol de Jessé ilustrando una biblia

El árbol de Jessé se ha representado en la cultura cristiana en numerosas ocasiones, como en los códices.

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Ilustración en las “Crónicas de Nuremberg”

Es uno de los más preciados incunables (nombre que se da a los primeros libros salidos de la recientemente creada imprenta, entre 1450 y 1500), con xilografías  de gran valor artístico.

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“Crónicas de Nuremberg” detalle

Las primeras representaciones del tema y en las que aparece una mayor diversidad son las miniaturas de manuscritos como evangeliarios, biblias, leccionarios, salterios o antifonarios.

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Arbol de Jessé en el icono Alabanzas a la Virgen del Círculo Ioannis Apakas c. 1600, Museo Pushkin, Moscú
Esta es otra representación muy frecuente: los iconos

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Icono con el Arbol de Jessé S-XVII

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“Arbol de Jessé” oleo de Jan Mostaert 1500 Rijksmuseum de Ámsterdam

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Arbol de Jessé en una placa de marfil. Museo de Louvre, París.

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Grabado con el Arbol de Jesse, Israhel van Meckenem (German, c. 1445 – 1503 ), Rosenwald Collection

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Vista panorámica del fresco del árbol de Jesse en el Monasterio de Voroneț, que es un monasterio medieval situado en el pueblo rumano de Voroneţ en la actualidad parte de la ciudad Gura Humorului. Es uno de los famosos monasterios pintados del sur de Bukovina, en el distrito de Suceava.
Fue construido por Esteban el Grande en 1488 en tres meses y tres semanas para conmemorar la victoria en la Batalla de Vaslui.

Denominado a veces la “Capilla Sixtina del Este”, los frescos de Voroneț tienen un tono intenso de azul conocido en Rumanía como “azul de Voroneț”.

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Mural con el Arbol de Jessé en una iglesia de Lohja, Finlandia

Posiblemente de la miniatura, el tema salta a los muros y pronto cobra su versión monumental en la pintura mural románica, llegando incluso a techumbres de madera

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Árbol de Jessé. Parteluz del Pórtico de la Gloria  catedral de Santiago de Compostela.
También los relieves románicos monumentales como machones, columnas o enjutas de arcos encuadran el tema.

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Detalle del anterior: Virgen con el Niño.

Esta es la primera vez que se representa en la Península Ibérica este tema en la iconografía religiosa. La columna reposa sobre una base en la que hay una figura con barba recostada sobre el pecho (quizá una imagen de Noé) y dos leones. Una tradición llevaba a los peregrinos a poner la mano entre las cavidades del árbol mientras rezaban cinco oraciones, antes de entrar en la catedral.

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Arbol de Jessé en el machón SO del claustro del Monasterio de Santo Domingo de Silos,  Foto de Sira Gadea

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Arbol de Jessé en la portada de la Catedral de Beauvais c.1400

La catedral de San Pedro de Beauvais esta situado en la localidad de Beauvais, en el valle de Thérain de Picardie.
Es, en algunos aspectos, el logro más audaz de la arquitectura gótica, siendo su construcción coincidente con el ascenso al trono de Luis IX de Francia, y constituye el comienzo del gótico radiante
En el gótico, además de relieves monumentales, las galerías de reyes de Judá de las catedrales góticas francesas y por extensión las de otros territorios europeos, aunque no toman el esquema de árbol, se relacionan con el tema por representar la genealogía de Cristo.

Árbol de Jesse, en cuya copa-peana esta instalada la imagen de Santa María de la Redonda, talla del s. XV. Logroño.

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Retablo de la capilla de Santa Ana de la Catedral de Burgos

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen y  la genealogía se cumplimenta con la representación del propio Cristo, la de María su madre (a veces entronizada o con el Niño en su seno o como en este caso con Santa Ana 

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Arbol de Jssé en un retablo de la iglesia de Santa María del Castillo en Olivenza, Badajoz
El tema del Árbol de Jessé combina pues varios motivos y de acuerdo a que estén o no presentes, pueden establecerse diversas variantes iconográficas.

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Altar con el Arbol de Jessé en la capilla de Notre Dame de Berven

En Plouzévédé ciudad del departamento de Finisterre , en la región de Bretaña

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Retablo de la capilla del cementerio de Saint Thégonnec, en Bretaña.

La liturgia del tiempo de Adviento, tanto griega como latina, honra especialmente a la Virgen que resume en sí todas las esperanzas mesiánicas.

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Retablo mayor del Convento de Santa Clara en Briviesca, Burgos

Su renacentista Retablo Mayor, empezado a tallar en 1551 por Diego de Guillén pero elaborado fundamentalmente por el artista mirandés Pedro López de Gámiz. Facturado en madera de nogal y dejado sin policromar, posiblemente por problemas económicos,
Dedicado a la exaltación de la Virgen, los grupos escultóricos más destacados son los de la calle central, empezando por el Árbol de Jessé, un trabajo finamente calado con claras reminiscencias tardogóticas. Sobre esta escena se disponen la Virgen sedente rodeada de ángeles y la Ascensión.

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Arbol de Jssé en la iglesia de Saint Aignandistrito de Romorantin-Lanthenay 

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Arbol de Jessé relieve en la Catedral de Worms S.XV Alemania

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Rosetón del transepto sur de la Catedral de Saint Denis (Francia)

La representación en la vidriera gótica de la que es pieza clave en la famosa representación de Saint-Denis, que dio origen a numerosas versiones como la de la catedral de Chartres

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Vitral con el Arbol de Jessé en la iglesia de Saint-Etienne de Beauvais, Francia

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Vitral de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

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Púlpito Iglesia de Santa María en la Arena. Dettelbach (Bayern, Alemania)

Imagen relacionada

 Árbol de Jesse en el techo de la parte inferior del coro barroco en la iglesia de Santo Domingo en Oaxaca México

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El árbol de Jessé Franciscano

Las órdenes religiosas también utilizaron este tema iconográfico en sus representaciones, pero el arbol en vez de ser Jessé la raíz del mismo, es el fundador de la orden el que apareciendo tumbado le sale de las entrañas el árbol, y en cada rama aparecen santos de la orden o los miembros mas destacados de la comunidad. En la reforma de Villacreces, al ser un tema franciscano, tiene coronando al mismo una imagen de la Inmaculada.

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El árbol de la vida del refectorio de Santa Croce de Florencia 
 
Que tiene como antecedente la que con motivos de la vida de Jesús se encuentra en en la Galería de la Academia de Florencia.     foto: Sira Gadea
 
 
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Detalle del anterior. Foto de Sira Gadea
 
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Arbol de Jessé en la Galería de la Academia de Florencia 
 
 

Otro ejemplo de Arbol de Jessé de una orden monástica, en este caso Mercedarios que data de la época colonial, en Potosí, Bolivia S.XVIII

 

OTRAS REPRESENTACIONES:

-Árbol de Jessé. Pintura mural de la capilla de San Juan de Le Liget, Indre-et-Loire

– Árbol de Jessé. Vidriera de la fachada occidental de la catedral de Chartres, h. 1159.

– Árbol de Jessé. Biblia de Saint-Bertin, Champagne (Francia), h. 1170-1180. París.

– Árbol de Jessé. Folio del Hortus Deliciarum, h.1195.

– Árbol de Jessé. Techumbre de San Miguel de Hildesheim (Alemania), h. 1200.

– Árbol de Jessé. Salterio de Ingeburge, h. 1200. Chantilly (Francia), Musée Condé

– Árbol de Jessé. Vitae Sanctorum, Cîteaux (Francia). Dijon, Bibliothèque Municipale

– Árbol de Jessé. Relieve de la fachada de Notre-Dame de Poitiers, Vienne 1130.

 

Fuentes:
 

El infierno en el arte

El infierno, proviene del latín infernum o inferus que significa “subterráneo” o “inferior”.
Según muchas religiones, el infierno viene de la palabra hebrea (Sheol) y griega hades y según muchas religiones es el lugar donde después de la muerte son torturadas eternamente las almas de los pecadores.

Es equivalente al Gehena del judaísmo, al Tártaro de la mitología griega, al Helheim según la mitología nórdica y al Inframundo de otras religiones.
Sin embargo, de acuerdo a las investigaciones , su origen viene de civilizaciones muy antiguas de Medio Oriente como las sumerias, babilónicas, egipcias y otras.

El infierno de otras civilizaciones

El averno no siempre había sido considerado un lugar de sufrimiento, antes podía ser simplemente un lugar de tránsito indefinido, así lo veían los hebreos con el Sheol, el Arallu babilonio o el Hades de los griegos.

Arallu

Babilonia
Se le daba el nombre de Arallu y hay un personaje destacado en su cultura:

La ramera de Babilonia cabalgando sobre la bestia de siete cabezas (grabado ruso del siglo XIX).

La ramera de Babilonia que aparece en el libro bíblico del Apocalipsis, concretamente en los capítulos 17 y 18.

Beato de Facundo, El Dragón da su poder a la Bestia

Se asocia con el Anticristo y la Bestia del Apocalipsis por su conexión con el reino de las siete cabezas y diez cuernos.

Avici (Infierno del budismo) Reino de los Narakas, uno de los seis reinos del samsara

Budismo
Reino de los Narakas, nombre dado a uno de los seis reinos del samsara de mayor sufrimiento de toda la cosmología budista.

El alma del difunto es llevada por Anubis, que tras el pesaje, lo presenta a Osiris

Egipto
Para los egipcios, su paraiso se llamaba Aaru y para llegar a él, el alma debía atravesar las 12 tierras del infierno, conocido como Duat, donde el espíritu del muerto debía ir y venir de un lado a otro, esquivando seres malignos.

El Duat

Este lugar incluso estaba «cartografiado» y mostraba una tierra dividida por dos caminos, estos estaban separados por un río de fuego
El Libro del Amduat o “Libro de lo que hay en el otro mundo” es una composición religiosa, surgida en el Reino Nuevo, que describe el viaje nocturno del Sol (Ra) por el mundo del Más Allá

Finalmente, al atravesar el Duat, el alma se encontraba con Osiris, el señor del inframundo, frente a quien debía jurar que no había violado las leyes divinas, y era aquí cuando su corazón era pesado en una balanza por Anubis; si era inocente, entraría al paraíso, si no, seria arrojada a la bestia Ammitt.

Valle de Hinom

Judios
Entre los judíos, los fariseos y los esenios admitieron la creencia de un infierno a su modo. Este dogma lo habían transmitido ya los griegos a los romanos, y lo adoptaron los cristianos. Lo llamaron Gehena y estaba en el Valle de Hinom. El valle estaba fuera de la muralla sur de la antigua Jerusalén, y se extiende desde el pie del Monte Sion hasta el valle de Cedrón. Los muertos no pecadores iban al Sheol.

Islam
En cuanto a la estructura del Infierno islámico, el Yahannam, el libro más descriptivo es el de Las mil y una noches. En la Noche 493, este libro habla de un edificio de siete pisos, separados uno de otro por «una distancia de mil años».

Según el Corán, solo Alá sabe quién irá al Yahannam y quién al Paraíso, la Yanna.

El Zaqum  es un árbol que crece en el Yahannam. Los condenados se ven obligados a comer su amarga fruta

Malik es el ángel que guarda el Yahannam, asistido por 19 zabaniya

Cultura grecorromana

Hades y Perséfone con el Can Cerbero


Grecia
Cerca del siglo V a.C. los griegos comenzaron a creer en una parte reservada del Hades como un lugar de castigo. Según la mitología, tras la muerte las almas de los hombres iban a parar a un lúgubre reino subterráneo, gobernado por el terrible dios Hades y su esposa Perséfone.

Orfeo y Eurídice en el infierno, Peter Paul Rubens

Héroes como Orfeo, Heracles o Ulises se atrevieron a visitarlo; el primero de ellos, Orfeo, lo hizo para rescatar a su amada Eurídice, pero no pudo culminarlo.

Hermes guiando a los difuntos Adolf Hirémy-Hirschl (1898) Galería Belvedere, Viena.

Hermes, mensajero de los dioses y guía de las almas hacia el inframundo, aparece rodeado de los espíritus de los difuntos que esperan a orillas del Estigio para ser transportados por Caronte al reino de Hades.

La barca de Caronte, Sueño, Noche y Morfeo, por Luca Giordano
La “geografía” del infierno

Tras entrar por cualquiera de las bocas del infierno existentes, el difunto se dirigía a la orilla del Estigia, el río que rodea el inframundo y que cruzaba a bordo de la barca de Caronte.

El volcán Hekla en el sur de Islandia , ha producido unas 20 grandes erupciones desde el siglo IX. y durante la edad media se le describía como “la prisión de Judas” y una de las entradas al infierno. 
Rubens, “Hércules y el Cancerbero”, 1636]

En la otra ribera del Estigia, el alma se encontraba con el guardián Cerbero y con los tres jueces del inframundo

Óbolo de Caronte

Era costumbre colocar en la boca o en los ojos del difunto una moneda (óbolo) para pagar el viaje a Caronte.

Caronte y Psyché de John Roddam Spencer Stanhope

Si el alma no disponía de moneda, se veía obligada a vagar durante cien años por las orillas del rio Estigia

Roma

La llamada Plutonium o Puerta del Infierno en Hierápolis

En los siglos I y II. Hierápolis, una antigua ciudad perteneciente a este imperio, se encontraba en su mejor momento después de haber sido reconstruida tras un terremoto durante el año 17. En este lugar se encontraba el Plutonio, también conocido como “la puerta del infierno”

 Gian Lorenzo Bernini, recrea el rapto de Perséfone por el dios Hades (Plutón), soberano del inframundo, contemplado por el can Cerbero. 1622. Galería Borghese, Roma.

La cueva, que se creía que marcaba el paso hacia el inframundo, estaba gobernada por el dios Plutón, el llamado Hades por los griegos . Fue esposo de Proserpina, a quien raptó para casarse con él. La madre de Proserpina, Ceres, se afligió tanto que provocó el invierno.

Plutón, de Agostino Carracci (1592).

El palacio de Plutón, se ubica en mitad del Tártaro y de los dioses del panteón romano, soberanos que controlan el mundo, él es el único que nunca ha de temer la insubordinación o la desobediencia

En Roma, los primeros que se burlaron de los infiernos fueron los poetas. Virgilio unas veces se ocupa de ellos hablando seriamente en la Eneida, y otras veces se burlaba de ellos en las Geórgicas. Lo mismo hicieron Lucrecio, Horacio, Cicerón y Séneca

El Cristianismo

Las Catacumbas de San Calixto en Roma

El cristianismo es la religión que se ha dado el lujo de añadir características cada vez más temibles a ese lugar de desdicha y sufrimiento, siendo la Edad Media la época en la que se llegó a un punto máximo de miedo por el averno.

Orígenes

Ya en el siglo III, Orígenes sostuvo la hipótesis que lleva por nombre Apocatástasis o Restauración, que implicaba la idea de que, al final de los tiempos y luego de sufrir diversas penalidades, todos los condenados al Infierno -incluyendo a Satanás y a los restantes ángeles caídos serían liberados.

Tormentos a los condenados en el Infierno. Fresco italiano del siglo XIV.
Sainte Foi de Conques, tímpano

Veremos que el tímpano de Conques es un sorprendente presagio de lo que se llamará pronto el Purgatorio, un concepto formalizado en el Concilio de Lyon en 1275 , que aparece además del infierno.

El angel caído”, por Gustave Doré ilustración para “El paraiso perdido”de John Milton

El infierno, de acuerdo con la doctrina católica, designa no solo el estado de los condenados, sino también el lugar donde son eternamente castigados los ángeles rebeldes y los hombres que murieron en pecado mortal.

Los ángeles, fueron enviados a la tierra capitaneados por Azael y Shemhazai a enseñar a los hombres, pero al revestirse de carne, se impregnaron de sus pasiones y perdieron las alas. Son los Nefilim o “Caídos”

Bartolomé Esteban Murillo – La escalera de Jacob durante su sueño

A los que los arcángeles Rafael y Miguel hubieron de encerrar en una cueva por sesenta generaciones, tras regresar al cielo por la escalera de Jacob.

Relación con los Santos

Michel Parcher , los padres de la iglesia latina: San Jerónimo de Estridón, San Agustín de Hipona,  
San Gregorio Magno y San Ambrosio de Milán

Muchos Padres de la Iglesia no creyeron en la eternidad de las penas, mientras que otros, creían no solo en la doctrina de la inmortalidad del alma, sino en la condenación eterna de los pecadores

San Agustín de Hipona

Pero fue el filosofo y teólogo San Agustin, quien estableció permanentemente la idea de que si no seguías el reglamento cristiano, tu alma estaría condenada al eterno sufrimiento hasta el fin de los tiempos.

El diablo ofrece el Libro de los Vicios de San Agustín, Michael Pacher, 1483

Fue en su obra “Ciudad de Dios” en la que justificó el infierno como “reparación infinita del pecado.

San Francisco de Asís durante la practica un exorcismo contra los demonios de Arezzo
fresco de Giotto. Basílica de San Francisco en Asís

San Francisco, durante la guerra civil de Arezzo, exhortó al hermano Silvestre a que expulsara los demonios que habitaban en la ciudad. Mientras que el santo se presenta concentrado en sus rezos y oraciones, Silvestre ejecuta la acción propuesta

El tormento o tentaciones de San Antonio abad

El tormento de San Antonio
Es la pintura más antigua conocida de Miguel Ángel, pintada como una copia cercana del famoso grabado de Martin Schongauer cuando solo tenía 12 o 13 años. Ahora se encuentra en el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth, Texas

San Millán luchando con un demonio. Arqueta de marfíl
Monasterio de Yuso (La Rioja)

San Millán

La arqueta de San Millán es de pleno siglo XI, cuando las reliquias del santo son trasladadas de Suso a Yuso

San Miguel mata al dragón, Josse Lieferinxe (1493-1508)

San Miguel

Ha sido el mas representado, venciendo al demonio a sus pies, ya que desde principios de la edad media se pensó que Miguel y sus ángeles arrojaron del Paraíso a Satán y sus secuaces

Iglesia de San Pietro al Monte, Pedale cerca de Civate (Lecco) donde se representa el capítulo XII del Apocalipsis

“Después hubo una gran batalla en el cielo: Miguel y sus ángeles luchaban contra el dragón (diablo); pero no prevalecieron, ni se halló ya lugar para ellos en el cielo. Y fue lanzado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero; fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él.”( Apo. 12,7-8.) (El dragón que aparece en el Apocalipsis, del apóstol Juan, y en otras tradiciones posteriores, en el arte cristiano del Medievo simboliza el pecado y suele aparecer bajo los pies de los santos y mártires)

San Miguel de Valdés Leal, Convento del Carmen Calzado de Córdoba
San Miguel Arcángel peleando y venciendo al Diablo, en la Basílica de la Merced (Barcelona).

El infierno en los Códices
A comienzos del siglo V, esta doctrina se enseñó en todo el cristianismo occidental y fue reafirmada oficialmente por los papas y los concilios a lo largo de la Edad Media.
La edad media abunda en descripciones de los infiernos y en relatos de viajes infernales, y en su difusión colaboraron entre otros, los codex.

La navegación de San Brandán

Auténtico best seller de la Edad Media, La navegación de san Brendán. relata el viaje oceánico realizado por un monje irlandés en el siglo VI junto con diecisiete compañeros en busca del Paraíso

“La Visión de Tundal”

La Visión de Tundal
Es un interesantísimo y bellísimo texto medieval que tuvo una enorme popularidad en la Edad Media durante al menos tres siglos, escrito en latín en el siglo XII por un monje benedictino irlandés llamado Marcus
En 1484 se imprime en la ciudad de Den Bosch (Países Bajos), y en ella se describe el viaje iniciático de Tondalus, un caballero del siglo XII de origen irlandés, que visita durante tres días el más allá y a su vuelta opta por la vida monacal.

La Babilonia Infernal, de Giacomino de Verona

Giacomino da Verona fue un poeta italiano de la segunda mitad del siglo XIII. Fraile menor, escribió dos poemas en vernáculo veneciano, De Babilonia civitate infernali y De Jerusalem celesti.

El Libro de las tres escrituras, de Bonvesin de la Riva

Dividido en tres partes: “La escritura negra” ilustra la vida del hombre y su caída al infierno, “La escritura roja” ilustra una recreación de la pasión de Cristo y la “Escritura dorada” ilustra las alegrías del cielo

Pseudomonarchia Daemonum 1583, del médico holandés Johann Weyer

También conocido como la Falsa Jerarquía de Demonios, es un gran compendio del siglo XVI que enumera los nombres de sesenta y nueve demonios. Esta lista apareció inicialmente como apéndice del primer libro de Johann Weyer sobre demonología

Otras representaciones infernales:

Beato de Santo Domingo de Silos
Codex De Predis. El´juicio final. el círculo del infierno, el agua fría. 1476. Cristoforo de Predis
Le trés riches heures du Duc de Berry”
Es un libro de horas profusamente iluminado, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410 por encargo del duque Juan I de Berry, Museo Condé en Chantilly, 
Códice alemán


En todos estos, en Virgilio y probablemente también en la tradición árabe se inspirará Dante para escribir su Infierno, de la Divina Comedia.

El demonio

El libro de Enoch, textos antiguos descubiertos en Etiopía en 1768

La historia de Lucifer, según los Libros de Enoch y del arameo Targum, de donde, la tradición cristiana tomaría la creencia sobre el origen del diablo.

Platón y Aristóteles en “La Escuela de Atenas” de Rafael, Vaticano

Será, sin embargo, el neoplatonismo quien aporte las claves fundamentales sobre la naturaleza y creencia de los “ daimones ” o demonios (hábil, conocedor) y de los ángeles guardianes.

El Juicio Final por Giotto di Bondone

En muchas imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Capilla Sixtina: Tentación del diablo y expulsión de Adán y Eva Miguel Angel Buonarroti

El pecado de Satán
Según el cristianismo, el Diablo también conocido como Lucifer o Luzbell, es un ser sobrenatural maligno y tentador de los hombres (un demonio). En el Nuevo Testamento se le identifica con el Satán hebreo del Libro de Job (1:6-8), con el Diablo del Evangelio de Mateo (4:8-10), con la serpiente del Génesis (3:1-5) y con el gran dragón del Apocalipsis (12:9)

“Apartate de mi Satanás!” Duccio Bounisegna.

Tras la aparición del Cristianismo y los Evangelios se le otorga a este ser a ese término un carácter personal como enemigo de Cristo y también como un “anticristo


Sinónimos de Satanás:

Lucifer, Luzbel. Belcebú, Leviatán, Diablo , Demonio, Satán, Maligno, Mefistófeles, Anticristo , ángel Caído, Pedro Botero y hasta Demontre! y Diantre! que se usan (o se usaban) como exclamaciones

“El Angel Caido” de Ricardo Bellver, Parque de el Buen Retiro de Madrid 1885

La imagen del Diablo, dentro de la cultura cristiana ha sido representado en ocasiones con la imagen de un ángel caído del cielo, un ejemplo de ellos es en el monumento de la Fuente del Ángel Caído en Madrid

En otras culturas, incluida la demonología y las ciencias ocultas, se le denominó y representó de diferentes maneras:

En demonologíaBuer es un demonio, presidente de la 2ª orden de los infiernos. Tiene cabeza de león y cinco patas de cabra dispuestas en una rueda y moviéndose como tal.

El Dragón rojo por William Blake

Belcebú es el “Señor de las Moscas”, porque en los rituales de adoración con sacrificios, la carne de los sacrificados se corrompía y siempre sus templos estaban infestados de moscas. es en cierto modo otra versión del Diablo.

Satán de William Blake (1757-1827) para “El paraiso perdido”

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: “el Paraíso perdido” de Milton , fué uno de sus favoritos

Relieve Burney, Babilonia (1800 a. C. – 1750 a. C.).

A Lilith, se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva. Según la leyenda, abandonó a Adán para irse del edén.

Asmodeo

Luego se instaló junto al mar Rojo, junto a sus hijos, y allí se unió con Asmodeo  ( demonio mazdeista, mencionado en el Talmud y en el Libro de Tobias), convirtiendose en demonio también. 

Algunos expertos, como por ejemplo Emil Kraeling, han identificado a la figura femenina del relieve como Lilith, antiguo demonio sumerio, basándose en una interpretación errónea de una traducción obsoleta del Poema de Gilgamesh


Adramelec es un dios de la mitología fenicia, es el demonio del orgullo excesivo, y se aparece bajo la forma de un burro con las plumas de un pavo real.

Baal

Baal cananeo que fue adorado por los fenicios, cartagineses y sirios.

Moloch o Moloch Baal fue un dios de origen canaanita. Era considerado el símbolo del fuego purificante. Griegos y romanos lo identificaban con Cronos y Saturno, respectivamente.

Mara

En el budismo, se le conoce como Mara, quien intentó evitar que el Buda Siddharta Gautama alcanzara la iluminación

El Tío de las minas

Una representación de la imagen del Diablo en la región andina conocido como El Tío de las minas de los Departamentos de Oruro y Potosí, Bolivia.

Descripción de un exorcismo asirio

El exorcismo
Es la práctica religiosa o espiritual realizada contra una fuerza maligna, utilizando diversos métodos cuyo fin es expulsar, sacar o apartar a dicho ente de la persona, objeto o área que se encuentra poseída por el maligno

André_Brouillet: “El Exorcismo” Museo Bellas Artes de Reims
Ritual en el mundo islámico
San Francisco de Borja realizando un exorcismo con un crucifijo, de Francisco de Goya

Iconografía

En el románico

Satanás induciendo a Herodes a la matanza de los inocentes
detalle de una dovela de Santo Domingo de Soria (foto:Javier Gago)

La figura del diablo ha estado presente en la cultura popular desde tiempo inmemorial y su abundante representación en el arte románico da buena muestra del interés o preocupación que su horripilante imagen despertaba en las gentes del medievo.

Portada de las Platerías Santiago de Compostela

Los maestros del románico, lo reflejaron de forma recurrente en grandes pórticos de monasterios o iglesias, «la mayor propaganda que se podía hacer en esa época»y su importancia fué muy grande.

Calahorra de Boedo, pila bautismal románica de la Iglesia de la Purificación de Nuestra Señora

Lo vemos representado en portadas, en claustros, incluso en pilas bautismales

Iglesia de Arenillas de San Pelayo. (Foto: Garcia Omedes)

Por supuesto tanto en la escultura de las iglesias románicas como en sus pinturas y frescos, se interpretaron escenas infernales, seres demoníacos y representaciones de distintos pecados y sus correspondientes castigos

Sainte Foi de Conques , tímpano de la portada principal.

En casi todas las imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Ermita de Santa Eulalia. Barrio de Santa María (Palencia)

Las pinturas del presbiterio sur muestran en dos registros superpuestos los tormentos que sufren los condenados. En el superior varios demonios los arrojan de cabeza a una caldera suspendida con cadena sobre el fuego que atizan con fuelle otros dos personajes diabólicos. En el registro inferior, otro esbirro de Lucifer flagela con látigo de bolas a dos condenados

San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
(Estas dos fotos han sido aportadas por Javier Gago
)

Iglesia de San Julián y Santa Basilisa de Rebolledo de la Torre, Burgos
(foto: Javier Gago)

Donde se ve a un demonio con aspecto de basilísco, amenazando a un pecador: el avaro.

Y otras dos, también de Javier Gago de la portada de la catedral de Tudela (Navarra)
Capitel románico Colegiata Saint Pierre Chauvigny. SXII Francia

Gótico:

Quimeras neogóticas de Notre Dame de París recreadas por Viollet-le-Duc

Durante el periodo gótico, la fantasia en la iconografía demoniaca, se desató, siendo las gárgolas sus ejemplos mas característicos:

Gárgola de la Catedral de Segovia

En la arquitectura de la Edad Media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que representan además de hombres y animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores

Friso de la Catedral de León
Frescos de Santa Eulalia de La Loma, Cantabria. foto de Javier gago
Satanas en el infierno Giotto di Bondone Capilla de los Scrovegni (Florencia)

El Renacimiento
La intención que tuvieron muchos artistas medievales y renacentistas al representar el reino satánico llenándolo de escenas grotescas fue extraordinariamente piadosa, por ejemplo, en el siglo XVII muchos pensaron que El Bosco era atéo.

Cristo desciende a los infiernos, El Bosco

El Bosco
Y es que el mundo de los sentidos está muy presente en las causas que le llevan a uno al Averno, pero no lo estaba menos en las sátiras de Hyeronimus Bosch, un artista especialmente preocupado por la música que opinaba que todo lo que fuesen movimientos descoyuntados, equilibrismos raros, caprichos musculares, era diabólico por necesidad.

El tríptico abierto de Las tentaciones de San Antonio (El Bosco, c. 1501) Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Varios de sus cuadros también contienen alusiones a creencias demoníacas y brujeriles con seres imaginarios y movimientos insólitos (así, en una de Las Tentaciones de San Antonio, podemos ver la imagen clásica de la pareja que se traslada por los aires al Sabbat montada en un pez volador).

Pero El Bosco, que era sin duda un místico, pintaba para censurar; y por eso al piadoso Felipe II le dio por coleccionar su obra, de ahí que hoy tengamos en El Prado lo mejorcito de él.

El jardín de las delicias de El Bosco, Museo del Prado

En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

Óleo de Dante Alighieri con una imagen de ‘El Infierno’

La divina comedia, de Dante Alighieri

No podemos dejar de mencionar a Dante el primero que describió un viaje al Infierno.
En la obra de Dante, La Divina Comedia, Virgilio aparece como su guía a través del Infierno y del Purgatorio. Además de la admiración de Dante por Virgilio, está el antecedente del descenso de Eneas al infierno para recibir los consejos de su padre Anquises, en el Canto VI de la Eneida de Virgilio.


Dante describe el Infierno en forma de embudo incrustado como un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior y en cada uno de ellos los condenados son sometidos a distintas penas, según la gravedad y el tipo de pecado.

El Mapa del Infierno de Botticelli

Llamado habitualmente El Abismo del Infierno o La vorágine del Infierno, es uno de los pergaminos que el famoso pintor italiano diseñó para ilustrar una edición de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Fue pintado entre 1480 y 1490, con la técnica de la “punta de plata”( Material duro y rígido, también llamado stilum o punta metálica, con la que se puede dibujar).

Priamo della Quercia: Dante y Virgilio en el Canto XXXII del Infierno

Virgilio, el más célebre de los poetas latinos, conduce a Dante Alighieri, a través del Infierno, donde las almas pecadoras del mundo son atormentadas sin cesar.

Dante y Virgilio en la entrada del infierno de Edgar Degas

Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes, sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo.

El rey Minos, Gustave Doré

Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos, y entre ellos se encuentran Francesca da Rimini y Paolo Malatesta, por lujuriosos

Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula.

los avaros acarreando piedras como castigo. Gustave Doré

Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros

Eugène Delacroix: Dante y Virgilio en el Infierno (1822)

Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, y enfangados en ella, luchando eternamente unos contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la ira

Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética.

Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro, en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos: violentos, suicidas y blasfemos

Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte y a este anillo se accede descendiendo un gran acantilado custodiado por Gerión.

Un gigante, dibujo de William Blake

Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo.

Gustave Doré

En él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo y ya en el mismo centro de la Tierra, donde está Lucifer, se encuentran quienes traicionaron a sus benefactores

Lucifer

Dante, queda sorprendido por la presencia de Lucifer, al ver que su cabeza tiene tres rostros, uno por delante, y los otros dos se unen a éste por medio de los hombros y se juntan por detrás en lo alto de la coronilla. Judas Iscariote aparece con su cabeza metida dentro de la boca de Lucifer y agita fuertemente las piernas fuera de ella. De las otras dos fauces salen las extremidades de Bruto y Casio, que provocaron la muerte a Julio César.

En el barroco

Estatua de Asmodeo en Rennes- le- Château, Francia

Ademas de este terrible demonio, que antes mencioné, en general en el barroco. existe abundante representación escultórica de tradición cristiana, suficientemente conocida y en el campo de la mitología, un tema en particular:

Orestes acosado por las Erinias o Furias, de William Adolphe Bouguereau.

Las furias:
Se refiere originalmente a las diosas infernales de la venganza en la mitología griega, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. Las Furias eran, pues, los cuatro moradores del Hades grecolatino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses

Pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces este término para designar esta temática.

(El Museo del Prado expuso ‘Las Furias. De Tiziano a Ribera’ en 2014)

Carlos V en la batalla de Mülhberg . Tiziano Vecellio

Las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg.

Colección de Las Furias de José Ribera

Ticio, de Tiziano

Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus.

Tántalo, de Ribera

Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses

Sísifo de Tiziano

Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus.

Ixión por José de Ribera

Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera

Ticio de Miguel Angel

La exposición, incluyó un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, nunca antes expuesto en España


Siglos XVIII al XIX

Oleo de Bouguereau

No sabemos qué pasa en ese círculo del infierno, pero todos se pelean al fondo. Arriba, un demonio sobrevuela la escena con los brazos cruzados y una blanca sonrisa.

Divina Comedia: Muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta, Alexandre Cabanel, 1871

En definitiva, principalmente encontramos representación pictórica (existe también representación escultórica) de los siglos XVIII-XIX, sobre todo de Gustave Doré, Giovanni Stradano, Bouguereau, William Blake y por supuesto de nuestro gran Goya

El aquelarre o el gran cabrón” de Francisco de Goya. (Pinturas negras) Museo del Prado
Goya con otro oleo representando el aquelarre, que se guarda en al Museo Lázaro Galdeano

Se cree que Goya realizó estas pinturas sobre brujas y el demonio, influenciado por su amigo el escritor Leandro Fernandez de Moratín, que rescató del olvido el escrito del Auto de Fe del Juicio contra las brujas de Zugarramurdi de 1610.

FUENTES:


https://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-museo-prado-expone-furias-tiziano-ribera-20140120144733.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/viaje-las-almas-mas-alla-el-infierno-de-los-griegos_11314/3


https://www.e-torredebabel.com/Biblioteca/Voltaire/infierno-Diccionario-Filosofico.htm


http://www.romanicoaragones.com/3-Somontano/990385-Chibluco1.htm


http://www.arquivoltas.com


http://blogderomanico.es/viaje-al-infierno-cristiano/


http://artebiblica.blogspot.com/2015/08/el-infierno.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/los-moradores-del-infierno_7947/4


https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Personajes_del_Infierno


https://web.archive.org/web/20050313185908/http://www.fortea.us/spanish/teologicos/nombres.htm


https://enciclopediamedieval.wordpress.com/2019/01/07/la-voragine-infernale-de-sandro-botticelli/


https://www.misterica.net/los-nueve-circulos-del-infierno-de-dante/


https://www.elestudiodelpintor.com/2016/10/dante-alighieri-la-divina-comedia-i-inferno/


https://www.taringa.net/+apuntes_y_monografias/10-versiones-del-infierno-interesantes_hiifz


https://hiveminer.com/Tags/g%C3%B3tico,infierno (fotos)


https://www.wattpad.com/188040528-biblia-satanica-los-nombres-infernales

Fotos: de románico y gótico: Javier Gago y de la web.

BIBLIOGRAFÍA:


Dante Alighieri: La Divina Comedia.


Pedro Luís Huerta “A propósito de Satán”. Fundación de Santa María la Real de Aguilar de Campoó

Las fontanas de Roma

Fuente del Dragón en la Villa Borghese

Los romanos han tenido siempre una gran pasión por las aguas públicas , como por lo tanto, todavía los acueductos y los baños termales de la antigua Roma, era el elemento central de la vida social. en las termas y después de los siglos de la decadencia de la Roma Imperial, retoman, con gran entusiasmo y jugar con el agua.

 Roma cuenta con más de 2000 fuentes , más que cualquier otra ciudad en el mundo.

La relación de los romanos con el agua es ahora menos singular: el agua fue un don de los dioses y cada una de las fuentes

La ninfa Egeria, en el jardin d´Horta de Barcelona

Un detalle que ha pasado a formar parte de numerosas leyendas como la de la ninfa Egeria, amante y mujer de uno de los siete reyes de Roma, Numa Pompilio y considerada la ninfa de las aguas.

Acueducto Aqua Claudia, en el Parque de los Acueductos

Mas adelante, andando el tiempo la abundancia de agua en el territorio de Lacio, que se canalizó a través de los acueductos, fue la ocasión de manifestar el poder  de la Iglesia de Roma, cuyos representantes se sirvieron de las fuentes para embellecer la ciudad al mismo tiempo que imprimían su sello.

Acueductos de la época romana

Aqua Appia, Aqua Vetus, Aqua Marcia, Aqua Tepula, Aqua Iulia, Aqua Virgo, Aqua Alsietina, Anio Novus,  Aqua Claudia, Aqua Traiana, Aqua Alexandrina

Ya en la época de los papas, se construyeron otros como:

Acqua Felice: nuevo acueducto construido por el papa Sixto V en 1586 por Domenico Fontana, reutilizando las nacientes de Acqua Alexandrina. Llegaba a Roma por la porta Tiburtina (actual porta San Lorenzo) y terminaba con la Fuente del Moisés, hoy visible en la plaza San Bernardo,  suministrando agua a numerosas fuentes. Otros fueron el Acqua Paola y el Acqua Pía.

Termas de Caracalla 

Las termas de Caracalla, o termas Antoninas, fueron unos baños públicos de la Roma imperial. Se construyeron entre 212 y 217 d. C

Varias de las gigantescas bañeras de mármol, esculpidas en un solo bloque, se trasladaron al centro de Roma para usarlas como fuentes

Todas estas fuentes: Con tritones, con águilas y dragones, ranas, tortugas que lanzan al aire unos niños, con una loba nodriza, con dos victorias aladas, tres náyades mojadas, con un caballo encabritado, con forma de barcas o toneles, o con columnas, escalinatas, blasones , conchas y mascarones. Con grutescos, cuatro libros antiguos, caballetes de artistas, y obeliscos egipcios.

Con estatuas fastuosas o muy modestas , con caballotes marinos, leones capitolinos,  babuinos, con un moro y dos delfines y ánforas de travertino, que en vez de agua vierten vino… Con el Río de la Plata, con el Ganges, con el Danubio y el Nilo. Con gorgonas, con Neptuno, con sirenas y cupidos, con diosa con lanza y yelmo… y con Moisés…

Todas ellas con su caracter propio y su historia unida casi siempre a grandes artístas renacentistas y barrocos y muchas reaprovechando restos romanos de las termas y otros edificios.

A ver si podemos describir algunas de ellas, desde las mas grandiosas y populares como la cinematográfica Trevi, hasta la mas humilde de cualquier rincón romano y no por ello menos hermosa e interesante…

FONTANA DEI QUATTRO FIUMI (Fuente de los Cuatro Rios)

Después de la Fontana di Trevi esta es sin duda la fuente más popular de la ciudad. Se sitúa en la siempre animada Piazza Navona y está rematada por un impresionante conjunto escultórico barroco obra, una vez más, del genial Bernini. Al fondo la iglesia de Santa Agnesse de Borromini

Vista de los rios Nilo y Ganges, al fondo

Detalle del pedestal con el Ganges en primer término

La Plaza Navona reúne un conjunto de fuentes monumentales: la principal es la Fuente de los Cuatro Ríos, construida en 1651 por Bernini en el centro de la plaza. La fuente sirve de base a un obelisco y representa los cuatro continentes conocidos en aquella época, a través de sus mayores ríos: el Danubio por Europa, el Nilo por África, el Ganges por Asia, y el Río de la Plata por América.

(El Nilo,  aparece con los ojos tapados porque no se conocía dónde se originaba el manantial).

Detalles de la fontana

Autorretrato de G.L. Bernini 1623

Pensada por Lorenzo Bernini y situada en el centro del antiguo Estadio de Domiciano, la actual plaza Navona, fue realizada por los alumnos del artista: Baratta, Fancelli, Poussin y Raggi.

La Piazza Navona, por Canaletto

Para soportar el gran peso del obelisco, de época de Domiciano,  Bernini ideó una gran estructura pétrea en mármol de travertino de forma triangular con cuatro apoyos principales que dejan sendos huecos en medio, espacios éstos aprovechados por Bernini para sorprendernos colocando diferentes animales como un caballo o un león

Escudo de Inocencio X

Modelo en terracotta del león de la fuente

La astucia y picardía que tuvo Bernini para realizar este proyecto, y porqué no decirlo, también las “malas artes”, obtuvieron su recompensa. La leyenda cuenta que Bernini dejó una maqueta de la fuente en plata (realizada por su cuenta) en casa de la influyente Olimpia Pamphili, también conocida como Donna Olimpia, cuñada del Papa Inocencio X, quien después de ver tan bellísima creación, no dudo un segundo en convencer a Inocencio X para construirla

La envidia y los celos de su rival,  Borromini dejándolo al margen de este proyecto fueron tan fuertes, que la Iglesia de Santa Inés en Agonía, diseño de Borromini, posee una ligera inclinación hacia la Plaza Navona, amenazando con caerse y destruir la Fuente de los Cuatro Ríos de Bernini

Vista de la Piazza Navona

FONTANAS  DEL NETTUNO Y DEI MORI

En los dos extremos de la plaza Navonna, fueron construidas otras dos fuentes: la Fuente de Neptuno, cuya pileta fue construida en 1576 siguiendo el diseño de Giacomo della Porta

y la Fuente del Moro, la otra gran fuente de la Plaza Navona, tambien creada por Giacomo della Porta y rematada por Bernini, quien añadió los delfines.

 FONTANA DE TREVI

La Fuente de Trevi es el punto terminal del antiguo acueducto “Acqua Vergine” (Aqua Virgo, en Latín), mandado construir por Marco Vipsanio Agrippa.

La fuente de la que deriva el nombre de la plaza, como la podemos admirar hoy en su magnífico aspecto marmóreo es obra perenne de Nicola Salvi (1732-1751) quien tomó el trabajo ya empezado noventa años antes por Bernini. y tambien de Giuseppe Pannini que trabajaron en ella entre los años 1732 y 1766.

En el centro se encuentra una gran estatua del dios del Océano en una concha tirada por dos caballos dirigidos por Tritón.

Tritón soplando en una caracola y tirando del caballo

A los lados de la divinidad se pueden admirara las estatuas de la “Salubridad” y de la “Abundancia”

FONTANA DE LA BARCACCIA (Fuente de la Barcaza)

La Fuente de la Barcaza en la Plaza de España, frente a la escalinata de conduce a Santa Trinidad dei Monti y obra del padre de Gian Lorenzo, Pietro Bernini, fue creada entre 1627 y 1629 con forma de barca, tal vez para recordar que allí fue encontrada una embarcación tras desbordarse el río Tíber.

El viejo Bernini construyó la fuente con forma de una barcaza que se hunde, para recordar, según dice la tradición, una barca que, a causa de la inundación del Tíber en la Navidad de 1598, se encontró en este sitio.

En realidad el artista resolvió con este artificio un serio problema técnico: la presión del agua era demasiado baja para construir una fuente más elevada.

En la fuente están esculpidas las abejas, símbolo de la familia papal, los Barberini.

FONTANA DEL TRITÓNE  (Fuente del Tritón)

No lejos de aquí, en la Plaza Barberini, se encuentra la Fuente del Tritón de 1643. Realizada por Lorenzo Bernini, ideada en 1642 para Urbano VIII Barberini, del que la plaza ha tomado su nombre (Piazza Barberini)

Detalle del tritón

Presenta con cuatro delfines, que llevan, encima de sus colas trenzadas, una concha con las dos valvas abiertas, que sujetan un tritón que sopla la caracola, de la que surge el agua de la fuente, y que según la mitología calmaba las tempestades.

Esta original invención barroca, tiene  presentes las abejas, por ser un encargo de un Barberini.

FONTANA DELLE NAIADI (Fuente de las Náyades)

La Fuente de las Náyades en la Plaza de la República presenta una figura masculina, el Glauco, que abraza un delfín, el nombre lo toma de las figuras de bronce de las Náyades que lo rodean. Es una obra de Mario Rutelli y fue terminada en 1914.

Esta ubicada en el centro de la Plaza de la República y fue construida después de la unificación de Italia.

Al fondo se puede ver la Iglesia de Santa María de los  Angeles y los Mártires, llamada asi por haber sido  diseñada en 1562 por Miguel Ángel sobre la base del aula central de las Termas de Diocleciano, tambien sede del Museo.Nacional Romano, que se localiza en su claustro del siglo XVI

Sus cuatro leones de piedra fueron sustituidos por las estatuas de cuatro ninfas desnudas, las náyades, para escándalo de la pudorosa burguesía romana de la época.

FONTANA DELLE API

Otra obra de Bernini (1644) es la ‘Fontana delle Api’ (Fuente de las abejas), en la esquina de la Plaza Bernini, desde donde parte la Vía Veneto. Las abejas son parte del escudo de la familia Barberini, que como habréis visto aparecen en casi todas las fontanas.

FONTANAS DE LA PLAZA DE SAN PEDRO

La Plaza San Pedro está decorada por dos grandes fuentes cuyos chorros caen en dos grandes tazas monolíticas de granito oriental rescatadas de otros monumentos romanos.

La historia de las dos fuentes de la plaza empieza en 1613 cuando el arquitecto Carlo Maderno quitó una fuente preexistente del siglo XV.

La fuente fue reconstruida en posición retrasada hacia la Basílica y se le hizo una modificación arquitectónica revolucionaria dándole la vuelta a la cuenca superior y creando un efecto a cascada.

La segunda fuente idéntica a la primera fue realizada sesenta años después por el arquitecto Gian Lorenzo Bernini.

FONTANA DELLA PIAZZA DEL PANTHEÓN  (Fuente de la Plaza del Pantheon)

Construida en 1578 por el arquitecto Giacomo della Porta, muestra una bella cuenca cuadrilobada de mármol gris antiguo.

El aspecto actual es de principio de 1800 cuando fueron quitados el tronco y la cuenca originales, y en su lugar fue colocado un obelisco egipcio procedente del templo de Isis y una pedrera de inspiración berniniana.

Frente al Panteón, uno de los edificios más impresionantes de Roma, se alza un obelisco egipcio de la época de Ramsés II en cuyos pies brota el agua fresca de una fuente. Antes era usada por los comerciantes que ponían allí sus puestos en el mercado para limpiar los productos traídos del campo; hoy es usada por los turistas para refrescarse.

FONTANA DELLE  TARTARUGHES  (Fuente de las Tortugas)

Una pequeña joya escondida en medio de la plazoleta Mattei, detrás del Pórtico de Ottavia y junto al antiguo guetto judío

Fue construida entre 1581 y 1584 siguiendo un diseño de Giacomo della Porta. Sólo en 1658 se agregaron las tortugas que según la leyenda son una concepción de Bernini.bastante recogido

Elegante obra de  mármol y bronce en cuyo centro aparecen los efebos que vierten el agua de cuatro delfines en conchas y que con las manos sujetan las cuatro tortugas que la dan nombre.

Permitidme que os diga que esta fontana, entre todas las de Roma, es mi favorita

FONTANA DEL PARCO DEGLI ARANCI

Realizada a finales del siglo XVI originariamente estaba colocada en la Plaza Montanara y después había sido transferida junto a la muralla del Parque de los Naranjos en el monte Aventino.

FONTANA DE CASTOR Y POLUX (FONTANA DEI DIOSCURI)

La Fuente dei Dioscuri, está compuesta por un obelisco procedente del Mausoleo de Augusto, del grupo de Castor y Polux procedente de las Termas de Costantino y de una fuente de granito gris sacada del Foro Romano.

FONTANA DELLA DEA MINERVA IN CAMPIDOGLIO  (Fuente de la Diosa Minerva en Capitolio)

La fuente, situada en el fondo de la Piazza del Campidoglio, tiene una historia bastante compleja vinculada a los acontecimientos de una de las plazas más importantes de Roma, que ha sido el ayuntamiento desde el siglo XII y fue diseñada en el siglo XVI por Michelangelo Buonarroti (1475-1564).

La idea de hacer una fuente en el Capitolio es tan antigua como la organización de la plaza misma.

Solamente con la llegada del Agua Feliz sobre el monte capitolino,  toma consistencia en 1593, realizando una fuente debajo del palacio Senatorio en el centro, entre las estatuas antiguas del Tiber y del Nilo, fue colocada la estatua de Minerva dicha también “Diosa Roma”

FONTANA  DEL MOSÉ O DEL AQUA FELICE  (Fuente de Moisés)

Realizada en 1587 por Domenico Fontana como salida terminal del Agua Feliz cuyo acueducto fue restablecido por Sisto V (1585-1590), está constituida por un arco con tres bóvedas con un altísimo ático completado de inscripción dedicatoria.

En el centro la enorme estatua de Moisés obra de Leonardo Sormani.

FONTANA DEL PUTTO  (Fuente del Amorcillo)

Situada en la esquina entre la calle Julia y el vicolo del Cefalo, remonta al año 1520 y ha sido atribuida al arquitecto Antonio da Sangallo el Joven.

Ya no sale más agua y el modelado está muy consumido, pero la calidad artística de la obra es totalmente evidente.

FONTANA DEI LEONI DEI IN PIAZZA DEL PÓPOLO

Esta parte del Campo Marzio comenzó a urbanizarse solo a mediados del siglo XVI y una primera fuente en el centro de la plaza fue construida ya en 1572, diseñada por Giacomo della Porta (1533-1602), arquitecto del pueblo romano.

Entre los siglos XVI y XVII, la plaza se hizo cada vez más monumental: en 1589 el obelisco se erigió en el centro a instancias del Papa Sixto V (1585-90); durante el siglo XVII, la Porta del Popolo fue transformada por Gian Lorenzo Bernini y se construyeron las iglesias gemelas de S. Maria dei Miracoli y S. Maria di Montesanto.

FONTANA DEI LEONI CAPITOLINI  (Fuente de los Leones Capitolinos)

Son dos fuentes, colocadas simétricamente al comienzo de la escalinata del Campidoglio ,  compuestas por dos leones negros de basalto egipcios del “Iseo Campense“, el templo construido por Domiziano en Campo Marzio, en honor a las deidades egipcias Isis y Serapis.

Fueron colocados en la cabecera de la escalinata por Giacomo della Porta, en 1582, sobre dos altas bases decoradas en la cara frontal con el escudo del pueblo romano

FONTANA DELLA MADONNA DEI MONTI  (Fuente de la Virgen de los Montes)

Llamada así por su proximidad al Colegio de Neófitos o Catecúmenos del siglo XVII, la fuente fue diseñada por el arquitecto Giacomo della Porta (1533-1602) y alimentada por acqua de Felice como parte del programa de reurbanización de la ciudad promovido por el Papa Sisto V Peretti (1585-1590

FONTANA DELLA NAVICELLA  (Fuente de la Navicella)

Construida durante el papado de León X en los primeros años de 1500, debe su nombre al pequeño barco que época romana, colocada en el centro de la fuente, que probablemente era un ex voto a la Diosa Isis protectora de los marineros.

FONTANA DELLA ANFORE  (Fuente de las Anforas)

La  Fuente de las Ánforas, ubicada en Testaccio , un barrio de Roma ,se completó en 1927, por Pietro Lombardi . En la antigüedad, gran parte del comercio del río Tíber tuvo lugar aquí, y los restos de vasijas de arcilla rotas ( ánforas ) se apilaron creando la colina artificial de Testaccio, que hoy es una fuente de mucha importancia arqueológica en cuanto a la historia de la vida romana antigua

FONTANA DELLE QUATTRO FONTANE  (Fuente de las Cuatro Fuentes)

El grupo de las cuatro fuentes está situado en la intersección de Via delle Quattro Fontane y Via del Quirinale. En dicha cruce se encuentra una de las iglesias mas características del barroco romano:

SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE o SAN CARLINO 

La pequeña iglesia romana de San Carlo alle Quattre Fontane, también llamada San Carlino, fue construida entre 1634 y 1667 por Francesco Borromini,

Borromini

Continuada por su sobrino después de su muerte. El nombre de esta iglesia se debe al hecho de que en cada una de las cuatro esquinas que se forman en la intersección de la Via del Quirinale, con la Via Felice, hay cuatro fuentes con deidades paganas que representan los cuatro ríos, tres de ellas diseñadas por Domenico Fontana, y la restante es obra de Pietro da Cortona.

El proyecto fue un encargo del papa Sixto V, dentro del proyecto de expansión urbanística de la ciudad, llevado a cabo por este papa y su construcción se realizó,  entre 1588 y 1593.

FONTANA DE PIAZZA CAMPITELLI  (Fuente de Plaza Campitelli)

La fuente fue diseñada por Giacomo Della Porta en 1589 y ejecutada por el cantero Pompilio De Benedetti. Recientemente alimentado por Acqua Felice, se compone de una cuenca de travertino octagonal, colocada sobre una base, en la que descansa una copa portasanta de mármol en medio de la cual fluye el agua.

FONTANA DE PIAZZA DELL´ARA COELI   (Fuente de la Plaza del Ara Coeli)

El autor de esta fuente es el arquitecto Giacomo della Porta quien en 1570 la colocó en el centro de la homónima plaza.

En una restauración de 1700 ha sido añadida una piscina circular enterrada como última cuenca de recogida.

FONTANA DI PIAZZA FARNESE  (Fuente de la Plaza Farnese)

Las dos fuentes de granito proceden de las Termas de Caracala y al principio en el siglo XVI, habían sido colocadas en la Plaza Venecia.

Solamente en un segundo momento fueron desplazadas en a Plaza Farnese utilizando el acqua Paola y elevàndolas dentro de dos cisternas, bajo proyecto del arquitecto Girolamo Rainaldi.

FONTANA DI PONTE SISTO  (Fuente del Puente Sixto)

Fue construida por papa Pablo V en 1613 delante del Puente Sisto para llevar el acqua Paola en la zona de la Regola, pero con las obras de 1800 de la muralla para contener el Tiber fue movida a la otra orilla trasteverina siempre delante del Puente Sisto.

FONTANA DI SAN ANDREA DELLA VALLE  (Fuente de San Andrea del Valle)

Construida en 1611 por el arquitecto Carlo Maderno, originariamente estaba colocada en la plaza Scossacavalli.

Durante las obras para la abertura de la calle de la Conciliación en 1933, la fuente fue desmontada y almacenada hasta la posguerra, cuando fue recompuesta en la plaza de San Andrés del Valle.

FONTANA DI SANTA MARIA IN TRASTEVERE (Fuente de Santa Maria en Trastevere)

Realizada a mediados de 1400 sobre los restos de la Fuente Alsietina de época romana, tenía originariamente una cuenca de recogida de las aguas que luego desapareció.

detalle de las conchas que la adornan.

En el curso de los siglos ha sido restaurada muchas veces y con la llegada del acueducto Felice fue trasladada al centro de la plaza.

FONTANA DELLA TERRINA  

La fuente, delicada obra de 1590 así llamada por su forma, es obra de Giacomo della Porta

La fuente de la Terrina pertenece al numeroso grupo de fuentes desmontadas y reconstruidas; de hecho, originalmente estaba ubicado en el centro de Campo de ‘Fiori, que tuvo que dejar para que situaran el monumento de Giordano Bruno.

FONTANA SALLUSTIANA  

Pequeña fuente de elegante factura y estilo barroco ubicada en la esquina entre la calle Sallustiana y la calle Bissolati a pocos pasos de la Embajada Americana.

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FONTANONE SUL GIANÍCOLO   (Gran Fuente sobre Gianicolo)

Erigida durante el pontificado del Papa Pablo V (1605-1621) por F. Ponzio y por G. Fontana, está formada por una cuenca semicircular dominada por un arco triunfal con tres huecos mientras en el ático encontramos la inscripción dedicatoria con la insignia de los Borghese.

LAS ESTATUAS PARLANTES: IL PASQUINO

Hay en Roma seis estatuas, que han sido depositarias de numerosos pasquines en verso, a menudo irreverentes, con los que de un modo anónimo el pueblo se mofaba de los personajes públicos de la Roma de los siglos XIV y XV. Como alguna de ellas se trata de una fuente, las incluyo, y también por su interés histórico.

IL BABUINO

Il Babuino, es una de las seis estatuas parlantes de Roma.Es la representación de un sileno yacente, llamado por el pueblo de Roma “babbuino” por su aspecto bruto y deforme, más similar a un simio.

En 1571 el papa Pío V mandó realizar una fuente de uso público, y la estatua fue colocada como ornamento de la misma.

Tras diversas peregrinaciones en 1957 el Sileno retornó a su lugar de origen, junto a la iglesia de San Atanasio dei Greci.

MARFORIO

Marforio es otra de las seis estatuas, la más conocida después de la de Pasquino.

Es una enorme escultura de mármol, de la época romana, realizada en el siglo I, que representa quizá a Neptuno, o al río Tíber. Fue encontrada en el Foro de Augusto

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IL FACCHINO

Il Facchino, es una de las estatuas parlantes de Roma. Situada en otro tiempo en el Corso, hoy en día se encuentra en la Fontana del Facchino (La fuente del portero), en una de las paredes del Banco de Roma. Se construyó en torno a 1590, basada probablemente en un diseño de Jacopino del Conte.

FUENTES:

http://www.turitalia.com/ciudades/roma/roma.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Fuentes_de_Roma

http://elcuadernoliquido.blogspot.com.es/2012/04/las-fuentes-de-roma.html

http://www.vigoenfotos.com/roma/plazas_y_fuentes.html

http://www.cornisa.net/historia_olvidada/borromini-vs-bernini-historia-de-la-rivalidad-que-esculpio-roma

Osarios y esqueletos enjoyados

Los osarios son aquellos lugares cuya finalidad es reunir y guardar los huesos u otros vestigios humanos. Se trata de recipientes o cajas sepulcrales de piedra caliza, donde se guardan los huesos para pasar el resto de la eternidad. 
El origen de los osarios viene del cristianismo, ya que, los cristianos querían ser enterrados en suelo sagrado, alrededor de las iglesias. Los cristianos, a diferencia de otras religiones, prefieren la práctica del entierro en vez de la incineración,
Por ello, muchos de los osarios tenían el carácter conmemorativo, con nombres escritos en las calaveras y la intención de pervivir en la memoria de las generaciones futuras, asi se ven en Beinhaus, Hallstatt, Austria.
Existen varios de estos osarios en iglesias y otros edificios de Europa, siendo objeto de devoción, admiración y misericordia, cuando no de espanto, según el caracter de los restos de las personas allí depositadas y de las circunstancias de sus fallecimientos.
En algunos lugares, como en el Monasterio de Sedlec, República Checa, se les ocurrio, utilizar como decoración los huesos; en la mayoría de los casos, el “material” proviene de todos los muertos por la peste negra, que azoto Europa en el siglo siglo XIV, causando la muerte de una tercera parte de la población del continente, en el año 1348, pero tambien los hay por otras causas...Vamos a verlos.

LOS OSARIOS

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La Iglesia de Wamba,Valladolid, España
Es el más nutrido de la Península, nos cuentan que se calcula que hay unas 3.000 calaveras y los restos más antiguos de alrededor del siglo XII y XIII. Impresiona ver tal cantidad de huesos apilados en las paredes del osario.

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La población de Wamba, en Valladolid situada en la comarca de los montes Torozos a unos 20 Km de la capital, toma su nombre del célebre rey Godo que en esta población fué elegido como rey de la Hispania visigoda, a la muerte de Recesvinto. La iglesia es de estilo Mozárabe y Románico, y esconde un verdadero tesoro en su interior que es posible visitar, y es parte de lo que fue un gran osario.

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Colocados y ordenados hasta el techo en las paredes de una habitación de piedra,se guardan unos 3000 cráneos y huesos que desde la edad media se fueron guardando. Algunos serían de la población local y la mayor parte de los caballeros de Malta (San Juán) que se establecieron aquí. La Iglesia

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Las Catacumbas de París, Francia
En francés “Les Catacombes”, el uso de estas desgastadas minas, para el almacenaje de huesos humanos, fué en el año 1786 cuando se tuvo la genial idea de trasladar los huesos del poco higiénico cementerio de Les Halles, aprovechando las canteras excavadas en la época galorromana a 20 metros de profundidad en la base de tres colinas: Montparnasse, Montrouge y Montsorius. Su nombre oficial es “Les carrières de Paris”

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Catacumbas de París
Fueron depositados sin ningún tipo de intención “artistica”, amontonados, hasta que el Inspector General de Canteras, decidió colocar los huesos de la parte delantera en forma de muralla, dandole el aspecto que tienen hoy en dia,
las catacumbas han sido testigos de multitud de acontecimientos, desde la fiesta organizada por Carlos X antes de la revolución, pasando por refugio de la resistencia francesa en la Segunda Guerra Mundial, ó, más recientemente, por ritos satánicos, motivo por el cual han sido cerradas Sin embargo, existen entradas secretas a lo largo de París, lo que permite ingresar a las catacumbas por medio de las alcantarillas, el metro, etc. En raras ocasiones las personas hacen uso de estos accesos para entrar en ellas.

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Beinhaus, Hallstatt, Austria

Beinhaus, en alemán significa literalmente “La Casa de los huesos” uno de los más antiguos de Europa a unas 2 horas y media en tren desde Salzburgo. En las escarpadas colinas junto a un paradisiaco lago repleto de cisnes se encuentra la Iglesia Católica, con un pequeño cementerio a sus pies.

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Debido a la falta de espacio para enterrar a sus muertos (teniendo en cuenta lo escarpado del sitio), los ciudadanos del lugar optaron por enterrarlos por un período de 12 años. Porteriormente se exhumaban los huesos y se trasladaban a la capilla anexa a la iglesia. 

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A diferencias de otras capillas similares, en esta la decoración es realmente primitiva, con unas simples repisas de madera sosteniendo los huesos. Lo que hace singular a esta capilla es el uso de los craneos como si de un lienzo se tratara. Cada craneo era tratado con mimo, decorándolo generalmente con el nombre del difunto y la fecha del fallecimiento. 
Para diferenciar los hombres de las mujeres se pintaban hiedras en los hombres y rosas en las mujeres

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Capilla de los Huesos de Campomaior, Portugal
El inicio de la guerra con Castilla en 1640, hizo de Campomaior el segundo centro militar más importante del Alentejo, después de Elvas. Por entonces, ingenieros militares, soldados, mercenarios, municiones y pólvora aprovisionaban a esta población fronteriza para contener el ataque de las tropas españolas que incesantemente asediaban la población. 

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Eran las 3 de la mañana y todos dormían. Se desató una terrible tormenta y la mala suerte quiso que un rayo cayese sobre la torre del castillo donde se almacenaban cantidades ingentes de explosivos: “6.000 arrobas de pólvora e 5.000 munições”. La explosión fue tan brutal que acabó con la vida de las 2/3 partes de la población portuguesa de Campo Maior. 34 años más tarde, se construyó una capilla en memoria de los que murieron en la explosión

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La Capilla de Los Huesos, Évora, Portugal
Se encuentra anexa a la Iglesia de San Francisco, en la ciudad medieval de Évora, a unas tres horas en coche desde la capital de Portugal, Lisboa

La capilla fué construída por monjes Franciscanos entre 1460 y 1510. El origen de esos huesos, es dudoso: se dice que los cadáveres provienen de víctimas de la Peste Negra, otros dicen que se trata de víctimas de La Inquisición mientras que otros dicen que son soldados muertos en batalla

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Al construir los nobles en las tierras donde estaban enterrados, los monjes Franciscanos preocupados por la desenfrenada construcción sobre los antiguos sitios de enterramiento deciden proteger los huesos dentro de su iglesia , y usarla también como lugar de meditación y oración

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Capilla de las Calaveras de Czermna, Polonia
Se trata de la fosa común de la gente que murió durante la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), las Guerras de Silesia (1740-1763) y quienes murieron víctimas de las hambrunas y las epidemias de cólera

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Capilla de las Calaveras de Czermna
Las paredes de esta pequeña iglesia barroca están llenas de más de 3.000 cráneos, así como huesos de más de 21.000 personas que se hallaban enterradas en el sótano. Cada hueso de este lugar es auténtico, y la calaveras de quienes crearon la capilla se colocaron en el centro de la misma, colocadas en el altar.

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Cele Kula, Nis, Serbia
La Torre de las calaveras o “Cele Kula”, se encuentra en Serbia, en la ciudad de Nis. Fue construida con las calaveras de los serbios asesinados por las tropas turcas en la batalla de Cegar, en 1809, En mayo de 1809, los insurrectos serbios fueron derrotados durante el primer levantamiento serbio contra el imperio turco

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Stevan Sindelic

Los rebeldes, comandados por Stevan Sindelic, se encontraban atrincherados, y cuando el comandante se vio completamente rodeado y con la batalla definitivamente perdida, disparó a un deposito de pólvora que había en una zanja, provocando una enorme explosión que acabó con todo rastro de vida a su alrededor: muchos de los atacantes, sus soldados y, obviamente, el mismo. 
Un total de 952 cráneos fueron colocados en tan macabra construcción. En lo alto de esta se encontraba la calavera del comandante Stevan Sindelic

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La cripta capuchina de Brno, República Checa 
Los capuchinos vinieron a las tierras checas a través de Viena alrededor de 1610, se asentaron en Praga, Olomouc y Brno. En la cripta capuchina está enterrado también el barón Trenck (1711-1749), 
El visitante descubrirá allí también una sentencia sobremanera conocida que reza: “Lo que sois, fuimos; lo que somos, seréis”…

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Monasterio de Sedlec, República Checa
Este es el famoso osario de Sedlec, cerca de Kutná Hora. Su decoración bizarra, formada por arañas, pirámides, cruces y blasones de huesos humanos, asombra a visitantes de todo el mundo. Las lámparas confeccionadas de huesos humanos representan una curiosidad algo horripilante.
El osario contiene aproximadamente 40.000 esqueletos humanos, colocados artísticamente para formar la decoración y el mobiliario de la capilla. 
Henry, el abad del monasterio de la Orden del Císter de Sedlec, fue enviado a la Tierra Santa por el rey Ottokar II de Bohemia en 1278. Cuando volvió, trajo consigo una pequeña cantidad de tierra que había recogido del Golgotha y la roció en el cementerio de la abadía. La fama de este acto piadoso pronto se extendió y el cementerio de Sedlec se hizo un sitio de entierro deseable en todas partes de Europa Central. Durante la Peste Negra a mediados del siglo XIV, y después de las Guerras husitas a principios del siglo XV miles de personas fueron enterradas allí y el cementerio tuvo que ser ampliado 
En 1870, František Rint, un tallista de madera, fue contratado por la familia Schwarzenberg para poner los montones de huesos en orden. Los macabros resultados de su trabajo hablan por sí solos. Una enorme lámpara de araña, que contiene al menos una unidad de cada hueso que forma el cuerpo humano

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Capilla de Santa Úrsula, en Colonia, Alemania
En las paredes de esta iglesia se pueden ver, artísticamente colocados, los restos de las, según la leyenda, once mil vírgenes muertas junto a la Santa. Si bien no es un osario como los otros, ya que tiene su historia, se puede considerar, esta capilla, como un Osario. 
Corría el siglo IV cuando un rey de Britania (Inglaterra) prometió a su hija Úrsula en matrimonio a un alto personaje de la nobleza del país. Su futuro esposo era pagano y Úrsula cristiana, y no estando conforme con tal matrimonio, pidió y obtuvo un periodo de tres años para poder peregrinar a Roma.

Martirio de Santa Úrsula por Caravaggio

Con ella viajaron diez compañeras más. De regreso de su peregrinación y al llegar a la actual Colonia en Alemania, fueron a caer en manos de los bárbaros hunos; Úrsula y su compañeras se negaron en redondo las pretensiones, por lo que los barbaros enfurecidos las mataron a todas.

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La leyenda de Santa Úrsula y sus compañeras vino a España de la mano de Beatriz de Suabia, esposa de Fernando III el Santo, que introdujo la devoción a la santa y a las once mil vírgenes en la península.

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Iglesia de Santa María de la Concepción de los Capuchinos, en Roma, Italia

Del siglo XVII. Especialmente macabra, dado que además de los huesos, se exponen cuerpos momificados de algunos de los frailes vestidos con sus hábitos.
La Iglesia de Los Capuchinos de Santa María de la Concepción data del año 1626 y fué bendecida por el Papa Urbano VIII. El hermano de éste, el Cardenal Antonio Barberini, miembro de la Orden de Los Capuchinos, ordenó en el año 1631 trasladar los restos de miles de Capuchinos muertos desde la Via dei Lucchesi hasta la cripta para decorarla con sus propios huesos y mantener vivo su recuerdo a lo largo de los siglos.

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San Bernardino alle Ossa, Milan, Italia
Es una iglesia en Milán , norte de Italia, más conocido por su osario , una pequeña capilla lateral decorado con numerosos cráneos y huesos humanos.
En 1145 se construyó un hospital cerca de la Iglesia de Santo Stefano Maggiore. El cementerio de la iglesia se llenó en poco tiempo y tuvieron que construir una sala para recoger los huesos. En 1269 se construyó junto a esta sala la Iglesia de San Bernardino alle Ossa.

Foto Rob Sheridan

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San Bernardino alle Ossa

La iglesia fue destruida en 1712, y fue reemplazado por un nuevo edificio diseñado por Carlo Giuseppe Merlo . En 1738 el rey Juan V de Portugal quedó tan impresionado de la capilla, que tenía una muy similar construido en Évora , cerca de Lisboa .

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Catedral de Otranto, Italia. 
Los ciudadanos de Otranto, junto a la guarnición que defendía la ciudad se atrincheraron en el castillo, su historia pasada en la que 800 cabezas cristianas rodaron en un mismo día bajo el hierro otomano y porque los huesos de esos 800 mártires decoran hoy en día las paredes de su catedral
Cuando Mohammed II y sus tropas se retiraron de Otranto, todos los restos fueron llevados a la Catedral y se decidió exponerlos en sus paredes como recordatorio privilegiado de aquel 12 de agosto en el que fueron ejecutados por defender su Fé.

LOS ESQUELETOS ENGALANADOS

Para completar este artículo “dedicado” a las osamentas, a continuación os dejo una breve galería con imágenes de algunos de los Santos y Santas de la Iglesia Católica, cuyos restos esqueléticos, vestidos de manera lujosa y llamativa, aún son venerados en algunas partes de Alemania y Austria.

San Pancracio con armadura del siglo XVIII

Los “santos enjoyados“, también conocidos como los “santos de las catacumbas“, son cadáveres de la antigua Roma que, fueron exhumados de las propias catacumbas de Roma.

Reliquia de las Catacumbas de San Pancracio. Fotografía tomada en la exposición del Museo Histórico de St. Gallen en Wil, Suiza

Se les identificó como mártires tempranos por señales tangibles –la letra M. (de “mártir”) presente en algunos cráneos o algún sedimento deshidratado en los huesos que se tomaba por sangre seca,– o intangibles, como el “resplandor áureo o la fragancia” que emitían los restos sacros.

Todos recibieron nombres ficticios y fueron enviados al extranjero (principalmente al mundo germánico ) como reliquias de (supuestos) santos entre los Siglos XVI – XIX. Los restos mortales reabastecieron el arsenal de las fuerzas católicas en el momento de la Contrarreforma. La Alemania meridional fue su principal destino debido a que sus iglesias habían sufrido saqueos y la destrucción de muchos de sus objetos de culto, como consecuencia del enfrentamiento contra los protestantes

Esqueleto de un supuesto mártir hallado en las catacumbas de Via Salaria, cubierto de joyas.

Fueron vestidos, lujosa y profusamente con sofisticados trajes, se ataviaron con pelucas y se adornaron con coronas de oro y joyas, desde gemas coloridas hasta grupos de perlas

Historia del descubrimiento

En 1578, los trabajadores de unas viñas, movidos por la curiosidad, descubrieron unas catacumbas romanas cerca de la Via Salaria. Años más tarde, los arqueólogos lograron desenterrarlas por completo, revelando un sobrecogedor espectáculo que parecía de otro mundo. Entre 500.000 y 750.000 esqueletos se extendían fantasmales frente a ellos, antiguos restos de individuos que habrían vivido en los primeros siglos del cristianismo, durante los cuales se dio muerte a miles de ellos, considerados en muchos casos mártires de la fe.

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Catacumbas de San Sebastián

En un principio se dio el nombre de catacumbas al cementerio de San Sebastián, aquel lugar donde los primitivos cristianos de Roma habían enterrado provisionalmente los cuerpos de San Pablo y San Pedro, en un momento en que temieron que les fueran sustraídos. Era el lugar llamado «ad catacumbas». Por extensión, a lo largo de la Edad Media se fue dando este nombre de catacumbas a todos los cementerios conocidos de las afueras de Roma que formaban una gran necrópolis y no solo se enterraban a mártires, sino en general a toda la población cristiana.

San Graciano en Waldsassen (Alemania).

Muchos de los esqueletos encontrados, fueron posteriormente adornados con oro y joyas incrustadas y con finas vestiduras, fueron expuestos en iglesias para mostrar los tesoros a los creyentes más devotos. A continuación os expongo su historia y localizaciones:

Santa Luciana de Heiligkreuztal (Alemania).

Los responsables de iglesias católicas de todo el mundo recibieron la noticia e inmediatamente se sintieron intrigados por el descubrimiento, decidiendo en muchos casos hacerse con el esqueleto de algún mártir (o de varios) para sus parroquias, y dispuestos a pagar una buena suma de dinero por su adquisición.

Cráneo de San Getreu en Ursberg (Alemania).

El proceso de ornamentación de cada esqueleto se encargaba habitualmente a conventos, o en ocasiones a algún monasterio. Seguían hasta tres años de trabajo, en los que frecuentemente se cubría inicialmente el cadáver con una mortaja de gasa tejida expresamente por las monjas. Este tejido era fino y vaporoso, pero impedía la acumulación del polvo y ayudaba a mantener los huesos unidos en el transcurso del proceso de decoración.

Cráneo relicario de San Deodato en Roggenburg (Alemania).

También se hacían rostros de cera para las calaveras de algunos mártires, en ocasiones sonrientes o con otras expresiones faciales. Tras el amortajamiento y/o el rostro de cera venían las joyas, gemas, oro y suntuosas vestiduras, así como la cuidadosa manipulación del esqueleto para adoptar posturas realistas.

San Deodato en Rheinau (Suiza).

Conforme pasó el tiempo, cada convento desarrolló un estilo propio para armar los huesos –sin conocimientos previos de anatomía, lo que provocó que se articularan de maneras singulares. Incluso, diversas monjas, o grupos de monjas y monjes, empezaron a expresar sus diferentes y reconocibles estilos a la hora de decorar los restos de los mártires, aunque habitualmente realizaban estos trabajos de forma anónima.

Santa Severina en Roggenburg (Alemania).

Si estas obras nunca gozaron del aprecio de luteranos y calvinistas, el siglo de las luces trajo su condena unánime como testimonios de la superstición. El mismo José II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, emprendió una embestida contra ellos al proclamar un edicto en el que se instaba a las comunidades a deshacerse de todas las reliquias cuya autenticidad no estuviera asegurada.

Muchas de las falsificaciones habían sido descubiertas, hecho el cual produjo que algunos de estos esqueletos fueron despojados de sus mejores galas y otros destruidos, mientras que el resto fueron ocultados y guardados en almacenes. Finalmente estos “santos” resultaron ser una fuente de vergüenza para la propia Iglesia.

Cráneo de San Benedicto en Muri (Suiza).

El historiador del arte, autor y fotógrafo Paul Koudounaris revivió el interés en los santos de las catacumbas con su libro de 2013, “Heavenly Bodies“.

 En la publicación del libro, Koudounaris trató de encontrar y fotografiar cada uno de los santos enjoyados existentes y que aún hoy se conservan.

Mano de San Teodosio en Waldsassen (Alemania).

Desde la perspectiva de un historiador de arte, Koudounaris cree que la cuestión de quiénes fueron los santos de las catacumbas en vida pasa a ser secundaria en comparación con el logro de crearlos. Son las obras de arte más magníficas jamás creadas con huesos humanos.

San Cándido en Irsee (Alemania).

Aun así, cabe preguntarse quiénes serían en vida hace siglos, y cómo se habrían sentido en relación con su espectacular auge y estrepitosa caída tras su muerte, bajo la forma de un esqueleto bellamente enjoyado.

San Máximo en Bürglen (Suiza).

En 2006, Paul Koudounaris comenzó a estudiar extensivamente el uso de restos humanos en rituales religiosos y como elemento decorativo en espacios sagrados. Comenzó a escribir sobre ellos y fotografiarlos para los periódicos europeos.

Nota: Todas estas increibles y macabras fotografías, están realizadas y son propiedad de Paul Koudounaris, y son mostradas aquí únicamente por divulgación e interés cultural.

Fuentes:

http://blogfunerariabizkaia.es/sabes-lo-que-son-los-osarios/

http://www.taringa.net/posts/arte/16551773/Arte-Macabro-Los-Osarios-de-Europa.html

http://www.escalofrio.com/n/Curiosidades/El_Osario_de_Sedlec

https://www.ancient-origins.es/noticias-general-historia-tradiciones-antiguas/macabras-reliquias-enjoyadas-los-santos-m%C3%A1rtires-las-catacumbas-salaria-003663

https://laexuberanciadehades.wordpress.com/2014/11/26/santos-enjoyados/

https://studylib.es/doc/4436289/esqueletos-enjoyados-3

La cocina de Leonardo da Vinci


En 1981 se descubre el llamado Codex Romanoff, una libreta en la que el polifacético artista anotaba recetas y comentarios acerca de los buenos modales en la mesa y donde muestra su interés por al arte de cocinar, unos valiosos documentos que años después se editan en el libro que hoy vamos a repasar :“Notas de cocina de Leonardo Da VInci”.

Desde muy joven Leonardo sentía una gran curiosidad y pasión por el mundo culinario. Mientras realizaba sus estudios con Andrea del Verrocchio todas las tardes iba a trabajar en una taberna llamada “Taberna de los tres caracoles”, junto al Ponte Vecchio de Florencia, esto para compensar la falta de ingresos.

Un día el cocinero de la taberna se va y el dueño de ésta le pide a Leonardo hacerse cargo de la cocina, llegando a dirigir su cocina en 1473.

Mas tarde. se dice que tras la muerte por envenenamiento de todos sus cocineros?, le echan del trabajo y nadie quiere contratarlo…

Poco tiempo después la taberna se incendia y Leonardo, junto con su amigo Sandro Botticelli deciden abrir un pequeño local llamado “Las tres ranas de Sandro y Leonardo”
Llegó a crear un nuevo concepto de platos , conocido hoy como la nouvelle cuisine.

El menú ilustrado que Leonardo y Boticelli confeccionaron para su taberna: los dibujos pueden delatar la mano de Boticelli, pero la escritura es, sin ninguna duda, la de Leonardo. Nadie podía entender ni una palabra, ni siquiera los clientes o los cocineros.

José Agustín Arrieta- “Bodegón”

Ingenia platos muy bien presentados, con pequeñas porciones de comida sobre pedacitos tallados de polenta, cosa a la que no estaban acostumbrados las gentes de la época.

Esta nueva forma de servir los platillos no es aceptada por los comensales pues las porciones eran pequeñas a diferencia de lo que estaban acostumbrados y el lugar no tuvo éxito y tuvieron que cerrar, ya que servian comida “rara” y “escasa”

SU ESTANCIA EN MILÁN

Milán, Castillo Sforzesco

Despues de este fracaso, Leonardo se traslada a Milán y su fama de ser refinado y tener excelente gusto lo lleva a trabajar en la corte de Ludovico Sforza, conocido también como Ludovico el Moro, organizando las fiestas y grandes banquetes de la corte.


LA ÚLTIMA CENA

Se dice , que era tanto el interés de Da Vinci en este campo, que incluso preparó un menú especial, sobre el que basó su famosa obra “La última cena”, encargada por Ludovico, para el Convento de Santa María della Grazie
De hecho primero ideó las recetas que aparecen en él antes que el cuadro en sí, como por ejemplo el “puré de nabos con rodajas de anguila”.

Durante casi dos años y nueve meses, realizó cientos de bocetos de alimentos, como los Huevos cocidos con rebanadas de zanahoria o el Muslo de pato con flores de calabacín.

Pronto empezó su labor en la corte de Milán, cuando se le encargó la organización de la boda de una sobrina de Ludovico para lo que Da Vinci puso toda la carne en el asador mecanizando el funcionamiento de la cocina y creando un menú degustación.


LOS “ARTILUGIOS”

Para manejar las grandes cantidades de comida que había que preparar para el evento, apostó por la invención de diferentes “electrodomésticos”(sin luz, claro) para la cocina.

Durante muchos años Da Vinci se esforzó en diseñar máquinas que modernizaran la cocina de su época, y muchas de ellas pueden considerarse predecesoras de objetos que utilizamos en la actualidad.

Muchas de sus invenciones se realizaron sobre 1482, mientras estaba al servicio del gobernador de Milán, Ludovico Sforza “El Moro”. Su talento fue mucho más allá de inventar las servilletas o la máquina para secarlas, llegando a idear un proyecto de cocina para el gran Palacio Sforza, en el centro de Milán.

Da Vinci llega a la conclusión de que se necesita una “fuente de fuego” permanente, y una de agua hirviendo.
También, unas cintas transportadoras llevaban troncos automáticamente a las chimeneas, la cuales contaban con una hélice movida por el aire que a su vez daba vueltas a los asados de forma automática.
. El artilugio consistía en una hélice instalada en el interior de la chimenea que se giraba por la corriente de aire caliente, y que estaba conectada por varios engranajes con el espetón, que se movía en función del fuego que hubiera.

Otro puesto que pretendió suprimir fue el de la mujer que calentaba los pucheros en la chimenea, gracias al calentador de agua, ideado con una serie de tubos metálicos enroscados y colocados sobre las cenizas del fuego. Un sistema de lluvia artificial para apagar los posibles incendios de las cocinas fueron otras de sus ideas, y aunque la mayor parte de estos inventos fracasaron en aquel momento, más tarde sirvieron de inspiración.

Otros utensilios, fueron la rebanadora de pan, una picadora de vacas,
En una ocasión, la troceadora de carne y de pan habían encallado cortando a un animal e, incluso (se cuenta) el brazo de un cocinero

Molinillo de peimienta

El sacacorchos para las botellas, el molinillo para la pimienta,

Picadora de ajos

Un objeto para triturar ajos y perejil …etc

Barbacoa

La barbacoa de leña que Leonardo diseñó para Ludovico Sforza en 1491 sigue siendo la base del modelo que comercializan hoy en día la Compañía de Barbacoas y Divanes con patentes de Leonardo en Vinci.

Aparador bebidas

El revolucionario aparador que Leonardo hizo para Beatrice d’Este tenía recipientes para el vino helado y el zumo de naranja helado, así como una placa caliente en el centro.

Cortador de berros

El diseño de Leonardo de un cortador de berros gigante fue fabricado en su taller en el Palacio Sforza de Milán; pero durante las demostraciones en los campos de berros cercanos al palacio, se desmandó y mató a dieciséis servidores de las cocinas y a tres jardineros. Posteriormente, Ludovico lo utilizó con muy buenos resultados contra las tropas invasoras francesas.

Máquina para hacer cucuruchos

Leonardo consideró la utilidad de que se bebiera en cucuruchos en vez de en vasos, sin tener muy claro el material para fabricarlos…

Batidora gigante
Cepillo giratorio para barrer

También se preocupó por la limpieza de la cocina, y pensó un sistema para mantener el suelo limpio que consistía en un cepillo giratorio que incorporaba una pala para recoger los restos que arrastraba el cepillo.(aspiradora renacentista?)

A veces los cocineros, hacían todo lo posible para no ser barridos por estos grandes cepillos encargados de mantener limpio el suelo.

Extractor de humo

Asi mismo, creó algo semejante a las actuales campanas extractoras, un dispositivo cuya función era eliminar los malos olores y los humos, que constaba de dos fuelles en el techo movidos por una manivela que estaba enganchada a un caballo.
Todos estos inventos, según cuentan los libros, fueron una catástrofe a la hora de su ejecución. Quizá Leonardo fuese un desastre para su época, pero sin duda ha sido un visionario para el futuro.


LA BODA SFORZA

La historia de Nastagio degli Onesti”, Botticelli

(atribuido también a Jacopo del Sellaio )

Cuando llegó el acontecimiento de la boda y todos los comensales ya estaban sentados a la mesa comenzó el lío:
Tan grande fue el mare magnun que se formó, que la historia la conocemos porque algunos asistentes al evento tuvieron que levantarse e ir a la cocina

Sabba de Castiglione

Uno de aquellos curiosos fue el embajador florentino Sabba de Castiglione di Pietro Alemani, quien dejó escrito lo que vio:
Al llegar a la cocina, Di Pietro pudo ver cómo uno grandes fuelles que pretendían mantener el aire limpio habían avivado el fuego consiguiendo que éste se propagara por toda la cocina, lo que a su vez había activado el difusor de agua contra incendios y a lo que se sumó que la máquina encargada de proveer de agua caliente se descontrolara provocando una total inundación. Este mal funcionamiento había conseguido que algunos animales (usados para mover estas máquinas) camparan a sus anchas entre pucheros, cocineros y artilugios.

NORMAS DE COMPORTAMIENTO EN LA MESA

Leonardo en la corte de Ludovico Sforza

Estas son las pautas de conducta apuntadas por Leonardo en el Codex Romanoff, donde uno de sus capítulos está dedicado a los hábitos indecorosos que, debieran suprimirse de la mesa. Estos son algunos:


LA SERVILLETA
Siempre preocupado por la limpieza tanto de la mesa como de los comensales confecciona un mantel de proporciones pequeñas para cada persona, es decir, inventa la “servilleta”. Sin duda uno de los grandes “inventos” de este genio, en el ámbito del protocolo gastronómico:
Da Vinci se permitió también darnos una buena recomendación: “NO TE LIMPIES LAS MANOS EN EL CONEJO”

Esta frase os sorprendera, pero tiene su explicación:

Ludovico Sforza el Moro

Leonardo decía: “La costumbre de mi señor Ludovico de amarrar conejos adornados con cintas a las sillas de los convidados a su mesa, de manera que puedan limpiarse las manos impregnadas de grasa sobre los lomos de las bestias, se me antoja impropio del tiempo y la época en que vivimos. Además, cuando se recogen las bestias tras el banquete y se llevan al lavadero, su hedor impregna las demás ropas con las que se lava.”

Formas de plegar las servilletas

¿Por qué no puede, como las demás personas de la corte, limpiarlo en el mantel dispuesto con ese propósito?


OTRAS NORMAS:
“Ningún invitado ha de sentarse sobre la mesa, ni de espaldas a la mesa, ni sobre el regazo de cualquier otro invitado.
No poner una pierna encima de la mesa.
No sentarse debajo de la mesa en ningún momento”.
No ha de pellizcar ni golpear a su vecino de mesa.
No ha de hacer ruidos de bufidos ni dar codazos.
No poner caras horribles ni lo ojos en blanco.
No escupir ni prender fuego al compañero durante la comida.
No hay que poner la cabeza en un plato
No tomar comida del plato de su vecino de mesa a menos que tenga su conocimiento.
No ha de poner trozos de su propia comida de aspecto desagradable o a medio masticar sobre el plato de sus vecinos sin antes preguntárselo.
No tomar comida de la mesa y guardarla en su bolso o faltriquera para comerla más tarde
No ha de enjugar su cuchillo en las vestiduras de su vecino de mesa.
No utilizar su cuchillo para hacer dibujos sobre la mesa.
No ha de hacer insinuaciones impúdicas a los pajes de mi señor, ni juguetear con sus cuerpos.
No ha de poner el dedo en la nariz ni en la oreja mientras está conversando
No ha de conspirar en la mesa (a menos que lo haga con mi señor)
No ha de golpear a los sirvientes a menos que sea en defensa propia
No ha de escupir ni hacia delante ni hacia los lados
No ha de pellizcar o golpear a su vecino de mesa
Y si ha de vomitar, entonces debe abandonar la mesa.

LOS ASESINATOS DURANTE LAS CENAS

Si hay un asesinato planeado para la comida, entonces lo más decoroso es que el asesino tome asiento junto a aquel que será el objeto de su arte, y que se sitúe a la izquierda o a la derecha de esa persona dependerá del método del asesino, pues de esta forma no interrumpirá tanto la conversación si la realización de este hecho se limita a una zona pequeña…
Después de que el cadáver, si lo hay, las manchas de sangre si las hay, hayan sido retirados por los servidores, es costumbre que el asesino también se retire de la mesa, pues su presencia en ocasiones puede perturbar las digestiones de las personas que se encuentran sentadas a su lado”.

LAS RECETAS
Las recetas aquí contenidas están recogidas del llamado Codex Romanoff y atribuidas al maestro del renacimiento Leonardo da Vinci
Entre las joyas que podemos encontrar en este Códice figura quizás el origen del
BOCADILLO.

A la hora de confeccionarlos, Da Vinci dudaba entre varios tipos :

El pan y la carne I:
“Me he puesto a pensar en tomar un trozo de pan y colocarlo entre dos pedazos de carne, mas ¿cómo deberé llamar este plato?”.
El pan y la carne II:
¿Y si dispusiera la carne entre dos trozos de pan?.
El pan y la carne III:
La rebanada de carrillo de buey deberá ir entre sendos pedazos de pan y no al revés. Será un plato como no se ha visto nunca antes en la mesa de mi señor Ludovico Sforza.

Bodegon de aves y liebres de Tomas Yepes S.XVII

“Ciertamente, se podría disponer toda suerte de cosas entre los panes:
Ubres, testículos, orejas, rabos, hígados… Los comensales no podrán ver el contenido hasta no cortarlos con sus cuchillos. Lo llamaré, por esta razón, “pan con sorpresa”.

Museo del Prado

Sopa de almendras:
“Habéis de hervir algunos nabos tiernos en una marmita en la que habréis puesto la cabeza cocida de una oveja; a continuación, aplastadlos con sal, pimienta y semillas de cominos; mezclad con ellos un huevo para ligar esta mezcla y con ella formad bolas y otras formas que cubriréis con migas de pan; en el centro de cada una de estas bolas y formas colocaréis un testículo tierno de cordero cocido. pondréis todo ellos en una marmita con aceite hasta que observéis que se torna duro y de color marrón, y entonces lo serviréis. No conozco la razón por la que este renombrado plato de Milán es conocido como sopa de almendras!”.

Pudín blanco:
“No es éste un plato para aquellos que tienen la peste, ni tampoco para aquellos que sufren del corazón. Es en verdad, un plato muy pesado, que perjudica asimismo a aquellos con molestias en el hígado y con piedras en la bilis, y es dañoso para la vista y los nervios de todos”.
“Pelaréis las pieles de las almendras y las pasaréis por la mano del mortero. Entonces, machacaréis las pechugas de media docena de capones, las mezclaréis con un poco de leche de cabra y aplastaréis todo en un cedazo. Lo agitaréis junto con la pasta de almendras, añadiréis cerca de veinte claras de huevo y algunas migas de pan blanco con un caldo algo graso, lo pasaréis todo por el cedazo mientras lo vertéis en la sartén. Después de algún tiempo, rociadlo con agua de rosas y pepitas de granada y servidlo”.

Bodegón con costillas y cabeza de cordero por Francisco de Goya

Testículos de cordero con miel y nata:
“Tomad los testículos de un cordero, despojadlos de sus pieles externas y dejadlos para que se empapen en agua fría durante algunas horas. Luego cortadlos o ralladlos en finas rebanadas, sazonadlos con sal y pimienta (y, añade Pietro Monti, asimismo un poco de azafrán para que adquieran un color menos enfermizo) y cocinadlos en mantequilla hasta el momento que al tocarlos los halléis blandos. Dejadlos luego que se enfríen, y cuando lo estén, verteréis un poco de nata y miel caliente sobre ellos y los serviréis. Es esta la manera correcta de servir testículos de cordero, aun cuando mi señor Ludovico se empeña en tomarlos calientes cuando le sean servidos, y de esa forma se le antojen el acompañamiento más idóneo para los nabos machacados que de tal manera le complacen”.

En el Códice Atlántico (libro que contiene escritos y dibujos de Leonardo y está en la Biblioteca Ambrosiana en Milán) se encuentra la receta para una bebida que posteriormente llamaron “Acquarosa de Leonardo” (Agua rosa de Leonardo) elaborada a base de extracto de rosas, azúcar, limón y un poco de alcohol.

Los Spango Mangiable

A Leonardo también se le atribuye la invención de el spaguetti o como el los llamaba “spago mangiable” (cordeles comestibles), el se encargo de perfeccionar la forma de los toscos tallarines llevados a Roma por Marco Polo a unos delgados y largos cordeles de harina de trigo. Posteriormente inventó el tenedor para facilitar el consumo de su invención.


LA VERDAD
¿Qué hay de verdad y mentira en la historia de Leonardo Da Vinci con la cocina?
Cierto es que Leonardo era un apasionado de la cocina declarado y que intentó crear varios inventos, aunque la mayoría acabaran en un desastre.
Pero no debeis preocuparos: Las “notas de cocina de Leonardo Da Vinci” es una recreación, una historia inventada por los historiadores británicos Shelagh y Jonathan Routh en 1987. Esta obra fue creada con el objetivo de entretener y divertir al lector, lo que consigue con creces. Un propósito tan claro que en Londres se presentó a la prensa el 1 de abril, día de los inocentes.
“Notas de cocina de Leonardo da Vinci” es un libro desternillante. Está escrito en un tono brillante y humorístico y va cargado de curiosidades (verdaderas o falsas, eso es lo de menos). Es un libro, lleno de barbaridades culinarias, artilugios imposibles, ocurrencias hilarantes e historias rocambolescas.
Se editó en España en 1999, bajo la batuta del experto en gastronomía Jose Carlos Capel, quien retiró un par de trampas introducidas por los autores: las referencias a las alubias y el maíz, productos americanos que a principios del XVI eran desconocidos en Europa. Sin embargo se mantuvo el dibujo de la máquina de pelar patatas, aunque estas tampoco habían cruzado el charco en aquellos tiempos.

No obstante, resulta asombroso el mito que se ha creado a partir de este libro que cuenta ya con 17 ediciones en su haber. Casi un dogma para muchos que creen, a pies juntillas, que Leonardo da Vinci inventó el bocadillo, la servilleta, el tenedor, el sacacorchos para zurdos, la máquina para cortar fiambres, la de secar servilletas y muchos otros artilugios.
El supuesto manuscrito original de Da Vinci que se denominó “Codex Romanoff” no está en el museo de l´Hermitage (Leningrado) como algunos piensan ni en poder de los herederos del genio renacentista. No está porque no existe. Hablamos de un libro imaginado cuyo contenido es completamente falso.
La clave está en que al traducir el texto, la editorial española optó por quitar los nombres de los Routh de la portada y promocionar el libro como auténtico.

FUENTES:
https://elpais.com/elpais/2011/09/07/gastronotas_de_capel/1315348669_131534.html
https://noloseytu.blogspot.com/2015/11/el-codex-romanoff.html


http://www.vivaleercopec.cl/2013/07/05/notas-de-cocina-de-leonardo-da-vinci/


https://www.homohominisacrares.net/humanidades/historia/leonardo-da-vinci-cocinero.php


https://www.aryse.org/de-una-broma-a-un-mito-el-libro-de-las-notas-de-cocina-de-leonardo-da-vinci/


https://curiososincompletos.wordpress.com/2011/10/23/leonardo-da-vinci-y-la-gastronomia-el-codex-romanoff/

BIBLIOGRAFÍA:

“Notas de cocina de Leonardo da Vinci” 1999 de Leonardo Da Vinci .Ediciones Martínez Roca (versión española)

“Notas de cocina de Leonardo da Vinci”(1987) Jonathan y Shelag Routh (versión inglesa)

La Abadía de Saint Denis: Panteón de los reyes de Francia.

La advocación de la abadía de Saint Denis a este santo, le viene porque la leyenda y la tradición nos dicen que San Dionisio había sido el primer obispo de París, en el siglo III, y que habría sido decapitado hacia el año 250, junto con dos fieles diáconos, Rústico y Eleuterio, en defensa de su fe.

Saint Denis representado portando su propia cabeza


 San Dionisio y sus dos diáconos habían sido juzgados y decapitados en el lugar elegido tradicionalmente por los gobernadores romanos para este tipo de actos. 

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Vitral de la Basílica con la imagen del Abad Suger.


Durante la primera mitad del siglo XII, el abad Suger, consejero de Luis VI el Gordo y de Luis el Joven, hizo derribar el deambulatorio carolingio y erigir la primera obra gótica.

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La basílica actual fue comenzada hacia finales de 1136 o principio de 1137 según un proyecto del abad, y en 1144 la iglesia, que por aquel entonces contaba con el nártex, la cripta y el ábside, fue consagrada. La importancia de este acontecimiento en la historia de la arquitectura es enorme. No es como se ha afirmado, el prototipo del estilo gótico, pero sí el primer edificio en que aparecen todos los elementos de esta corriente, como los arcos ojivales, los arbotantes y rosetones.

La oriflama
Con Suger la abadía adquirió más importancia; en ella se guardaban las regalías y se convirtió en una necrópolis real y dinástica.
La oriflama es un pendón, primeramente usado como enseña de la abadía francesa de Saint-Denis, y que más tarde pasó a ser estandarte de guerra de los reyes de Francia,
que recogían del altar de Saint-Denis, prestando cada vez el juramento, cuando iban a la batalla 
 

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Paisaje de Vincent van Gogh titulado” La colina de Montmartre con la cantera”

París era entonces una pequeña aldea a las orillas del Sena, rodeada por colinas de escasa altura, en donde a los enemigos del Estado romano se les juzgaba y martirizaba en una zona a extramuros de la ciudad que era denominada por los cristianos “el monte de los mártires”. Hoy es el barrio de Montmartre, cuyo nombre le viene precisamente de esa denominación en el idioma francés.
La abadía de Saint Denis tiene un comienzo prerrománico, no surge de la nada, en absoluto. De origen merovingio, la abadía de Saint Denis era ya en el siglo V, un centro importante de monaquismo en las afueras de la ciudad de París, que hoy ha quedado dentro del núcleo urbano.

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Fachada occidental

No hay ninguna descripción de la foto disponible.La importancia de Saint Denis reside en que es el origen indiscutible del gótico, de tanta importancia, e incluso más, que el románico anterior, pero sin olvidar que el gótico que sustituirá al románico a partir del siglo XIII, tiene una etapa primitiva que coincide histórica y cronológicamente con el pleno románico

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Fue bajo la dirección de: François Debret. cuando se detectaron las grietas que aparecieron en la torre norte obligando a demolerla. Se pensó entonces que la escuela de Bellas artes no preparaba a arquitectos capaces de intervenir en la restauración de los edificios antiguos. A partir de ahí surgió la idea de la preparación específica para aquellos arquitectos que se dedicaran a la restauración de los monumentos históricos construidos en esa época.

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Vista de la fachada lateral

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Entre 1846–1879: Eugène Viollet-le-Duc, se hizo cargo de la restauración del edificio salvándolo, sin duda alguna, de la ruina. Acabó la restauración rectificando gran parte de lo realizado por Debret y reorganizó las tumbas reales que todavía subsisten.
En la imagen el proyecto que nunca se terminó.

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El historiador Georges Duby describió la basílica como un prototipo de la Teología de la luz, definida por el abad Suger.
Esta “teología” fue utilizada para la construcción de las catedrales de Europa durante los siglos XII y XIII, dando origen a la arquitectura religiosa gótica.

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El interior, tiene una longitud de 108 m, 37 m. de anchura y 29 m. de altura, la planta se dividen en tres naves que se apoyan sobre grandes columnas casi correspondientes al tamaño románicos, las naves laterales se ensanchan de camino al crucero, en la cabecera un profundo ábside rodeado de una girola y en los bajos la impresionante cripta.

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Presbiterio
Suger quería renovar la antigua iglesia carolingia para poner de relieve las reliquias de San Dionisio, situándolas en un nuevo coro: para ello era necesario una importante elevación de los ventanales que dejaban pasar la luz.

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Vitrales del abside
El Abad Suger, que era un influyente personaje político, logro la financiación para empezar la iglesia dentro de los cánones del nuevo estilo arquitectónico que llega con fuerza al mundo, y se le llamo “Gótico” y fue el primer prototipo de este estilo

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Según algunos estudiosos, Suger –que fue abad entre 1122 y 1151- es el inventor del arte gótico en la arquitectura al aplicar sus sofisticadas teorías sobre la relación de lo humano con lo divino

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Rosetón en el brazo del crucero
Se reconstruyó el edificio siguiendo nuevas técnicas arquitectónicas, rosetón y bóveda sobre crucero con arcos ojivales, entre otras, inundando el edificio de luz coloreada.

 En el siglo XIII, bajo el reinado de San Luis, nuevas obras dieron a la basílica su aspecto actual.

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Rosetón anterior, detalle.

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Representación del abad Suger, en un vitral
En cuanto al edificio de la iglesia en sí, Suger imaginó su nueva edificación como el Paraíso celestial materializado en la Tierra. ¿Cómo? Pues sustituyendo las paredes por vidrieras, cómo podemos ver en la imagen

EL PANTEÓN REAL

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Tumbas reales en el crucero

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Las tumbas se encuentran distribuidas en el crucero sur: la capilla de San Luis de 16 yacentes, de los que subsisten 14, data aproximadamente de 1263.

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A Carlomagno se debe la construcción de la primera gran cripta subterránea, es decir, las más antiguas; cuando se visita Saint Denis, permiten bajar desde el presbiterio a las criptas, y pasar desde la cripta carolingia del siglo VIII, a las más modernas de los siglos XVII y XVIII.

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La cripta arqueológica presenta los vestigios de los primeros edificios. Este lugar albergaba las sepulturas de los santos mártires Denis, Rústico y Eleuterio.

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Hasta sus últimas consecuencias, el destino de la necrópolis real estuvo ligado al de la monarquía. En 1789 la Revolución Francesa acabó con el reinado de Luis XVI que moriría en la guillotina en 1793. Muchos símbolos de la monarquía fueron destruidos en aquellos años, como parte de una estrategia política para fortalecer la imagen de la República.

Si bien los monumentos funerarios de Saint-Denis fueron preservados, un decreto de la República ordenó la recuperación de todo el plomo presente en los sepulcros. Como los féretros reales estaban doblados de plomo, los restos mortales de los reyes fueron sacados de sus sepulcros y enterrados en fosas comunes, todo con el objeto de fundir el plomo para producir munición.
El osario de los reyes contiene las osamentas exhumadas de las tumbas reales en la Revolución, agrupadas en 1817
 
MEROVINGIOS

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Clodoveo I
(en francés Clovis) fue el rey de todos los francos del año 481 al 511. El nombre Clodoveo proviene del franco (antiguo bajo-alemán) Hlodowig, compuesto por las raíces hlod (“reconocido, famoso, ilustre”) y wig (“combate”), quiere decir “Ilustre en el combate”

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Clodoveo I tumba
Los reyes y reinas merovingios con los yacentes de Clodoveo, primer rey franco cristiano, sus hijos Childeberto y Fredegunda, fueron llevados en el Siglo. XIX procedente de iglesias en París.

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Dagoberto I (603–639), hijo de Clotario II, rey de los francos
La dinastía merovingia fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza entre los siglos V y VIII. Eran descendientes de Meroveo, jefe militar franco, fundador de la dinastía. El primer representante histórico de la dinastía merovingia, Childerico I, hijo de Meroveo

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Tumba de Dagoberto
Rey de la Dinastía Merovingia

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Dagberto tumba

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Carlos Martel
No fue nunca rey, sino mayordomo de palacio del reino de Austrasia desde el año 715 hasta su muerte. Era hijo ilegítimo de Pipino de Heristal (llamado el Joven o Pipino II) y de su concubina Alpaïde de Bruyères.Carlos Martel murió el 22 de octubre de 741 en Quierzy. Fue enterrado en la Basílica de Saint-Denis a petición suya: de hecho, había mandado educar allí a su hijo Carlomán. Aunque no obtuvo jamás el título de rey, pese a tener más poder que los soberanos francos de la época, la dinastía merovingia estaba en ese momento en plena decadencia. Su poder marcó las primeras bases de la línea carolingia, confirmada por la consagración de Pipino el Breve el 28 de julio de 754.

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Carlos Martel sepulcro
En 732 d. C., Carlos Martel derrotó a las fuerzas árabes del califato omeya en la Batalla de Poitiers

Después de Dagoberto I, el poder de los merovingios se fue disgregando y, a medida que pasaba el tiempo, los Mayordomos de palacio acabaron siendo los verdaderos dirigentes del reino franco. Los mayordomos de palacio Carlos Martel y su hijo Pipino el Breve, fundador de la dinastía Carolingia, acabaron con el poder de los monarcas merovingios y Pipino destronó al último rey merovingio, Childerico III, para proclamarse rey de los francos.

CAROLINGIOS

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Pipino III de los Francos, más conocido como Pipino el Breve (Jupille, cerca de Lieja (Bélgica) —de donde arranca una gran parte de las dinastías Merovingia y Carolingia—, hacia el 715 – Saint-Denis, Francia; 24 de septiembre de 768) fue el hijo menor de Carlos Martel y de Rotrudis de Tréveris.

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Tumba de Pipino el Breve y su esposa

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Carlomagno, 2 de abril de 742, 747 o 748-Aquisgrán, 28 de enero de 814), fue rey nominal de los lombardos (764-814), rey de los francos (768-814) y emperador de Occidente Es un personaje emblemático, su ayuda y protección a Saint Denis tiene consecuencias. Él se encarga de terminar la obra de esta iglesia carolingia. El 20 de febrero del año 775, Carlomagno preside una gran ceremonia de consagración, no solo del altar mayor en la cabecera, sino de la cripta, porque veremos también como en las iglesias góticas las criptas tienen cada vez más importancia

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Sarcofágo llamado de Perséfone donde descansa Carlomagno en la Catedral de Aquisgrán.Aunque no esta en Saint-Denis, lo incluyo por su incuestionable importancia histórica.

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Luis I, llamado el Piadoso (en latín: Ludovicus Pius; Chasseneuil, junio/agosto de 778 – Ingelheim am Rhein, 23 de junio de 840), fue rey de Aquitania (781–814), coemperador (813–814), emperador de Occidente y rey de los francos desde el 28 de enero de 814 hasta su muerte, con excepción del periodo comprendido entre 833 y 834, en que fue desposeído por sus hijos.

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Luis III y Carloman II
Carlomán II (hacia 862 – 12 de diciembre de 884), rey de la Francia Occidental desde 879 a 884, asociado hasta 882 con su hermano Luis III, y en solitario desde entonces hasta su muerte.

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Carloman II tumba

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Luis II de Francia, apodado el Tartamudo (en francés, Louis le Bègue, 1 de noviembre de 846 – Compiègne, 10 de abril de 879), rey de Francia Occidental
(No esta en Saint-Denis)

ROBERTINOS

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Carlos III de Francia
EIigen al conde Eudes de París como rey de Francia. Carlos III fue coronado como rey de Francia el 28 de enero de 893 en Reims, pero no pudo reinar

No esta en Saint-Denis, sino en el exilio, donde murió en la torre del Castillo de Peronne.

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Roberto I (hacia 865 – Soissons, 15 de junio de 923), rey de Francia Occidental desde 922 a 923.
No esta en Saint-Denis, sino en Soissons,
donde Roberto murió asesinado.

CAPETOS

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Hugo Capeto
(nacido hacia el 940, muerto en «Los Judíos», cerca de Prasville (Eure-et-Loir) el 24 de octubre de 9961 ), duque de los francos (960–987), después rey de los francos (987–996), fue el primer soberano de la casa de los capetos. Hijo de Hugo el Grande y de su esposa Hedwige de Sajonia,
La Dinastía de los Capetos es el conjunto que incluye las numerosas ramas jóvenes procediendo de esta rama principal, por ejemplo la rama Valois o la rama Bourbon, que gobernaron además de Francia varios reinos europeos, como España, Portugal, Navarra, Nápoles, Polonia, Sicilia o Hungría. Hoy, miembros de la dinastía ocupan los tronos de España y Luxemburgo, haciendo de ella la más antigua dinastía real de Europa.
 
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Roberto II de Francia o Roberto II “el Piadoso”, o bien en francés como Robert II le Pieux (Orleans, 27 de marzo de 972 – Melun, 20 de julio de 1031) fue el rey de Francia desde 996 hasta 1031. Hijo de Hugo Capeto y de su esposa Adelaida de Aquitania, fue el segundo rey franco de la dinastía de los capetos.

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Tumba de Roberto II “el piadoso” (972-1031)

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Enrique I
(Reims, 4 de mayo de 1008 – Orleans, 4 de agosto de 1060)
No esta en Saint-Denis, murió en Orleans.

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Felipe I (Tours, 23 de mayo de 1052 – Melun, 29 de julio de 1108), rey de Francia de 1060 a 1108.

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Luis VI, el Gordo o el Batallador (en francés, Louis VI le Gros) (París, 1 de diciembre de 1081 – ¿?, 1 de agosto de 1137) en el castillo real de Béthisy-Saint-Pierre. rey de Francia de 1108 a 1137.

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Luis VII de Francia, llamado Luis el Joven (1120 — Melun, 18 de septiembre de 1180), fue rey de Francia de 1137 a 1180

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Luis VII y Constanza de Castilla, que nació en 1136/1141 – París, 4 de octubre de 1160), Infanta de Castilla y reina de Francia, era hija de Alfonso VII de León y Castilla, y de Berenguela de Barcelona.
Fue la segunda esposa de Luis VII, después de Leonor de Aquitania. Su matrimonio y su consagración tuvieron lugar en Orleans en 1154.

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Felipe II de Francia, llamado Augusto (Gonesse, 21 de agosto de 1165 – Mantes-la-Jolie, 14 de julio de 1223)

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Luis VIII el León (París, 5 de septiembre de 11872 – Montpensier, Auvernia, 8 de noviembre de 1226), rey de Francia de 1223 a 1226.

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Luis IX de Francia, también conocido como Ludovico, San Luis o San Luis de Francia (Poissy, 25 de abril de 1214 — Túnez, 25 de agosto de 1270), fue un rey de Francia. Hijo de Luis VIII el León y de la infanta castellana Blanca de Castilla (hija de Alfonso VIII). Fue, por tanto, primo hermano del rey castellano Fernando III el Santo y curiosamente proclamados santos ambos.

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Tumba de los hijos de San Luís :Juan y Blanca de Francia:
Hay dos tumbas con dos yacentes que figuran entre las pocas tumbas metálicas que se conservan. Se trata de dos hijos de San Luis muertos a corta edad..

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Felipe III de Francia, llamado el Atrevido, (en francés: Philippe le Hardi) (Poissy, Isla de Francia, 30 de abril de 1245 – Perpiñán, Rosellón, 5 de octubre de 1285), fue el décimo rey de Francia (1270–1285)

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Felipe IV de Francia, llamado el Hermoso (Fontainebleau, 1 de julio de 1268 – 29 de noviembre de 1314)
Para sanear las finanzas del reino de Francia, atacó injustamente a quienes tenían dinero, lo que implicó a los religiosos de la Iglesia Católica, los lombardos, los judíos y los templarios.Esto último, con la ejecución de Jacques de Molay,  le dió una desgraciada fama.

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Luis X de Francia (4 de octubre de 1289 – 5 de junio de 1316), llamado Luis el Obstinado

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Luis X tumba

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Juan I de Francia (15 – 19 de noviembre de 1316) llamado Juan el Póstumo, fue rey de Francia y de Navarra. Era el hijo póstumo y heredero del rey Luis X de Francia y de Clemencia de Hungría. Nacido la noche del 14 al 15 de noviembre de 1316, vivió sólo 5 días

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Carlos IV
(Oise), 11 de diciembre de 1294 – Vincennes, 1 de febrero de 1328) Fué el último Rey Capeto

LOS VALOIS

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 Felipe VI
Casa de Valois, rama de la Dinastía de los Capetos que reinó en Francia entre los años 1328 y 1589 durante tres periodos distintos: Los Valois directos 1328-1498),

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Juan II de Francia, llamado “el bueno” (en francés: Jean II le Bon) (Le Mans, 26 de abril de 1319 – Londres, 8 de abril de 1364), fue el segundo rey de Francia de la Casa de Valois.

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Carlos V de Francia
Vincennes, 21 de enero de 1338 – Nogent-sur-Marne, 16 de septiembre de 1380), llamado el Sabio
 
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Carlos V y Juana de Borbón
Los yacentes en la época de los Valois . El de Carlos V el Sabio es seguramente el primer retrato oficial de la historia de la escultura funeraria y una obra maestra de la escultura medieval.

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Carlos VI de Francia (París, 3 de diciembre de 1368 – 21 de octubre de 1422), conocido como Carlos el Bien Amado o Carlos el Loco, era hijo de Carlos V y de Juana de Borbón.

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Carlos VI y su esposa tumbas

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Carlos VII el bienservido 1422-1461
 
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Carlos VIII de Francia llamado el Afable o el Cabezudo (Amboise, 30 de junio de 1470 – íd., 7 de abril de 1498), rey de Francia desde el año 1483 hasta su muerte.

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Luis XII de Francia (Luis de Orleans) (Blois, 27 de junio de 1462 – París, 1 de enero de 1515), rey de Francia, de 1498 a 1515, y que recibió el nombre de padre del pueblo en los Estados Generales de 1506

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Mausoleo de Luis XII y Ana de Bretaña
En el crucero norte se encuentra Luis XII y Ana de Bretaña están representados muertos, desnudos y descarnados dentro de la tumba de mármol de Carrara realizada en Tours por el florentino Giovanni di Giusto Betti entre 1516 y 1522, y vivos y en oración en la parte superior.

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Mausoleo de Luis XII y Ana de Bretaña
Entre 1517 y 1531 los hermanos Antonio y Giovanni Giusti labran el sepulcro de Luis XII en la abadía de Saint-Denis, lugar elegido por los monarcas franceses para su sepultura. Los Giusti eran de origen florentino pero pasaron la mayor parte de su vida trabajando en Francia, por lo que incorporaron a la escultura francesa el aire italianizante que le permite abandonar el goticismo. El monumento funerario consta de un templete con columnas clásicas -en cuyas escaleras se hallan figuras que simbolizan las virtudes- sobre el que se disponen las estatuas orantes de Luis XII y Ana de Bretaña, gozando de expresiva gravedad. Este tipo de sepulcro marcará la pauta de sucesivos enterramientos de monarcas sucesivos.
 

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Luis XII
Se puede apreciar el aspecto evidente del estado cadavérico del Rey.

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Ana de Bretaña
El mismo aspecto presenta la Reina

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Ana de Bretaña
Es muy poco usual la representación en la escultura funeraria que aqui aparece. Casi siempre las figuras tienen un aspecto mas agradable, como si durmieran y creo que ahí reside la originalidad de este túmulo.

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Mausoleo de Luis XII y Ana de Bretaña en la Basílica de Saint Denis, acuarela de 1867, de Emil Pierre Joseph de Cauwer

VALOIS-ORLEANS-ANGULEMA

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Francisco I
Uno de los enemigos de Carlos I de España,

Es tradicional la historia de su encierro en la Torre de los Lujanes, que se encuentra en la Plaza de la Villa de Madrid.

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Tumba de Francisco I
La tumba de Francisco I , de Claudia de Francia y de tres de sus hijos se instaló once años después de la muerte del rey en 1547. El vencedor de la batalla de Marignano se presenta en un imponente arco del triunfo, signo del redescubrimiento de la Antigüedad en el Renacimiento.

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Urna que contiene el corazón de Francisco I

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Enrique II de Francia (Saint-Germain-en-Laye, 31 de marzo de 1519 – París, 10 de julio de 1559), cuarto hijo de Francisco I y de Claudia de Francia

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Monumento funerario a Enrique II y Catalina de Médici
Su tumba monumental, realizada de 1560 a 1573, esta inspirada en las prácticas italianas, sobre todo en la utilización de materiales de diferentes colores, realizadas por Germain Pilon

LA CASA DE BORBÓN

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Enrique de Borbón fue rey de Navarra​ con el nombre de Enrique III entre 1572 y 1610, y rey de Francia como Enrique IV entre 1589 y 1610, primero de la casa de Borbón en este país, conocido como Enrique el Grande o el Buen Rey y copríncipe de Andorra
Que era protestante, se convirtió al catolicismo para alcanzar su coronación. Fue asesinado por un fanático a los 57 años de edad y su cabeza desapareció de su tumba en la Basílica de Saint-Denis alrededor de 1793.
No se supo del paradero de la cabeza hasta 1919, cuando Joseph-Émile Bourdais la adquirió por 3 francos en una subasta. Bourdais aseguraba a todo el mundo que la reliquia era realmente la cabeza momificada de Enrique IV, pero nadie lo creyó, ni tan siquiera el Museo del Louvre, que la rechazó.
 
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En un sorprendente descubrimiento de la ciencia, en diciembre de 2010 se determinó que, en efecto, una cabeza embalsamada que conservaba un anticuario resultó ser la del “Buen Rey”, como le llamaban, y que volverá pronto a su sepulcro.
 

Inició la Casa de Borbón (en francés: Bourbon)  una casa real de origen francés (aunque la primera corona a la que accedió fue la del Reino de Navarra), actual casa reinante en España y en el Gran Ducado de Luxemburgo. 
 
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Durante la Revolución, al descubrir la tumba de Enrique IV, apareció como su hubiera muerto el mes anterior, las facciones eran perfectamente reconocibles. Curiosamente el cuerpo de Enrique IV se encontró en buen estado de conservación, tal es así, que fue expuesto, durante varios días, delante de la basílica para que pudieron contemplarlo quienes pasaran por allí.

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Carlos IX de Francia, cuyo nombre de pila era Carlos Maximiliano de Francia (Saint-Germain-en-Laye, 27 de junio de 1550 – Vincennes, 30 de mayo de 1574), fue Rey de Francia de 1560 a 1574.

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Enrique III de Francia (Fontainebleau, 19 de septiembre de 1551 – Saint Cloud, 2 de agosto de 1589) fue rey de Francia entre 1574 y 1589

Sigue leyendo “La Abadía de Saint Denis: Panteón de los reyes de Francia.”

San Juan el Bautista

“Meditaciones de San Juan Bautista” de “El Bosco” en el Museo Lázaro Galdiano

El 24 de junio la Iglesia conmemora la natividad o nacimiento de San Juan Bautista, el precursor de Jesús. ¿Pero, qué sabemos realmente de este personaje?

San Juan Bautista de Juan Martinez Montañés Convento de Santa Paula, Sevilla

El Bautista o san Juan, fue un predicador itinerante judío​ contemporaneo de Jesús de Nazaret, nacido a finales del siglo I a.C.​

San Juan Bautista  Icono de Andrei Rublyov. Temple y oro sobre madera, primer cuarto del siglo XV

Es venerado como un importante personaje religioso​ en el cristianismo y el islam y está considerado un profeta por todas estas confesiones y varias ramas del cristianismo le han proclamado santo

“La Visitación de Maria a Santa Isabel” de Roger Van Der Weyden
El Evangelio de Lucas narra la milagrosa concepción de Isabel, que era estéril , esposa de Zacarías, ambos ancianos y sin hijos.

Nacimiento de San Juan pintura gótica del S.XIII anónimo alemán

Nacimiento de San Juan por Tintoretto

El anuncio le fué realizado a Zacarias por un arcangel que le dijo: «Yo soy Gabriel, el que está delante de Dios, y he sido enviado para hablarte y anunciarte esta buena noticia. Te quedarás mudo, sin poder hablar hasta el día en que sucedan estas cosas, por no haber creído en mis palabras, que se cumplirán a su debido tiempo»

Zacarías permaneció mudo hasta el día de la circuncisión de su hijo, cuando recuperó el habla tras escribir en una tabla “Su nombre es Juan”

Se ha dicho de esta historia, que es«sin duda una creación artificial de Lucas».​ Las similitudes con la historia del nacimiento de Samuel de su madre Ana, que también era estéril, en el Antiguo Testamento sugieren que Lucas podría haber tomado la historia de la anunciación de Jesús y la de Juan de la historia de Samuel.​

San Juan con Jesús de Murillo 
Hay numerosas representaciones de los dos niños en el arte.

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María con Jesús y San Juan de Lucca della Robbia

Y también con Jesús y María

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María con Jesús y Juan de Botticelli y escuela 1490-1500

Otra representación muy habitual es la de Juan con el Agnus Dei

Ya en su juventud, las inquietudes religiosas y espirituales de Juan lo llevarían a liderar una secta judía emparentada con los esenios. De reglas muy estrictas, los esenios eran una de las muchas sectas y comunidades monásticas judaicas de la época.

La diferencia entre el ministerio general de los esenios y el de Juan estriba en que aquellos enfatizaban en el estudio de la Ley y, en general, de las Sagradas Escrituras, y Juan en la predicación y bautismo para la conversión del pueblo.

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Las cuevas de Qumrán cerca del Mar Muerto

En el desierto de Engaddi a orillas del mar Muerto se situaban los monasterios en los que vivieron unos cuatro mil hombres compartiendo totalmente sus bienes, dedicados en exclusiva al culto y estudio de la palabra de Dios.

Los Rollos del Mar Muerto, descubiertos en Qumrán, revelan no solo la existencia de la secta, que ya era conocida por los escritos de los historiadores Plinio el Viejo y Josefo Flavio , sino de sus doctrinas.

Mas información en: https://unciondeloalto.jimdo.com/el-mundo-en-que-jes%C3%BAs-vivio/quienes-eran-los-esenios/

Dos interpretaciones de San Juan por Leonardo da Vinci
Según el Nuevo Testamento, Juan anticipó a una figura mesiánica de Cristo, mas importante que él mismo, por lo que se le llamó “El Precursor”
Cumplia asi, una profecía de Isaías que hablaba de un mensajero que iba por delante y de una voz que “clama en el desierto”

Juan Evangelista y Juan Bautista por el Greco.

Juan Evangelista describe a Juan el Bautista como “un hombre enviado por Dios” que “no era la luz” pero que “vino como testigo para dar testimonio de la luz, de manera que a través de él todos creyeran”

San Juan predicando de Matias Pretti 1665

Hacia el año 28, Juan el Bautista comenzó a ser conocido públicamente como profeta; su actividad se desarrolló en el bajo valle del río Jordán, donde predicaba la «buena nueva» y administraba el bautismo en las aguas del río

Bautismo de Jesús por El Greco

Juan el Bautista es mencionado en los cuatro evangelios canónicos y en Los evangelios sinópticos Marcos, Mateo y Lucas, describen el bautizo de Jesús. En el Evangelio de Juan hay una mención tácita del hecho.

Bautismo de Jesús por Francisco de Goya

Según el evangelio de San Marcos, Juan decía que vendría otro después de él que no bautizaría con agua, sino con el Espíritu Santo. No obstante, Jesús acudió a Juan y fue bautizado por él en el río Jordán, pese a que el Bautista no quería hacerlo aduciendo que «soy yo quien debería ser bautizado por ti, ¿y tú vienes a mí?

Bautismo de Jesús por Andre Verrocchio, maestro de Leonardo da Vinci, que colaboró en este cuadro, pintando la cabeza del ángel de la izquierda. Se dice que Verrocchio, al ver la maestría con la que fué realizada, renunció a seguir pintando desde entonces.

Se narra, en el evangelio de San Juan, que se vio “al espíritu bajar del cielo como una paloma y descansar sobre él”.

San Juan por Juan de Juni, Museo de Escultura de Valladolid

La descripción de Juan se toma directamente del Evangelio de Marcos :”un manto hecho de pelo de camello, un cinturón de cuero en la cintura, y se alimentaba de saltamontes y miel silvestre

San Juan en la celda de Caravaggio

El tono mesiánico del mensaje del Bautista inquietó a las autoridades de Jerusalén, y Juan fue encarcelado por Herodes Antipas, tetrarca de Galilea

Juan condenó a Herodes Antipas por casarse con Herodías,  la ex-mujer de su hermano

Imagen relacionada
Salomé bailando ante Herodes por Juan Valdés Leal (Sevilla, 1622 – 1690)

En venganza, Herodías le pidió a su marido la cabeza de Juan, para lo que utilizó a su hija Salomé,  que se lo pidió, tras bailar delante del rey, aunque Herodes Antipas se entretenía escuchando sus historias y era reacio a hacerlo porque le temía, ya que era un hombre «recto y sagrado», pero al final cedió.

Salomé presentando la cabeza de San Juan. Bernardino Luini. Museo de Bellas Artes de Boston

 Aunque reacio, Antipas ordenó la decapitación de Juan, y su cabeza le fue entregada a Salomé en un plato. ( El Evangelio de Marcos identifica erróneamente a Herodes Antipas como un rey,​ cuando era un tetrarca, ya que el territorio romano de Judea, era entonces una Tetrarquia, o gobierno de cuatro))

Otro oleo, esta vez de Caravaggio

A continuación, su cabeza le fué presentada a Herodes en una bandeja y su cuerpo  fue probablemente enterrado por sus discípulos.

Muchos estudiosos han considerado que la historia del arresto, la ejecución y el entierro de Juan puede haberse elaborado para relacionarla con el destino de Jesús.

Cabeza de San Juan Bautista por Juan de Mesa. Catedral de Sevilla

Varios lugares afirman o han afirmado poseer la cabeza cortada de Juan el Bautista. El lugar oficial de la Iglesia católica es la capilla de san Juan Bautista (Nabi Yahya en árabe) de la Mezquita de los Omeyas de Damasco

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_el_Bautista
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/j/juan_bautista.htm
https://religionennavarra.wordpress.com/2012/06/23/san-juan-bautista-y-la-historia/

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2018-06-20T23:07:31.743-07:00

San Pedro y San Pablo

La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es “Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles” es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio

San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO
Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.

Estatua de San Pedro en el Vaticano
Según el evangelio de San Mateo, Jesús,”caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron”

D. Ghirlandaio, “Llamada de los apóstoles” (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)
Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

“Entrega de las llaves a San Pedro”   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)

La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)
Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

“Las lágrimas de San Pedro”, José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…

“Liberación de San Pedro” por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano
Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.

Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio

“Dómine, quo vadis?” de Anibal Carracci
En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín “Quo Vadis?” que significa “¿A dónde vas?” que viene del  texto de los “Hechos de Pedro”

San Pedro por el Greco
La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

“Martirio de San Pedro” por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.

“Crucifixión de San Pedro” Políptico de Pisa  por Masaccio
El texto apócrifo “Hechos de Pedro”, escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo

Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma
SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía

Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30

 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 
En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».

Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona
Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».

Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):
Primera epístola a los tesalonicenses,Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)

“San Pablo encarcelado” por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia

​”Decapitación de San Pablo” por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua

“la Pasión de Pablo” del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.

http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

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2018-06-24T02:30:27.990-07:00