La Epifanía en el arte

Epifanía significa aparición, manifestación o fenómeno a partir del cual se revela un asunto importante. La palabra proviene del griego epiphaneia, que significa ‘mostrarse’ o ‘aparecer por encima’.
Pero la epifanía es también un acontecimiento religioso: Para muchas culturas las epifanías corresponden a revelaciones o apariciones en donde los profetas, chamanes, médicos brujos u oráculos interpretaban visiones más allá de este mundo.
Así. en la religión cristiana los Magos son unos personajes que aparecen en el Evangelio de Mateo (Mt 2-12), sin embargo, no aparecen en el relato de la infancia de Jesucristo que está en el Evangelio de Lucas.

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“Mago” en lengua persa significaba “sacerdote” y justamente los magos eran una casta de sacerdotes persas o babilonios. Ellos no conocían la revelación divina como los judíos, pero estudiaban las estrellas en su deseo de buscar a Dios.
Al principio los reyes tan solo eran magos, o puede que ni siquiera eso. Lo más probable es que fueran sabios instruidos en astrología, que supieron llegar al niño leyendo las estrellas. Por otro lado, los orientales también llamaban “magos” a los doctores.

San Mateo, el único que habla de los magos en la Biblia, explica que procedían de “oriente”, una zona que para los judíos eran los territorios de Arabia, Persia o Caldea.
Lo que no sabemos es el lugar exacto de Oriente (¿Persia?, ¿Mesopotamia?, ¿Arabia?…) y tampoco la ruta que siguieron ni a la ida ni a la vuelta.

Rutas del incienso

La tradición señala la ruta del incienso, y no solo porque uno de los regalos al Niño fuera el incienso, sino por tratarse de una ruta comercial muy transitada entonces.


LOS PRESENTES

La adoración de los Reyes Magos, detalle (1423). Gentile da Fabriano.
Galería Uffizi. Florencia

Mateo menciona a unos supuestos magos que llegaron guiados por una estrella a ofrecer al Salvador oro, incienso y mirra.


Simbolismo del Oro: Es el simbolismo de Rey, ya que el oro está asociado como el bien más preciado y más caro.


Simbolismo del Incienso: Es símbolo de purificación al nuevo Dios. Además de ser un bien muy preciado hemos de pensar que ya desde antiguo la purificación y adoración a los dioses griegos y romanos se empleaba el incienso y recogiendo esa tradición en el mundo judío también será motivo de gran valor.

Simbolismo de la Mirra: Es símbolo de la Muerte ya que era utilizado en los rituales funerarios y para los embalsamientos por lo que es un simbolismo de la parte humana de Jesús y una anticipación al sufrimiento que padecerá.


SUS NOMBRES

Mateo hace un relato muy escueto en el que no aparece ni el número ni el nombre de estos magos. A partir de Orígenes (185-224) y con los Evangelios apócrifos se van añadiendo datos y detalles que la Iglesia va aceptando y los artistas aprovechan en sus obras.

A los tres magos, según la tradición, se les menciona con el adjetivo de sabios denominados: Gaspar, Melchor y Baltasar, pero no se dice nada sobre sus nombres, su apariencia, su raza o su edad. Incluso su número ha sido un misterio. A veces las respuestas a estas dudas solo aparecen mencionadas en leyendas y en los Evangelios apócrifos.

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Sus nombres quedan designados a partir del siglo IV y quedan mencionados en El Evangelio Armenio de la Infancia (s.IV), en su capítulo XII , donde ya se describen los nombres de los magos y su procedencia: “El primero era Melkon, rey de los persas; el segundo, Gaspar, rey de los indios; y el tercero, Baltasar, rey de los árabes. Los Evangelios Apócrifos, también nos darán más detalles acerca de estos Magos de Oriente.

SU NÚMERO

La adoración de los Reyes Magos Andrea Mantegna

Tradicionalmente y según el Evangelio árabe de la Infancia (s.V-VI), en su capítulo VII nos describe que fueron tres y que los jefes de su ejército, investidos del mando general, eran doce. Las tropas de caballería que los acompañaban, sumaban doce mil hombres, cuatro mil de cada reino”.
En realidad no se especifica su número que se acabó fijándo en tres, principalmente por una cuestión de lógica: si tres eran los regalos, tres serían los magos que los portaban. Claro está que la elección resultaba especialmente útil, por ser el tres un número de vital importancia en el cristianismo, pues resulta una alusión directa a la Santísima Trinidad.

SUS EDADES

Tríptico de Santa Columba, Roger van der Weyden 1455 Antigua Pinacoteca Munich

Las Edades del Hombre: Aunque en un principio en las representaciones iconográficas no hay una diferencia de edad, será en la época medieval en donde empezamos a ver esta diferencia de edades para simbolizar la juventud, la madurez y la vejez, dando a entender que la universalidad de las edades también son objeto de aceptación y adoración al Mesías. Aunque en representaciones antiguas Gaspar aparece representado como el rey imberbe y más joven, lo más común es que su edad sea la adulta, ocupando la juventud el rey Baltasar y Melchor , siempre suele encabezar al mas anciano.


SUS RAZAS

La Adoración de los Reyes Magos, Gerard David

Los Tres Mundos: Otro de los simbolismos de los reyes es la representación de los tres mundos conocidos hasta el momento, es decir: Europa, Asia y África y se convierten en representativos de las tres distintas razas conocidas en el momento, surgidas a partir de los tres descendientes de Noé: Sem, Jafet y Cam.

Tríptico de la Adoración de los Magos (1470-1472) de Hans Memling, Museo del Prado

En el siglo XIV, la expansión de la cristiandad hizo necesario un refuerzo de su universalidad. Se decidió representar, a través de los Reyes Magos, los tres continentes conocidos hasta el momento: Melchor sería el europeo, Gaspar el asiático y Baltasar el africano. Fue entonces cuando se empezó a representar el tercer rey mago de tez negra, cuyo estatus fué muy difícil de identificar ya que podían ser esclavos o reyes, de ahí que al principio más bien se le representa como a un árabe.

Tríptico de los Reyes Magos de la colegiata de los santos Cosme y Damián de Covarrubias S.XV

El descubrimiento de América planteó la posibilidad de incluir un cuarto rey mago, para que estos siguieran representando la totalidad de la humanidad. Seguramente muchos artistas habrían agradecido este cambio, dado que un número par favorecería composiciones más equilibradas, pero esto jamás llegó a consolidarse.

Foto de Sira Gadea

Sin embargo, el pintor Grao Vasco (Viseu, Portugal, 1475 –Tomar, 1542), pintó una adoración a la que incorporó un cuarto Rey Mago, representante del nuevo continente, con sus plumas, sus tatuajes, sus pinturas, su azagaya, y un cofrecito de madera, quien sabe si con semillas de cacao, en adición del oro, incienso y mirra. El cuadro, por cierto, puede visitarse en el Museo Nacional Grao Vasco, en Viseu, Portugal.

EL CICLO DE LA EPIFANÍA

La Epifanía del Señor es una fiesta religiosa de la Iglesia Ortodoxa y de la Iglesia Católica. En este contexto, se entiende por epifanía la revelación de la presencia del Dios encarnado, es decir, de Jesús hecho hombre frente a la humanidad. Sin embargo, las iglesias católica y ortodoxa relacionan este concepto a dos momentos diferentes.

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La Epifanía a San Juan Bautista en el río Jordán de Nicolás Poussin

.En la Iglesia Ortodoxa, la Epifanía se refiere al momento en el cual Dios revela la procedencia divina de Jesús a través del Espíritu Santo durante el bautismo de Juan

Tríptico de la Adoración, Mpnasterio de Pedralbes, Barcelona


Para la Iglesia Católica, la fiesta de la Epifanía del Señor, que se celebra el 6 de enero, se relaciona con el momento en que Jesús fue dado a conocer a los reyes magos, que también se la llama “la Adoración de los Reyes Magos”

Curiosa representación de la Cabeza de Herodes de Giuseppe Arcimboldo .1566

El Evangelio del Pseudo Mateo, llamado también “Libro del nacimiento de la bienaventurada y de la infancia del Salvador” es un evangelio apócrifo, que cuenta que el acontecimiento tuvo lugar dos años después del nacimiento, un dato que coincide con el Edicto de Herodes mandando matar a todos los niños menores de dos años.

Adoración de los magos 1610 Baltasar de Echave Orio, Museo Nacional de Arte, México

En realidad, nos dice que visitan al Niño en su casa. Ya no está en el pesebre. Se cree que Jesús tendría entre 2 y 3 años, de ahí que fuese ese rango de edad, el determinado por Herodes en la posterior matanza de los inocentes.

Imagen relacionada
“La huida a Egipto” de Giotto Capilla Scrovegni, Padua

Un nuevo mensaje celestial, advirtió a José de la amenaza y éste, llevando a María y a Jesús, huyó a Egipto.


ESCENAS DEL CICLO

Los Reyes Magos Museo Nacional de Arte de Cataluña

1-“El anuncio a los Magos”, es la primera escena del ciclo de la Epifanía, es el momento en el que ven la estrella e interpretan que ha pasado algo importante.
No solo hay evidencias arqueológicas que prueben que los fenómenos que cuenta Mateo en su Evangelio sucedieron tal cual, también historiográficas y, por si fuera poco, astronómicas.

Políptico de la Navidad de Rogier van der Weyden en el Metropolitan de Nueva York

Y aquí hay que recordar lo que preguntaron los Magos al entrar en Jerusalén: “¿Dónde está el Rey de los judíos que ha nacido? Pues vimos su estrella en el Oriente y hemos venido a adorarle”.

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2-La escena del “Encuentro de los Magos con Herodes” también puede aparecer en el ciclo: En el Evangelio de san Mateo también se dice que mientras los Magos estaban de viaje, Herodes el Grande fue informado por sus astrólogos, que habían interpretado las señales del cielo, del nacimiento del Rey de Reyes, y que como el monarca creyó que iba a destronarle decidió matar al niño.

Matteo di giovanni, “matanza de los inocentes por Herodes”. Museo de Capodimonte

Así, cuando se enteró de que los Magos iban a visitarle les convocó en su palacio y les pidió que se lo comunicaran, en cuanto supieran dónde había tenido lugar el nacimiento

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Fra Angélico, matanza de los inocentes. Convento de San Marcos de Florencia
Adoración de los Magos. Hans Multscher, Altar Wurzach. Berlín

3-“la Adoración de los Magos o Epifanía”, la más importante del ciclo por ser una de las cuatro Teofanías o manifestaciones de Cristo como hijo de Dios En el ámbito bizantino el primer rey suele hacer una prosquinesis poniéndose de rodillas o tumbándose en el suelo, como reverencia oriental

“Revelacion del angel a los magos” salterio de Maria de Navarra

4-“En la cuarta escena,” se les aparece un ángel que les anuncia las intenciones de Herodes. En el Sueño de los Reyes, se les representa acostados en la misma cama y con la corona puesta.

Bóveda del baptisterio de Florencia. Epifanía, el Sueño de los Magos y el Viaje de vuelta a Oriente

5-El ciclo, a veces , puede completarse con Los Magos volviendo a Oriente en barco.

foto de Sira Gadea

LA EPIFANÍA EN EL ARTE

ARTE PALEOCRISTIANO
La primera representación de la Adoración, se encuentra en la capilla griega de las Catacumbas de Priscilla en Roma S.II

tres sarcófagos paleocristianos

Sarcófago de Layos (Siglo IV, Toledo), hoy en el Museu Marès de Barcelona; Sarcófago del Cementerio de Santa Inés (Roma, siglo IV); Sarcófago de Isacio.

Iglesia de San Vitale de Rávena, siglo V d.C

BIZANTINO
La iglesia de San Apolinar el Nuevo conserva una serie de frisos realizados en mosaico de tradición bizantina en la que en uno de ellos se representa la adoración de los Reyes Magos.

San Vitale de Ravena S.V, detalle

En esta ocasión, es la primera vez en el arte en que los nombres de los Reyes Magos aparecen inscritos en la misma obra. En época paleocristiana y prerrománica se les representaba ataviados a la moda oriental por considerarlos persas, con gorro frigio o pileus

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Icono de San José

En muchas representaciones, San José suele aparecer, pero en un papel secundario. Puede estar de pie o sentado apoyándose en su bastón. Su alejamiento de la Virgen y el Niño, incluso dándoles la espalda, simboliza que él no es el verdadero padre.

ROMÁNICO

Auto de los Reyes Magos

Una de las principales obras de la dramaturgia europea medieval y la primera pieza teatral escrita en lengua romance, el Auto de los Reyes Magos”, que se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid

Epifanía en el Códice de Roda Academia de la Historia de Madrid

Escrito en la corte de Nájera por encargo de Sancho Garcés II (970-994). Consta de dos partes bien diferenciadas.La primera, de finales del siglo X, se supone elaborada por un monje precedente de San Millán de la Cogolla. La segunda parte es del S.XII Posteriormente pasó a la catedral de Roda de Isábena (Huesca), donde se conservó hasta el siglo XVII, a lo que debe su nombre actual. 

Epifanía. Ermita de la Vera Cruz de Maderuelo (Segovia) s.XII. Museo del Prado

Este es un ejemplo claro de cómo, la idea principal de la Epifanía se reduce a la mínima expresión al representar las figuras fundamentales que son la Virgen y el Niño con tan sólo un rey mago mostrando un presente al Niño. Seguramente que el condicionante del espacio.

Sueño de los Magos en Santo Domingo de Soria

En la imagen siguiente mostramos la dovela de Santo Domingo de Soria en la que se escenifica la escena del Sueño de los Magos con la advertencia del ángel a los Reyes de que no vuelvan a dar cuenta del Nacimiento de Jesús a Herodes y regresen a su lugar de origen por otro lado. Se trata de una escena que aparece con cierta frecuencia dentro del ciclo de los Magos

Frontal del altar de Aviá . Adoración de los Reyes. MNAC 1170-1200


RENACIMIENTO


Giotto: uno de los frescos de la Cappella degli Scrovegni (Padua).
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Fra Angelico: uno de los frescos del Convento de San Marcos de Florencia.
Botticelli: Adoración de los Magos.
Benozzo Gozzoli: la Cappella dei Magi del Palazzo Medici-Riccardi (Florencia).
Los Reyes estan representados por importantes personajes de la época
Resultado de imagen de miguel angel Adoración de los Magos.
Adoración de los Reyes Magos. Domenico Ghirlandaio Galeria Uffizi Florencia
Resultado de imagen de della robbia Adoración de los Magos.
Adoración de los Magos, Andrea della Robbia Victoria and Albert Museum, Londres.
Tríptico de la Adoración de los Magos, de El Bosco (1494, detalle), en el Museo del Prado.

El gran pintor neerlandés El Bosco (Jheronimus van Aken 1450 – 1516) realizó una importante obra conocida por el título de “Trilogía de la Epifanía” o “Adoración de los Reyes Magos”. Data del periodo comprendido entre 1485 y 1500, se compone de tres tablas y está considerado uno de sus trabajos más importantes. En la actualidad puede contemplarse en el Museo del Prado de Madrid.

Adoración de los Magos, por Leonardo da Vinci. Galeria de los Uffizi Florencia
Alberto Durero Adoración de los Reyes, 1504 Galería de los Uffizi

MANIERISMO

Adoración de los Magos por el Greco 1568 Museo Soumaya, Ciudad de México

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Retablo de la Adoración de los Reyes 1523 Alonso Berruguete, Museo de Escultura de Valladolid
Adoración de los Reyes Bartholomeus Spranger, Amberes en 1546-1611. National Gallery de Londres

BARROCO

Los pintores, a lo largo de los tiempos, se han encontrado con un reto importante al abordar este tema pictórico. Tienen que hablar de un evento importante, al tiempo que es un acto doméstico y tierno. Hay que mostrar la magnificencia de los Reyes junto a su séquito pero sin restar protagonismo a lo realmente importante, la gran humanidad implícita en la escena de la presentación del Niño Dios, irradiando ternura, bondad y humildad.

La Adoración de los Reyes Magos. Diego de Silva y Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Aún manteniendo los estereotipos básicos del tema iconográfico, Velázquez acerca mucho más el tema al espectador al convertir tanto a los reyes como a los protagonistas de la escena en personajes contemporáneos al momento de la Sevilla de principios del siglo XVII, tanto en vestimenta como en retratos. De esta manera se piensa que la Virgen es la mujer del pintor (Juana Pacheco) mientras que la cabeza del rey Melchor sería la de su suegro, maestro y pintor Francisco Pacheco

Adoración de los magos 1639 Zurbarán Musée des Beaux-Arts de Grenoble
Peter Paul Rubens. Adoración de los Reyes Magos ,1609 . Museo del Prado. Madrid

La narración de San Mateo, es sencilla y solo habla de unos Magos que viene de Oriente y de la manifestación del Niño Dios a los sabios.Una de las escenas que marca diferencia a este nivel es el cuadro de Rubens, que se encuentra en el Museo del Prado en Madrid. En él todo es exuberancia, sensualidad, poderío y exceso.

Representación de los Reyes y sus pajes, en la típica iconografía napolitana para los belenes

Cortejo de los Reyes Magos, otra representación para belén, por Francisco Salzillo. S,XVIII

NEOCLASICO

Adoración de Goya en la Cartuja de Aula Dei, Zaragoza

Es una de las obras más originales de la etapa de juventud de Goya y la serie consta de once escenas de la vida de la Virgen que se distribuyen como un friso a lo largo de los muros de la capilla del monasterio

LAS RELIQUIAS DE COLONIA

Catedral de Colonia

Los cuerpos de Melchor, Gaspar y Baltasar sufrieron un largo viaje por Irán, Turquía e Italia hasta llegar hace ocho siglos a la ciudad alemana donde se construyó una basílica para honrarlos con pompa y tradición. Desde entonces las reliquias de los Tres Reyes atrajeron una corriente constante de peregrinos a Colonia.

Relicario de los Reyes Magos

Este hecho, ocurrió a comienzos del siglo XII cuando, por orden directa de Federico I Barbarroja, se trasladó los restos de los Reyes Magos desde la basílica de San Eustorgio, en Milán, hasta la catedral de Colonia, con la intención de legitimar el Sacro Imperio Romano Germánico.

Frente del relicario con la escena de la Epifanía

Partes del relicario fueron diseñadas por el famoso orfebre medieval, Nicolás de Verdún, que empezó el trabajo en lo en 1180 o 1181. Tiene esculturas de oro elaboradas de los profetas y apóstoles, y de las escenas de la vida de Cristo. El relicario se completó cerca de 1225.

Cáliz limosnero de Pelegriñón. Museo Diocesano Barbastro

Por último, unas notas sobre los “cálices limosneros”: una tradición en España
Estos cálices también se denominan “de los Patriarcas” y al parecer fue Carlos I quien instituyó la costumbre, mantenida hasta tiempos de Alfonso XIII, de que los monarcas españoles ofrecieran al Niño Dios, el día de la Epifanía, tres cálices como recuerdo del oro, incienso y mirra que los tres Magos de Oriente regalaron al Niño Jesús. Al parecer, tanto Carlos I, como su hijo Felipe II, escenificaban la ofrenda entregando en la Misa Mayor tres cálices de plata sobredorada que contenían las mencionadas substancias
En algunas parroquias de Navarra, como Legasa (1647), Solchaga (1776) y en las Carmelitas Descalzas de Pamplona (1744) y Dominicas de Tudela (1749), existen elegantísimos cálices limosneros.

FUENTES:

https://definicion.de/epifania/https://verne.elpais.com/verne/2019/12/12/articulo/1576167463_021124.html

https://bloghistoriadelarte.wordpress.com/2014/12/27/iconografia-de-los-reyes-magos-iconography-of-the-magi-kings/

https://viajarconelarte.blogspot.com/2016/01/la-iconografia-de-los-reyes-magos-en-el.html

https://depaseoalarte.com/2015/01/05/peregrinaje-a-la-adoracion-de-los-reyes-magos/

https://www.taringa.net/+imagenes/el-extrano-periplo-de-los-restos-reales-de-los-reyes-magos_yy98q

http://arteparnasomania.blogspot.com/2016/01/la-dificil-composicion-de-la-adoracion.html

http://padulcofrade.com/monograficos/reyes_magos/auto_de_los_reyes_magos.htm

BIBLIOGRAFÍA


Rodriguez Peinado, Laura: “La Epifanía” en Revista Digital de Iconografía Medieval, vol. IV

Las gryllas y otros seres fantásticos

Genéricamente reciben el nombre de ‘grillos’, gryllas’ o ‘Grylloi’ ciertos pequeños monstruos pseudo-antropomorfos originados a partir de fantásticas combinaciones de partes humanas, animales e incluso vegetales. Los monstruos resultantes de esta mixtura son de pequeño tamaño y aspecto gracioso y ligero. La principal cuna de monstruos de nuestra cultura se encuentra en las fantasías y leyendas de la Antigüedad Clásica y de Oriente. Todos conocemos y podemos recordar una amplia gama de criaturas zooantropomorfas que casi nunca aparecen entre los primeros puestos del escalafón pero que, sin embargo, han estado presentes en el arte desde tiempos remotos.

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Grylla del Salterio de Luttrell, s. XIV. British Library | Blog125


 Estas criaturas de naturaleza mixta, en parte humanas y en parte animales: górgonas, arpías, sirenas, centauros, faunos, sátiros… son los antepasados directos de las grillas. 

Cuando preparé este tema, dudé si publicarlo o no en una página de románico y al principio no lo hice, porque abarca varia épocas y quizá no era pertinente, pero me he decidido a hacerlo, no solo por su relación directa con las artes de la Edad Media sino porque me parece una faceta interesante y poco conocida, aunque de hecho la veamos continuamente en la simbología románica:escultura, pintura, códices…y creo que una somera explicación sobre su origen y sus derivaciones, puede resultar interesante.Espero que os guste.. 

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 Es probable que el término derive de la palabra latina “grillos”, nombre del insecto que según la tradición romana personificaba el alma de los antepasados bajo la forma de “el grillo del hogar”, cuya función era protectora y benéfica.

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Plinio el Viejo, uno de los más originales escritores del siglo I, durante toda su vida ayudó a sus semejantes a comprender los maravillosos fenómenos de la naturaleza. Consideraba que tal misión era la más digna para un estudioso.
Pero como sucede con casi todos los componentes fantásticos del imaginario occidental, también esta vez encontramos a Plinio el Viejo, relacionado con estas extraordinarias criaturas

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 De entre sus muchos escritos, la única obra que nos ha llegado es “Naturalis Historia” (Historia Natural) en 37 libros. En ella se encuentra expuesta la sabiduría de su época, relativa a astronomía, geografía, medicina, zoología, botánica y otras ramas de la ciencia.
.Él nos explica la razón del nombre.de “gryllo·
Plinio narra cómo el pintor Antiphilos dibujó con aspecto ridículo a un hombre llamado Gryllus, apodado así por su semejanza a un porcino -pues grylloi o gryllos significa en griego “cerdo”, y lo hizo tan hábilmente que en adelante se utilizó este término con el significado que damos hoy a la palabra caricatura.

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Libro VII de la “Naturalis Historia” de Plinio el Viejo

Así se encabeza el Libro VII, cap.II, de la Historia Natural de Cayo Plinio Segundo publicada por el licenciado Gerónimo de Huerta, médico y familiar del Santo Oficio de la Inquisición, traducción hecha a instancias de Felipe II. De izda. a dcha. Vemos: Lucha de los pigmeos con las grullas, el acéfalo con ojos nariz y boca en el pecho, el escita que a voluntad podía convertirse en lobo, el sciópodo que con su pie podía defenderse del Sol, hombre con inmensas orejas, hombres de cuatro ojos y con un solo ojo en la frente.”

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Asi que, como sucede con casi todos los componentes fantásticos del imaginario occidental, también esta vez encontramos a Plinio el Viejo, relacionado con estas extraordinarias criaturas.

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  Diversos pueblos monstruosos habitantes de las Indias lejanas
Las expediciones de Alejandro Magno contribuyeron a afianzar la leyenda. Megástenes, en el siglo III a Jc. fue embajador alejandrino en la corte del rey indio Chandragupta y compuso una obra llamada Indica, sobre aspectos geográficos e históricos del extremo oriental del mundo. Fue cuidadoso y fiable en sus descripciones geográficas, pero cuando se refiere a la etnografía de las zonas remotas, rebosa fantasía. Él sí se dejó llevar por la magia de la imaginación en lo referente a los pueblos monstruosos y, a la nómina iniciada por Ctesias, añadió hombres sin nariz, otros sin bocas, otros extremadamente peludos que caminaban reptando, pueblos con un solo ojo, con orejas de perro, con los pies al revés y otras maravillas más.

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Las gryllas más antiguas –sumerias, escitas, iraníes, cretenses, grecorromanas…- eran de dos tipos fundamentales: unas se producían por escamoteo de partes del cuerpo, las despojaban el tronco y la criatura resultante quedaba reducida a una cabeza con extremidades; las otras se generaban por acumulación de cabezas, entre las que una de ellas, al menos, era de naturaleza humana.
 Según Picard, el origen de la familia de los monstruos de caras errantes, se encuentra en los dioses sin cabeza cuya cuna está en Creta y Egipto. La necesidad de conservar los principales órganos y la atracción de ciertas zonas anatómicas habrían determinado este desplazamiento.

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 Sello romano con grylla, que solian llevar los mandatarios

 La glíptica grecorromana ofrece todas las variedades posibles de estas combinaciones [gryllas antiguas]: cabezas con patas, cabezas con un cuello de cabeza de pájaro o de cuadrúpedo a modo de sombrero, troncos con doble cara, con una tercera cara o incluso un busto superpuesto

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Escribía Baltrusaitis que “la Antigüedad grecorromana tenía dos caras: por una parte, un mundo de dioses y de una humanidad en el que, …, todo es heroico y noble, y , por otra, un mundo de seres fantásticos de complejos orígenes, a menudo venidos desde muy lejos”.

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Cofre de época romana con cabezas de Medusa en el centro, flanqueadas por delfines de cuerpo sinuoso, en una composición que recuerda a las gryllas griegas,

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Detalle del cofre donde se ve la cabeza
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En época carolíngia, los Reyes, prelados y grandes señores, llevaban sellos y camafeos por motivos profilácticos,asi, Ludovico Pio,Pipino el Breve, Lotario e incluso Carlomagno, los llevaban .
En la orfebrería hay datos de haberse empleado las gryllas como tema principal. Las piedras preciosas cubrían a los santos los objetos siendo a veces empleados como sellos. Esta practica se desarrolla especialmente durante la segunda mitad del siglo XII. Hasta el propio Suger cuenta como buscaba afanosamente copas de sardónice y camafeos.

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 Se tiene que tener en cuenta la magia propiamente dicha, en los S.XII y XIII.que influyó con fuerza, en estas representaciones.

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En el siglo XII, en las representaciones artísticas, aparecen una serie de extrañas criaturas, ignoradas o poco conocidas que se integran en la iconografía gótica, los cuales son monstruos definidos por cabeza, extremidades inferiores y carentes de cuerpo. Se encuentran frecuentemente en la decoración de manuscritos, conjuntos escultóricos y tallas en los coros de las catedrales. Esta combinación puede ser más compleja; a menudo una segunda cabeza se fija sobre la primera mediante un largo cuello, otras veces la criatura se compone de una doble máscara de patas y un rostro por delante y un pico por detrás. En los primeros libros impresos emplearon ampliamente estas combinaciones tanto en las letras capitales como en las viñetas.

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Una serie de extrañas criaturas se habían extendido en la iconografía gótica en especial en la decoración de los manuscritos; el tipo básico, que se componía inicialmente de una cabeza provista de patas, evolucionó por la adquisición de una segunda cabeza -un rostro por delante y otro por detrás- que se fundía con la anterior directamente o mediante un pequeño torso.

   
En los códices, los trazos o la curva de una letra dividen las máscaras de una cara doble. La cabeza de un animal ya no se suelda detras de la cabeza humana, sino que simplemete se yuxtapone. A veces, el cuello del pájaro que sale de cráneo está como desgarrado. Todas las partes quedan en su lugar, pero sin formar un organismo. En la decoración de los libros, se desmonta la bestia

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  Gryllas representadas en códices, de manera habitual    

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 Con el tiempo cada vez se fueron mixtificando más, entrelazando partes humanas, animales y vegetales de manera cada vez más caprichosa y estrafalaria. Es importante, sin embargo, advertir que en todos los casos este tipo de monstruos tiene que ser al menos parcialmente humano

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A principio de la Edad Media, las grillas cayeron en desuso y no volverían a recuperar posiciones hasta bien entrado el siglo XIII, cuando la drôlerie gótica, heredera de la miniatura medieval y de las artes decorativas clásicas, empezó a animar las orlas de los códices miniados. A partir del siglo XIII y sobre todo en el XIV y XV, el catálogo de monstruos se distanció de la iconografía románica basada en el fisiólogo antiguo, el primer bestiario conocido.
La palabra francesa drôlerie, se refiere a algo extravagante, pintoresco o grotesco que por su singularidad divierte y hace reír.
Las grillas que aparecen en las La drôleries son criaturas mixtas entre humanas y animales que aparecen entrelazadas con el follaje no sólo en los códices miniados sino también en otros espacios periféricos de la obra de arte, representando con frecuencia escenas con mucha actividad y gran animación.

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Hieronimus Bosch, el Bosco

En el Renacimiento,hay que decir que hubo un pintor que pintó como nadie estas criaturas fantásticas. Me estoy refiriendo al Bosco. A lo largo de su obra, aparecen muchísimas veces representadas tomando todas las formas posibles: la grylla-pájaro, la grylla-insecto, caras dobles, personajes con la nariz en la espalda, etc. Entre sus obras destacan: los retablos de los Eremitas, el Juicio Final.y El Jardín de las Delicias

En El Bosco, las gryllas son numerosísimas y toman todas las formas:personajes con una nariz sobre la espalda, acéfalos, cabezas con piernas, esta últimas especialmente numerosas.

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Gryllas en “las tentaciones de San Antonio” de El Bosco 

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Boceto para “Las tentaciones de San Antonio” El Bosco

En el Retablo de los Eremitas (Venecia, Palacio Ducal), sobre el panel izquierdo y en primer plano, una cabeza de mujer con botas mira de modo severo y casi patético.

Según la moda de la época su cabeza, está rodeada por un velo blanco, pero, encima, se alza un buho en su nido, como una cimera ornitoforme.

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Gryllos en el Jardín de las Delicias El Bosco.

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“El Juicio Final” detalles
El Bosco fue el primer artista que trajo al primer plano de la obra de arte todos los temores y obsesiones que sobre el pecado, la culpa, el castigo y el infierno habían aterrorizado durante siglos al hombre del Medievo. Él, los verbalizó y les dio una forma tangible, pero a muchos de sus demonios, al mismo tiempo que los hacía aprehensibles, los formaba ridículos.

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El jardín de las Delicias El Bosco, detalle del Infierno

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 El jardín de las Delicias El Bosco, detalle

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Durante la Edad Media tardía lo grotesco funcionaba en los márgenes de la obra de arte como si fuera una risa . Y así fue hasta que la escalada del monstruillo prodigioso y grotesco llegó a la cima de la mano de Hieronimus Bosch, el Bosco, que lo sacó de la marginalidad para convertir al comparsa en uno de los personajes centrales de la obra.

  La grylla es uno de los principales actores del último acto de la historia del mundo.
En la Tentación de Lisboa, también ocupa un puesto importante. Sobre el panel derecho, una figura de Baubô con un puñal en el vientre, está sentada en el suelo.    

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Probable autorretrato de Bruegel el Viejo
también Pieter Bruegel el Viejo, otro pintor flamenco del siglo XVI, pintó magistralmente el mundo infernal y sus criaturas. Lo hizo en los grabados de Los siete pecados capitales, en 1558, y las grillas que en ellos dibuja son más bulliciosas y divertidas que amenazantes.  

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“La caida de los angeles rebeldes” de Bruegel

Marten de Vos, La tentación de San Antonio (detalle)

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  “Los siete pecados capitales”
Brueguel el viejo será el pintor holandés cuya pintura evidenciará una importante influencia bosquiana. Influencia totalmente ausente en la pictórica flamenca posterior del siglo XVII relacionada con la hermosura femenina de Rubens, los retratos de Rembrant, o los famosos retratos colectivos de Frans Hals.

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“Los siete pecados capitales” Lujuria  

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“Los siete pecados capitales”gula

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  “Los siete pecados capitales pereza”

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“Los siete pecados capitales” ira

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“Los siete pecados capitales” Avaricia

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  “Los siete pecados capitales” Soberbia  

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“Los siete pecados capitales” Envidia

Pieter Bruegel el Viejo , las tentaciones de San Antonio

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Las gryllas tambien las encontramos esculpidas en detalles arquitectónicos como gárgolas, capiteles, ménsulas o canecillos de los tejados, en los grabados y repujados de objetos y en la talla de muebles     

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Capitel con “Bigfoot” (Pie grande) Église Saint Patrice, Saint Parize-le- Chatel ( Nièvre) Francia Photo by Albert Pinto

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Las formas de estos seres no habían nacido en la Edad Media aunque en esta época fue cuando escaparon de los manuscritos y se dispersaron por las sillerías de coro.. La Antigüedad monstruosa sustituyó progresivamente a la Antigüedad humanista, y la simbología moralizada de las sillerías tardogóticas se fue desnaturalizando  

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Sillería del coro Catedral de Ciudad Rodrigo, detalle
.De los cuatro entalladores que con Rodrigo Alemán realizaron la sillería de coro de la Catedral de Ciudad Rodrigo uno de ellos, poseía una gran pericia en el tratamiento de rasgos faciales extravagantes, que quedan reflejados en estas tallas.

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Si el prodigio renacentista y barroco resultó tan seductor, no fue solo por la extraordinaria forma en que la naturaleza se manifestaba en ellos, sino también y sobre todo, por el significado final que se les atribuía. En la mentalidad de la época, todo lo portentoso tenía una razón de ser, los monstruos eran designios divinos y existían para mostrar o anunciar algo que debía ser interpretado y atendido

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 La cerda monstruosa de Landser, Alberto Durero, 1496
Las figuras monstruosas y los seres extraños, estaban de moda y se representaron con mucha frecuencia.

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Blemmia, Sciápode y Arimaspo. Ilustración de “El libro de las maravillas” de Marco Polo, S.XV en la Biblioteca Nacional Francesa.
En esta segunda tradición se inscribe el tema de los pueblos monstruosos y razas extraordinarias -de nombres sofisticados-, que, a pesar de su monstruosa apariencia y salvajes costumbres, fueron considerados de naturaleza humana y, por serlo, despertaron especial interés e inquietud. 

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 Monstruos dibujados por Ulisse Aldrobandi en el S.XVI; a cada una de estas imágenes acompaña una leyenda:
1.-En alguna isla del mar Caspio hay leones como el que se ve, tienen rostro humano pero son salvajes y feroces…
2.-En el último lugar de África, al final de la tierra, hay hombres que son del todo humanos excepto porque tienen el cuello de grulla y en el rostro, pico y barba de gallo…
3.-En el país del gran Tamerlán hay centauros de esta forma…
4.-En algún lugar de Tartaria se han encontrado monstruos como el que veis, tienen un cuello largo sobre el busto y en el extremo una cabeza de grifo, y en el pecho un rostro humano…

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Monstruo grabado de Ulisse Aldrobandi S.XVI

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“Basilísco” grabado de Ulisse Aldrobandi S.XVI
Tanto las imágenes como los libros que trataban de monstruos, proliferaron en aquellos siglos


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De la ‘Monstrorum historia’ de Ulise Aldrovandi (1522-1605)
1.- Mujer con rostro de simio
2.- Monstruo tricéfalo y anfibio que vivió en el Nilo

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 De la obra “Monstruos y prodigios” de Ambroise Paré, 1575
1.- Retrato de un monstruo asombroso con un cuerno, dos alas y una sola pata de ave de rapiña, un ojo en la articulación de la rodilla y participando de ambos sexos.
2.-Niño monstruoso que nació con dos cabezas, dos piernas y un solo brazo.
3.-Hombre sin brazos que sin embargo puede hacer con la cabeza o con los pies lo mismo que los otros hombres hacen con las manos

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Grabado de Fortunio Liceti en “De monstruorum causis, natura et differentis”. Edición de 1616.

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 “Retrato de un monstruo, que se engendró en un cuerpo de un hombre, que se dize Hernando de la Haba, vezino del lugar de Fereyra, Marquesado del Cenete, de unos hechizos que le dieron. Parteole Francisca de León, comadre de parir, en veynte y uno de Junio, de 1606 por la parte tras ordinaria”. Se llamaba su autor Pedro Manchego, fue publicado en Barcelona en el año 1606 y se conserva en la Biblioteca General de la Universidad de Granada.

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Fuentes:

http://valdeperrillos.com/books/libro-monstruos/monstruos-ridiculos

http://terradesomnis.blogspot.com.es/2012/10/las-deliciosas-visiones-de-hyeronimus.html

http://valdeperrillos.com/book/export/html/3272

http://www.thegardenbosch.blogspot.com.es/2012_08_01_archive.html

esculturacastellana.blogspot.com

http://barzaj-jan.blogspot.com.es/2016/10/gryllas.html

http://barzaj-jan.blogspot.com/2016/10/gryllas.html

 Bibliografía:

“Léxico de los símbolos” Edic. Encuentro 

  LunaBruna Bf photos

Iglesia Colegial del Divino Salvador (Sevilla)

iglesia Colegial del Divino Salvador, o simplemente de El Salvador, es un templo ubicado en la plaza del Salvador de Sevilla, y constituye la iglesia más grande de la ciudad, después de la Catedral.

La Plaza del Salvador siempre ha sido un lugar privilegiado dentro de la ciudad de Sevilla. Dentro de su perímetro ha albergado mansiones romanas, templos cristianos hispanorromanos, mezquitas, cementerios, hospitales, iglesias cristianas góticas y barrocas, tenderetes de frutas y verduras y todo tipo de comercios que se apiñaban a su alrededor.

Formaba parte del Foro Romano de la ciudad y en ella se encontraba una construcción de tipo basilical en el lugar que ahora ocupa la iglesia del Salvador.

Tambien hubo una pequeña iglesia en los tiempos de Teodorico el Grande, rey de los ostrogodos, de los siglos V-VI, en un nivel superior al anterior. 

En el año 829, debido al aumento de población de la zona, Abd al-Rahman II ordena al cadí de Isbiliya la construcción de una mezquita, que se erige sobre los restos romanos antes citados; Ibn Adabbas sería la mezquita mayor de la ciudad hasta la construcción, en 1.184, de la nueva Mezquita Mayor en los terrenos de la actual Catedral.

Iglesia de El Salvador fachada occidental

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 Delante de la fachada vemos el monumento a Juan Martinez Montañés, imaginero jienense que realizó en Sevilla inumerables obras, entre ellas el Señor de Pasión que se encuentra en la Capilla Sacramental de El Salvador

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Detalle del monumento a Martinez Montañes.

La Inmaculada que porta en sus manos es “La Cieguecita” de la Catedral 

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Pasillo que accede al patio desde la Plaza del Salvador.

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Hay otra entrada que sale al patio, desde la calle Córdoba que discurre por un estrecho callejón abierto en 1705 como parte del urgente saneamiento de un lodazal que reblandecía los cimientos de la torre

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Patio de los Naranjos

De esta mezquita se conserva tan sólo la base de la torre o alminar (unos diez metros sobre el nivel del suelo y otros dos metros por debajo) y restos de arcos y capiteles tanto romanos como visigodos en el Patio de los Naranjos del Salvador

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En las columnas de la galería, de las que no podemos apreciar la basa y en las que los capiteles quedan casi a ras de suelo, podemos apreciar que el pavimento del patio sufrió una importante elevación. Precisamente estos arcos indican que el nivel del suelo del Patio en la época almohade debió ser de unos tres metros inferior al actual.

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Vista del Patio de los Naranjos con la fuente en el lugar donde se hacían las abluciones de la antigua mezquitaLa configuración actual del patio es resultado de la adición de numerosas edificaciones y reformas acaecidas a lo largo de más de doce siglos. A su alrededor se distribuyen la Capilla del Cristo de los Desamparados en el costado occidental, las dependencias de la hermandad Sacramental en el frente meridional, la torre campanario que asoma por encima de una serie de habitaciones en el lado Norte, el antiguo Sagrario colegial ocupado hoy en parte por la actual Sacristía y que junto a una antigua capilla funeraria ocupan el frente Este, y las viviendas del párroco, el sacristán y el campanero que aún perviven en el recinto

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En el interior del Patio vemos la antigua fuente, que servía en la época almohade para que los que acudían a la mezquita realizaran sus abluciones.(Supongo que estaría en un nivel inferior y que la elevaron, o bien pusieron esta nueva, en época cristiana)

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Otra vista del Patio de los Naranjos

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En esta imagen se aprecia la longitud de las columnas reutilizadas y rehundidas en el pavimento actual

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Capitel visigodo reaprovechado de la iglesia de tiempos de Teodorico S.V

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Capitel romano de estilo corintio orientalizante

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Estos capiteles extrañamente situados casi a nivel del suelo, del que fué Patio de Abluciones de la Mezquita que precedió al templo cristiano, acredita el permanente trasiego de piezas arquitectónicas romanas de todo tipo, en esta parte del nucleo antiguo de la Ciudad, correspondiente al Foro y al Decumanus que seguía el trayecto de las actuales calles Águilas, Alfalfa, Alcaicería y Plaza del Salvador.

En estos mapas, indico donde se encontraban las construcciones romanas y la situación del Salvador

Resultado de imagen de plaza SALVADOR SEVILLA plano mezquita
Recreación de la mezquita de Ibn Adabbas de Ishbiliya

Al igual que la mezquita mayor de Córdoba, constaba de once naves transversales a la qibla y su nave principal era la de mayor altura, separadas entre sí por arcadas montadas sobre viejas columnas hispano-romanas o visigodas. 

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Torre que fué el antiguo alminar.

Restos del oratorio islámico son el patio y el arranque de la torre del templo, con vano geminado en forma de herradura Todavía subsisten los escalones empotrados en el pétreo machón central que constituye la columna vertebral de la torre desde el siglo IX..En la actualidad, la subida al campanario se hace desde el patio, a través de la vivienda del campanero, habilitada en la misma torre y en las galerías del patio.

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Detalle del campanario
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Parte superior de la Capilla del Cristo de los Desamparados.

Detalle de la linterna de la capilla del Cristo de los Desamparados, a la que se accede por el patio.

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Interior de la Capilla del Cristo de los Desamparados.obra de Ambrosio de Figueroa, en la que expone el Crucificado titular.Esta dentro del patio pero al exterior de la Iglesia.

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Mirando de frente a esta parte trasera de la iglesia, a nuestra izquierda, se muestra desde hace poco al público la Capilla de los Pineda.

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Capilla de los Pinedas

La vieja capilla funeraria del siglo XV se encuentra muy transformada por la elevación del suelo. Debió pertenecer al linaje de los Pineda y muestra la típica estructura de las capillas funerarias ochavadas hispalenses, cubierta con bóveda sobre trompas y el frente norte rehundido en forma de arco apuntado.

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El conjunto forma un espacio en el que se mezclan elementos góticos con la tradición constructiva islámica. Detalle de las bóvedas

Cripta de la iglesia

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Panteón, acceso

Propiedad de las Archicofradía Sacramental de Pasión se extiende por debajo de la Capilla Sacramental, y en ella están enterrados, entre otros don Carlos de Borbón y Borbón, sus hijos y su esposa doña Luisa de Orlèans, nieta de Fernando VII y abuela de Juan Carlos I.

Debido a esta relación familiar, la Infanta Elena, llevó su ramo de novia y lo depositó en la Capilla de Pasión. donde un coro rociero le cantó la Salve.

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Estatua de uno de los Padres de la Iglesia: San Jerónimo.(hay tres figuras mas)

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Planta y alzado de la iglesia del Salvador, donde se detallan las acciones restauradoras que se llevaron a cabo hace unos años y que no se pueden ver bien en esta imagen.(no he encontrado otra de mas resolución)

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Cuando los cristianos dirigidos por San Fernando ,conquistaron la ciudad permitieron que siguiera ejerciendo su función esta mezquita de Ibn Adabbas, hasta que en el año 1.340 se instaló en ella la Parroquia del Salvador, que antes había tenido su sede en otro lugar.

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La Plaza del Salvador era conocida también como Plaza del Cementerio o Cementerio de San Salvador, debido a su uso como tal hasta el siglo XVII.

Aparecen entonces las mismas diferencias sociales que en vida: los ricos son enterrados en capillas de los templos cuya construcción o reformas costean; los acomodados reposan en las criptas de esos mismos templos y los pobres son inhumados en el exterior, en el claustro, los patios o las proximidades de la iglesia, que también eran considerados suelo sagrado

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Esquina de la Plaza del Salvador con la Plaza de Villegas, Siguiendo por el exterior de la Iglesia . Allí encontramos un chaflán en el que se enmarca una sencilla cruz de madera (la Cruz de las Culebras),

El edificio original de la iglesia del Salvador resistió hasta 1.671, muy dañado por los estragos del tiempo y por los terremotos. Ese año, el arzobispo Antonio de Paino, durante una visita que hace a la Virgen de las Aguas, comprueba el estado ruinoso del edificio y ordena su demolición.

Fue construido de nueva planta en cinco años, de 1.674 a 1.679.año en que con el edificio casi terminado, a las cuatro de la mañana, el templo se hundió totalmente, dejando sólo los muros exteriores

Detalle de la Cruz de las Culebras y el retablo cerámico del Cristo del Amor.

El segundo templo respetaba la planimetría del edificio hundido, esto es, las cimentaciones correspondientes a las tres naves del templo

De estilo barroco, la Iglesia del Salvador presenta tres portadas, correspondientes a las tres naves del edificio

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Portada lateral derecha
La fachada principal, situada a los pies del templo, es de claro sabor manierista. Se encuentra elevada sobre una serie de gradas que sirven para nivelar el terreno.

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Portada principal

Es más alta la central, en cuyo centro se disponen dos ángeles que sujetan un escudo con el Agnus Dei. En cada una de ellas se dispone una ventana circular, más grande la central.

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 Plano del templo, donde se aprecian los nombres de sus dependencias y distintas capillas

En el siglo XIX la Colegiata del Salvador vio subastado su patrimonio económico por la desamortización y esto le llevó a perder fondos económicos para el mantenimiento del templo, y junto con ellos el carácter de colegiata, tras el concordato de 1851. En 1860 se realizó un importante proyecto de restauración. La capilla de la Pasión se restauró por Juan Talavera de la Vega en 1907. Sin embargo, desde 1918 no se realizó ninguna actividad de restauración o constructiva en la Iglesia hasta 1987, año a partir del cual se empiezan a realizar pequeños trabajos de restauración por parte de la Junta de Andalucía

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Nave principal

La entrada para la visita turística se realiza a través de una puerta que existe en el pasillo de entrada al Patio de los Naranjos desde el Salvador. El interior de la iglesia está dispuesto en una gran planta, dividida en tres naves, que a su vez se ordenan en cuatro tramos.

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Retablo Mayor. Cayetano de Acosta, siglo XVIII.

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 En el centro la Transfiguración de Cristo

 Jurídicamente perdió su carácter parroquial, quedando su collación integrada en la de San Isidoro; sólo nominalmente se ha recuperado el título de “colegial”, aunque no el carácter de iglesia colegiata.

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 El Padre Eterno, en el ático del retablo.

Coronando el ático también aparecen más Arcángeles, además de incontables angelillos que ocupan cada rincón del retablo.

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La Transfiguración

Bóveda del Presbiterio Pinturas de Juan de Espinal.

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 El retablo mayor con su bóveda

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Al fondo los Arcángeles Gabriel, Miguel y Seatiel. con un angel lampadario en primer término

El crucero se encuentra cubierta por una cúpula de tambor poligonal, rematada por linterna, también diseñada por Figueroa.

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Detalle de la linterna

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Reflejo de las vidrieras en uno de los pilares

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Púlpito de marmol

Sobre la puerta de entrada desde la calle, un impresionante órgano de estilo neoclásico rematado con angelitos, y que se sitúa en una tribuna. Fue restaurado hace unos años

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Retablo de la Virgen de la Antigua.

Es réplica de la famosa Virgen que existe en la Catedral de Sevilla. El cuadro está fechado en 1.715 y es atribuido a Juan Ruiz Soriano.

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Virgen de la Antigua. Juan Ruiz Soriano, 1.715.

Está imagen fue muy importante en la América colombina. El propio Almirante y muchos de los “descubridores” eran muy devotos de ella y, por ese motivo, la primera villa estable del continente americano fue llamada en su honor Santa María de la Antigua del Darién (actualmente terreno colombiano).

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 Las figuras del último cuerpo del retablo son san Blas, con las mártires santa Águeda (izquierda) y santa Lucía (derecha), todas del siglo XVII.

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La imagen principal, del Cristo de la Humildad y Paciencia, fue tallada por Antonio Quirós en 1.696. Se inspira en un conocido óleo sobre tabla de Durero, el Cristo de Dolores,de una gran calidad artística, expresando la soledad del Cristo torturado.

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Cristo de los Dolores de Alberto Durero
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Retablo de Santa Ana y la Virgen niña

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Santa Ana y la Virgen niña

El grupo escultórico de Santa Ana enseñando a leer a la Virgen fue tallado por José Montes de Oca en 1.714. La iconografía de Santa Ana y la Virgen niña es un tema recurrente en la producción de este artista sevillano.

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Retablo de la Virgen del Rocío.

Fue labrado por José Maestre entre 1.718 y 1.731, período en el que recibió varios encargos para “vestir” a la Colegial, que se encontraba prácticamente vacía desde su inauguración en 1.712.Esta imagen preside la peregrinación anual que se hace todos los años en la romería hacia las marismas del Rocio.

  Custodia de Pasión sobre el paso de Cristo, con el retablo del Cristo de los Afligidos al fondo.La canastilla del paso de Pasión sin los cuatro faroles de plata, imagino que para no restar protagonismo a la magnífica custodia de plata de la misma Hermandad. Todo ello protegido por una mampara de metacrilato.     

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Paso de la custodia de Pasión

Custodia de Pasión.

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Custodia de Pasión

Paso del Cristo de Pasión. Escena de la trasera.    

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Paso del Cristo de Pasión. Escena del lateral derecho.     

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Cristo de los Afligidos Gaspar Ginés, 1.635.    

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Retablo del Cristo de los Afligidos.

Fue originalmente el Retablo de la Cofradía las Ánimas. Se realizó en dos etapas distintas. La primera estuvo a cargo del ensamblador José Maestre, entre 1.721 y 1.724. La segunda etapa fue la reforma realizada por Manuel Barrera y Carmona en 1.786

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Situación de la Capilla Sacramental y a la derecha el Altar Mayor.

En el año 1.726, el Maestro Diocesiano Diego Antonio Díaz analizó una propuesta para la construcción de una nueva Capilla Sacramental y de la Hermandad de las Ánimas que sustituyera a la antigua, frente a la idea primitiva de crear una iglesia en miniatura, paralela a la Gran Colegial (al estilo de la Capilla del Sagrario de la Catedral),

Retablo portada de la Capilla Sacramental. Es de estilo rococó, realizado por Cayetano de Acosta entre 1756 y 1764

Antes que nada, comentar que esta capilla tiene truco. La parte exterior, cerrada con una verja de hierro se visita desde la nave del Evangelio, pero al camarín en el que se encuentra Nuestro Señor de Pasión, se accede por una puerta lateral que se abre en la sala de venta de recuerdos que hay en el Patio de los Naranjos.

  El primitivo retablo interior de la Capilla Sacramental fue labrado por Cayetano de Acosta en 1.756. Se instaló frente a la gran ventana que daba al Patio de los Naranjos, que se cegó en los años 50 del siglo pasado, y que, en origen, conseguía un efecto de “transparencia”

Se sustituyó por el que vemos hoy, de plata, propiedad de los jesuitas, que fue concedido a la Colegiata tras la expulsión de éstos en el siglo XVIII. Es obra del platero Tomás Sánchez Reciente, fechado en 1.753 

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Retablo de plata del Cristo de Pasión desde el interior de la reja.

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Cristo de la Pasión de Juan Martiñez Montañes 1610

Se le refleja en actitud de caminar, con el pie izquierdo apoyado en tierra, mientras el derecho se levanta, y el dedo primero roza levemente el suelo, posición que le ha provocado más de una vez cierta inestabilidad.

En la hornacina central de la capilla, nos aguarda el Cristo de Pasión, imagen en madera esculpida al natural. Es un nazareno de cedro, obra de Martínez Montañés, según testimonio de fray Juan Guerrero, fraile mercedario contemporáneo suyo, y está policromado por Francisco Pacheco, suegro de Velázquez.

Imagen relacionada

Cristo de la Pasión detalle No se trata de un Cristo de Dolores sangrante, ya que simboliza la resignación. La advocación se relaciona con la de una cofradía de Valladolid que en 1.577 recogía los dolores, afrentas y tormentos, sufridos por Cristo durante la Pasión.    

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Capilla Sacramental rincón izquierdo con la imagen de la Virgen de la Merced, cotitular de la Hermandad de Pasión    

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Virgen de la Merced imagen moderna que acompaña al Cristo    

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Cirineo

También nuevo, o mejor dicho, expuesto desde hace poco la imagen del cirineo que encontramos al salir del pasillo, en el rinconcito de la derecha. Esta magnifica obra es una obra de Sebastián Santos que sustituyó a la anterior y que tuvo una vida procesional muy corta, pues solo acompañó al Cristo de Pasión desde 1.970 hasta 1.974.

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San José

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San Juan Evangelista, que acompaña a la Virgen en el paso de palio

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Virgen del Voto

A la derecha del la Capilla Mayor se levanta el retablo de la Primitiva, Pontificia Archicofradía y Real Hermandad de Nazarenos de la Sagrada entrada en Jerusalén, Santísimo Cristo del Amor, Nuestra Señora del Socorro y Santiago Apóstol.

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Retablo del Cristo del Amor. Situado en el testero colateral de la nave derecha.

En el centro del retablo se encuentra la magnifica imagen del Cristo del Amor que tallara Juan de Mesa. Su precio fue de 1.000 reales y es una de las diez imágenes que le fueron encargadas al escultor y uno de los mejores crucificados de Sevilla

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Cristo del Amor

Este discípulo de Martínez Montañés (apenas en doce años, pues murió a los 44 de tuberculosis) dejó obras tan importantes como este Cristo del Amor, el Señor del Gran Poder, el Cristo de la Buena Muerte (Hermandad de los Estudiantes), el Cristo del Buen Ladrón (Montserrat) o el Nazareno de La Rambla (Córdoba) entre otras.

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Cristo del Amor

La advocación alude al mucho amor que tuvo Cristo, pues murió en la cruz por redimir al mundo. El pelícano que está a sus pies simboliza la muerte del Redentor, pues, según la tradición, cuando sus polluelos no tienen qué comer, el ave se abre el pecho, y los alimenta con su sangre

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La Entrada en Jerusalén o como la llaman en Sevilla “la Borriquita”es la otra hermandad compañera del Amor, que procesiona el Domingo de Ramos, con gran expectación de los niños.

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Detalle de “La Borriquita”

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Retablo de la Virgen de las Aguas.

 Virgen de las Aguas S.XIII

Es contemporánea de la Virgen de los Reyes y fueron traídas a Sevilla por San Fernando

Retablo de San Fernando.

Fernando III fue canonizado en el año 1.671. Entre 1.760 y 1.767 José Díaz compuso este retablo a la manera del antiguo gran retablo de la Capilla del Sagrario de la Catedral, hoy desaparecido.

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San Cristóbal. Martínez Montañés, 1.597.

era un mártir cristiano de Asia Menor al que ya se le rendía culto en el siglo V. La leyenda es mucho más pintoresca: Cristóbal (en griego “el que lleva a Cristo”) era un guerrero (hoy diríamos mercenario) de estatura colosal, con gran fuerza física.

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Un día cruza la corriente de un rio, cargado con un insignificante niño. A mitad del río, su peso se hace insoportable y sólo a costa de enormes esfuerzos consigue llegar a la orilla: Cristóbal llevaba a hombros más que el universo entero, al mismo Dios que lo creó y redimió. Por fin había encontrado a Aquél a quien buscaba..

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Santas Justa y Rufina. Jerónimo Hernández, siglo XVI.

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Las figuras de las Santas, atribuidas a Jerónimo Hernández, (finales del XVI) provienen del antiguo Hospital de las Cinco Llagas, actual sede del Parlamento andaluz

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 La Pila Bautismal fue labrada por el cantero Pedro López de Verástegui en el 1.591. Más adelante se modificó con la introducción de una pila menor

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Sacristía Alta

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Cabeza de Simón de Cirene. Juan de Mesa.    

En todo su recorrido podemos contemplar cuadros, tallas, retablos y objetos de culto de gran valor artístico que constituyen el Museo Colegial.

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Cristo del Buen Viaje. Anónimo, finales del siglo XVI.

Cabezas cortadas de San Pablo y San Juan Bautista. Llanos Valdés, 1.670.

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San Pablo. Anónimo sevillano siglo XVII.
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Jarras para óleos. Hernando de Ballesteros, siglo XVI.    

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Arca eucarística de plata. Antonio Pineda, 1.815.

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La parte posterior de la Iglesia da a la Plaza de Jesús de la Pasión antes denominada del Pan, por las panaderías que allí de encontraban. Fué el antiguo zoco en época almohade.

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En ella Miguel de Cervantes ambientó una de sus novelas “Rinconete y Cortadillo” como reza esta placa cerámica.

Vista de la plaza con la iglesia detrás

Antiguas arquerias de la plaza del Pan Las antiguas panaderias se convirtieron con el tiempo en tiendas, sobre todo joyerias y como curiosidad algunas de ellas conservan columnas romanas y algún capitel de las antiguas edificaciones que alli hubo.    

Vista de la cúpula del Salvador desde la Plaza del Pan

Con la última restauración se pretendió dar a conocer zonas habitualmente no accesibles del templo mediante visitas guiadas por personal cualificado. Durante algo más de una hora y media los visitantes se acercan al Patio de los Naranjos, Criptas, Camarín de la Virgen de las Aguas y Cubiertas del Salvador

Fuentes:

Bibliografía:”La iglesia Colegial del Salvador: Arte y sociedad de Sevilla en los siglos XIII al XIX” de Emilio Gomez Piñol 2000

leyendasdesevilla.blogspot.com.es

https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_del_Salvador_(Sevilla)

http://frdotor.blogspot.com.es/2014/02/fotos-de-sevilla-la-plaza-del-salvador.html

Iconografía del Niño Jesús

La iconografía es la ciencia que estudia el origen y la formación de las imágenes, las relaciones de las mismas con lo alegórico y lo simbólico, así como sus respectivas identificaciones por medio de los atributos que casi siempre las acompañan.
Muy poco aportaron los Evangelios canónicos a la iconografía del Niño Jesús, como consecuencia de la restringida información y extrema parquedad con que en ellos se trata su infancia, evidenciando el escaso interés de los evangelistas por los primeros años de Jesucristo. Marcos y Juan no hacen alusión alguna, mientras Lucas y Mateo, aparte de las escasas noticias sobre el Nacimiento y las Adoraciones, tan sólo hacen algunas referencias breves e inconcretas sobre episodios de su niñez, entre ellos la Circuncisión, la Imposición de su Nombre, o su presencia entre los Doctores.
Es patente que desde tiempos muy antiguos los católicos hemos tenido mucha devoción al Divino Niño Jesús, y hemos honrado su santa infancia.
En la Antigüedad, el Arte Romano nos ha dejado muestras de representaciones de carácter religioso, en las que se puede apreciar cierta analogía con la forma de realizar posteriormente las imágenes del Niño Jesús, ya que en ambas se ve englobado el sentido del dominio universal. Podemos citar las figuras de dos infantes: uno de la familia del Emperador Trajano y el otro, del también Emperador, cuando niño, Marco Aurelio. Se les representa con el globo imperial en la mano, corona laureada y reclinados sobre troncos de palmera. Estas figuras se encuentran integradas en la colección Brummer, de Nueva York, y en la Galería Borghese, de Roma, respectivamente

Vamos a intentar  un sencillo acercamiento a los orígenes y tipología de las imágenes exentas del Divino Infante, haciendo especial hincapié en la tradición de su presencia casi constante, en nuestros conventos.

El culto al Niño Jesús es muy antiguo, uno de los ejemplos más arcaicos le encontramos en la iglesia de Santa María de Aracoeli (Roma), que según la tradición, fue esculpido en un trozo de olivo del Huerto de Getsemaní, obra del siglo VII y se expone durante las fiestas navideñas en el Belén.

 Hacia el año 1200 San Francisco de Asís dispuso recordar con mucha solemnidad la Navidad haciendo un pesebre lo más parecido posible al de Belén y celebrando así entre pastores, ovejas, bueyes y asnos la misa de la medianoche, que se veneraba al Niño Jesús en la iglesia de Greccio, como uno de los ejemplos barrocos de la devoción a las imágenes infantiles del Señor.

Imagen de San Antonio con el Niño Jesús S.XIX

También, San Antonio de Padua fue un devoto tan entusiasta del Niño Jesús que según las imágenes que de él se conservan, mereció que el Divino Niño se le apareciera. La representación de Antonio de Padua en el arte pictórico o escultórico ha conocido una cierta evolución en algunos de los símbolos característicos. Antonio aparece en las primeras representaciones, además de vestido con el hábito franciscano (sayal y cíngulo que lo ciñe), con el libro de los Evangelios.

LOS PRECEDENTES

Fué en el Renacimiento, cuando en Italia, Flandes y España comenzaron a crearlos como estatua exenta para ponerlo en el foco de la devoción religiosa.

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Los precedentes más directos les encontramos en el Renacimiento italiano, más concretamente durante el Quattrocento, a partir de las figuras infantiles de Andrea del Verrocchio (1435-1488), que recreó distintos tipos clásicos de amorcillos romanos (putti) para presidir algunas fuentes.

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Francesco di Simone Ferrucci (1437-1493) también trabajaría en mármol algunas figuras de Jesús Infante con los atributos de la Pasión, siempre en un formato que apenas sobrepasa el medio metro de altura

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 Fue Desiderio da Setignano (1430-1464), formado en el círculo de Donatello, el pionero en elaborar una serie de imágenes del Niño Jesús en madera y mármol.

 LOS NIÑOS JESÚS DE MALINAS (BÉLGICA)

La producción italiana de figuras infantiles durante el siglo XV tuvo su contrapunto en la ciudad flamenca de Malinas, en cuyos talleres se comenzaron a elaborar unos modelos inconfundibles en madera en torno a los 30 cm

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Niño Jesús de la escuela de Malinas, s.XVI, perteneciente al convento de Santa Isabel de Toledo, llamado el “risitas”

Niño Jesús de la Bola Escuela de Malinas S.XVI en marfil tallado y dorado.

  Con una anatomía esquemática de anchas caderas, brazos en actitud de bendecir, rostros sonrientes, ojos rasgados y cabellos rubios y rizados. estas figuras tuvieron una gran difusión -sobre todo para la devoción particular llegando muchas de ellas a España.

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Niño Jesús ensimismado” colección particular

Será el siglo XVI el que contemple esencialmente la aparición de la iconografía y se continúe con gran auge durante los siglos siguientes.  

LOS GRANDES MAESTROS IMAGINEROS ESPAÑOLES

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Niño Jesús del Sagrario de Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

La cabeza y el busto son de estaño policromado. Descansa sobre peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

Se encuentra en la Capilla del Sagrario, adosada a la Catedral Hispalense , con especial protagonismo en los desfiles del Corpus.
El gran imaginero que tantas imágenes realizó, dentro de la Escuela Sevillana, hizo varios Niños Jesus, llamados “Montesinos” siendo el que aparece en la imagen, el mas famoso.

Durante el manierismo, en Sevilla se creó lo que podemos llamar el prototipo del Niño Jesús como escultura exenta destinada al culto, un paradigma muchas veces copiado (sin lograr del todo su calidad expresiva) y “exportado” a muchas regiones del Imperio Español. Se trata de una magnífica obra de Juan Martínez Montañés quien esculpió su famoso Niño Jesús de madera de cedro en el año 1606 o 1607. Hoy se encuentra en la Iglesia del sagrario al lado de la Catedral sevillana.

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Niño Jesús del Sagrario de Martinez Montañés vestido como Niño Eucarístico

Portando un cáliz y una hostia está concebido para presidir las celebraciones del Corpus.
El célebre Niño Jesús que realizara en madera Juan Martínez Montañés en 1606 para la Hermandad Sacramental del Sagrario de Sevilla, la imagen barroca infantil más bella de cuantas se hicieron en Andalucía y la más airosa de España, una auténtica joya de la imaginería a pesar de su aparente simplicidad.

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Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

Talla en madera con la cabeza y el busto de estaño policromado. Descansa sobre una peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

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Dulce Nombre de Jesús, titular de la Hermandad del Santo Entierro de Pilas

. Conocido como Niño Dios de las Carreritas. Obra anónima atribuida a Martínez Montañés. 

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Niño Jesús bendiciendo, de Juan de Mesa, discipulo de Martinez Montañés (Escuela sevillana S.XVII
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Huesca, Convento de Santa Teresa Niño Jesús, s. XVII

De la exposición “Signos, Arte y Cultura en Huesca”, 1994, ficha catalográfica de Belén Boloqui Larraya.
(No se menciona su autor, pero por su aspecto podria tratarse de un modelo de Mesa o Montañés.o al menos copia de ellos.)

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Niño Jesus atribuido a la Roldana (Escuela Sevillana) S.XVII Hermandad de la Redención de Huelva

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Niño Jesús Triunfante bendiciendo Atribuido a Alonso Cano (Granada, 1601-1667)

Entre 1634 y 1666 Peltre policromado Museo Nacional de Escultura, Valladolid

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Ya el pleno barroco nos traerá multitud de ejemplos, como el de la Hdad. Sacramental de San Juan de la Palma , obra de Francisco y Gaspar Dionisio de Ribas, donde el movimiento de los ropajes y la peana en forma de nube con querubines aportarán nuevos elementos a los modelos más afamados y del gusto de las corporaciones religiosas. Es costumbre que muchas Hermandades de la Semana Santa andaluzas, tengan un Niño Jesús entre sus imágenes. 

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Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia– encarga al escultor Jerónimo Hernández la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad.de Sevilla

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Francisco Salzillo. Niño Jesús del corazón. s.XVIII. Colección particular

El Niño Jesús del Corazón es uno de los temas más fascinantes, pero, por el contrario, más recientes en el corpus iconográfico cristológico.

LOS NIÑOS JESÚS CONVENTUALES:

El Niño Jesús entregando atributos de la Pasión a Santa Teresa de Jesús y a San Juan de la Cruz The Bowes Museum, en Durham (Inglaterra)

Es un cuadro muy raro, representa al Niño Jesús entregando signos de su pasión a santa Teresa de Jesús y a san Juan de la Cruz. El niño lleva puesto un roquete transparente con bordados, que deja ver todo su cuerpecito ( seguro que para el pintor o para los comitentes tenía algún significado) Los santos que más contribuyeron a difundir la devoción al Niño de Belén fueron Santa Teresa y San Juan de la Cruz, asi Teresa le tenía un amor tan grande al Divino Niño que un día al subir una escalera obtuvo tener una visión en la que contemplaba al Niño Jesús tal cual había sido en la tierra.

Imagen relacionada
Niño Jesús “el Lloroncito” de Santa Teresa. Convento de San José de Toledo

En recuerdo de esta visión la santa llevó siempre en sus viajes una estatua del Niño, y en cada casa de su comunidad mandó tener y honrar una bella imagen del Niño Jesús que casi siempre ella misma dejaba de regalo al despedirse. La hermosa imagen -que recuerda justamente al Niño Jesús de Praga, porque con su mano derecha bendice y con la izquierda sostiene un globo

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Niño Jesús de las Carmelitas de Sevilla

 Asi en museos carmelitas los Niños Jesús, cada uno bautizado con un apodo acorde con su iconografía o alguna de sus características, han sido vestidos de blanco, como se venía haciendo con motivo de la Pascua en los conventos del Carmelo Descalzo desde que fundara la orden Santa Teresa de Jesús. (Museo del Convento del Santo Angel de Sevilla)

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Era tradicional que algunas de estas imágenes fueran aportadas a la comunidad, durante el ingreso de las religiosas, como dote simbólico de su “matrimonio” con Cristo, dependiendo de las posibilidades económicas de las familias la calidad del escultor encargado de la talla y la riqueza de sus accesorios. Su presencia se implantó en todas las dependencias del convento: cocina, costura, lavandería, coro y en las propias celdas

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Curioso Niño Jesús articulado para vestir Escuela española,S. XVII. “Niño Jesús tipo melancólico”

En madera tallada policromada y dorada, con sistema articulado en brazos y piernas, cara de plomo y ojos de pasta vítrea

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Niño Jesús S.XVII Convento de las Carboneras del Corpus Christi (Madrid)

La presencia de pequeñas esculturas representando al Niño Jesús en las clausuras femeninas es un fenómeno extendido y en el que muchas veces se ha reparado, desde el punto de vista de la investigación, la devoción y la religiosidad popular. Acompañando el ajuar de las profesas, las representaciones del Niño Jesús servían de entretenimiento devoto y la posibilidad de modificar su ornamento y de trasformar su aspecto, suponían una agradable distracción.

Niño Jesús del Carmen, anónimo S.XVIII Convento del Santo Ángel de Sevilla
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Niño Jesús de las Carmelitas Descalzas, conocida popularmente como «Las Teresas»de Ecija

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Niño Jesús dormidito sentado Convento de Santo Domingo de Cadiz

Resultado de imagen de Niño Jesús de escuela española de fines del siglo XVI, perteneciente al convento de las Descalzas Reales de Madrid
Niño Jesús de escuela española del siglo XVI, convento de las Descalzas Reales de Madrid

En muchos monasterios femeninos era habitual la presencia de imágenes
del Niño Jesús
en las dotes de las religiosas; reflejo de ello son el largo
centenar de esculturas que se conservan en las Descalzas Reales. En esta
extensa colección se reúnen obras desde el siglo XVI hasta el XX, que
muestran muy variadas iconografías según los gustos artísticos y las
corrientes devocionales de cada época.

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Niño Jesús en Majestad del Monasterio de las Descalzas de Madrid

Las Descalzas Reales fué fundado a mediados del siglo XVI por la hija de Carlos V, doña Juana de Austria y contiene una preciosa colección de imágenes del Niño Jesús. Unos están desnudos, otros están cubiertos con pequeñas túnicas o camisas, los más suntuosamente vestidos con bordados y encajes; y mientras unos son delgados, otros son regordetes o decididamente obesos y con la cabeza llena de rizos.

EL CICLO LITÚRGICO EN LOS CONVENTOS

Resultado de imagen de En el monasterio de Santa Isabel de Madrid, se guarda esta imagen del Niño Jesús, tallada en madera en el siglo XVII.
Niño Jesús “Dormidito” Monasterio de Santa Isabel de Madrid

El ciclo liturgico era celebrado por las religiosas: Entre las actividades del Adviento figuraba en primer lugar la “Canastilla mística”, incitación a las religiosas a practicar la virtud mediante la realización de un pequeño sacrificio elaborando una prenda u ornato para una figura del Niño Jesús.

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Altar de las “Jornaditas· Convento de Santa Rosalía, Sevilla

El 16 de diciembre comenzaban las “Jornaditas”, procesión de las figuras engalanadas de la Virgen y San José por las celdas evocando el rechazo en la búsqueda de posada, Tambien se utilizaba el “Niño de las celdas”, una imagen del Niño

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Niño Jesús, “Tendidito”. Convento de Santa Clara, Montilla.

El día de Navidad se sacaban los mejores paños y objetos de orfebrería para la misa y una imagen del Niño Jesús presidía el refectorio, pasando después por todas las celdas para recibir de cada monja un verso que relataba los principales acontecimientos del año

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Niño de la Paja, Convento de Santa Clara Borja (Zaragoza)

En algunos conventos se celebraba el día 28 los Santos Inocentes y el día 30 la Sagrada Familia, practicándose el “Juego del Niño Perdido”, en alusión a la pérdida de Jesús en el Templo, consistente en esconder una imagen del Niño Jesús que la afortunada en encontrarla podía conservar un tiempo en su celda.

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Niño Jesús sentado Convento de Santa María de Dueñas o Convento de Nuestra Señora de la Consolación, Salamanca

El ciclo terminaba el 1 de enero con la celebración del Nombre de Jesús. Para ello se entronizaba una imagen del Niño Jesús y se le rendía culto con el apelativo de “Manolito”, nombre cariñoso derivado de Emmanuel. Tras la fiestas de los Reyes Magos y de la Purificación de María, conocida como la Candelaria, las imágenes del Niño Jesús, que recibían cariñosos apodos de las monjas, volvían a ocupar los arcones junto a sus ajuares.

LOS NIÑOS PASIONARIOS:

Niño Jesús del Convento de Santa Paula de Sevilla

La representación del Niño dormido responde al modelo de los Niños
de Pasión
que vincula la imagen infantil de Cristo con su futura muerte en
la cruz. A pesar de centrarse en el pasaje más dramático de su vida,
el semblante del Niño trasmite serenidad, fruto del convencimiento de
alcanzar la redención de todos los hombres a través de su Pasión de la que, finalmente, saldría victorioso.

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Niño Jesús del Cnvento del Carmen de Jeréz (Cadiz)

Otro de los modelos más significativos, y al que sencillamente denominaremos como Niño con los atributos de la Pasión, consiste precisamente en esto, una imagen de Jesús Niño a la que se complementa con atributos o elementos, habitualmente de reducido tamaño, identificables con la vía dolorosa.

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Niño pasionario-Convento de las Carmelitas de San José Toledo

Esta iconografía procede de las palabras de Santo Tomás: “Que en el momento de su concepción, el primer pensamiento de Cristo fue para su Cruz”. Es evidente que en el Medioevo se utilizaron los instrumentos de la Pasión, dominaban en la liturgia de las vísperas de la Semana de Pasión, en el canto del himno “Vexilla Regis” y encabezaban las procesiones del Jueves Santo. Será en el siglo XVI cuando se una la Infancia de Cristo con la Pasión, siendo los Jesuitas sus mayores propagadores, apareciendo con frecuencia

Cristo Niño jugaba en su casa de Nazaret tejiendo la corona de espinas, y se pinchaba en el dedo, del cual brotaba una gota de sangre, Como podemos observar en el Niño Jesús del Corazón

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Niño Pasionario de Alonso Cano

La túnica suele arrastrar por el suelo en señal de dolor por los sufrimientos. Sostiene una cruz de mayor tamaño revelando de este modo la aceptación de la Cruz a través de su unión al madero del suplicio.

Niño Jesús Pasionario S.XVIII

  No suelen presentar nimbo ni potencias, aunque por el contrario hay algunos que coronan su cabeza con lacerantes espinas.

El Niño meditabundo, a veces con sus mejillas llenas de lágrimas y otras con sus ojos llorosos, pero generalmente melancólicos, presiente y reflexiona sobre su trágico destino.
 Ordinariamente se presentan de pie aunque también pueden aparecer sentados sobre riscos de piedra o nobles sillones tallados, recostados, e incluso de rodillas.

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Niño Jesús Pasionario. Anónimo 1800. Convento de Jesús Nazareno. Chiclana (Cadiz)

A partir del siglo XVIII estas imágenes acentuaron el uso de postizos, incorporando pelucas reales junto a los ojos de cristal, destacando los ejemplares llegados desde los prestigiosos talleres napolitanos.

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Niño Jesús atado a la columna, es una representación poco usual como subtipo del Niño Pasionario.

Niño Jesús ensimismado de las Clarisas de Llerena (Badajoz)

 El Niño de Pasión también forman parte de este grupo los Niños que adoptan una actitud declamatoria, modelo denominado por algunos autores como “Niño ensimismado” o “Niño melancólico”, y que se representa habitualmente sin elemento iconológico alguno, y dirigiendo su mirada perdida al infinito o hacia el propio espectador; modelo que contó con gran difusión en los siglos XVII y XVIII.

“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid

Uno de los subtipos más recurrentes es el del Niño Jesús soñando con la Pasión. Se conservan ejemplares en los que el Niño aparece dormido sobre una cruz y una calavera que representa el triunfo de la vida sobre la muerte

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Niño Apocalíptico Convento de San Francisco de Asís de Sevilla

Las imágenes del Niño Jesús, en que éste aparece dormido o meditabundo sobre una calavera y que se puede interpretar como de Pasión por lo que de imagen premonitoria tiene

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“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid 
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Niño dormidito Convento de Santa Catalina Escuela castellana S.XVII Valladolid

Una de las representaciones menos frecuentes que se han  podido comprobar de los Niños estudiados han sido las imágenes de Niños Jesús en cunitas y este al estar recostado sobre la calavera, se le puede considerar entre los Apocalípticos.

 Otro ejemplar con su cuna

La espina, es una premonición de la Pasión de Cristo Es lógicamente esta escena una clara premonición de la Pasión de Cristo realizada a través de una descripción amable y en todo caso melancólica, que contó con una gran aceptación en la plástica colonial.

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Niño en la Cruz Monasterio de Santa María de Gracia

Regentado por las Madres Agustinas de Huelva, niño en la cruz contó con poca aceptación entre los fieles, debido a lo impactante que resultaba, rozando incluso lo desagradable, pero a pesar de haber sido censurada desde la propia Iglesia, se labraron y pintaron imágenes del Niño Jesús clavado en la cruz.


LOS NIÑOS TRIUNFANTES

Imagen relacionada
También llamados Victoriosos. de Jerónimo Hernández

 La Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia es la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad de Sevilla
Tiene que llevar en su mano izquierda una cruz o estandarte, pues la cruz no solo es símbolo de la Pasión sino también de la Resurrección y Victoria.Su tipo deriva muy directamente del creado por Juan Martínez Montañés, utilizado igualmente por Juan de Mesa.
Algunos autores consideran que hacia 1610, creó Martínez Montañés el tipo de Jesús desnudo, bendiciendo, en actitud naturalista, extendiéndose por España. También puede sujetar con la mano izquierda el globo terráqueo y bendecir con la mano derecha.

Niño de Plomo Aracena (Huelva)

Imagen antigua de estilo montañés La imagen esta realizada en metal de plomo policromado y porta una cruz de plata de ley.

NIÑO BUEN PASTOR

Presenta una mezcla iconográfica de dos tipos: bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda portando el estandarte, como Salvador del mundo, y también como Buen Pastor, con el báculo o cayado.

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El Buen Pastor de Bartolomé Esteban Murillo

Con este tema, sin embargo se produce una contraposición que raya casi en el antagonismo, entre pintores y escultores de la época.

Divino Pastorcillo de Hinojos, obra atribuida a Gabriel de Astorga.

Los primeros, salvo en raras excepciones, tratan la figura de Jesús Niño de una manera delicada y humana. Vemos Niños en los cuadros de Velázquez, de Zurbarán, pero sobre todo en los del artista que mejor ha sabido distinguir la infancia, Bartolomé Esteban Murillo, copiando sus modelos del natural e inmortalizándolos en lienzos de los que se conservan buena parte en nuestro país, repartidos por diferentes lugares, y muy especialmente en el Museo del Prado. Se representa en pintura al “Buen Pastor”, aparece Jesús Niño con una oveja, rememorando el pasaje evangélico de San Juan: “Yo soy el Buen Pastor y conozco a mis ovejas…

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Niño Pastorcito Divino de la Pastora de Capuchinos, obra de Cristobal Ramos

Su atuendo se compone de traje de pastor con zamarra, calzas y albardas, al que se incorporan, producto de la imaginativa piedad de la época, elementos complementarios como el zurrón, la esquila para llamar a la oveja perdida, sombrero de paja, pellica al hombro, e incluso en algunos modelos hasta navaja

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Niño Triunfante,llamado “Perdidito” de Antequera

Es otro de los modelos más populares y extendidos dentro del rico programa iconográfico de Jesús Infante, y tal vez por esta circunstancia sea uno de los que menos descripción necesita. En él se representa a Jesucristo en edad infantil siguiendo la iconografía bizantina de la Resurrección, muestra además el gesto bendiciente característico del modelo que nos ocupa 

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Niño Rey de Reyes S.XVIII Convento de Dominicas del Corpus Christi de Valladolid

  El Niño Majestad es uno de los primeros modelos del Niño Jesús exento que ha llegado a nosotros es el , modelo iconográfico, que nos muestra al Infante como Rey y Señor, vestido ordinariamente con trajes cortesanos y ostentando atributos propios de su realeza. 

Niño Jesús de la Virgen del Rosario del Convento de Madre de Dios de Sevilla

Niño Jesús entronizado del Convento de Santa Paula de Sevilla
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Niño Salvador del Mundo

Las más antiguas representaciones exentas del Niño Jesús que han llegado a nosotros pertenecen a los últimos años del siglo XV y principios del XVI, y la mayor parte de ellas corresponden al Niño Salvador del Mundo. En este modelo, como en otros tantos, se sigue más o menos libremente la iconografía homónima de la versión adulta de esta advocación. Así, el Niño Salvador o Niño Redentor, es otra interpretación de la realeza de Jesús, y que fue plasmada en la figura de Jesús, si bien derivada del Niño Majestad, despojada de atributos reales, pero mostrando el globo terrestre sobre el que se apoya o sostiene con su mano izquierda.

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Niño Jesús como Salvador del Mundo Convento de las Huelgas de Valladolid

  . 

Bendito Niño del Rosario de la Hermandad de los Remedios (Málaga)


OTRAS REPRESENTACIONES

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Vestido de sacerdote

  Hemos de referirnos también, a una gran variedad de adaptaciones que las figuras recibían en el interior de las clausuras, donde la indumentaria y los accesorios elaborados por las monjas les conferían diferentes caracterizaciones, dando lugar a un extenso catálogo en el que el Niño Jesús puede aparecer como pastorcillo, peregrino, abogado, hortelano, cocinero, fraile, sacerdote, obispo, papa, etc.

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Niño Jesús de la Paz de fraile franciscano La Algaba (Sevilla)

Se representa al Niño Jesús como emblema de una Orden con su propio hábito

 Niño Jesús de vestir Anónimo, siglo XVII
Niño Jesús Salvator Mundi “el Patroncito”   Anónimo, siglo XVII Valladolid

LAS DEVOCIONES EN ESPAÑA

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Algunas imágenes son el origen de célebres fiestas, como es el caso del Bautizo del Niño Jesús en Palencia, que celebra cada 1 de enero la Cofradía del Dulce Nombre del Niño, fundada en el siglo XVI y con sede en la iglesia de San Miguel.

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Santo Niño del Remedio (Madrid)

Es una de las más veneradas en la capital de España, tiene una singular historia: En el año 1898 un encuadernador de la costanilla de los Ángeles posee una talla de madera de un niño que, según creencia popular, posee unas propiedades curativas. Este niño reposó durante unos años en un oratorio particular de las cercanías y pronto la devoción popular del Santo Niño del Remedio se generalizó en Madrid

Bendito Niño Jesús de Ntra. Sra. de las Mercedes de San Fernando. (Cadiz)


LOS NIÑOS JESÚS DE OTROS PAÍSES 

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Santo Niño de Cebú (Filipinas)

Alrededor del mundo, nos encontramos con diversas veneraciones a Jesús Niño. Por un lado, se encuentran las que lo representan como un bebé, y por otro, las que lo caracterizan como un niño más grande. Con respecto a los Niños Jesús del segundo grupo mencionado,además de la veneración de La Rioja, existen otras esparcidas alrededor del mundo, tales como la del Divino Niño, la del Niño Jesús de Praga, la del Divino Niño Alcalde de Cuzco,el Niño Jesús de Perú, entre otras.  

Niño de la Compasión de la ciudad de Malolos.

La religiosidad popular cristiana en Filipinas tiene un ejemplo de ello es este Niño

Niño de la Bola o Santo Niño de la Bola iglesia de St. Michael de Ebersbach (Ravensburg)

  Esencialmente es el que lleva en su mano un orbe real (la bola) como símbolo de su poder sobre el mundo.

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Niño Jesús de Praga Iglesia de Nuestra Señora de la Victoria en Malá Strana

El Niño Majestad lo podemos observar en el Niño Jesús de Praga Muchos de estos modelos alcanzarían una gran popularidad devocional, Esta figura de origen español esta modelada en cera.

Niño Jesús de Aglipay de la ciudad de Malabon (Filipinas)

Esta ataviado de forma principesca.

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El Niño de la Espina (Cuzco- Perú)

  Esta es la historia del autor de una tradición enraizada en los cuzqueños de hoy, se trata del imaginero Antonio Olave Palomino quién realizó el primer Niño de la Espina o Manuelito, una representación del Niño Jesús.con el pie atravesado por una espina.

Santo Niño Jesus de Tucumán S.XVIII Argentina

En Tucumán puede apreciarse una pequeña imagen del Niño Dios, que data del siglo XVIII. Es originaria del Alto Perú y fue realizada en cera.

Algunos ejemplares de la imagineria peruana  la de la ciudad del  Cuzco. estan realizados con  féculas, cañas de maíz y maguey ( vegetal andino) incluso algunos tejidos orgánicos de animales (camélidos andinos)

Niño Jesús de la Demanda de la  la Iglesia de las Mercedes de Guatemala 

Niño de la Espina Cuzco
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Jesús Tinkunaco o Riojano vestido enteramente como un niño incaico 

Imagen del Niño Dios en disfraz de la cultura azteca (México)


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Santo Niño Jesús de las Suertes Concepcionistas de San Bernardo Xochimilco México

El Cabildo, convino que se echara en suertes entre dos conventos (de ahí su nombre de “las Suertes”), y que Dios mismo eligiera a qué convento de todos los de la ciudad quería ir. Se hizo la rifa y salió en suerte el Monasterio de San Bernardo. 

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  En la mayoría de este tipo de imágenes, los Niño Jesús se encuentran revestidos con atributos de autoridades civiles de distintas épocas. Este tipo de representación, comenzó aproximadamente en el siglo XVI en Europa, y desde allí se extendió hacia el resto del mundo. 

Niño de Belen de Xochimilco

 

FUENTES

http://www.lahornacina.com (fotos)

http://www.madrid.org/bvirtual/BVCM002463.pdf

https://prezi.com/h6nofxiczb24/iconografia-del-nino-jesus/

http://islapasionforos.mforos.com/1167541/6059431-imagenes-del-nino-jesus/?pag=3

En varias fotos, recogidas de la web, aparecen los nombres de sus autores.

El Greco

Imagen de cabecera: “Concierto de ángeles” 1608

El año 1541 Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco, nace en Candía (Creta), cuando la isla era territorio de la poderosa República de Venecia. El Greco se forma en Creta, en sus inicios fue uno de los grandes pintores de iconos, que mantenían las señas de identidad de la pintura griega ortodoxa, (a destacar su Adoración de los Magos)

Retrato de caballero anciano ca.1600

EL TALLER DEL GRECO:
El pintor organizó la producción de su taller a niveles distintos, los grandes encargos los realizaba en su totalidad él mismo, mientras que sus ayudantes realizaban lienzos más modestos con iconografías destinadas a la devoción popular. La organización de la producción contemplando obras totalmente autógrafas del maestro, otras con su intervención parcial y un último grupo realizado totalmente por sus ayudantes permitía trabajar con varios precios, pues el mercado de la época no siempre podía pagar los elevados precios del maestro. Por tanto hay múltiples obras del taller
En varios casos, el Greco y su taller pintaron varias versiones sobre un mismo tema, con variantes. Así sobre el Expolio, Wethey catalogó quince cuadros con este tema y otras cuatro copias de medio cuerpo. Sólo en cinco del artista y las otras diez las consideró del taller o copias posteriores. El tema que más se repitió es san Francisco, saliendo de su taller del orden del centenar de cuadros sobre este santo, de ellos veinticinco son autógrafos reconocidos, el resto son obras en colaboración con el taller o copias del maestro. Otros temas que repitió habitualmente son María Magdalena, los apóstoles, la purificación del templo, el bautismo de Jesús, el expolio de Cristo, Cristo con la cruz a cuestas, la Sagrada Familia y la Anunciación entre otros..

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Mapa de la isla de Creta (S.XVIII)

Domenico Theotokopoulos nació en la isla de Creta. Creta había sido la mítica isla de Zeus y Europa, del rey Minos, del laberinto y el Minotauro, para luego convertirse en parte del mundo griego y, más tarde, del mundo bizantino, ese mundo que pocos años antes había sido conquistado por los turcos.

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Knosos (Creta) frescos del Palacio de Minos

Fué el más importante de los palacios minoicos de Creta (Grecia). Fue construido hacia el 2000 a. C.

Domenico unió un gran interés por el color. La luz intensa de esta isla, en torno a la cual el sol hace brillar el Mediterráneo, hace que los colores se perciban de una manera especial, algo ya apreciable en las pinturas murales del palacio de Cnossos. Es habitual que las ciudades luminosas alumbren a pintores con una percepción especial de la luz y el color. Es así como surge un Sorolla en Valencia. Un Andrea Vaccaro en Nápoles. O un Tiziano en Venecia.


PERÍODO CRETENSE

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DOMENICO THEOTOCOPULI “EL GRECO”


Supuesto autorretrato año 1595-1600  Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) perIodo toledano de madurez

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La Dormición de la Virgen


Presenta la dualidad existente en la Escuela cretense del siglo XVI: la fidelidad a la Escuela bizantina tradicional y el eclecticismo inspirado en la Escuela italiana del Renacimiento, conocida gracias a estampas y algunos cuadros llegados de Venecia.
De un acertado eclecticismo que le lleva a incorporar novedades a un icono clásico: el tratamiento del grupo del cielo, la aparición del Espíritu Santo en forma de paloma, la inclinación de la figura de Cristo… Sin embargo, continúan los fondos dorados, el empleo de rostros estereotipados para las figuras o la ausencia de color y perspectiva

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San Lucas pintando a la Virgen

El Periodo cretense: Doménikos estudió pintura en su isla natal, Creta, y se convirtió en pintor de iconos en el estilo postbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años ya desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.

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San Lucas pintando a la Virgen detalle

 El estilo postbizantino era una continuación de la pintura tradicional, ortodoxa y griega, de iconos desde la Edad Media. Eran cuadros de devoción que seguían reglas fijas. Sus personajes se copiaban de modelos artificiales muy establecidos, que no eran en absoluto naturales ni penetraban en análisis sicológicos, con el oro como fondo de los cuadros.

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Adoración de los Reyes


Se trata de unas obras de la primera etapa de El Greco donde se puede apreciar claramente su formación como pintor de iconos en el taller de Georgios Klontzas.

PERÍODO VENECIANO:

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El muelle del Bacino de San Marcos en el día de la Ascensión, 1733-34, de Canaletto.
The Royal Collection, London.

En ese postbizantino, según Venturi, está el origen abstracto de las originales formas de la pintura del Greco. Logra el título de Maestro de la pintura y se traslada a Venecia en 1567. Venecia, capital de las artes y de la política cretense, donde conoce a los grandes maestros del Cinquecento veneciano como Tiziano y Tintoretto que convierten a El Greco en uno de los “madonneri” que, con una formación bizantina, trabajaron en Venecia.

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La curación del ciego , Gemäldegalerie (Dresde)

Realizada en 1567. Es la primera obra de su período veneciano.
Cristo y el ciego presiden el principal grupo a la izquierda, los discípulos a la derecha y un pequeño contingente en el centro. Todos se encuentra en movimiento, de acuerdo al eclecticismo de la época.

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Tríptico de Módena

La Galería Estense es el gran museo de bellas artes de Módena (Italia), heredero de las colecciones de los antiguos duques de la Casa de Este, que gobernaron durante el Renacimiento los ducados de Ferrara y Módena. Este museo tuvo su primera sede en el Palacio Ducal y fue trasladado en el siglo XIX a un sector del llamado Palacio de los Museos de la misma ciudad. Entre sus tesoros se cuenta el Tríptico de Módena, obra clave juvenil de El Greco
La tabla central tiene en su lado anterior esta imagen de la Alegoría del caballero cristiano y le acompañan en los laterales la Adoración de los pastores y el Bautismo de Cristo

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Tríptico de Módena reverso

Este pequeño altar portátil que se conserva en la ciudad italiana de Módena es una obra fundamental para entender la evolución del Greco durante sus primeros momentos de estancia en Italia. En su parte posterior una Vista del Monte Sinaí, la expulsión de Adán y Eva del Paraiso y la Anunciación.
 

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Anunciación de la Virgen

Perteneciente al Tríptico de Módena (Galería Estense), es una obra titubeante del inicio de su estancia veneciana.(ver foto anterior del tríptico completo)

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La anunciación, Museo del Prado.


Es una de las imágenes mejor logradas del período veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto, sobre todo en la arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un cuadro de ángeles
En estas obras estilísticamente distintas, se aprecia cómo asumió el lenguaje del Renacimiento veneciano.

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Tríptico de Ferrara La Oración en el huerto
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

El Tríptico de Ferrara, cuyas cuatro tablitas, de claro origen cretense, fueron las laterales del cierre del retablillo.

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Tríptico de Ferrara  La Crucifixión
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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Tríptico de Ferrara  El Lavatorio
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara  

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Tríptico de Ferrara Cristo ante Pilatos
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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La última cena , Pinacoteca Nazionale, Bolonia, Italia

Obra de El Greco, realizada en 1568. Representa a Cristo en la Última Cena con sus apóstoles, antes de sufrir su Pasión. El espacio pictórico, representado en perspectiva, tiene poco volumen corporal y parecer estar suspendido sobre el aire

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El entierro de Cristo año 1569-70 Museo Alexandros Soutzos (Atenas)

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La Adoración del nombre de Jesús (finales de la década de 1570)

También llamado como La Liga Santa o bien El Sueño de Felipe II o La Gloria. Parece que este fue uno de los primeros encargos que recibió El Greco de Felipe II. El cuadro original se encuentra en el Monasterio de El Escorial (Madrid) y esta pequeña obra no parece ponerse de acuerdo si se trata de un boceto del pintor antes de componer  la gran obra o bien es una copia que hizo a posteriori para tenerla en su estudio (práctica habitual de El Greco).El cuadro representa un momento histórico en la vida de Felipe II y es que tras la victoria de la batalla naval de Lepanto (1571), formado por la Liga Santa de los países de España, Venecia, Nápoles y Roma, se frenó el avance de los turcos por el Mediterráneo

EL PERÍODO ROMANO:

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Miguel Ángel – “La tentación de Adán y Eva y la expulsión del Paraíso” (1508-1512, fresco, Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma)

Resultaba muy difícil conseguir un exito decisivo en Venecia, la metrópoli de la pintura renacentista. La competencia parecía demasiado genial y sobre todo muy firmemente establecida en el gran mercado del arte: Tiziano, Tintoretto, Veronese, Bassano. Quizás era ésa una de las razones que motivaron El Greco a abandonar “La Serenissima” en 1569 e intentar su suerte en Roma, donde, no obstante, la situación resultó parecida.
Allí permaneció desde noviembre de 1570 hasta 1577. Cuando El Greco vivió en Roma, Miguel Ángel y Rafael habían muerto, pero su enorme influencia seguía vigente. La herencia de estos grandes maestros dominaba el escenario artístico de Roma. Allí aprendió una forma de pintar que los pintores romanos habían establecido, un estilo llamado manierismo pleno o maniera basado en las obras de Rafael y Miguel Ángel, donde las figuras se fueron exagerando y complicando hasta convertirse en artificiales.

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La purificación del templo o La expulsión de los mercaderes

Realizada en 1571 durante su periodo romano. Se exhibe en el Instituto de Arte de Minneapolis.

Esta obra es una de las primeras muestras de la madurez de El Greco. El pintor mantuvo las líneas básicas de su primera versión y consigue crear dos grupos contrapuestos

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La Piedad año 1571-76 29 x 20 cm Museo de Arte (Filadelfia)

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional de Capodimonte Nápoles

  o El soplón es una obra de El Greco, realizada en 1571 durante la estancia del artista cretense en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque no se conoce a ciencia cierta su origen.
El pintor repetirá este tema varias veces a lo largo de su carrera. El cuadro está inspirado en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.
Tradicionalmente se ha considerado esta imagen como producto de la influencia de Jacopo Bassano, aunque recientes estudios han determinado que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido.

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Fábula  1572 

 Otra versión del anterior

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional (Capodimonte)

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Retrato de Vincenzo Anastagi año 1571-76 Colección Frick (Nueva York)

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Retrato de Carlos de Guisa año 1572 Kunsthaus (Zúrich)

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Retrato de un hombre (Andrea Palladio?) año 1575 Museo de Arte (Copenague)

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La Anunciación El Greco, 1575 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Es una obra de El Greco, realizada en 1575-1576 y conservada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Es una de las primeras obras de esta temática realizadas por El Greco, que repetirá este asunto varias veces más a lo largo de su dilatada producción artística.

La Virgen María, sentada en un reclinatorio, gira para recibir la visita del Arcángel Gabriel y la paloma que representa al Espíritu Santo. La escena se enmarca dentro de un fondo arquitectónico sencillo y bien trazado, acentuado por un cortinaje rojo y un piso embaldosado. Al fondo se distingue un grupo de querubines.
Aquí se refleja la impronta de Tiziano y Tintoretto, sobre todo en la luz y el color.

El Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana

  Fue encargado en 1580 por Felipe II para decorar una de las capillas laterales de la Basílica del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, concretamente la capilla consagrada al santo.
 Doménico tardó casi tres años en pintar esta soberbia obra en su taller de Toledo, entregándola personalmente a finales de 1582, lo que demuestra que el pintor quería conseguir el favor de Felipe II y la oportunidad de poder trabajar en la decoración de El Escorial.  A su regreso de Portugal en 1583, el rey pudo ver la obra pero no resultó de su agrado, aunque su calidad artística le fue reconocida al tasarse la obra en 800 ducados.

ESCULTURA
La dimensión escultórica de El Greco recobró cierto auge, que hizo volver la mirada sobre su producción .

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Así, excluyendo este Ecce Homo cuya peculiaridad con respecto a otras obras es que es la única que supuestamente está firmada [con las iniciales griegas delta y theta] por El Greco

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Es dudosa la concepción por parte de El Greco del Cristo Resucitado que está en el museo toledano del Hospital de Tavera (restaurado tras la guerra civil)

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Y mas seguro el conjunto escultórico de la Imposición de la casulla de San Ildefonso en la Catedral de Toledo

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  Y, con algunas reservas de conocedores de la obra del cretense, las estatuas de Epimeteo y Pandora del Museo del Prado. Son trabajos indocumentados pero la atribución al artista suele ser generalmente aceptada.

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Está basada en el testimonio de Pacheco, que vio en el estudio de El Greco una serie de estatuillas de cera, estuco, y madera, pero pueden haber sido simplemente modelos, como los que se usaban en los talleres italianos donde El Greco fue entrenado.

La atribución se basaría en algunos desnudos en las pinturas de El Greco, en sus dimensiones alargadas,( evidentemente desproporcionadas) sus posturas flexibles y su oposición en contrapposto.

MITOLOGIA Pandora fue una hermosa creación de barro realizada por Hefesto por instigación de Zeus, quien pretendía vengars...
Epimeteo y Pandora

La identificación de las figurillas es también problemática. Al principio se pensó que representaban a Adán y Eva o incluso a Vulcano y Venus, pero fueron correctamente identificados como Epimeteo y Pandora en el año 1961.

Pudieron ser un encargo concreto o ser una creación para uso del propio artista, sirviendo tanto para su uso en el taller, como modelos para composiciones pictóricas, se interpretó que estas figuras eran representaciones de viendo en ellas una reinterpretación del David de Miguel Ángel con ligeras variaciones: figuras más alargadas, distinta posición de la cabeza y las piernas menos abiertas. Salas también señaló que Pandora corresponde a una inversión de la figura de Epimeteo, aspecto característico del manierismo. se consideró que fueron modelos para determinar la posición más acertada de las figuras de la derecha de la pintura del Laocoonte.

 PERÍODO TOLEDANO INICIAL:

En Roma, El Greco no destacó exactamente por una falta de orgullo: propuso remplazar los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina por nuevas obras suyas que serían más “decentes”. Aquella propuesta, como era de esperar, provocó el rechazo indignado de muchos pintores romanos y contribuyó a su convicción que tampoco en Roma iba a encontrar la suerte deseada. 

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Monasterio de El Escorial

Por lo tanto, cuando en el año de su muerte 1576 el gran Tiziano le dió una carta de recomendación al Greco, dirigida al Rey Felipe II, el que estaba buscando muchos artistas para decorar las más de mil habitaciones de su nueva residencia, el Palacio del Escorial (antaño la obra más grande de Europa), el pintor de Creta decidió intentar a su edad de 35 años un nuevo comienzo en España.

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Vista y plano de Toledo 1610-1614

   Con esta obra el Greco contribuye a la difusión de la nueva imagen de la ciudad de Toledo al representar las principales construcciones modernas de aquel momento -el Alcázar, la Puerta de Bisagra y, sobre todo, el Hospital Tavera, que domina claramente la escena, al tiempo que oculta las emblemáticas construcciones medievales: la Catedral y el Monasterio de San Juan de los Reyes. Así mismo representa alegóricamente la gloriosa historia de la ciudad, enfatizando su pasado romano mediante la representación de un dios fluvial, que derrama el agua y simboliza al río Tajo. Además, muestra su carácter de lugar favorecido por la divinidad, con la representación del milagro de la aparición de la Virgen para imponer la casulla a San Ildefonso, obispo visigodo de Toledo.

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La Trinidad (1577-79)

Desde 1577 residió en Toledo. En estos primeros años toledanos aparece el estilo personal del pintor pero el planteamiento es plenamente italiano. El oleo, que formaba parte de El retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo, su primer gran encargo en Toledo. Es notoria la influencia de Miguel Ángel.
 

PERÍODO TOLEDANO DE MADUREZ: 

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El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo)

Su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.
En este periodo se han incluido las obras desde 1586 en que le contrataron el entierro del Conde de Orgaz hasta 1596 en que le confiaron el retablo de doña María de Aragón. Muestra ya su característica elongación longitudinal de las figuras, así como el horror vacui (miedo al vacío), aspectos que se harían cada vez más acusados.

PERÍODO TOLEDANO TARDÍO:

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Cristo expulsando a los mercaderes del Templo (hacia 1600)

A partir de 1600 evolucionó a un estilo muy dramático, propio y original, intensificando sistemáticamente los elementos artificiales e irreales: cabezas pequeñas descansando en cuerpos cada vez más largos, la luz cada vez más fuerte y estridente.
El Greco se basó en el pasaje del Evangelio de San Juan, 22 (13-17) para realizar esta obra. El Greco realizó 5 pinturas con esta misma temática, la conservada en la Galería Nacional de Arte de Washington (1568), el Instituto de Arte de Mineápolis (1571), la presente de la National Gallery (1600), otra de la Colección Frick de Nueva York (1600) y por último la conservada en la iglesia de San Ginés de Madrid (1610).

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La expulsión de los mercaderes del templo

. Este óleo sobre tela mide 106 centímetros de alto y 130 cm de ancho, y fue ejecutado hacia el año 1600. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean

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La expulsión de los mercaderes del templo

Realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en la Iglesia de San Ginés de Madrid.
Tres versiones pintadas en Venecia (1570), Roma (1571-1576) y Toledo (1610-1614) donde se observa su evolución. La primera incorpora el colorido cálido veneciano y las mujeres de Tintoretto. En la segunda, los grupos de figuras han adquirido jerarquía y la arquitectura más romana está más integrada gracias a la luz. En la última, las figuras son típicas grequianas, el cuadro es más estrecho y dividido en una zona inferior con figuras y una superior de arquitectura etérea.  Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano

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Inmaculada Concepción

  A finales de 1607, el Greco se ofreció a terminar la capilla de Isabel de Oballe, que había quedado inconclusa por el fallecimiento del pintor Alessandro Semini. El artista, ya con 66 años, se comprometió sin gastos complementarios a corregir las proporciones del retablo y a sustituir una Visitación. La Inmaculada Concepción para esta capilla es una de sus grandes obras tardías, los alargamientos y los retorcimientos nunca antes habían sido tan exagerados o tan violentos

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San Jerónimo como cardenal (1590-1600)

La imagen de San Jerónimo fue un tema muy recurrido por el Greco. San Jerónimo es uno de los Padres de la Iglesia Latinos al traducir la Biblia del griego y el hebreo al latín.
Esta obra, realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en una de las salas del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

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Adoración de los pastores (1612-1614)


Una de sus últimas composiciones destinada a su capilla funeraria. Su estilo final es dramático y antinaturalista, intensificando los elementos artificiales e irreales: cuerpos muy largos en cabezas pequeñas iluminados con luces fuertes y estridentes.

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Firma de El Greco

Fuentes:

http://pedro-mundodebabel.blogspot.com.es/…/personajes-sing…

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/1418198

http://jmnavarron.blogspot.com.es/…/el-greco-y-el-museo-del…

http://materiaconstruida.blogspot.com.es/2014_03_01_archive…

http://www.academia.edu/…/Monogr%C3%A1fico_A%C3%B1o_Greco

El árbol de Jessé

Árbol de Jessé es el nombre que tradicionalmente recibe el árbol genealógico de Cristo, a partir de Jessé, padre del rey David. La representación del árbol de Jesé consta de tres elementos básicos:,
que se asocian respectivamente a las figuras de Jessé, María y Cristo.

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La representación más común consta de la figura reclinada de Jessé, padre del rey David, de cuyo cuerpo,generalmente de su vientre, nace un árbol en cuyo tronco y ramas aparecen algunos antepasados de Cristo (David, Salomón y María, entre otros) y por último la flor que es el propio Cristo.

Jessé que aparece casi siempre acostado, aunque también se le ve sentado o de pie, siendo en estos casos en muchas ocasiones por cuestiones del espacio en donde ha de estar localizada la obra. El tronco suele salir de su costado, del estómago, aunque también puede salir del corazón

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un
carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen.

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Entre los antecedentes de esta compleja representación debe señalarse el candelabro judío de siete brazos o menorá, que fue asumido por la liturgia cristiana,
con su implícito simbolismo de la llegada de El Mesías, al menos desde el siglo XI.
Desde finales del siglo XI y durante todo el siglo XII, se desarrollan todas estas imágenes que evolucionan de una naturaleza simple a otra más desarrollada.

El rey David,  Pedro Berruguete, Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Nava

Según las profecías el Mesías procedería de la Casa de David y nos aparece  en Mateo 1:1-17 y en Lucas 3:23-38; en ambas genealogías, los evangelistas tratan de conectar a Jesús con David por la profecía mesiánica. Jesús mismo en el Apocalipsis de San Juan dice (Ap 22,16) “Yo soy la raíz y retoño de David” incluyéndose dentro de los descendientes de David.

L'enfant Jésus dans les bras de Saint Joseph, par Guido Reni en 1635.

San José con el Niño, Guido Reni 1640  Museum of Fine Arts. Houston (EE. UU.)

También se hace la conexión a través de José, el cual solo era “padre putativo” pero la ley judía acepta este hecho como de pleno derecho genealógico y conexión a la familia del progenitor adoptivo. 

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Los Profetas del Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo en Santiago de Compostela

La veneración del arte medieval por el mundo antiguo llevó a la incorporación de algunos de sus personajes más ejemplares en el tema, además de los profetas. Su representación se basó en la creencia de que los paganos tuvieron su propia revelación.

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Ancianos filósofos.  Fresco en el  Sucevita Monastery,  Rumania

En el arte bizantino aparecen filósofos como Platón, con una filacteria que alude al dios desconocido.

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Sibila Eritrea Miguel Angel, Capilla Sixtina Vaticano

En Occidente, con el mismo sentido se representa a las sibilas, en ocasiones de forma personalizada, como la de Eritrea y en otras de forma genérica como simplemente Sibila, seguramente por influencia del drama litúrgico del “Ordo Prophetarum”del ciclo de Navidad.

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El teatro litúrgico u “Ordo Prophetarum”. Santiago de Compostela

(Desde 2001 se representa cada Navidad en la Catedral de Santiago de Compostela).

Es de reconocida opinión que el drama litúrgico de los profetas (Ordo Prophetarum), inspiró las más extensas representaciones de reyes y profetas en el tema del Árbol de Jessé.  A diferencia de otras obras similares no tiene su origen en la dramatización de un episodio bíblico, sino en un sermón atribuído a San Agustín.

 REPRESENTACIONES EN EL ARTE:

Muy numerosas a través de los tiempos y en distintos estilos y soportes

Árbol de Jesé de Bamberg (Baviera)
Tallado en marfil, ca.1200  actualmente en el Museo del Louvre

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Arbol de Jessé Manuscrito 340 Biblioteca Municipal de Douai 

Ciudad y comuna francesa situada en el departamento de Norte en la región Norte-Paso de Calais, capital de la comarca del Douaisis.

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Linaje de Jesús en la catedral de Altar Mayor de Limburg- ca 1400

Distrito de Limburg-Weilburg en Hesse, Alemania. La catedral de San Jorge (Georgsdom), construida sobre la antigua iglesia del monasterio, fue consagrada en 1235

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Variante de un Arbol de Jessé en forma de cepa, con la curiosa representación de la embriaguez de Noé, después del Diluvio.
El Génesis dice que Noé comenzó a labrar la tierra y nos lo muestra plantando una viña, de cuyo vino se embriaga, Cam ve “la desnudez” de su padre y se ríe de él (algunos sabios del Talmud piensan que no solo se rió de él, también abusó de él), el cual al saberlo pronuncia una maldición en contra del hijo de éste, Canaán, del cual profetiza que llegará a ser esclavo de Sem y Jafet, maldición que, según algunos traductores, se cumple cuando Israel (de origen semítico) somete a los Cananeos

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El árbol de Jessé ilustrando una biblia

El árbol de Jessé se ha representado en la cultura cristiana en numerosas ocasiones, como en los códices.

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Ilustración en las “Crónicas de Nuremberg”

Es uno de los más preciados incunables (nombre que se da a los primeros libros salidos de la recientemente creada imprenta, entre 1450 y 1500), con xilografías  de gran valor artístico.

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“Crónicas de Nuremberg” detalle

Las primeras representaciones del tema y en las que aparece una mayor diversidad son las miniaturas de manuscritos como evangeliarios, biblias, leccionarios, salterios o antifonarios.

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Arbol de Jessé en el icono Alabanzas a la Virgen del Círculo Ioannis Apakas c. 1600, Museo Pushkin, Moscú
Esta es otra representación muy frecuente: los iconos

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Icono con el Arbol de Jessé S-XVII

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“Arbol de Jessé” oleo de Jan Mostaert 1500 Rijksmuseum de Ámsterdam

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Arbol de Jessé en una placa de marfil. Museo de Louvre, París.

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Grabado con el Arbol de Jesse, Israhel van Meckenem (German, c. 1445 – 1503 ), Rosenwald Collection

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Vista panorámica del fresco del árbol de Jesse en el Monasterio de Voroneț, que es un monasterio medieval situado en el pueblo rumano de Voroneţ en la actualidad parte de la ciudad Gura Humorului. Es uno de los famosos monasterios pintados del sur de Bukovina, en el distrito de Suceava.
Fue construido por Esteban el Grande en 1488 en tres meses y tres semanas para conmemorar la victoria en la Batalla de Vaslui.

Denominado a veces la “Capilla Sixtina del Este”, los frescos de Voroneț tienen un tono intenso de azul conocido en Rumanía como “azul de Voroneț”.

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Mural con el Arbol de Jessé en una iglesia de Lohja, Finlandia

Posiblemente de la miniatura, el tema salta a los muros y pronto cobra su versión monumental en la pintura mural románica, llegando incluso a techumbres de madera

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Árbol de Jessé. Parteluz del Pórtico de la Gloria  catedral de Santiago de Compostela.
También los relieves románicos monumentales como machones, columnas o enjutas de arcos encuadran el tema.

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Detalle del anterior: Virgen con el Niño.

Esta es la primera vez que se representa en la Península Ibérica este tema en la iconografía religiosa. La columna reposa sobre una base en la que hay una figura con barba recostada sobre el pecho (quizá una imagen de Noé) y dos leones. Una tradición llevaba a los peregrinos a poner la mano entre las cavidades del árbol mientras rezaban cinco oraciones, antes de entrar en la catedral.

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Arbol de Jessé en el machón SO del claustro del Monasterio de Santo Domingo de Silos,  Foto de Sira Gadea

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Arbol de Jessé en la portada de la Catedral de Beauvais c.1400

La catedral de San Pedro de Beauvais esta situado en la localidad de Beauvais, en el valle de Thérain de Picardie.
Es, en algunos aspectos, el logro más audaz de la arquitectura gótica, siendo su construcción coincidente con el ascenso al trono de Luis IX de Francia, y constituye el comienzo del gótico radiante
En el gótico, además de relieves monumentales, las galerías de reyes de Judá de las catedrales góticas francesas y por extensión las de otros territorios europeos, aunque no toman el esquema de árbol, se relacionan con el tema por representar la genealogía de Cristo.

Árbol de Jesse, en cuya copa-peana esta instalada la imagen de Santa María de la Redonda, talla del s. XV. Logroño.

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Retablo de la capilla de Santa Ana de la Catedral de Burgos

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen y  la genealogía se cumplimenta con la representación del propio Cristo, la de María su madre (a veces entronizada o con el Niño en su seno o como en este caso con Santa Ana 

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Arbol de Jssé en un retablo de la iglesia de Santa María del Castillo en Olivenza, Badajoz
El tema del Árbol de Jessé combina pues varios motivos y de acuerdo a que estén o no presentes, pueden establecerse diversas variantes iconográficas.

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Altar con el Arbol de Jessé en la capilla de Notre Dame de Berven

En Plouzévédé ciudad del departamento de Finisterre , en la región de Bretaña

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Retablo de la capilla del cementerio de Saint Thégonnec, en Bretaña.

La liturgia del tiempo de Adviento, tanto griega como latina, honra especialmente a la Virgen que resume en sí todas las esperanzas mesiánicas.

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Retablo mayor del Convento de Santa Clara en Briviesca, Burgos

Su renacentista Retablo Mayor, empezado a tallar en 1551 por Diego de Guillén pero elaborado fundamentalmente por el artista mirandés Pedro López de Gámiz. Facturado en madera de nogal y dejado sin policromar, posiblemente por problemas económicos,
Dedicado a la exaltación de la Virgen, los grupos escultóricos más destacados son los de la calle central, empezando por el Árbol de Jessé, un trabajo finamente calado con claras reminiscencias tardogóticas. Sobre esta escena se disponen la Virgen sedente rodeada de ángeles y la Ascensión.

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Arbol de Jssé en la iglesia de Saint Aignandistrito de Romorantin-Lanthenay 

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Arbol de Jessé relieve en la Catedral de Worms S.XV Alemania

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Rosetón del transepto sur de la Catedral de Saint Denis (Francia)

La representación en la vidriera gótica de la que es pieza clave en la famosa representación de Saint-Denis, que dio origen a numerosas versiones como la de la catedral de Chartres

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Vitral con el Arbol de Jessé en la iglesia de Saint-Etienne de Beauvais, Francia

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Vitral de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

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Púlpito Iglesia de Santa María en la Arena. Dettelbach (Bayern, Alemania)

Imagen relacionada

 Árbol de Jesse en el techo de la parte inferior del coro barroco en la iglesia de Santo Domingo en Oaxaca México

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El árbol de Jessé Franciscano

Las órdenes religiosas también utilizaron este tema iconográfico en sus representaciones, pero el arbol en vez de ser Jessé la raíz del mismo, es el fundador de la orden el que apareciendo tumbado le sale de las entrañas el árbol, y en cada rama aparecen santos de la orden o los miembros mas destacados de la comunidad. En la reforma de Villacreces, al ser un tema franciscano, tiene coronando al mismo una imagen de la Inmaculada.

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El árbol de la vida del refectorio de Santa Croce de Florencia 
 
Que tiene como antecedente la que con motivos de la vida de Jesús se encuentra en en la Galería de la Academia de Florencia.     foto: Sira Gadea
 
 
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Detalle del anterior. Foto de Sira Gadea
 
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Arbol de Jessé en la Galería de la Academia de Florencia 
 
 

Otro ejemplo de Arbol de Jessé de una orden monástica, en este caso Mercedarios que data de la época colonial, en Potosí, Bolivia S.XVIII

 

OTRAS REPRESENTACIONES:

-Árbol de Jessé. Pintura mural de la capilla de San Juan de Le Liget, Indre-et-Loire

– Árbol de Jessé. Vidriera de la fachada occidental de la catedral de Chartres, h. 1159.

– Árbol de Jessé. Biblia de Saint-Bertin, Champagne (Francia), h. 1170-1180. París.

– Árbol de Jessé. Folio del Hortus Deliciarum, h.1195.

– Árbol de Jessé. Techumbre de San Miguel de Hildesheim (Alemania), h. 1200.

– Árbol de Jessé. Salterio de Ingeburge, h. 1200. Chantilly (Francia), Musée Condé

– Árbol de Jessé. Vitae Sanctorum, Cîteaux (Francia). Dijon, Bibliothèque Municipale

– Árbol de Jessé. Relieve de la fachada de Notre-Dame de Poitiers, Vienne 1130.

 

Fuentes:
 

Murano

Venecia tuvo por maestros a los bizantinos, de quienes aprendió el esmaltado y el dorado de las piezas en la ciudad, y en su vecina islita de Murano labró incontable número y variedad de copas de elevado pie, con apéndices caprichosos, tazas, jarritas con rizos de hilos blancos (latticini) o de color, gemas falsas, etc., distinguiéndose por la finura, elegancia, ligereza, variedad y fantasía de sus productos que hoy se admiran en multitud de museos y colecciones.

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Desde el siglo XIV (hacia 1325) consta en Venecia la fabricación de buenos espejos de vidrio, que tan singular importancia adquirió a principios del siglo XVI.

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Desde 1291, todos los cristaleros de Venecia se vieron forzados a mudarse a Murano debido al riesgo de incendios.
Para prevenir los incendios en tierra firme causados por el proceso de elaboración del vidrio, Murano fue elegida fábrica “flotante” y los maestros vidrieros transformaban la arena en vidrio ayudándose del aire y del fuego creando magníficas piezas.

https://youtu.be/SKiim8oCGnQ


Probablemente, la motivación era puramente proteccionista, que evitaban que los verdaderos conocedores del arte de la fabricación del vidrio, los maestros vidrieros, podrían alejarse de Venecia y llevarse consigo ese conocimiento valioso para el crecimiento económico de Venecia.
Algunas leyendas, y ya sabeis que detrás de todas las leyendas que hay algo de verdad, dicen que fueron enviados asesinos a “instar” el retorno de unos fugitivos con la orden imperativa de matarlos si no eran capaces de convencerlos de volver a vivir en su tierra natal.

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El nombre de Murano es mundialmente conocido por sus fantásticas y únicas piezas de cristalería pero lo que no sabe mucha gente es que Murano es una isla de Venecia que lleva dedicándose al cristal desde el siglo VIII d. C.
Siempre bajo el gobierno del Dux de Venecia hasta 1275 en que fue gobernada por su propio Podestà, capaz de acuñar su propia moneda “la oxea”.

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Durante el siguiente siglo, comenzaron las exportaciones y la isla ganó fama, inicialmente por la fabricación de espejos y abalorios. Durante algún tiempo, Murano llegó a ser el mayor productor de cristal de Europa

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Trasladar los vidrieros a Murano sirvió a la Serenísima República para controlar mejor el gremio, celosa de un arte que le había hecho famosa en todo el mundo. Los maestros vidrieros estaban obligados a vivir en la isla y no podían dejar la capital véneta sin un permiso especial emitido por el Dogo veneciano. Sin embargo, muchos lograron escapar, exportando a países extranjeros sus famosas técnicas.

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Copa del siglo XV, que forma parte de la colección del Museo de Vidrio
La más importante crisis que golpeó la industria local fue la sufrida en el siglo XV, cuando Bohemia comenzó a producir vidrio artístico, quizá inspirados en los vidrieros vénetos de Murano.

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LAGUNA VÉNETA

Murano es una isla de la Laguna véneta, en el noreste de Italia, en la región del Véneto. Se encuentra aproximadamente a 1 kilómetro de la ciudad de Venecia y es famosa por su artesanía del vidrio
En un principio, la isla prosperó como puerto pesquero y gracias a la producción de sal. Asimismo, era un centro de comercio.

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Murano está formado por cinco islas conectadas por puentes. También tiene su Gran Canal y numerosos palacios que se reflejan en ella. La más antigua que queda es sin duda la Palazzo da Mula, del siglo XIII, muestra su fachada con rosetones góticos y el balcón que domina la orilla

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Es una isla, de unos 6.000 habitantes, repleta de casas de estilo renacentista en la que, prácticamente, todos los edificios fueron o son fábricas de cristal. De hecho, durante mucho tiempo, a los cristaleros de Murano, se les tuvo retenidos en la isla para que nadie pudiera averiguar el secreto de tanta belleza.

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Como consecuencia de ser conocedores del proceso de creación del cristal, siendo éste muy complejo y económicamente relevante, los vidrieros fueron autorizados a llevar espada y gozar de algunas inmunidades en la época, pero no fueron nunca autorizados a dejar la República precisamente para no difundir los secretos de su arte.

MONUMENTOS

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Palazzo da Mula

Las atracciones de la isla son la Iglesia de Santa María y San Donato, conocida por sus mosaicos bizantinos del siglo XII y porque se dice que alberga los huesos de un dragón que mató San Donato; la Iglesia de San Pietro Martire y el Palacio da Mula

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En Murano solían existir muchas iglesias antes de que la ciudad se dedicara al negocio del vidrio. Sin embargo, cuando se comenzaron a establecer talleres de soplado de vidrio en la isla, prácticamente todas las iglesias fueron derribadas para hacer espacio para casas y fábricas de vidrio.

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Hoy en día quedan cuatro iglesias en Murano, de las cuales dos pueden ser visitadas por el público en general. Las iglesias que se encuentran abiertas son la de Santi Maria e Donato y la Chiesa di San Pietro.

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IGLESIA DE SAN PEDRO MARTIR (San Pietro Martire)

En la Fondamente Vetrai, encontrarás una interesante iglesia que data del siglo XIV, pero que fue reconstruida en 1511. Esta iglesia está muy bien decorada con obras importantes hechas por Tintoretto y Veronese.
Existe en esta iglesia una pintura muy importante hecha por Giovanni Bellini y dos piezas del altar elaboradas también por el mismo personaje.

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IGLESIA DE SANTA MARÍA E DONATO

La iglesia de Santa Maria e Donato se encuentra en el Campo San Donato.
Reconstruida en en el siglo XII y restaurada en el siglo XIX, pero siendo original del siglo VII, esta iglesia es una de las mejores muestras del estilo Veneciano-Bizantino que se pueden apreciar en nuestros días

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IGLESIA DE SANTA MARÍA E DONATO, abside

Además, esta iglesia es la atracción más importante de Murano, después de las fábricas de vidrio.

El interior de la Santa Maria e Donato es famoso por su gran abside con
mosaico de estilo bizantino veneciano, que se remonta al siglo XII.

y su piso, con dibujos hechos con piezas de marmol que forman multitud de criaturas, incluyendo hermosas águilas.

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CANAL DE SAN DONATO, Via principal de la isla

En siglos posteriores, muchos venecianos construyeron casas de descanso en Murano bajo la creencia de que los hornos y el humo que éstos producían eran benéficos para su salud.

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Vista del canal flanqueado por los numerosos comercios

La mayor parte del vidrio de Venecia es hecho en las fábricas de vidrio de Murano, de las cuales, muchas pueden ser visitadas. En la “calle central” de Murano, puedes encontrar muchas fábricas y la mayoría están abiertas para que los turistas las visiten.

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El Canal de San Donato, con San Pedro al fondo

Durante mucho tiempo Venecia tuvo el monopolio de la producción de vidrio en occidente y los métodos para su producción constituían un secreto muy preciado, al grado de que se consideraba alta traición el hecho de que un trabajador del vidrio abandonara la ciudad.

FÁBRICA DE CRISTAL

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Fábrica de Cristal de Murano Acceso a una fábrica de vidrio en la isla de Murano

Debes saber que las fábricas y talleres más interesantes y fascinantes de la isla no están abiertas al público pues estos lugares se dedican al negocio de hacer vidrio y no de entretener a los turistas y también porque los artesanos son muy celosos con sus técnicas y no desean que algún competidor les robe alguna idea.

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En la actualidad, los artesanos continúan pasando generación tras generación el secreto de la fabricación del cristal y siguen investigando en las aleaciones posibles. Además, abrieron la entrada del islote a los turistas para que puedan conocer los talleres y comprar laguna de las preciadas piezas, aunque nunca desvelarán el secreto.

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Seguro que te sorprenderá la increíble habilidad con la que el artesano cristalero, a partir de una burbuja de vidrio fundido a una temperatura de 1.200 grados centígrados, soplando por un tubo, con la sola ayuda de pinzas de hierro y giros a gran velocidad, crean las formas de elementos decorativos como jarrones, copas, etc

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Vasija reproducción antigua de cristal que imita al romano con pátina arqueológica
Estas piezas únicas por su formato y diseño, la gran mayoría de Saguso, con composiciones y formas muy diferentes a las predecesoras de la Antigüedad, que alcanzaron su plenitud de finura y delicadeza en el periodo Art Deco (años 20 y 30 del siglo XX).

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Piezas antiguas de cristal de Murano, época del Neoclasicismo, donde desde finales del siglo XVIII y sobre todo a mediados y finales del siglo XIX, la ciudad italiana de Murano fabricó una selecta cantidad de reproducciones al estilo de las antiguas piezas arqueológicas romanas de la Antigüedad Clásica.

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PALACIO GIUSTINIAN

Donde se localiza el Museo del Vidrio
Todo aquel turista que arribe a sus costas está prácticamente obligado a comprar una de las muchas obras de este increíble cristal: copas, joyas, lámparas, jarrones, etc…Y obligada también es la visita al Museo del Vidrio situado en el Palacio Giustinian.

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EL CRISTAL DE MURANO

Durante siglos y aún hoy, los vidrieros de Murano mantuvieron a salvo el secreto de la producción del cristal y descubrieron nuevas formas como el millefiori, cristallino, esmaltado y lechoso, incluso, dieron con la clave de fabricación de los antiguos cristales romanos, las actuales murrinas.

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Vetro di murano bicchiere,circa 1450-1500
Tradición artesanal que pasa de padres a hijos, hacen del cristal de Murano un símbolo italiano de lujo e historia. Si a esto le sumamos la pintoresca ubicación de las fábricas en una isla rodeada de espectaculares casas renacentistas, el resultado es inmejorable.

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Galanterie di vetro
El proceso de elaboración de este cristal es bastante complicado ya que al estar elaborado con sílice, coger el punto exacto en el que poder moldearlo es muy difícil. Recordemos que el sílice se vuelve líquido a altas temperaturas y su enfriamiento y, por tanto, dureza es muy rápida.

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Tipetto

Copas de cristal soplado a mano y adornados con rayas y decoraciones en el tallo de la copa.

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Queda a elección del artesano el mezclarlo con otros compuestos como el cobre, el oro, el cobalto, etc. que le van a dar al cristal el color tan llamativo que tienen.

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Ejemplo de varias copas de distintos colores, obtenidos con aditamentos especiales a la pasta de sílice

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Desgraciadamente, la belleza inicial del Cristal de Murano se va perdiendo con el paso del tiempo debido a la falta de elementos que permitirían una mejor conservación. Algunas piezas antiguas han perdido transparencia, mostrando un aspecto empolvado, presentan pequeñas gotas de agua, lo que se denomina “vidrio llorón” e incluso se vuelve quebradizo.

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Copas de cistal Retinato, trabajadas en un molde especial para formar este patrón diamante precioso
Definitivamente vale la pena visitar Murano, aún si no deseas comprar ninguna pieza de vidrio, la isla tiene mucho que ofrecerte

No hay ninguna descripción de la foto disponible.Juego de color “Rubí rojo” que se crea con una solución de oro que produce un color rojo brillante.

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Juego de copas de cristal de murano pintado a mano con oro de 24 k

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Otro hermoso juego, decorado con oro.

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Por lo general, el vidrio fabricado en Murano es de excelente calidad, sin embargo, es posible encontrarse con todo tipo de piezas, incluyendo algunas que muchos considerarían grotescas o mal hechas. Pero debes saber que la gran mayoría de los trabajos en vidrio que encontrarás en Murano durante tu visita, serán hermosas.

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Jarrón de Glass Filigrana tiene filamentos finos de hilo en un patrón o una espiral suave.

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Jarrón con diseño modernista

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Araña de “Crystal Venezio”, también conocido como cristal veneciano, de vidrio claro fué el primero creado. Se utiliza para lámparas y esculturas., Esta lámpara se encuentra en el Pałazzo Compagni

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Lampara veneciana de Murano Museo Cerralbo (Madrid) Hacia 1880.
La araña consta de 752 piezas de cristal coloreado opaco y translúcido Un gran jarrón de flores de base sirve de punto de partida al resto de los brazos de luz, de donde surgen un total de treinta. El efecto magistral de esta lámpara lo encontramos en dos largos brazos laterales que recuerdan la figura de una góndola, apareciendo rematados con centros florales en cuyo interior sobresalen unos jarroncillos con asas sobre las que se aplican a su vez pequeños remates en forma de pagoda

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Araña de cristal tipo “Venezio”

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Murano sigue fabricando de manera artesanal todo tipo de lámparas, como esta y las que vienen a continuación. Entre los enlaces que he puesto hay algunos donde se puede ver un catálogo de todas las piezas con sus respectivos y elevados precios.

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Como habreis visto, la fantasía y colorido que ponen en sus diseños es inagotable y a muchos de vosotros os fascinarán y otros serían incapaces de ponerlos en sus casas
Lo del precio que alcanzan, ya sería otro cantar…

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Tambien se continua con la tradición de los espejos venecianos, de los que existen muchos modelos. (ver enlaces)

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Pisapapeles de cristal millefiori.
El cristal millefiori se produce cortando haces de varillas de vidrio
La técnica millefiori implica la producción de los bastones de vidrio o varillas, conocidos como murrine

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Pisapapeles Millefiori
se hacen por la superposición de un número variable de capas de vidrio de varios colores en un molde, y tirando del vidrio blando de ambos extremos hasta que la caña ha alcanzado el espesor deseado. A continuación se corta en segmentos cortos para su posterior procesamiento.

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Piedras de murano utilizadas como abalorios de collares y pulseras.

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“Perlas” de vidrio Millefiori 1920 hecho a mano, en Murano y que puede ser utilizado en la artesanía y joyería

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Vasitos con distintos diseños.

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Cómo llegar a la Isla de Murano
Llegar a Murano desde la parte central de Venecia resulta sumamente sencillo usando los servicios de los vaporetti, o autobuses acuáticos, operados por la autoridad del transporte de Venecia, la ACTV. Una vez en Murano, podrás andar a pie sin problemas.
Desde la Plaza de San Marcos
Cerca de la Plaza de San Marcos se encuentra la parada San Zaccaria. Desde ahí puedetomar el vaporetto 42 que te llevará a Murano, pasando por Fonamente Nuove y el Cementerio San Michele en un viaje que dura aproximademente 40 minutos.Desde Fondamente Nuove

Fondamenta Nuove es el lugar desde donde muchos botes hacen paradas en la costa norte de Venecia.Desde ahí puedes tomar el vaporetto 41 para llegar en tan solo 10 minutos a Murano (a la parada Colonna). También puedes tomar el vaporetto LN que llega a la parada Faro en Murano, antes de seguir hacia Burano y Torcello.

Desde la Piazzale Roma y la Estación de Trenes

La línea Diretto Murano (DM) del vaporetto pasa por la Piazzale Roma y viaja directamente a Murano en un viaje que dura aproximadamente 17 minutos.
También, desde la Piazzale Roma puedes tomar el vaporetto 41 que llega también a Murano pero haciendo varias paradas antes.
Desde el Aeropuerto Marco Polo

El infierno en el arte

El infierno, proviene del latín infernum o inferus que significa “subterráneo” o “inferior”.
Según muchas religiones, el infierno viene de la palabra hebrea (Sheol) y griega hades y según muchas religiones es el lugar donde después de la muerte son torturadas eternamente las almas de los pecadores.

Es equivalente al Gehena del judaísmo, al Tártaro de la mitología griega, al Helheim según la mitología nórdica y al Inframundo de otras religiones.
Sin embargo, de acuerdo a las investigaciones , su origen viene de civilizaciones muy antiguas de Medio Oriente como las sumerias, babilónicas, egipcias y otras.

El infierno de otras civilizaciones

El averno no siempre había sido considerado un lugar de sufrimiento, antes podía ser simplemente un lugar de tránsito indefinido, así lo veían los hebreos con el Sheol, el Arallu babilonio o el Hades de los griegos.

Arallu

Babilonia
Se le daba el nombre de Arallu y hay un personaje destacado en su cultura:

La ramera de Babilonia cabalgando sobre la bestia de siete cabezas (grabado ruso del siglo XIX).

La ramera de Babilonia que aparece en el libro bíblico del Apocalipsis, concretamente en los capítulos 17 y 18.

Beato de Facundo, El Dragón da su poder a la Bestia

Se asocia con el Anticristo y la Bestia del Apocalipsis por su conexión con el reino de las siete cabezas y diez cuernos.

Avici (Infierno del budismo) Reino de los Narakas, uno de los seis reinos del samsara

Budismo
Reino de los Narakas, nombre dado a uno de los seis reinos del samsara de mayor sufrimiento de toda la cosmología budista.

El alma del difunto es llevada por Anubis, que tras el pesaje, lo presenta a Osiris

Egipto
Para los egipcios, su paraiso se llamaba Aaru y para llegar a él, el alma debía atravesar las 12 tierras del infierno, conocido como Duat, donde el espíritu del muerto debía ir y venir de un lado a otro, esquivando seres malignos.

El Duat

Este lugar incluso estaba «cartografiado» y mostraba una tierra dividida por dos caminos, estos estaban separados por un río de fuego
El Libro del Amduat o “Libro de lo que hay en el otro mundo” es una composición religiosa, surgida en el Reino Nuevo, que describe el viaje nocturno del Sol (Ra) por el mundo del Más Allá

Finalmente, al atravesar el Duat, el alma se encontraba con Osiris, el señor del inframundo, frente a quien debía jurar que no había violado las leyes divinas, y era aquí cuando su corazón era pesado en una balanza por Anubis; si era inocente, entraría al paraíso, si no, seria arrojada a la bestia Ammitt.

Valle de Hinom

Judios
Entre los judíos, los fariseos y los esenios admitieron la creencia de un infierno a su modo. Este dogma lo habían transmitido ya los griegos a los romanos, y lo adoptaron los cristianos. Lo llamaron Gehena y estaba en el Valle de Hinom. El valle estaba fuera de la muralla sur de la antigua Jerusalén, y se extiende desde el pie del Monte Sion hasta el valle de Cedrón. Los muertos no pecadores iban al Sheol.

Islam
En cuanto a la estructura del Infierno islámico, el Yahannam, el libro más descriptivo es el de Las mil y una noches. En la Noche 493, este libro habla de un edificio de siete pisos, separados uno de otro por «una distancia de mil años».

Según el Corán, solo Alá sabe quién irá al Yahannam y quién al Paraíso, la Yanna.

El Zaqum  es un árbol que crece en el Yahannam. Los condenados se ven obligados a comer su amarga fruta

Malik es el ángel que guarda el Yahannam, asistido por 19 zabaniya

Cultura grecorromana

Hades y Perséfone con el Can Cerbero


Grecia
Cerca del siglo V a.C. los griegos comenzaron a creer en una parte reservada del Hades como un lugar de castigo. Según la mitología, tras la muerte las almas de los hombres iban a parar a un lúgubre reino subterráneo, gobernado por el terrible dios Hades y su esposa Perséfone.

Orfeo y Eurídice en el infierno, Peter Paul Rubens

Héroes como Orfeo, Heracles o Ulises se atrevieron a visitarlo; el primero de ellos, Orfeo, lo hizo para rescatar a su amada Eurídice, pero no pudo culminarlo.

Hermes guiando a los difuntos Adolf Hirémy-Hirschl (1898) Galería Belvedere, Viena.

Hermes, mensajero de los dioses y guía de las almas hacia el inframundo, aparece rodeado de los espíritus de los difuntos que esperan a orillas del Estigio para ser transportados por Caronte al reino de Hades.

La barca de Caronte, Sueño, Noche y Morfeo, por Luca Giordano
La “geografía” del infierno

Tras entrar por cualquiera de las bocas del infierno existentes, el difunto se dirigía a la orilla del Estigia, el río que rodea el inframundo y que cruzaba a bordo de la barca de Caronte.

El volcán Hekla en el sur de Islandia , ha producido unas 20 grandes erupciones desde el siglo IX. y durante la edad media se le describía como “la prisión de Judas” y una de las entradas al infierno. 
Rubens, “Hércules y el Cancerbero”, 1636]

En la otra ribera del Estigia, el alma se encontraba con el guardián Cerbero y con los tres jueces del inframundo

Óbolo de Caronte

Era costumbre colocar en la boca o en los ojos del difunto una moneda (óbolo) para pagar el viaje a Caronte.

Caronte y Psyché de John Roddam Spencer Stanhope

Si el alma no disponía de moneda, se veía obligada a vagar durante cien años por las orillas del rio Estigia

Roma

La llamada Plutonium o Puerta del Infierno en Hierápolis

En los siglos I y II. Hierápolis, una antigua ciudad perteneciente a este imperio, se encontraba en su mejor momento después de haber sido reconstruida tras un terremoto durante el año 17. En este lugar se encontraba el Plutonio, también conocido como “la puerta del infierno”

 Gian Lorenzo Bernini, recrea el rapto de Perséfone por el dios Hades (Plutón), soberano del inframundo, contemplado por el can Cerbero. 1622. Galería Borghese, Roma.

La cueva, que se creía que marcaba el paso hacia el inframundo, estaba gobernada por el dios Plutón, el llamado Hades por los griegos . Fue esposo de Proserpina, a quien raptó para casarse con él. La madre de Proserpina, Ceres, se afligió tanto que provocó el invierno.

Plutón, de Agostino Carracci (1592).

El palacio de Plutón, se ubica en mitad del Tártaro y de los dioses del panteón romano, soberanos que controlan el mundo, él es el único que nunca ha de temer la insubordinación o la desobediencia

En Roma, los primeros que se burlaron de los infiernos fueron los poetas. Virgilio unas veces se ocupa de ellos hablando seriamente en la Eneida, y otras veces se burlaba de ellos en las Geórgicas. Lo mismo hicieron Lucrecio, Horacio, Cicerón y Séneca

El Cristianismo

Las Catacumbas de San Calixto en Roma

El cristianismo es la religión que se ha dado el lujo de añadir características cada vez más temibles a ese lugar de desdicha y sufrimiento, siendo la Edad Media la época en la que se llegó a un punto máximo de miedo por el averno.

Orígenes

Ya en el siglo III, Orígenes sostuvo la hipótesis que lleva por nombre Apocatástasis o Restauración, que implicaba la idea de que, al final de los tiempos y luego de sufrir diversas penalidades, todos los condenados al Infierno -incluyendo a Satanás y a los restantes ángeles caídos serían liberados.

Tormentos a los condenados en el Infierno. Fresco italiano del siglo XIV.
Sainte Foi de Conques, tímpano

Veremos que el tímpano de Conques es un sorprendente presagio de lo que se llamará pronto el Purgatorio, un concepto formalizado en el Concilio de Lyon en 1275 , que aparece además del infierno.

El angel caído”, por Gustave Doré ilustración para “El paraiso perdido”de John Milton

El infierno, de acuerdo con la doctrina católica, designa no solo el estado de los condenados, sino también el lugar donde son eternamente castigados los ángeles rebeldes y los hombres que murieron en pecado mortal.

Los ángeles, fueron enviados a la tierra capitaneados por Azael y Shemhazai a enseñar a los hombres, pero al revestirse de carne, se impregnaron de sus pasiones y perdieron las alas. Son los Nefilim o “Caídos”

Bartolomé Esteban Murillo – La escalera de Jacob durante su sueño

A los que los arcángeles Rafael y Miguel hubieron de encerrar en una cueva por sesenta generaciones, tras regresar al cielo por la escalera de Jacob.

Relación con los Santos

Michel Parcher , los padres de la iglesia latina: San Jerónimo de Estridón, San Agustín de Hipona,  
San Gregorio Magno y San Ambrosio de Milán

Muchos Padres de la Iglesia no creyeron en la eternidad de las penas, mientras que otros, creían no solo en la doctrina de la inmortalidad del alma, sino en la condenación eterna de los pecadores

San Agustín de Hipona

Pero fue el filosofo y teólogo San Agustin, quien estableció permanentemente la idea de que si no seguías el reglamento cristiano, tu alma estaría condenada al eterno sufrimiento hasta el fin de los tiempos.

El diablo ofrece el Libro de los Vicios de San Agustín, Michael Pacher, 1483

Fue en su obra “Ciudad de Dios” en la que justificó el infierno como “reparación infinita del pecado.

San Francisco de Asís durante la practica un exorcismo contra los demonios de Arezzo
fresco de Giotto. Basílica de San Francisco en Asís

San Francisco, durante la guerra civil de Arezzo, exhortó al hermano Silvestre a que expulsara los demonios que habitaban en la ciudad. Mientras que el santo se presenta concentrado en sus rezos y oraciones, Silvestre ejecuta la acción propuesta

El tormento o tentaciones de San Antonio abad

El tormento de San Antonio
Es la pintura más antigua conocida de Miguel Ángel, pintada como una copia cercana del famoso grabado de Martin Schongauer cuando solo tenía 12 o 13 años. Ahora se encuentra en el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth, Texas

San Millán luchando con un demonio. Arqueta de marfíl
Monasterio de Yuso (La Rioja)

San Millán

La arqueta de San Millán es de pleno siglo XI, cuando las reliquias del santo son trasladadas de Suso a Yuso

San Miguel mata al dragón, Josse Lieferinxe (1493-1508)

San Miguel

Ha sido el mas representado, venciendo al demonio a sus pies, ya que desde principios de la edad media se pensó que Miguel y sus ángeles arrojaron del Paraíso a Satán y sus secuaces

Iglesia de San Pietro al Monte, Pedale cerca de Civate (Lecco) donde se representa el capítulo XII del Apocalipsis

“Después hubo una gran batalla en el cielo: Miguel y sus ángeles luchaban contra el dragón (diablo); pero no prevalecieron, ni se halló ya lugar para ellos en el cielo. Y fue lanzado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero; fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él.”( Apo. 12,7-8.) (El dragón que aparece en el Apocalipsis, del apóstol Juan, y en otras tradiciones posteriores, en el arte cristiano del Medievo simboliza el pecado y suele aparecer bajo los pies de los santos y mártires)

San Miguel de Valdés Leal, Convento del Carmen Calzado de Córdoba
San Miguel Arcángel peleando y venciendo al Diablo, en la Basílica de la Merced (Barcelona).

El infierno en los Códices
A comienzos del siglo V, esta doctrina se enseñó en todo el cristianismo occidental y fue reafirmada oficialmente por los papas y los concilios a lo largo de la Edad Media.
La edad media abunda en descripciones de los infiernos y en relatos de viajes infernales, y en su difusión colaboraron entre otros, los codex.

La navegación de San Brandán

Auténtico best seller de la Edad Media, La navegación de san Brendán. relata el viaje oceánico realizado por un monje irlandés en el siglo VI junto con diecisiete compañeros en busca del Paraíso

“La Visión de Tundal”

La Visión de Tundal
Es un interesantísimo y bellísimo texto medieval que tuvo una enorme popularidad en la Edad Media durante al menos tres siglos, escrito en latín en el siglo XII por un monje benedictino irlandés llamado Marcus
En 1484 se imprime en la ciudad de Den Bosch (Países Bajos), y en ella se describe el viaje iniciático de Tondalus, un caballero del siglo XII de origen irlandés, que visita durante tres días el más allá y a su vuelta opta por la vida monacal.

La Babilonia Infernal, de Giacomino de Verona

Giacomino da Verona fue un poeta italiano de la segunda mitad del siglo XIII. Fraile menor, escribió dos poemas en vernáculo veneciano, De Babilonia civitate infernali y De Jerusalem celesti.

El Libro de las tres escrituras, de Bonvesin de la Riva

Dividido en tres partes: “La escritura negra” ilustra la vida del hombre y su caída al infierno, “La escritura roja” ilustra una recreación de la pasión de Cristo y la “Escritura dorada” ilustra las alegrías del cielo

Pseudomonarchia Daemonum 1583, del médico holandés Johann Weyer

También conocido como la Falsa Jerarquía de Demonios, es un gran compendio del siglo XVI que enumera los nombres de sesenta y nueve demonios. Esta lista apareció inicialmente como apéndice del primer libro de Johann Weyer sobre demonología

Otras representaciones infernales:

Beato de Santo Domingo de Silos
Codex De Predis. El´juicio final. el círculo del infierno, el agua fría. 1476. Cristoforo de Predis
Le trés riches heures du Duc de Berry”
Es un libro de horas profusamente iluminado, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410 por encargo del duque Juan I de Berry, Museo Condé en Chantilly, 
Códice alemán


En todos estos, en Virgilio y probablemente también en la tradición árabe se inspirará Dante para escribir su Infierno, de la Divina Comedia.

El demonio

El libro de Enoch, textos antiguos descubiertos en Etiopía en 1768

La historia de Lucifer, según los Libros de Enoch y del arameo Targum, de donde, la tradición cristiana tomaría la creencia sobre el origen del diablo.

Platón y Aristóteles en “La Escuela de Atenas” de Rafael, Vaticano

Será, sin embargo, el neoplatonismo quien aporte las claves fundamentales sobre la naturaleza y creencia de los “ daimones ” o demonios (hábil, conocedor) y de los ángeles guardianes.

El Juicio Final por Giotto di Bondone

En muchas imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Capilla Sixtina: Tentación del diablo y expulsión de Adán y Eva Miguel Angel Buonarroti

El pecado de Satán
Según el cristianismo, el Diablo también conocido como Lucifer o Luzbell, es un ser sobrenatural maligno y tentador de los hombres (un demonio). En el Nuevo Testamento se le identifica con el Satán hebreo del Libro de Job (1:6-8), con el Diablo del Evangelio de Mateo (4:8-10), con la serpiente del Génesis (3:1-5) y con el gran dragón del Apocalipsis (12:9)

“Apartate de mi Satanás!” Duccio Bounisegna.

Tras la aparición del Cristianismo y los Evangelios se le otorga a este ser a ese término un carácter personal como enemigo de Cristo y también como un “anticristo


Sinónimos de Satanás:

Lucifer, Luzbel. Belcebú, Leviatán, Diablo , Demonio, Satán, Maligno, Mefistófeles, Anticristo , ángel Caído, Pedro Botero y hasta Demontre! y Diantre! que se usan (o se usaban) como exclamaciones

“El Angel Caido” de Ricardo Bellver, Parque de el Buen Retiro de Madrid 1885

La imagen del Diablo, dentro de la cultura cristiana ha sido representado en ocasiones con la imagen de un ángel caído del cielo, un ejemplo de ellos es en el monumento de la Fuente del Ángel Caído en Madrid

En otras culturas, incluida la demonología y las ciencias ocultas, se le denominó y representó de diferentes maneras:

En demonologíaBuer es un demonio, presidente de la 2ª orden de los infiernos. Tiene cabeza de león y cinco patas de cabra dispuestas en una rueda y moviéndose como tal.

El Dragón rojo por William Blake

Belcebú es el “Señor de las Moscas”, porque en los rituales de adoración con sacrificios, la carne de los sacrificados se corrompía y siempre sus templos estaban infestados de moscas. es en cierto modo otra versión del Diablo.

Satán de William Blake (1757-1827) para “El paraiso perdido”

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: “el Paraíso perdido” de Milton , fué uno de sus favoritos

Relieve Burney, Babilonia (1800 a. C. – 1750 a. C.).

A Lilith, se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva. Según la leyenda, abandonó a Adán para irse del edén.

Asmodeo

Luego se instaló junto al mar Rojo, junto a sus hijos, y allí se unió con Asmodeo  ( demonio mazdeista, mencionado en el Talmud y en el Libro de Tobias), convirtiendose en demonio también. 

Algunos expertos, como por ejemplo Emil Kraeling, han identificado a la figura femenina del relieve como Lilith, antiguo demonio sumerio, basándose en una interpretación errónea de una traducción obsoleta del Poema de Gilgamesh


Adramelec es un dios de la mitología fenicia, es el demonio del orgullo excesivo, y se aparece bajo la forma de un burro con las plumas de un pavo real.

Baal

Baal cananeo que fue adorado por los fenicios, cartagineses y sirios.

Moloch o Moloch Baal fue un dios de origen canaanita. Era considerado el símbolo del fuego purificante. Griegos y romanos lo identificaban con Cronos y Saturno, respectivamente.

Mara

En el budismo, se le conoce como Mara, quien intentó evitar que el Buda Siddharta Gautama alcanzara la iluminación

El Tío de las minas

Una representación de la imagen del Diablo en la región andina conocido como El Tío de las minas de los Departamentos de Oruro y Potosí, Bolivia.

Descripción de un exorcismo asirio

El exorcismo
Es la práctica religiosa o espiritual realizada contra una fuerza maligna, utilizando diversos métodos cuyo fin es expulsar, sacar o apartar a dicho ente de la persona, objeto o área que se encuentra poseída por el maligno

André_Brouillet: “El Exorcismo” Museo Bellas Artes de Reims
Ritual en el mundo islámico
San Francisco de Borja realizando un exorcismo con un crucifijo, de Francisco de Goya

Iconografía

En el románico

Satanás induciendo a Herodes a la matanza de los inocentes
detalle de una dovela de Santo Domingo de Soria (foto:Javier Gago)

La figura del diablo ha estado presente en la cultura popular desde tiempo inmemorial y su abundante representación en el arte románico da buena muestra del interés o preocupación que su horripilante imagen despertaba en las gentes del medievo.

Portada de las Platerías Santiago de Compostela

Los maestros del románico, lo reflejaron de forma recurrente en grandes pórticos de monasterios o iglesias, «la mayor propaganda que se podía hacer en esa época»y su importancia fué muy grande.

Calahorra de Boedo, pila bautismal románica de la Iglesia de la Purificación de Nuestra Señora

Lo vemos representado en portadas, en claustros, incluso en pilas bautismales

Iglesia de Arenillas de San Pelayo. (Foto: Garcia Omedes)

Por supuesto tanto en la escultura de las iglesias románicas como en sus pinturas y frescos, se interpretaron escenas infernales, seres demoníacos y representaciones de distintos pecados y sus correspondientes castigos

Sainte Foi de Conques , tímpano de la portada principal.

En casi todas las imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Ermita de Santa Eulalia. Barrio de Santa María (Palencia)

Las pinturas del presbiterio sur muestran en dos registros superpuestos los tormentos que sufren los condenados. En el superior varios demonios los arrojan de cabeza a una caldera suspendida con cadena sobre el fuego que atizan con fuelle otros dos personajes diabólicos. En el registro inferior, otro esbirro de Lucifer flagela con látigo de bolas a dos condenados

San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
(Estas dos fotos han sido aportadas por Javier Gago
)

Iglesia de San Julián y Santa Basilisa de Rebolledo de la Torre, Burgos
(foto: Javier Gago)

Donde se ve a un demonio con aspecto de basilísco, amenazando a un pecador: el avaro.

Y otras dos, también de Javier Gago de la portada de la catedral de Tudela (Navarra)
Capitel románico Colegiata Saint Pierre Chauvigny. SXII Francia

Gótico:

Quimeras neogóticas de Notre Dame de París recreadas por Viollet-le-Duc

Durante el periodo gótico, la fantasia en la iconografía demoniaca, se desató, siendo las gárgolas sus ejemplos mas característicos:

Gárgola de la Catedral de Segovia

En la arquitectura de la Edad Media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que representan además de hombres y animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores

Friso de la Catedral de León
Frescos de Santa Eulalia de La Loma, Cantabria. foto de Javier gago
Satanas en el infierno Giotto di Bondone Capilla de los Scrovegni (Florencia)

El Renacimiento
La intención que tuvieron muchos artistas medievales y renacentistas al representar el reino satánico llenándolo de escenas grotescas fue extraordinariamente piadosa, por ejemplo, en el siglo XVII muchos pensaron que El Bosco era atéo.

Cristo desciende a los infiernos, El Bosco

El Bosco
Y es que el mundo de los sentidos está muy presente en las causas que le llevan a uno al Averno, pero no lo estaba menos en las sátiras de Hyeronimus Bosch, un artista especialmente preocupado por la música que opinaba que todo lo que fuesen movimientos descoyuntados, equilibrismos raros, caprichos musculares, era diabólico por necesidad.

El tríptico abierto de Las tentaciones de San Antonio (El Bosco, c. 1501) Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Varios de sus cuadros también contienen alusiones a creencias demoníacas y brujeriles con seres imaginarios y movimientos insólitos (así, en una de Las Tentaciones de San Antonio, podemos ver la imagen clásica de la pareja que se traslada por los aires al Sabbat montada en un pez volador).

Pero El Bosco, que era sin duda un místico, pintaba para censurar; y por eso al piadoso Felipe II le dio por coleccionar su obra, de ahí que hoy tengamos en El Prado lo mejorcito de él.

El jardín de las delicias de El Bosco, Museo del Prado

En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

Óleo de Dante Alighieri con una imagen de ‘El Infierno’

La divina comedia, de Dante Alighieri

No podemos dejar de mencionar a Dante el primero que describió un viaje al Infierno.
En la obra de Dante, La Divina Comedia, Virgilio aparece como su guía a través del Infierno y del Purgatorio. Además de la admiración de Dante por Virgilio, está el antecedente del descenso de Eneas al infierno para recibir los consejos de su padre Anquises, en el Canto VI de la Eneida de Virgilio.


Dante describe el Infierno en forma de embudo incrustado como un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior y en cada uno de ellos los condenados son sometidos a distintas penas, según la gravedad y el tipo de pecado.

El Mapa del Infierno de Botticelli

Llamado habitualmente El Abismo del Infierno o La vorágine del Infierno, es uno de los pergaminos que el famoso pintor italiano diseñó para ilustrar una edición de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Fue pintado entre 1480 y 1490, con la técnica de la “punta de plata”( Material duro y rígido, también llamado stilum o punta metálica, con la que se puede dibujar).

Priamo della Quercia: Dante y Virgilio en el Canto XXXII del Infierno

Virgilio, el más célebre de los poetas latinos, conduce a Dante Alighieri, a través del Infierno, donde las almas pecadoras del mundo son atormentadas sin cesar.

Dante y Virgilio en la entrada del infierno de Edgar Degas

Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes, sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo.

El rey Minos, Gustave Doré

Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos, y entre ellos se encuentran Francesca da Rimini y Paolo Malatesta, por lujuriosos

Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula.

los avaros acarreando piedras como castigo. Gustave Doré

Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros

Eugène Delacroix: Dante y Virgilio en el Infierno (1822)

Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, y enfangados en ella, luchando eternamente unos contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la ira

Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética.

Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro, en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos: violentos, suicidas y blasfemos

Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte y a este anillo se accede descendiendo un gran acantilado custodiado por Gerión.

Un gigante, dibujo de William Blake

Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo.

Gustave Doré

En él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo y ya en el mismo centro de la Tierra, donde está Lucifer, se encuentran quienes traicionaron a sus benefactores

Lucifer

Dante, queda sorprendido por la presencia de Lucifer, al ver que su cabeza tiene tres rostros, uno por delante, y los otros dos se unen a éste por medio de los hombros y se juntan por detrás en lo alto de la coronilla. Judas Iscariote aparece con su cabeza metida dentro de la boca de Lucifer y agita fuertemente las piernas fuera de ella. De las otras dos fauces salen las extremidades de Bruto y Casio, que provocaron la muerte a Julio César.

En el barroco

Estatua de Asmodeo en Rennes- le- Château, Francia

Ademas de este terrible demonio, que antes mencioné, en general en el barroco. existe abundante representación escultórica de tradición cristiana, suficientemente conocida y en el campo de la mitología, un tema en particular:

Orestes acosado por las Erinias o Furias, de William Adolphe Bouguereau.

Las furias:
Se refiere originalmente a las diosas infernales de la venganza en la mitología griega, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. Las Furias eran, pues, los cuatro moradores del Hades grecolatino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses

Pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces este término para designar esta temática.

(El Museo del Prado expuso ‘Las Furias. De Tiziano a Ribera’ en 2014)

Carlos V en la batalla de Mülhberg . Tiziano Vecellio

Las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg.

Colección de Las Furias de José Ribera

Ticio, de Tiziano

Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus.

Tántalo, de Ribera

Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses

Sísifo de Tiziano

Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus.

Ixión por José de Ribera

Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera

Ticio de Miguel Angel

La exposición, incluyó un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, nunca antes expuesto en España


Siglos XVIII al XIX

Oleo de Bouguereau

No sabemos qué pasa en ese círculo del infierno, pero todos se pelean al fondo. Arriba, un demonio sobrevuela la escena con los brazos cruzados y una blanca sonrisa.

Divina Comedia: Muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta, Alexandre Cabanel, 1871

En definitiva, principalmente encontramos representación pictórica (existe también representación escultórica) de los siglos XVIII-XIX, sobre todo de Gustave Doré, Giovanni Stradano, Bouguereau, William Blake y por supuesto de nuestro gran Goya

El aquelarre o el gran cabrón” de Francisco de Goya. (Pinturas negras) Museo del Prado
Goya con otro oleo representando el aquelarre, que se guarda en al Museo Lázaro Galdeano

Se cree que Goya realizó estas pinturas sobre brujas y el demonio, influenciado por su amigo el escritor Leandro Fernandez de Moratín, que rescató del olvido el escrito del Auto de Fe del Juicio contra las brujas de Zugarramurdi de 1610.

FUENTES:


https://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-museo-prado-expone-furias-tiziano-ribera-20140120144733.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/viaje-las-almas-mas-alla-el-infierno-de-los-griegos_11314/3


https://www.e-torredebabel.com/Biblioteca/Voltaire/infierno-Diccionario-Filosofico.htm


http://www.romanicoaragones.com/3-Somontano/990385-Chibluco1.htm


http://www.arquivoltas.com


http://blogderomanico.es/viaje-al-infierno-cristiano/


http://artebiblica.blogspot.com/2015/08/el-infierno.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/los-moradores-del-infierno_7947/4


https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Personajes_del_Infierno


https://web.archive.org/web/20050313185908/http://www.fortea.us/spanish/teologicos/nombres.htm


https://enciclopediamedieval.wordpress.com/2019/01/07/la-voragine-infernale-de-sandro-botticelli/


https://www.misterica.net/los-nueve-circulos-del-infierno-de-dante/


https://www.elestudiodelpintor.com/2016/10/dante-alighieri-la-divina-comedia-i-inferno/


https://www.taringa.net/+apuntes_y_monografias/10-versiones-del-infierno-interesantes_hiifz


https://hiveminer.com/Tags/g%C3%B3tico,infierno (fotos)


https://www.wattpad.com/188040528-biblia-satanica-los-nombres-infernales

Fotos: de románico y gótico: Javier Gago y de la web.

BIBLIOGRAFÍA:


Dante Alighieri: La Divina Comedia.


Pedro Luís Huerta “A propósito de Satán”. Fundación de Santa María la Real de Aguilar de Campoó

Las fontanas de Roma

Fuente del Dragón en la Villa Borghese

Los romanos han tenido siempre una gran pasión por las aguas públicas , como por lo tanto, todavía los acueductos y los baños termales de la antigua Roma, era el elemento central de la vida social. en las termas y después de los siglos de la decadencia de la Roma Imperial, retoman, con gran entusiasmo y jugar con el agua.

 Roma cuenta con más de 2000 fuentes , más que cualquier otra ciudad en el mundo.

La relación de los romanos con el agua es ahora menos singular: el agua fue un don de los dioses y cada una de las fuentes

La ninfa Egeria, en el jardin d´Horta de Barcelona

Un detalle que ha pasado a formar parte de numerosas leyendas como la de la ninfa Egeria, amante y mujer de uno de los siete reyes de Roma, Numa Pompilio y considerada la ninfa de las aguas.

Acueducto Aqua Claudia, en el Parque de los Acueductos

Mas adelante, andando el tiempo la abundancia de agua en el territorio de Lacio, que se canalizó a través de los acueductos, fue la ocasión de manifestar el poder  de la Iglesia de Roma, cuyos representantes se sirvieron de las fuentes para embellecer la ciudad al mismo tiempo que imprimían su sello.

Acueductos de la época romana

Aqua Appia, Aqua Vetus, Aqua Marcia, Aqua Tepula, Aqua Iulia, Aqua Virgo, Aqua Alsietina, Anio Novus,  Aqua Claudia, Aqua Traiana, Aqua Alexandrina

Ya en la época de los papas, se construyeron otros como:

Acqua Felice: nuevo acueducto construido por el papa Sixto V en 1586 por Domenico Fontana, reutilizando las nacientes de Acqua Alexandrina. Llegaba a Roma por la porta Tiburtina (actual porta San Lorenzo) y terminaba con la Fuente del Moisés, hoy visible en la plaza San Bernardo,  suministrando agua a numerosas fuentes. Otros fueron el Acqua Paola y el Acqua Pía.

Termas de Caracalla 

Las termas de Caracalla, o termas Antoninas, fueron unos baños públicos de la Roma imperial. Se construyeron entre 212 y 217 d. C

Varias de las gigantescas bañeras de mármol, esculpidas en un solo bloque, se trasladaron al centro de Roma para usarlas como fuentes

Todas estas fuentes: Con tritones, con águilas y dragones, ranas, tortugas que lanzan al aire unos niños, con una loba nodriza, con dos victorias aladas, tres náyades mojadas, con un caballo encabritado, con forma de barcas o toneles, o con columnas, escalinatas, blasones , conchas y mascarones. Con grutescos, cuatro libros antiguos, caballetes de artistas, y obeliscos egipcios.

Con estatuas fastuosas o muy modestas , con caballotes marinos, leones capitolinos,  babuinos, con un moro y dos delfines y ánforas de travertino, que en vez de agua vierten vino… Con el Río de la Plata, con el Ganges, con el Danubio y el Nilo. Con gorgonas, con Neptuno, con sirenas y cupidos, con diosa con lanza y yelmo… y con Moisés…

Todas ellas con su caracter propio y su historia unida casi siempre a grandes artístas renacentistas y barrocos y muchas reaprovechando restos romanos de las termas y otros edificios.

A ver si podemos describir algunas de ellas, desde las mas grandiosas y populares como la cinematográfica Trevi, hasta la mas humilde de cualquier rincón romano y no por ello menos hermosa e interesante…

FONTANA DEI QUATTRO FIUMI (Fuente de los Cuatro Rios)

Después de la Fontana di Trevi esta es sin duda la fuente más popular de la ciudad. Se sitúa en la siempre animada Piazza Navona y está rematada por un impresionante conjunto escultórico barroco obra, una vez más, del genial Bernini. Al fondo la iglesia de Santa Agnesse de Borromini

Vista de los rios Nilo y Ganges, al fondo

Detalle del pedestal con el Ganges en primer término

La Plaza Navona reúne un conjunto de fuentes monumentales: la principal es la Fuente de los Cuatro Ríos, construida en 1651 por Bernini en el centro de la plaza. La fuente sirve de base a un obelisco y representa los cuatro continentes conocidos en aquella época, a través de sus mayores ríos: el Danubio por Europa, el Nilo por África, el Ganges por Asia, y el Río de la Plata por América.

(El Nilo,  aparece con los ojos tapados porque no se conocía dónde se originaba el manantial).

Detalles de la fontana

Autorretrato de G.L. Bernini 1623

Pensada por Lorenzo Bernini y situada en el centro del antiguo Estadio de Domiciano, la actual plaza Navona, fue realizada por los alumnos del artista: Baratta, Fancelli, Poussin y Raggi.

La Piazza Navona, por Canaletto

Para soportar el gran peso del obelisco, de época de Domiciano,  Bernini ideó una gran estructura pétrea en mármol de travertino de forma triangular con cuatro apoyos principales que dejan sendos huecos en medio, espacios éstos aprovechados por Bernini para sorprendernos colocando diferentes animales como un caballo o un león

Escudo de Inocencio X

Modelo en terracotta del león de la fuente

La astucia y picardía que tuvo Bernini para realizar este proyecto, y porqué no decirlo, también las “malas artes”, obtuvieron su recompensa. La leyenda cuenta que Bernini dejó una maqueta de la fuente en plata (realizada por su cuenta) en casa de la influyente Olimpia Pamphili, también conocida como Donna Olimpia, cuñada del Papa Inocencio X, quien después de ver tan bellísima creación, no dudo un segundo en convencer a Inocencio X para construirla

La envidia y los celos de su rival,  Borromini dejándolo al margen de este proyecto fueron tan fuertes, que la Iglesia de Santa Inés en Agonía, diseño de Borromini, posee una ligera inclinación hacia la Plaza Navona, amenazando con caerse y destruir la Fuente de los Cuatro Ríos de Bernini

Vista de la Piazza Navona

FONTANAS  DEL NETTUNO Y DEI MORI

En los dos extremos de la plaza Navonna, fueron construidas otras dos fuentes: la Fuente de Neptuno, cuya pileta fue construida en 1576 siguiendo el diseño de Giacomo della Porta

y la Fuente del Moro, la otra gran fuente de la Plaza Navona, tambien creada por Giacomo della Porta y rematada por Bernini, quien añadió los delfines.

 FONTANA DE TREVI

La Fuente de Trevi es el punto terminal del antiguo acueducto “Acqua Vergine” (Aqua Virgo, en Latín), mandado construir por Marco Vipsanio Agrippa.

La fuente de la que deriva el nombre de la plaza, como la podemos admirar hoy en su magnífico aspecto marmóreo es obra perenne de Nicola Salvi (1732-1751) quien tomó el trabajo ya empezado noventa años antes por Bernini. y tambien de Giuseppe Pannini que trabajaron en ella entre los años 1732 y 1766.

En el centro se encuentra una gran estatua del dios del Océano en una concha tirada por dos caballos dirigidos por Tritón.

Tritón soplando en una caracola y tirando del caballo

A los lados de la divinidad se pueden admirara las estatuas de la “Salubridad” y de la “Abundancia”

FONTANA DE LA BARCACCIA (Fuente de la Barcaza)

La Fuente de la Barcaza en la Plaza de España, frente a la escalinata de conduce a Santa Trinidad dei Monti y obra del padre de Gian Lorenzo, Pietro Bernini, fue creada entre 1627 y 1629 con forma de barca, tal vez para recordar que allí fue encontrada una embarcación tras desbordarse el río Tíber.

El viejo Bernini construyó la fuente con forma de una barcaza que se hunde, para recordar, según dice la tradición, una barca que, a causa de la inundación del Tíber en la Navidad de 1598, se encontró en este sitio.

En realidad el artista resolvió con este artificio un serio problema técnico: la presión del agua era demasiado baja para construir una fuente más elevada.

En la fuente están esculpidas las abejas, símbolo de la familia papal, los Barberini.

FONTANA DEL TRITÓNE  (Fuente del Tritón)

No lejos de aquí, en la Plaza Barberini, se encuentra la Fuente del Tritón de 1643. Realizada por Lorenzo Bernini, ideada en 1642 para Urbano VIII Barberini, del que la plaza ha tomado su nombre (Piazza Barberini)

Detalle del tritón

Presenta con cuatro delfines, que llevan, encima de sus colas trenzadas, una concha con las dos valvas abiertas, que sujetan un tritón que sopla la caracola, de la que surge el agua de la fuente, y que según la mitología calmaba las tempestades.

Esta original invención barroca, tiene  presentes las abejas, por ser un encargo de un Barberini.

FONTANA DELLE NAIADI (Fuente de las Náyades)

La Fuente de las Náyades en la Plaza de la República presenta una figura masculina, el Glauco, que abraza un delfín, el nombre lo toma de las figuras de bronce de las Náyades que lo rodean. Es una obra de Mario Rutelli y fue terminada en 1914.

Esta ubicada en el centro de la Plaza de la República y fue construida después de la unificación de Italia.

Al fondo se puede ver la Iglesia de Santa María de los  Angeles y los Mártires, llamada asi por haber sido  diseñada en 1562 por Miguel Ángel sobre la base del aula central de las Termas de Diocleciano, tambien sede del Museo.Nacional Romano, que se localiza en su claustro del siglo XVI

Sus cuatro leones de piedra fueron sustituidos por las estatuas de cuatro ninfas desnudas, las náyades, para escándalo de la pudorosa burguesía romana de la época.

FONTANA DELLE API

Otra obra de Bernini (1644) es la ‘Fontana delle Api’ (Fuente de las abejas), en la esquina de la Plaza Bernini, desde donde parte la Vía Veneto. Las abejas son parte del escudo de la familia Barberini, que como habréis visto aparecen en casi todas las fontanas.

FONTANAS DE LA PLAZA DE SAN PEDRO

La Plaza San Pedro está decorada por dos grandes fuentes cuyos chorros caen en dos grandes tazas monolíticas de granito oriental rescatadas de otros monumentos romanos.

La historia de las dos fuentes de la plaza empieza en 1613 cuando el arquitecto Carlo Maderno quitó una fuente preexistente del siglo XV.

La fuente fue reconstruida en posición retrasada hacia la Basílica y se le hizo una modificación arquitectónica revolucionaria dándole la vuelta a la cuenca superior y creando un efecto a cascada.

La segunda fuente idéntica a la primera fue realizada sesenta años después por el arquitecto Gian Lorenzo Bernini.

FONTANA DELLA PIAZZA DEL PANTHEÓN  (Fuente de la Plaza del Pantheon)

Construida en 1578 por el arquitecto Giacomo della Porta, muestra una bella cuenca cuadrilobada de mármol gris antiguo.

El aspecto actual es de principio de 1800 cuando fueron quitados el tronco y la cuenca originales, y en su lugar fue colocado un obelisco egipcio procedente del templo de Isis y una pedrera de inspiración berniniana.

Frente al Panteón, uno de los edificios más impresionantes de Roma, se alza un obelisco egipcio de la época de Ramsés II en cuyos pies brota el agua fresca de una fuente. Antes era usada por los comerciantes que ponían allí sus puestos en el mercado para limpiar los productos traídos del campo; hoy es usada por los turistas para refrescarse.

FONTANA DELLE  TARTARUGHES  (Fuente de las Tortugas)

Una pequeña joya escondida en medio de la plazoleta Mattei, detrás del Pórtico de Ottavia y junto al antiguo guetto judío

Fue construida entre 1581 y 1584 siguiendo un diseño de Giacomo della Porta. Sólo en 1658 se agregaron las tortugas que según la leyenda son una concepción de Bernini.bastante recogido

Elegante obra de  mármol y bronce en cuyo centro aparecen los efebos que vierten el agua de cuatro delfines en conchas y que con las manos sujetan las cuatro tortugas que la dan nombre.

Permitidme que os diga que esta fontana, entre todas las de Roma, es mi favorita

FONTANA DEL PARCO DEGLI ARANCI

Realizada a finales del siglo XVI originariamente estaba colocada en la Plaza Montanara y después había sido transferida junto a la muralla del Parque de los Naranjos en el monte Aventino.

FONTANA DE CASTOR Y POLUX (FONTANA DEI DIOSCURI)

La Fuente dei Dioscuri, está compuesta por un obelisco procedente del Mausoleo de Augusto, del grupo de Castor y Polux procedente de las Termas de Costantino y de una fuente de granito gris sacada del Foro Romano.

FONTANA DELLA DEA MINERVA IN CAMPIDOGLIO  (Fuente de la Diosa Minerva en Capitolio)

La fuente, situada en el fondo de la Piazza del Campidoglio, tiene una historia bastante compleja vinculada a los acontecimientos de una de las plazas más importantes de Roma, que ha sido el ayuntamiento desde el siglo XII y fue diseñada en el siglo XVI por Michelangelo Buonarroti (1475-1564).

La idea de hacer una fuente en el Capitolio es tan antigua como la organización de la plaza misma.

Solamente con la llegada del Agua Feliz sobre el monte capitolino,  toma consistencia en 1593, realizando una fuente debajo del palacio Senatorio en el centro, entre las estatuas antiguas del Tiber y del Nilo, fue colocada la estatua de Minerva dicha también “Diosa Roma”

FONTANA  DEL MOSÉ O DEL AQUA FELICE  (Fuente de Moisés)

Realizada en 1587 por Domenico Fontana como salida terminal del Agua Feliz cuyo acueducto fue restablecido por Sisto V (1585-1590), está constituida por un arco con tres bóvedas con un altísimo ático completado de inscripción dedicatoria.

En el centro la enorme estatua de Moisés obra de Leonardo Sormani.

FONTANA DEL PUTTO  (Fuente del Amorcillo)

Situada en la esquina entre la calle Julia y el vicolo del Cefalo, remonta al año 1520 y ha sido atribuida al arquitecto Antonio da Sangallo el Joven.

Ya no sale más agua y el modelado está muy consumido, pero la calidad artística de la obra es totalmente evidente.

FONTANA DEI LEONI DEI IN PIAZZA DEL PÓPOLO

Esta parte del Campo Marzio comenzó a urbanizarse solo a mediados del siglo XVI y una primera fuente en el centro de la plaza fue construida ya en 1572, diseñada por Giacomo della Porta (1533-1602), arquitecto del pueblo romano.

Entre los siglos XVI y XVII, la plaza se hizo cada vez más monumental: en 1589 el obelisco se erigió en el centro a instancias del Papa Sixto V (1585-90); durante el siglo XVII, la Porta del Popolo fue transformada por Gian Lorenzo Bernini y se construyeron las iglesias gemelas de S. Maria dei Miracoli y S. Maria di Montesanto.

FONTANA DEI LEONI CAPITOLINI  (Fuente de los Leones Capitolinos)

Son dos fuentes, colocadas simétricamente al comienzo de la escalinata del Campidoglio ,  compuestas por dos leones negros de basalto egipcios del “Iseo Campense“, el templo construido por Domiziano en Campo Marzio, en honor a las deidades egipcias Isis y Serapis.

Fueron colocados en la cabecera de la escalinata por Giacomo della Porta, en 1582, sobre dos altas bases decoradas en la cara frontal con el escudo del pueblo romano

FONTANA DELLA MADONNA DEI MONTI  (Fuente de la Virgen de los Montes)

Llamada así por su proximidad al Colegio de Neófitos o Catecúmenos del siglo XVII, la fuente fue diseñada por el arquitecto Giacomo della Porta (1533-1602) y alimentada por acqua de Felice como parte del programa de reurbanización de la ciudad promovido por el Papa Sisto V Peretti (1585-1590

FONTANA DELLA NAVICELLA  (Fuente de la Navicella)

Construida durante el papado de León X en los primeros años de 1500, debe su nombre al pequeño barco que época romana, colocada en el centro de la fuente, que probablemente era un ex voto a la Diosa Isis protectora de los marineros.

FONTANA DELLA ANFORE  (Fuente de las Anforas)

La  Fuente de las Ánforas, ubicada en Testaccio , un barrio de Roma ,se completó en 1927, por Pietro Lombardi . En la antigüedad, gran parte del comercio del río Tíber tuvo lugar aquí, y los restos de vasijas de arcilla rotas ( ánforas ) se apilaron creando la colina artificial de Testaccio, que hoy es una fuente de mucha importancia arqueológica en cuanto a la historia de la vida romana antigua

FONTANA DELLE QUATTRO FONTANE  (Fuente de las Cuatro Fuentes)

El grupo de las cuatro fuentes está situado en la intersección de Via delle Quattro Fontane y Via del Quirinale. En dicha cruce se encuentra una de las iglesias mas características del barroco romano:

SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE o SAN CARLINO 

La pequeña iglesia romana de San Carlo alle Quattre Fontane, también llamada San Carlino, fue construida entre 1634 y 1667 por Francesco Borromini,

Borromini

Continuada por su sobrino después de su muerte. El nombre de esta iglesia se debe al hecho de que en cada una de las cuatro esquinas que se forman en la intersección de la Via del Quirinale, con la Via Felice, hay cuatro fuentes con deidades paganas que representan los cuatro ríos, tres de ellas diseñadas por Domenico Fontana, y la restante es obra de Pietro da Cortona.

El proyecto fue un encargo del papa Sixto V, dentro del proyecto de expansión urbanística de la ciudad, llevado a cabo por este papa y su construcción se realizó,  entre 1588 y 1593.

FONTANA DE PIAZZA CAMPITELLI  (Fuente de Plaza Campitelli)

La fuente fue diseñada por Giacomo Della Porta en 1589 y ejecutada por el cantero Pompilio De Benedetti. Recientemente alimentado por Acqua Felice, se compone de una cuenca de travertino octagonal, colocada sobre una base, en la que descansa una copa portasanta de mármol en medio de la cual fluye el agua.

FONTANA DE PIAZZA DELL´ARA COELI   (Fuente de la Plaza del Ara Coeli)

El autor de esta fuente es el arquitecto Giacomo della Porta quien en 1570 la colocó en el centro de la homónima plaza.

En una restauración de 1700 ha sido añadida una piscina circular enterrada como última cuenca de recogida.

FONTANA DI PIAZZA FARNESE  (Fuente de la Plaza Farnese)

Las dos fuentes de granito proceden de las Termas de Caracala y al principio en el siglo XVI, habían sido colocadas en la Plaza Venecia.

Solamente en un segundo momento fueron desplazadas en a Plaza Farnese utilizando el acqua Paola y elevàndolas dentro de dos cisternas, bajo proyecto del arquitecto Girolamo Rainaldi.

FONTANA DI PONTE SISTO  (Fuente del Puente Sixto)

Fue construida por papa Pablo V en 1613 delante del Puente Sisto para llevar el acqua Paola en la zona de la Regola, pero con las obras de 1800 de la muralla para contener el Tiber fue movida a la otra orilla trasteverina siempre delante del Puente Sisto.

FONTANA DI SAN ANDREA DELLA VALLE  (Fuente de San Andrea del Valle)

Construida en 1611 por el arquitecto Carlo Maderno, originariamente estaba colocada en la plaza Scossacavalli.

Durante las obras para la abertura de la calle de la Conciliación en 1933, la fuente fue desmontada y almacenada hasta la posguerra, cuando fue recompuesta en la plaza de San Andrés del Valle.

FONTANA DI SANTA MARIA IN TRASTEVERE (Fuente de Santa Maria en Trastevere)

Realizada a mediados de 1400 sobre los restos de la Fuente Alsietina de época romana, tenía originariamente una cuenca de recogida de las aguas que luego desapareció.

detalle de las conchas que la adornan.

En el curso de los siglos ha sido restaurada muchas veces y con la llegada del acueducto Felice fue trasladada al centro de la plaza.

FONTANA DELLA TERRINA  

La fuente, delicada obra de 1590 así llamada por su forma, es obra de Giacomo della Porta

La fuente de la Terrina pertenece al numeroso grupo de fuentes desmontadas y reconstruidas; de hecho, originalmente estaba ubicado en el centro de Campo de ‘Fiori, que tuvo que dejar para que situaran el monumento de Giordano Bruno.

FONTANA SALLUSTIANA  

Pequeña fuente de elegante factura y estilo barroco ubicada en la esquina entre la calle Sallustiana y la calle Bissolati a pocos pasos de la Embajada Americana.

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FONTANONE SUL GIANÍCOLO   (Gran Fuente sobre Gianicolo)

Erigida durante el pontificado del Papa Pablo V (1605-1621) por F. Ponzio y por G. Fontana, está formada por una cuenca semicircular dominada por un arco triunfal con tres huecos mientras en el ático encontramos la inscripción dedicatoria con la insignia de los Borghese.

LAS ESTATUAS PARLANTES: IL PASQUINO

Hay en Roma seis estatuas, que han sido depositarias de numerosos pasquines en verso, a menudo irreverentes, con los que de un modo anónimo el pueblo se mofaba de los personajes públicos de la Roma de los siglos XIV y XV. Como alguna de ellas se trata de una fuente, las incluyo, y también por su interés histórico.

IL BABUINO

Il Babuino, es una de las seis estatuas parlantes de Roma.Es la representación de un sileno yacente, llamado por el pueblo de Roma “babbuino” por su aspecto bruto y deforme, más similar a un simio.

En 1571 el papa Pío V mandó realizar una fuente de uso público, y la estatua fue colocada como ornamento de la misma.

Tras diversas peregrinaciones en 1957 el Sileno retornó a su lugar de origen, junto a la iglesia de San Atanasio dei Greci.

MARFORIO

Marforio es otra de las seis estatuas, la más conocida después de la de Pasquino.

Es una enorme escultura de mármol, de la época romana, realizada en el siglo I, que representa quizá a Neptuno, o al río Tíber. Fue encontrada en el Foro de Augusto

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IL FACCHINO

Il Facchino, es una de las estatuas parlantes de Roma. Situada en otro tiempo en el Corso, hoy en día se encuentra en la Fontana del Facchino (La fuente del portero), en una de las paredes del Banco de Roma. Se construyó en torno a 1590, basada probablemente en un diseño de Jacopino del Conte.

FUENTES:

http://www.turitalia.com/ciudades/roma/roma.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Fuentes_de_Roma

http://elcuadernoliquido.blogspot.com.es/2012/04/las-fuentes-de-roma.html

http://www.vigoenfotos.com/roma/plazas_y_fuentes.html

http://www.cornisa.net/historia_olvidada/borromini-vs-bernini-historia-de-la-rivalidad-que-esculpio-roma

Osarios y esqueletos enjoyados

Los osarios son aquellos lugares cuya finalidad es reunir y guardar los huesos u otros vestigios humanos. Se trata de recipientes o cajas sepulcrales de piedra caliza, donde se guardan los huesos para pasar el resto de la eternidad. 
El origen de los osarios viene del cristianismo, ya que, los cristianos querían ser enterrados en suelo sagrado, alrededor de las iglesias. Los cristianos, a diferencia de otras religiones, prefieren la práctica del entierro en vez de la incineración,
Por ello, muchos de los osarios tenían el carácter conmemorativo, con nombres escritos en las calaveras y la intención de pervivir en la memoria de las generaciones futuras, asi se ven en Beinhaus, Hallstatt, Austria.
Existen varios de estos osarios en iglesias y otros edificios de Europa, siendo objeto de devoción, admiración y misericordia, cuando no de espanto, según el caracter de los restos de las personas allí depositadas y de las circunstancias de sus fallecimientos.
En algunos lugares, como en el Monasterio de Sedlec, República Checa, se les ocurrio, utilizar como decoración los huesos; en la mayoría de los casos, el “material” proviene de todos los muertos por la peste negra, que azoto Europa en el siglo siglo XIV, causando la muerte de una tercera parte de la población del continente, en el año 1348, pero tambien los hay por otras causas...Vamos a verlos.

LOS OSARIOS

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La Iglesia de Wamba,Valladolid, España
Es el más nutrido de la Península, nos cuentan que se calcula que hay unas 3.000 calaveras y los restos más antiguos de alrededor del siglo XII y XIII. Impresiona ver tal cantidad de huesos apilados en las paredes del osario.

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La población de Wamba, en Valladolid situada en la comarca de los montes Torozos a unos 20 Km de la capital, toma su nombre del célebre rey Godo que en esta población fué elegido como rey de la Hispania visigoda, a la muerte de Recesvinto. La iglesia es de estilo Mozárabe y Románico, y esconde un verdadero tesoro en su interior que es posible visitar, y es parte de lo que fue un gran osario.

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Colocados y ordenados hasta el techo en las paredes de una habitación de piedra,se guardan unos 3000 cráneos y huesos que desde la edad media se fueron guardando. Algunos serían de la población local y la mayor parte de los caballeros de Malta (San Juán) que se establecieron aquí. La Iglesia

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Las Catacumbas de París, Francia
En francés “Les Catacombes”, el uso de estas desgastadas minas, para el almacenaje de huesos humanos, fué en el año 1786 cuando se tuvo la genial idea de trasladar los huesos del poco higiénico cementerio de Les Halles, aprovechando las canteras excavadas en la época galorromana a 20 metros de profundidad en la base de tres colinas: Montparnasse, Montrouge y Montsorius. Su nombre oficial es “Les carrières de Paris”

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Catacumbas de París
Fueron depositados sin ningún tipo de intención “artistica”, amontonados, hasta que el Inspector General de Canteras, decidió colocar los huesos de la parte delantera en forma de muralla, dandole el aspecto que tienen hoy en dia,
las catacumbas han sido testigos de multitud de acontecimientos, desde la fiesta organizada por Carlos X antes de la revolución, pasando por refugio de la resistencia francesa en la Segunda Guerra Mundial, ó, más recientemente, por ritos satánicos, motivo por el cual han sido cerradas Sin embargo, existen entradas secretas a lo largo de París, lo que permite ingresar a las catacumbas por medio de las alcantarillas, el metro, etc. En raras ocasiones las personas hacen uso de estos accesos para entrar en ellas.

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Beinhaus, Hallstatt, Austria

Beinhaus, en alemán significa literalmente “La Casa de los huesos” uno de los más antiguos de Europa a unas 2 horas y media en tren desde Salzburgo. En las escarpadas colinas junto a un paradisiaco lago repleto de cisnes se encuentra la Iglesia Católica, con un pequeño cementerio a sus pies.

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Debido a la falta de espacio para enterrar a sus muertos (teniendo en cuenta lo escarpado del sitio), los ciudadanos del lugar optaron por enterrarlos por un período de 12 años. Porteriormente se exhumaban los huesos y se trasladaban a la capilla anexa a la iglesia. 

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A diferencias de otras capillas similares, en esta la decoración es realmente primitiva, con unas simples repisas de madera sosteniendo los huesos. Lo que hace singular a esta capilla es el uso de los craneos como si de un lienzo se tratara. Cada craneo era tratado con mimo, decorándolo generalmente con el nombre del difunto y la fecha del fallecimiento. 
Para diferenciar los hombres de las mujeres se pintaban hiedras en los hombres y rosas en las mujeres

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Capilla de los Huesos de Campomaior, Portugal
El inicio de la guerra con Castilla en 1640, hizo de Campomaior el segundo centro militar más importante del Alentejo, después de Elvas. Por entonces, ingenieros militares, soldados, mercenarios, municiones y pólvora aprovisionaban a esta población fronteriza para contener el ataque de las tropas españolas que incesantemente asediaban la población. 

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Eran las 3 de la mañana y todos dormían. Se desató una terrible tormenta y la mala suerte quiso que un rayo cayese sobre la torre del castillo donde se almacenaban cantidades ingentes de explosivos: “6.000 arrobas de pólvora e 5.000 munições”. La explosión fue tan brutal que acabó con la vida de las 2/3 partes de la población portuguesa de Campo Maior. 34 años más tarde, se construyó una capilla en memoria de los que murieron en la explosión

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La Capilla de Los Huesos, Évora, Portugal
Se encuentra anexa a la Iglesia de San Francisco, en la ciudad medieval de Évora, a unas tres horas en coche desde la capital de Portugal, Lisboa

La capilla fué construída por monjes Franciscanos entre 1460 y 1510. El origen de esos huesos, es dudoso: se dice que los cadáveres provienen de víctimas de la Peste Negra, otros dicen que se trata de víctimas de La Inquisición mientras que otros dicen que son soldados muertos en batalla

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Al construir los nobles en las tierras donde estaban enterrados, los monjes Franciscanos preocupados por la desenfrenada construcción sobre los antiguos sitios de enterramiento deciden proteger los huesos dentro de su iglesia , y usarla también como lugar de meditación y oración

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Capilla de las Calaveras de Czermna, Polonia
Se trata de la fosa común de la gente que murió durante la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), las Guerras de Silesia (1740-1763) y quienes murieron víctimas de las hambrunas y las epidemias de cólera

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Capilla de las Calaveras de Czermna
Las paredes de esta pequeña iglesia barroca están llenas de más de 3.000 cráneos, así como huesos de más de 21.000 personas que se hallaban enterradas en el sótano. Cada hueso de este lugar es auténtico, y la calaveras de quienes crearon la capilla se colocaron en el centro de la misma, colocadas en el altar.

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Cele Kula, Nis, Serbia
La Torre de las calaveras o “Cele Kula”, se encuentra en Serbia, en la ciudad de Nis. Fue construida con las calaveras de los serbios asesinados por las tropas turcas en la batalla de Cegar, en 1809, En mayo de 1809, los insurrectos serbios fueron derrotados durante el primer levantamiento serbio contra el imperio turco

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Stevan Sindelic

Los rebeldes, comandados por Stevan Sindelic, se encontraban atrincherados, y cuando el comandante se vio completamente rodeado y con la batalla definitivamente perdida, disparó a un deposito de pólvora que había en una zanja, provocando una enorme explosión que acabó con todo rastro de vida a su alrededor: muchos de los atacantes, sus soldados y, obviamente, el mismo. 
Un total de 952 cráneos fueron colocados en tan macabra construcción. En lo alto de esta se encontraba la calavera del comandante Stevan Sindelic

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La cripta capuchina de Brno, República Checa 
Los capuchinos vinieron a las tierras checas a través de Viena alrededor de 1610, se asentaron en Praga, Olomouc y Brno. En la cripta capuchina está enterrado también el barón Trenck (1711-1749), 
El visitante descubrirá allí también una sentencia sobremanera conocida que reza: “Lo que sois, fuimos; lo que somos, seréis”…

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Monasterio de Sedlec, República Checa
Este es el famoso osario de Sedlec, cerca de Kutná Hora. Su decoración bizarra, formada por arañas, pirámides, cruces y blasones de huesos humanos, asombra a visitantes de todo el mundo. Las lámparas confeccionadas de huesos humanos representan una curiosidad algo horripilante.
El osario contiene aproximadamente 40.000 esqueletos humanos, colocados artísticamente para formar la decoración y el mobiliario de la capilla. 
Henry, el abad del monasterio de la Orden del Císter de Sedlec, fue enviado a la Tierra Santa por el rey Ottokar II de Bohemia en 1278. Cuando volvió, trajo consigo una pequeña cantidad de tierra que había recogido del Golgotha y la roció en el cementerio de la abadía. La fama de este acto piadoso pronto se extendió y el cementerio de Sedlec se hizo un sitio de entierro deseable en todas partes de Europa Central. Durante la Peste Negra a mediados del siglo XIV, y después de las Guerras husitas a principios del siglo XV miles de personas fueron enterradas allí y el cementerio tuvo que ser ampliado 
En 1870, František Rint, un tallista de madera, fue contratado por la familia Schwarzenberg para poner los montones de huesos en orden. Los macabros resultados de su trabajo hablan por sí solos. Una enorme lámpara de araña, que contiene al menos una unidad de cada hueso que forma el cuerpo humano

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Capilla de Santa Úrsula, en Colonia, Alemania
En las paredes de esta iglesia se pueden ver, artísticamente colocados, los restos de las, según la leyenda, once mil vírgenes muertas junto a la Santa. Si bien no es un osario como los otros, ya que tiene su historia, se puede considerar, esta capilla, como un Osario. 
Corría el siglo IV cuando un rey de Britania (Inglaterra) prometió a su hija Úrsula en matrimonio a un alto personaje de la nobleza del país. Su futuro esposo era pagano y Úrsula cristiana, y no estando conforme con tal matrimonio, pidió y obtuvo un periodo de tres años para poder peregrinar a Roma.

Martirio de Santa Úrsula por Caravaggio

Con ella viajaron diez compañeras más. De regreso de su peregrinación y al llegar a la actual Colonia en Alemania, fueron a caer en manos de los bárbaros hunos; Úrsula y su compañeras se negaron en redondo las pretensiones, por lo que los barbaros enfurecidos las mataron a todas.

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La leyenda de Santa Úrsula y sus compañeras vino a España de la mano de Beatriz de Suabia, esposa de Fernando III el Santo, que introdujo la devoción a la santa y a las once mil vírgenes en la península.

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Iglesia de Santa María de la Concepción de los Capuchinos, en Roma, Italia

Del siglo XVII. Especialmente macabra, dado que además de los huesos, se exponen cuerpos momificados de algunos de los frailes vestidos con sus hábitos.
La Iglesia de Los Capuchinos de Santa María de la Concepción data del año 1626 y fué bendecida por el Papa Urbano VIII. El hermano de éste, el Cardenal Antonio Barberini, miembro de la Orden de Los Capuchinos, ordenó en el año 1631 trasladar los restos de miles de Capuchinos muertos desde la Via dei Lucchesi hasta la cripta para decorarla con sus propios huesos y mantener vivo su recuerdo a lo largo de los siglos.

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San Bernardino alle Ossa, Milan, Italia
Es una iglesia en Milán , norte de Italia, más conocido por su osario , una pequeña capilla lateral decorado con numerosos cráneos y huesos humanos.
En 1145 se construyó un hospital cerca de la Iglesia de Santo Stefano Maggiore. El cementerio de la iglesia se llenó en poco tiempo y tuvieron que construir una sala para recoger los huesos. En 1269 se construyó junto a esta sala la Iglesia de San Bernardino alle Ossa.

Foto Rob Sheridan

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San Bernardino alle Ossa

La iglesia fue destruida en 1712, y fue reemplazado por un nuevo edificio diseñado por Carlo Giuseppe Merlo . En 1738 el rey Juan V de Portugal quedó tan impresionado de la capilla, que tenía una muy similar construido en Évora , cerca de Lisboa .

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Catedral de Otranto, Italia. 
Los ciudadanos de Otranto, junto a la guarnición que defendía la ciudad se atrincheraron en el castillo, su historia pasada en la que 800 cabezas cristianas rodaron en un mismo día bajo el hierro otomano y porque los huesos de esos 800 mártires decoran hoy en día las paredes de su catedral
Cuando Mohammed II y sus tropas se retiraron de Otranto, todos los restos fueron llevados a la Catedral y se decidió exponerlos en sus paredes como recordatorio privilegiado de aquel 12 de agosto en el que fueron ejecutados por defender su Fé.

LOS ESQUELETOS ENGALANADOS

Para completar este artículo “dedicado” a las osamentas, a continuación os dejo una breve galería con imágenes de algunos de los Santos y Santas de la Iglesia Católica, cuyos restos esqueléticos, vestidos de manera lujosa y llamativa, aún son venerados en algunas partes de Alemania y Austria.

San Pancracio con armadura del siglo XVIII

Los “santos enjoyados“, también conocidos como los “santos de las catacumbas“, son cadáveres de la antigua Roma que, fueron exhumados de las propias catacumbas de Roma.

Reliquia de las Catacumbas de San Pancracio. Fotografía tomada en la exposición del Museo Histórico de St. Gallen en Wil, Suiza

Se les identificó como mártires tempranos por señales tangibles –la letra M. (de “mártir”) presente en algunos cráneos o algún sedimento deshidratado en los huesos que se tomaba por sangre seca,– o intangibles, como el “resplandor áureo o la fragancia” que emitían los restos sacros.

Todos recibieron nombres ficticios y fueron enviados al extranjero (principalmente al mundo germánico ) como reliquias de (supuestos) santos entre los Siglos XVI – XIX. Los restos mortales reabastecieron el arsenal de las fuerzas católicas en el momento de la Contrarreforma. La Alemania meridional fue su principal destino debido a que sus iglesias habían sufrido saqueos y la destrucción de muchos de sus objetos de culto, como consecuencia del enfrentamiento contra los protestantes

Esqueleto de un supuesto mártir hallado en las catacumbas de Via Salaria, cubierto de joyas.

Fueron vestidos, lujosa y profusamente con sofisticados trajes, se ataviaron con pelucas y se adornaron con coronas de oro y joyas, desde gemas coloridas hasta grupos de perlas

Historia del descubrimiento

En 1578, los trabajadores de unas viñas, movidos por la curiosidad, descubrieron unas catacumbas romanas cerca de la Via Salaria. Años más tarde, los arqueólogos lograron desenterrarlas por completo, revelando un sobrecogedor espectáculo que parecía de otro mundo. Entre 500.000 y 750.000 esqueletos se extendían fantasmales frente a ellos, antiguos restos de individuos que habrían vivido en los primeros siglos del cristianismo, durante los cuales se dio muerte a miles de ellos, considerados en muchos casos mártires de la fe.

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Catacumbas de San Sebastián

En un principio se dio el nombre de catacumbas al cementerio de San Sebastián, aquel lugar donde los primitivos cristianos de Roma habían enterrado provisionalmente los cuerpos de San Pablo y San Pedro, en un momento en que temieron que les fueran sustraídos. Era el lugar llamado «ad catacumbas». Por extensión, a lo largo de la Edad Media se fue dando este nombre de catacumbas a todos los cementerios conocidos de las afueras de Roma que formaban una gran necrópolis y no solo se enterraban a mártires, sino en general a toda la población cristiana.

San Graciano en Waldsassen (Alemania).

Muchos de los esqueletos encontrados, fueron posteriormente adornados con oro y joyas incrustadas y con finas vestiduras, fueron expuestos en iglesias para mostrar los tesoros a los creyentes más devotos. A continuación os expongo su historia y localizaciones:

Santa Luciana de Heiligkreuztal (Alemania).

Los responsables de iglesias católicas de todo el mundo recibieron la noticia e inmediatamente se sintieron intrigados por el descubrimiento, decidiendo en muchos casos hacerse con el esqueleto de algún mártir (o de varios) para sus parroquias, y dispuestos a pagar una buena suma de dinero por su adquisición.

Cráneo de San Getreu en Ursberg (Alemania).

El proceso de ornamentación de cada esqueleto se encargaba habitualmente a conventos, o en ocasiones a algún monasterio. Seguían hasta tres años de trabajo, en los que frecuentemente se cubría inicialmente el cadáver con una mortaja de gasa tejida expresamente por las monjas. Este tejido era fino y vaporoso, pero impedía la acumulación del polvo y ayudaba a mantener los huesos unidos en el transcurso del proceso de decoración.

Cráneo relicario de San Deodato en Roggenburg (Alemania).

También se hacían rostros de cera para las calaveras de algunos mártires, en ocasiones sonrientes o con otras expresiones faciales. Tras el amortajamiento y/o el rostro de cera venían las joyas, gemas, oro y suntuosas vestiduras, así como la cuidadosa manipulación del esqueleto para adoptar posturas realistas.

San Deodato en Rheinau (Suiza).

Conforme pasó el tiempo, cada convento desarrolló un estilo propio para armar los huesos –sin conocimientos previos de anatomía, lo que provocó que se articularan de maneras singulares. Incluso, diversas monjas, o grupos de monjas y monjes, empezaron a expresar sus diferentes y reconocibles estilos a la hora de decorar los restos de los mártires, aunque habitualmente realizaban estos trabajos de forma anónima.

Santa Severina en Roggenburg (Alemania).

Si estas obras nunca gozaron del aprecio de luteranos y calvinistas, el siglo de las luces trajo su condena unánime como testimonios de la superstición. El mismo José II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, emprendió una embestida contra ellos al proclamar un edicto en el que se instaba a las comunidades a deshacerse de todas las reliquias cuya autenticidad no estuviera asegurada.

Muchas de las falsificaciones habían sido descubiertas, hecho el cual produjo que algunos de estos esqueletos fueron despojados de sus mejores galas y otros destruidos, mientras que el resto fueron ocultados y guardados en almacenes. Finalmente estos “santos” resultaron ser una fuente de vergüenza para la propia Iglesia.

Cráneo de San Benedicto en Muri (Suiza).

El historiador del arte, autor y fotógrafo Paul Koudounaris revivió el interés en los santos de las catacumbas con su libro de 2013, “Heavenly Bodies“.

 En la publicación del libro, Koudounaris trató de encontrar y fotografiar cada uno de los santos enjoyados existentes y que aún hoy se conservan.

Mano de San Teodosio en Waldsassen (Alemania).

Desde la perspectiva de un historiador de arte, Koudounaris cree que la cuestión de quiénes fueron los santos de las catacumbas en vida pasa a ser secundaria en comparación con el logro de crearlos. Son las obras de arte más magníficas jamás creadas con huesos humanos.

San Cándido en Irsee (Alemania).

Aun así, cabe preguntarse quiénes serían en vida hace siglos, y cómo se habrían sentido en relación con su espectacular auge y estrepitosa caída tras su muerte, bajo la forma de un esqueleto bellamente enjoyado.

San Máximo en Bürglen (Suiza).

En 2006, Paul Koudounaris comenzó a estudiar extensivamente el uso de restos humanos en rituales religiosos y como elemento decorativo en espacios sagrados. Comenzó a escribir sobre ellos y fotografiarlos para los periódicos europeos.

Nota: Todas estas increibles y macabras fotografías, están realizadas y son propiedad de Paul Koudounaris, y son mostradas aquí únicamente por divulgación e interés cultural.

Fuentes:

http://blogfunerariabizkaia.es/sabes-lo-que-son-los-osarios/

http://www.taringa.net/posts/arte/16551773/Arte-Macabro-Los-Osarios-de-Europa.html

http://www.escalofrio.com/n/Curiosidades/El_Osario_de_Sedlec

https://www.ancient-origins.es/noticias-general-historia-tradiciones-antiguas/macabras-reliquias-enjoyadas-los-santos-m%C3%A1rtires-las-catacumbas-salaria-003663

https://laexuberanciadehades.wordpress.com/2014/11/26/santos-enjoyados/

https://studylib.es/doc/4436289/esqueletos-enjoyados-3