El vino en «De re coquinaria» de Apicius

La Antigua Roma desempeñó un papel fundamental en la historia del vino, debido a la extensión del imperio y al hecho que en las manos de los romanos, el vino se volvió «democrático» y estuvo disponible para todos, desde el esclavo más bajo hasta el aristócrata, pasando por el campesino, aunque hay que decir que sus características y calidad no fueron las mismas…

El vino, era conocido en toda la cuenca mediterránea, convirtiendose en un ingrediente característico de casi todas estas culturas, un rasgo diferencial con respecto a aquellas desarrolladas en latitudes europeas más septentrionales.
El efecto de divulgación del vino que hizo durante el imperio romano fue muy extenso en Europa ya que plantó viñas en todos los territorios ocupados .

Por si quereis mas información relacionada con la importancia del vino en el Mediterraneo, os remito a otra publicación que hice hace algún tiempo:


https://chitiya.blog/2019/06/10/mare-nostrum-vino-arte-y-cultura/


Primero quiero mencionar a un autor y su obra, que constituyó una valiosa fuente para conocer la gastronomía en el mundo romano, y por lo tanto sus vinos.


Fascimil “De re coquinaria” de Apicius : Tours, Francia, 869 d.C, Biblioteca Apostólica Vaticana.

Me refiero a la creada por Apicius, aunque en realidad se trata de una obra del siglo IVo V debida a un escritor probablemente godo, Vinidarius, conocido por recopilar »el «Apici excerpta” (citas de Apicio) basado en el libro «De re coquinaria»

Marcus Gavius Apicius
Nació en el siglo I de nuestra era, vivió durante los reinados de los emperadores Augusto y Tiberio, y fue indiscutiblemente el primer gourmet de la historia

De re coquinaria, ejemplar de Majansius de 1768

Vástago de terratenientes, latifundista en sí mismo y beneficiario de una abultada herencia de cien millones de sestercios, no encontró mejor manera de emplear la fortuna que con lo mejor que sabía hacer, y lo que más le gustaba: disfrutar de la vida y, sobre todo, de la comida y la bebida. se rodeó de cocineros, agricultores, artesanos, ganaderos, bodegueros y toda clase de personas capaces de ofrecerle los más refinados alimentos.

Fresco pompeyano

Dicen que llegó a desarrollar un método para cebar a truchas de río con higos secos y conseguir así engordar su hígado, celebró épicas bacanales con lenguas de flamencos rosas y sesos de ruiseñor como banquete, así como los talones del camello –de los cuales Apicio da la receta–. Por no hablar del cerebro de avestruz, muy apreciado por el excentrico emperador Heliogábalo, y daba de comer a sus cerdos vino mezclado con miel para dar mejor sabor a sus carnes e incluso viajó hasta la vieja Libia, en un barco que él mismo fletó, para comprobar si sus quisquillas eran tan grandes como aseguraban.

Muchos de estos alimentos hoy día, nos causan repugnancia pero, como nos enseñaron los antiguos romanos, “de gustibus non est disputandum”: sobre gustos no hay nada escrito.

La vida de Apicius, acorde con las máximas bacanales, contrastó con su violenta muerte, ya que se suicidó al comprobar cómo se agotaba su fortuna, aunque todavía conservaba el equivalente actual a varios millones de euros.


DE RE COQUINARIA


frontispicio de la 2ª. edición de Apicius impresa por Martin Lister en Amsterdam, 1709

El De re coquinaria representa, pues, el único corpus culinario latino que poseemos; configurado a lo largo de cuatro siglos, diversos compiladores anónimos fueron añadiendo al núcleo primigenio de escritos apicianos, tal vez a modo de un fichero de cocina, otros textos de fuentes distintas y con finalidades diversas, pero temáticamente relacionados entre sí y siempre conservando el nombre de Apicio al frente del corpus de recetas
Entre 1498, fecha de la primera edición impresa del tratado de Apicius, y 1936, se conocen 14 ediciones del texto en latín, así como una edición apócrifa.

Monasterio de Fulda

Se conservan algunos manuscritos anteriores, como una versión abreviada de la época carolingia y la versión del monasterio de Fulda (Alemania).


En sus diez libros, con casi quinientas recetas, además de las culinarias, cita casi 300 veces al vino, desde las formulas más puros, hasta los vinagres, incluyendo el que utiliza para cocinar.

Los 10 libros son:
I. Epimeles: consejos para el cocinero (incluyendo recetas de conservas)
II. Sarcoptes: carnes
III. Cepuros: ingredientes del jardín
IV. Pandecter: diferentes platos
V. Ospreos: legumbres
VI. Aeropetes: aves de corral
VII. Polyteles volatilia: aves salvajes y exóticas y otros productos de gourmet
VIII. Tetrapus quadripedia: cuadrúpedos
IX. Thalassa mare: mariscos
X. Halieus piscatura: pescados

Lararium en una cocina

Como divinidades familiares, los Lares siempre tuvieron una gran importancia en el culto doméstico de los romanos, por lo que el lararium, se colocaba cerca de la cocina y/o dormitorios.

EL VINO EN LAS COMIDAS

Triclinium ( imagen:Amura world. com)

El banquete con invitados se dividía en tres partes:

-el gustus o aperitivo para abrir el apetito (melón, atún, trufas, ostras,…),
-la prima mesa (cabrito, pollo, jamón, marisco, ….) que era el plato fuerte, y
-la secunda mesa, los postres.

Legionarios en un mercado

Distinta era la dieta del soldado en campaña: junto al cereal en forma de galleta (buccellatum), la grasa de la carne de cerdo salada (laridum) y la proteína del queso (caseus), el acetum ( vinagre) era uno de los ingredientes principales

En los banquetes de los patricios el vino se mezclaba con agua, haciendo varias partes: 1 de vino por 3 de agua, para un banquete “serio” 2 vino por 3 de agua, para un banquete más “festivo” y por último, vino y agua a partes iguales, o más vino, para conseguir una “orgía incontrolable”.

Mosaico del Museo del Bardo, Túnez

En el recetario de Apicius, resulta abrumadora la cantidad de menciones explícitas al vino, pues aparece citado casi en trescientas ocasiones, sea en forma pura (merum), sea en forma de alguna de sus variedades: vinos dulces (mulsum, passum), vinos cocidos (defritum, carenum, sapa), o licores cocidos y condimentados (vina condita)

En cuanto a recetas, solo quiero referirme a una muy antigua, llamada “moretum” que era un plato muy popular aparecido también en el «Appendix virgiliana», atribuido a Virgilio

Moretum

La receta del moretum, que describió Virgilio y fué mencionada también por «Columena en el libro XII de «De re rustica», es muy similar en preparación e ingredientes a salsas como el romesco catalán, el pesto italiano o el almodrote sefardí y sus ingredientes son hierbas aromáticas, ajo, queso, vinagre, aceite de oliva y sal.
Por tanto, le concedo especial importancia al vinagre, que como veréis era fundamental para los romanos.

Una salsa de tripas de pescado fermentadas muy popular, fué el Garum

No podía dejar de mencionarlo, dada su popularidad entre los romanos.

En este artículo, solo voy a mencionar los distintos vinos utilizados por los romanos, que acompañaban (o no) desde los manjares de Apicius a las modestísimas viandas que podían conseguir los ciudadanos mas humildes.

EL VINO EN LA LITERATURA
Podemos decir que el aprecio por el vino fue prácticamente unánime entre los escritores griegos y latinos de la antigüedad; ya es clásico aquel aforismo que decía: “Bonum vinum laetificat cor hominis” /el buen vino alegra el corazón del hombre

Lucio Anneo Séneca

Empezando por pensamientos como el de Lucio Anneo Séneca, cuando afirma que “el vino lava nuestras inquietudes, enjuaga el alma hasta el fondo y asegura la curación de la tristeza”

Plinio

Algunos de los escritores e historiadores de la época, como Plinio el Viejo en su Naturalis Historia, dedica el libro XIV 29​ al mundo del vino empezando a describir una gran cantidad de variedades

Petronio, “el árbitro de la elegancia”

Otros autores nos han dejado abundantes testimonios de las variedades, usos y virtudes de este néctar: las sátiras de Juvenal, los epigramas de Marcial, la lírica de Horacio y «la cena de Trimalción» (personaje del Satiricón), descrita por Petronio no se comprenderían sin el vino.

Catón

Por otro lado, también las obras de los llamados agrónomos, como Catón y Columela, así como las de Varrón, Cicerón y Virgilio, nos informan sobre su cultivo y utilización.


LOS USOS DEL VINO

Fresco en una tabernae de Pompeya, donde aparecen bebedores

El vino era una bebida tan popular entre los romanos que podría llamarse su bebida nacional. Despreciaban por completo la cerveza, ya que era una bebida popular entre los bárbaros, los británicos y los celtas; Así que naturalmente el vino era la mejor opción.
“In vino veritas” (en el vino está la verdad), que decía el viejo proverbio latino y de hecho, los romanos consideraban poco civilizado beber el vino sin aguar. Se consideraba una temeridad, pues conducía demasiado rápidamente a la embriaguez

Thermopolium en la ciudad de Ostia antica

Era habitual beber vino a la hora del almuerzo, que los romanos solían hacer en un tipo de establecimiento, los thermopolium, muy similares a las actuales osterie.

Durante prácticamente todo el periodo republicano las mujeres no podían bajo ningún concepto probar el vino

Pero al final del periodo republicano el veto al consumo femenino, se aplicaba ya de forma muy laxa, llegando a abolirse definitivamente en tiempos de Julio César.

Dionisio o Baco

Con el tiempo se empezaron a celebrar también las llamadas bacanales, en honor a Baco (Dionisos para los griegos). Baco será primero visto con recelo en Roma, por su origen extranjero.

Dionisio niño bebiendo, por Guido Reni

Pero con los años primero acabará siendo asimilado como propio ocupando su lugar en el panteón romano. y sus festejos, eran oficiados por las sacerdotisas de Baco, las bacantes

bacanal de Andrios de Tiziano

Estas celebraciones, las Bacanales, fueron prohibidas en el 186 a.C., al considerar el senado de la República que se habían vuelto demasiado frívolas y obscenas.

La Última Cena, Juan de Juanes, c. 1562 Museo del Prado

El vino nunca llego a perder por completo en la antigua Roma su carácter sacro. Ni siquiera con la llegada del cristianismo, que lo asimiló de forma completamente natural en su liturgia.

ELABORACIÓN

Pisado de la uva. Casa del Anfiteatro Romano de Mérida

Tras el primer pisado de la uva se obtenía el llamado “mustum calcatum”

Archaeological site de Ostia Antica en Roma – antiguas tinajas de vino o dolium

El mosto se dejaba fermentar unos meses en grandes tinajas de terracota de unos 1000 litros de capacidad, enterradas hasta la parte superior llamadas “dolium”para facilitar el control de temperatura. Tras el fermentado, el vino era tratado por el vinatero que le proporcionaba aromas.
Después, envejecían el vino durante 3 o 4 años, aunque algunas variedades daban lo mejor de sí después de, al menos, 10 o 15 años de crianza.

Las ánforas se dejaban envejecer, no en bodegas como se hace en la actualidad, sino en habitaciones altas de la casa, denominadas apotheca, generalmente cerca de las salidas de la chimenea lo que daba al vino un aroma a ahumado que gustaba mucho

ánforas y cántaros romanos

El vino era un alimento destacado en la dieta, aunque la ciencia por conservarlo estaba poco desarrollada y se agriaba con facilidad en las ánforas donde se almacenaba.
Eran vinos muy fuertes, que nosotros podríamos calificar perfectamente como licorosos o alcoholicos, siempre por encima del 15% de gradación, vinos que a la hora de ser consumidos, los romanos gustaban de rebajar con agua, ya que la fermentación no era controlada y su concentración de alcohol era muy alta.
Los caldos de peor calidad se adulteraban con aditivos y conservantes como la brea, al igual que con pequeñas cantidades de sal o agua marina. Por debajo de esos vinos modificados estaba la posca, de la que luego hablaré.

Detalle de mosaico con crátera de vino, Villa de Carranque (Toledo)

Los romanos preferían los vino blancos (en realidad de un color ambarino), por esta razón los vinos tintos se blanqueaban añadiéndole productos para clarificarlos tras la fermentación: cola de pez, polvo de mármol, clara de huevo, gelatina y en algunas ocasiones hasta sangre de cerdo

Clarificación del vino en la actualidad

Este proceso sorprende por su extraordinario parecido con los utilizados actualmente, en la clarificación y decoloración del vino. Antiguamente se vertía en la botella harina de haba o tres claras de huevo, y se agitaba por largo tiempo: al día siguiente el vino era blanco. Las cenizas de la uva blanca hacen lo mismo.

VARIEDADES

Foto: https://www.pausanias.es/es/productos-romanos

Había en Roma diferentes variedades de este caldo: mostum, merum y mulsum.


MOSTUM
El mostum era solo zumo de uva


MERUM
El merum adquiría el grado de vino puro, zumo de uva fermentado sin aditivos
Despues del mosto, se sitúan primero, los vinos puros, esto es, los vina mera, constituidos por el jugo de la fruta ya fermentado, pero sin adición de agua , edulcorante o condimento alguno.
En el De re coquinaria, el merum aparece mencionado en diecisiete recetas, aunque en ninguna de ellas se especifica la clase de vino de que se trata.

Al respecto, cabe recordar que los mera más afamados fueron el falerno, el másico, el albano, el cécubo, el setino, por mencionar tan solo algunos de los caldos italianos de mayor renombre en la antigüedad; todos estos vinos, por cierto, se denominaron, al igual que hoy, por su lugar de origen.

Cocina romana

En la cocina, el merum, en particular, y el vino, en general, fueron empleados como aliño, en combinación con el garum y el aceite, especialmente para los vegetales hervidos (calabazas, coles, puerros o alcachofas, entre otros), y para los huevos fritos o duros, al momento de servirlos. También fue usado como líquido de cocción, según muestra Apicio en una de sus recetas: “cortas el pollo en trozos pequeños, y lo haces hervir con garum, aceite y vino“. Por su contenido en glicerina, se le utilizó asimismo para ligar salsas (iura), para cuajar ciertos platillos, llamados patinae o patellae, tal vez similares a nuestros budings dulces o salados, y para espesar los tradicionales pultes, especie de papillas o potajes, elaborados con trigo molido y tostado, que posteriormente se cocía diluido en agua o leche.

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MULSUM

El primer mosto obtenido se reservaba y se mezclaba con miel para realizar el mulsum, esta bebida se servía al comienzo de los banquetes.
Se elaboraba mezclando miel de primera calidad, como la proveniente del monte Himeto en el Ática
En las recetas apicianas, el mulsum se menciona en quince ocasiones. Cabe señalar que, en De re coquinaria, el término latino mulsum y oenomel, su correspondiente vocablo transcrito del griego, aparecen empleados como sinónimos y se usan para suavizar la salsa blanca que, en este caso, acompaña los escalopes.

Casa dei Casti Amanti, Pompeya

DULCIA
En seguida del vino mulsum, se ubican los licores o vina dulcia, de los cuales es necesario distinguir el passum, vino obtenido a partir de las uvas pasas secadas al sol, y los vina cocta: ambos eran sumamente dulces y espesos, debido a la cocción a que eran sometidos, por medio de la cual se reducía el nivel de líquido y se concentraba la fructosa propia del mosto.

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PASSUM
Es un vino dulcia obtenido a base de pasas secadas al sol. Usualmente lo consumían las mujeres. La receta más antigua que se conoce es de origen cartaginés.

Monumento a Columela en una calle de Cadiz


El escritor y agrónomo Lucius Junius Moderatus, alias Columela (principios de la era cristiana-70 d.C.) en su obra De Agricultura explicaba cómo había que hacer el passum: Sobre un lecho de ramas, separada algo del suelo se ponían a secar al sol las uvas, que se cubrían de noche para evitar que les afectara el rocío. Una vez secas se meten en un recipiente, cubriéndolas con jugo de uva, y se dejan macerar durante seis días, tras lo cual se prensa y se saca el líquido (passum). Los restos se mezclan con otras uvas secas y se dejan macerar tres días, luego se vuelve a prensar obteniéndose así un “secundarium passum”.

VINOS COCIDOS Y ESPECIADOS

Los enólogos romanos descubrieron que de la ebullición del zumo de uva sin fermentar creaba un líquido dulce conocido como defrutum o arrope.

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En la práctica los romanos reconocían tres clases de vinos cocidos: sapa, defrutum y carenum:
SAPA
Vino obtenido al reducir mediante cocción el mosto hasta las 2/3 partes. Este y los dos siguientes eran usados generalmente en las preparaciones gastronómicas y medicina.

DEFRUTUM
Igual pero en una reduciéndolo a la mitad. Columela decía que la reducción del defrutum tenía que hacerse metiendo membrillos o otro producto similar para darle sabor.
CARENUM
Idem, pero reduciéndolo al tercio.

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CONDITUM
El conditum, era una mezcla de vino, miel y especias mezcladas a priori y maduradas.
De este último, hay una receta específica: el conditum paradoxum, que es una mezcla de vino, miel, pimienta negra, laurel, dátil, lentisco y azafrán, cocinado y almacenado para su uso posterior. Son los llamados “vinos artificiales”, vina ficticia: vinos no sólo cocidos, sino condimentados con especias , hierbas de olor.y con resinas, como la almáciga.

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Las bebidas resultantes fueron usadas especialmente como medicamentos, digestivos o tónicos reconstituyentes, como el ajenjo
Otra receta contiene —aparte del vino— agua de mar, colofonia y brea. La cerveza (cerevisia) era conocida también, pero era considerada vulgar.

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Había también vino de rosas, de violetas, o el vinum myrteum a base de macerar bayas de mirto en mosto, etc.


Vino de rosas
Concretamente este vino aparece nombrado en diferentes autores romanos como Plinio, Marcial, Juvenal, Horacio. Apicio también recoge recetas en su De re coquinaria y una de ellas es, el vino de rosas: Solo hace falta vino, pétalos de rosa y en 21 días está preparado.

En cocina, el vino passum, el defrito y el careno se usaban para endulzar y conservar alimentos, como sustitutos de la miel; para dar color a los platillos, y para confeccionar casi toda clase de salsas y de aderezos.

“DENOMINACIONES DE ORÍGEN”

Denominaciones de origen actuales

Son los romanos quienes empiezan a cultivar variedades que aún hoy definen la viticultura de la Italia central, como la blanca Trebbiano o las tintas Montepulciano y Sangiovese (a partir de ésta variedad se elaboran actualmente en Toscana los célebres Chianti). Sabemos también que, ya en aquel periodo se aplicaban diversas técnicas de vinificación, resultando de ellas vinos blancos (el Candidus), tintos (Atrum) y rosados (Rosatum)


Vinos célebres eran el verdoso Sorrento, el Fornio, el Trifoli, el Priverno, el Setia, el Albano y el Herburus, pero sobre todos ellos, destacaba el:

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Vinos célebres eran el verdoso Sorrento, el Fornio, el Trifoli, el Priverno, el Setia, el Albano y el Herburus, pero sobre todos ellos, destacaba el:

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FALERNO
El resultado constituía una bebida apreciadísima por los romanos, como lo ponen de manifiesto los versos de Horacio y de Marcial.
Numerosísimas son las referencias que han llegado hasta hoy día del vino Falerno (tanto seco como dulce), siendo por ello el vino más famoso de la antigüedad.

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Campania

Su origen no está del todo claro, se le cree originario de la Campania aunque leyendo a Virgilio y a Servio se cree que podría estar a unos 40 km en línea recta al noroeste de Nápoles. Además podríamos definir este vino como el primero con denominación de origen en todo el mundo.

Ribeira Sacra

Hispania:

Cuenta la leyenda que durante muchos años las huestes romanas cargaban sus arcas en la Ribeira Sacra para llevar a Calígula los vinos que prefería para sus festines. Los caldos de la orilla del Sil, que desde entonces se conocen popularmente como los vinos de los Césares. No existen pruebas documentales, pero no debe resultar extraño, pues no hay que olvidar que el Cañón del Sil era entonces la vía natural de penetración en Galicia.

una bodega de Jerez en la actualidad

También, se comienzan a producir vinos de enorme calidad en otros lugares de Hispania, hasta producirse una verdadera invasión de vinos hispánicos en Italia. El poeta Marcial describió un vino muy apreciado conocido como Ceretanum y originario de Ceret (la actual Jerez de la Frontera).

EL ACETUM
Por último, llegamos al vinagre (acetum), el término final de la línea evolutiva del vino, cuando éste deja de serlo, porque se ha convertido en un producto diferente. Como es sabido, el vinagre se produce, cuando el vino se vuelve agrio a causa de una segunda fermentación provocada por la presencia de una bacteria, la “acetobacter”, que produce el ácido acético.

Sin embargo, a lo largo de los tiempos, el vinagre, lejos de ser considerado un vino echado a perder, ha sido un condimento y un conservador muy estimado por sus múltiples usos y propiedades. Apicio distingue varias clases, sea según su procedencia: vinagre etiope, siriaco y líbico; o bien según los ingredientes que se le añaden: vinagre de comino (cuminatum),de anís (anetatum), de cilantro (coriandratum), o de laserpicio (laseratum), estos últimos verdaderos aderezos.


Hay que señalar que, a partir del vinagre, también se obtenían otras bebidas, como la posca, hecha a base de vinagre diluido en agua, constituía una bebida ligeramente ácida y refrescante.


LA POSCA

Posca era una bebida popular entre los antiguos soldados romanos y los campesinos pobres. Por lo general, se elaboraba diluyendo el vino de baja calidad y luego se agregaban especias para que tuviera mejor sabor.
Se cree que la bebida recibe su nombre de la mezcla del latín: poto (beber) o del griego epoxos (picante). De la misma forma “oxos” en griego significa vinagre, por lo que es muy posible que fuese una bebida medicinal en la época griega

Equipo habitual de un legionario

Por lo general, los soldados no tomaban vino ni mulsum: El consumo de vino de calidad se considera un signo de falta de disciplina, hasta el punto de que algunos generales lo prohibieron por completo, incluso los generales de alto rango también lo tomaban junto con las tropas para mostrar su lealtad a la legión
En tiempo del Adriano, la posca era una parte más del “sueldo” del legionario normal: cibaria o cibus castrensis, que era su dieta.

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Antiguo buque fluvial romano con  barriles de  vino y legionarios

Se sabía que las legiones romanas llevaban enormes barriles de vino posca durante sus campañas militares.

bacterias de las aguas contaminadas

Las legiones romanas solían recibir mucho vinagre en raciones. Los soldados añadían agua al vinagre para convertirlo en posca potable. El saneamiento en esos tiempos era bastante deficiente y el agua potable normal estaba generalmente contaminada. Esto solo agregó popularidad a la posca, ya que su acidez mataba a la mayoría de los gérmenes y evitaba que las bebidas se estancaran por mucho tiempo.

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Por la misma razón, la posca era también un eficaz antiséptico a la hora de lavar heridas.

“Sed tengo” Gregorio Fernández y discípulos 1612-1616 Cofradía de las Siete Palabras, Valladolid

Por supuesto, es la bebida que un legionario piadoso le proporciona a Jesús cuando este dice tener sed: “Y enseguida, uno de ellos fue corriendo a tomar una esponja, la empapó en vinagre y, sujetándola a una caña, le ofreció de beber” (Mateo 27,48)”.
Sin entrar en la intención de quienes se lo ofrecieron o el significado de las palabras de Jesús más allá del literal, esta historia tiene que ver con el vinagre o, mejor dicho, el supuesto vinagre. ¿Qué hacía allí un “recipiente lleno de vinagre”? La respuesta a esta pregunta es mucho más sencilla si pensamos que aquello no era vinagre, sino posca: estaba mezclado con agua.

En las tabernae, la bebida más vendida era la posca, una combinación de vino agrio o vinagre sazonado con miel y coriandro, cocinada y puesta a enfriar antes de beber, muy consumida por los soldados y las clases más bajas, porque al menos podía dejar cierto regusto a vino. Con ese valor de bebida pobretona aparece en diferentes textos. Leemos en Plauto: “No está mal la cosa: unos hartos de vino, y otros… a beber agua con vinagre” (alii poscam potitant)

La receta de posca no ha sobrevivido. He de decir que se ha hecho muy popular la que propone Cathy K. Kaufman en su libro «Cooking in Ancient Civilizations». La he encontrado reproducida hasta la saciedad en bibliografías y páginas de internet y es la siguiente:
1 taza y media de vinagre; media taza de miel; 1 cucharada de semillas de cilantro y 4 tazas de agua. Se trata de mezclar todos los ingredientes (las semillas de cilantro machacadas), hervir para que se disuelva la miel y colar las semillas

Imagen relacionada
Representación de esclavos en un mosaico que se conserva en el Museo del Bardo, en Túnez

LA LORA
El último peldaño del escalafón romano del vino lo ocupaba la lora, la bebida que solía servirse a los esclavos, y que dudamos de que fuera vino como tal. Se elaboraba mojando y prensando las pieles, semilla y tallos sobrantes de la preparación del vino para producir un caldo claro, flojo y amargo.

RECIPIENTES Y UTENSILIOS DESTACADOS

El tesoro de Boscoreale, Museo del Louvre (París)

Está formado por más de un centenar de piezas de vajilla de plata, joyas de oro y más de mil monedas de oro. Fue descubierto en 1895 en una villa romana de esta población italiana, situada en la ladera del Vesubio, que había sido sepultada por la erupción del volcán en el 79 d.C

La Copa Licurgo

Fué propiedad de la familia Rothschild, hasta que fue vendida al Museo Británico en 1958.

la botella de Speyer

Aunque fue analizada por un químico durante la Primera Guerra Mundial, la botella nunca se abrió
Los historiadores contemporáneos llevan años debatiendo si deberían abrir o no la botella de vino de Speyer, considerada la botella de vino más antigua del mundo. El Museo Histórico del Palatinado de Speyer (Alemania) alberga desde hace más de un siglo esta legendaria botella de mil 650 años de antigüedad, sellada con cera y que contiene un líquido blanco, que parece haber sido elaborado con una mezcla de hierbas y gran cantidades de aceite de oliva.††

cristal romano
Copa firmada por Ennion. Imperio romano, mediados del siglo I d. Cristal. azul transparente; soplado en molde con asas aplicadas

El vino se convirtió en un símbolo de riqueza, poder y lujo, el vino blanco se servía en copas de cristal en las casas de los nobles, mientras que el vino tinto se servía en las tabernas populares

Vaso de cristal imitando ónice

Para escanciar el vino se utilizaba un “cyathus”(Segun San Isidoro, es el genérico de copa, palabra procedente del griego que significa, taza con asa alargada)

Pocillator escanciando

Como escanciador, actuaba un joven esclavo, hermoso, de largos cabellos perfumados y muy educado al que llamaban “pocillator”, siendo los mas apreciados los de estirpe noble.


EL VINO Y EL SATURNISMO

El saturnismo o plumbosis es un envenenamiento causado por la ingesta de plomo (Pb), que provoca serie de trastornos mentales, físicos y hasta la muerte.
Se ha llegado a decir que la caída del Imperio Romano fue a causa del saturnismo producido por el vino. (El colapso del Imperio sigue siendo tema de debate entre académicos clásicos).

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Saturno devorando a su hijo por Rubens

Los romanos llamaban saturno al plomo, en honor al dios de la agricultura y la cosecha que devoró a sus hijos.


EL AZUCAR DE PLOMO
Las fuentes antiguas nos hablan de las distintas maneras de cocinar vino. Para que la cocción y por tanto la calidad del vino fuera exquisita se debía hervir en una olla de plomo o recubierta de esta metal, pues en las de cobre cogía mal sabor. Y es en este paso donde los romanos comenzaban a autoenvenenarse. El vino cocinado en estas ollas adquiría un sabor más dulce debido al “azúcar de plomo”, que no es otra cosa que el acetato.
Con el tiempo, los romanos aprendieron a hacer la forma cristalina del acetato de plomo (azucar) mediante la exposición de litargirio (óxido de plomo) en ácido acético (vinagre).

Domiciano emperador cuyos actos podrían estar relacionados con el plomo

Lo que los romanos desconocían es que la elevada ingesta de plomo les llevaría a sufrir constantes dolores de cabeza, episodios de extrema irritabilidad y de profunda depresión, gota, esterilidad… y en algunos casos incluso la muerte. ¡Qué se lo digan a Tiberio, a Claudio, a Calígula, a Nerón o Domiciano…!(La pregunta de si esto contribuyó a la aparente locura de estos emperadores)

Cucharas y cucharones. Museo Arqueológico, Saint-Germain-en-Laye.

Esto no se sostiene, pues los cazos que usaban los romanos solían ser de barro, aunque las clases pudientes también usaban metálicos de peltre, una aleación de cinc, plomo y estaño, e incluso cazos de plata,

Pero otra posibilidad era que la contaminación fuera a través de los tubos de plomo por los que llegaba el agua
Un litro de caldo cocinado en ollas de plomo concentra una cantidad de este metal pesado que varía entre 250 y 1.000 miligramos por litro. la Organización Mundial de la Salud (OMS) aconseja no tomar más de 40 mg/día para evitar la intoxicación

OTRAS BEBIDAS

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Hidromiel: bebida autóctona del norte de Europa, sobre todo de los pueblos escandinavos

El vino fue substituyendo a otras bebidas alcohólicas fermentadas como la hidromiel (hydromeli) o el aqua mulsa. Los romanos no fueron muy aficionados de la cerveza, aunque el edicto Diocleciano de “editum de pretiis maximis” (edicto de precios máximos) menciona la zythum (originaria de Egipto) y la cerevisia


CERVEZA
La cerveza se bebía, sobre todo, en las provincias del oeste y del norte de Italia, provincias donde el clima no favorecía al cultivo de la vid.

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Juliano el Apóstata

Hay otras pruebas que demuestran la mala fama de la cerveza en el Imperio Romano, sobre todo entre sus emperadores y gobernadores, el emperador Flavio Claudio Juliano (Juliano el Apóstata) compuso un poema en el que adoraba las virtudes del vino y sin embargo comparaba el olor de la cerveza con el de una cabra.

Ruinas de la Biblioteca de Alajandría

Ya en época de Claudio Ptolomeo I (305 – 282 aC), científico y divulgador que vivió en Egipto y trabajó en la famosa biblioteca de Alejandría, se introdujo la regulación sobre la venta y producción de cerveza, apareciendo el control estatal sobre este producto

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Medicina de Celso

También se encuentran referencias a la cerveza en la medicina romana. Celsus (25 aC-50 dC), mencionando al alto valor nutritivo de algunas de ellas realizadas a base de cereales

LAS BEBIDAS FRIAS

Nevero: construcción para conservar el hielo

En la época romana tomar una bebida bien fría era un lujo que no estaba al alcance de todos. La mayoría de la gente tomaba el agua o el vino tibios o calientes, y cuando querían enfriar el agua -que previamente habían hervido, por razones higiénicas- debían ponerla en la fresquera, dentro de recipientes de terracota que enfrían por sí solos el contenido.

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El uso de la nieve cobrará protagonismo a partir del siglo I : Entre los ricos se puso de moda -parece ser que el primero en hacerlo fue Nerón, según Plinio el Viejo (NH XXXI,40)- enfriar inmediatamente el agua que acababa de hervirse usando nieve. De esta forma, la presencia de nieve en una mesa era una señal clara de lujo y ostentación de riqueza.

Colum nivario

A la hora de filtrar los vinos, pues los vinos de la antigüedad se filtraban siempre para evitar beber las impurezas que pudieran contener, había dos posibilidades, usar el colum nivarium, un colador de metal, que cumplía la doble misión de colar y enfriar el vino.

OTRAS BEBIDAS ITALIANAS

Y ya puestos, para terminar, os voy a reseñar otras bebidas típicas de Italia, muchas muy antiguas y que han llegado hasta nuestros dias:


Strega: es el licor más antiguo de Italia, de la región de Benevento, donde se reúnen las brujas. Aunque su fórmula es secreta, su base es el azafrán, que le da su típico color y aroma, acompañado por otras especias como canela de Ceilán, la flor de lis florentina, pimienta de Jamaica, ginebra de los Apeninos y menta selvática.


Vermouth de Piamonte: bebida típica de Italia elaborada a partir de vinos blancos fuertes y aromáticos, macerado con caramelo, hierbas y especias. Para su preparación las hierbas se maceran durante un año. Puede ser seco o dulce, blanco (bianco), o rojo (rosso).


Maraschino: licor elaborado a partir de la destilación de la pulpa y las hojas de cerezas marascas


Campari: aperitivo de color rojo y sabor agridulce. Se prepara a base de vino, hierbas, raíces y alcohol, con cáscara de naranja y aguaquina.


Cynar: licor amargo digestivo de la región de Padua, elaborado a partir de alcachofas.


Fernet: aperitivo muy amargo, originario de Milán. Se elabora a partir de plantas aromáticas.


Galliano: licor amarillo muy dulce, elaborado a base de flores, hierbas y especias (anís, regaliz y vainilla entre otras).


Amaretto: licor originario de Saronno, cerca de Milán. Se elabora a base de huesos de albaricoque, almendras, alcohol puro, azúcar caramelizado, y la esencia de plantas y frutas aromáticas, especialmente vainilla, durazno y cereza.


Sambuca: licor fuerte y seco, destilado de las semillas del anís estrellado, con azúcar y sustancias aromáticas. Se puede tomar con hielo.


Limoncello: licor típico de Italia a base de limón macerado en alcohol,procedente de Campania. Se toma frío o a temperatura ambiente.


Grappa: bebida típica italiana de fuerte graduación alcohólica, destilada del bagazo de uva.

FUENTES:


https://antiguascivilizaciones.com/historia-roma/top-10-bebidas-comida-romana-antigua/
https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_vino#Imperio_romano
http://almacendeclasicas.blogspot.com/2012/12/el-vino-en-la-gastronomia-romana.html
https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-23762007000100002
http://abemus-incena.blogspot.com/2018/05/posca-la-bebida-popular.html
https://laboliteria.files.wordpress.com/2015/03/de-re-coquinaria-cocina-romana-apicio.pdf
https://portalclasico.com/los-romanos-y-el-vino-autoenvenenado-0
http://www.euskonews.eus/0614zbk/gaia61404es.html
https://lamanchawines.com/vino-la-antigua-roma/
http://derecoquinaria-sagunt.blogspot.com/2012/01/recetario-de-cocina-romana-v.html


Bibliografía:
Marco Gavio Apicio: De Re Coquinaria: Antología de recetas de la Roma Imperial

Mare Nostrum: vino, arte y cultura

MARE NOSTRUM:  mar Mediterráneo…  mar clave para nuestra Historia y Cultura.
Fenicios y romanos navegaron por él junto a los griegos, desde hace unos tres mil años aproximadamente, extendiendo cultura, arte, tradiciones y tantas cosas mas…entre ellas el vino.
La etimología de este mar procede del latín «Mar Medi Terraneum», cuyo significado es «mar en el medio de las tierras». aquellas donde se iniciaron los primeros cultivos vitícolas.
Suele considerarse que fue en el mundo griego donde el vino disfrutó de una mayor consideración, estando presente en los Symposia (los banquetes griegos), de donde pasó al mundo etrusco y romano.
Sin embargo, la vinculación de esta bebida con una posición social, el disfrute de una buena comida, el entablar conversaciones o disfrutar de los bailes mientras se disfruta del vino eran prácticas normales  tambien en el mundo faraónico.

Esto permite vincular aún más el mundo de la vid y del vino con la cultura mediterránea, encontrando evidencias de su consumo e importancia en la primera de las grandes civilizaciones que se desarrolló en torno al mar Mediterráneo.

Nave fenicia , recreación

Realidades que también, como ya hemos señalado, se constatan en el mundo de Siria-Palestina a lo largo de toda la antigüedad, no debiendo olvidar que fueron griegos y fenicios los que introdujeron formas de vida y de cultura que marcan los comienzos de una tradición, tanto histórica como cultural, que aún sigue vigente en la actualidad en muchos de los países de nuestro entorno.

Vitis vinifera  (Köhler Medizinal-Pflanzen)

Origen del cultivo
Existen evidencias arqueológicas en las que se indica que las producciones de vino más antiguas provienen de una extensa área que abarca: Georgia  e Irán (Montes Zagros), datando estos comienzos en el periodo que va desde el 6000 al 5000 a. C.

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Es una creencia generalizada que los comienzos de la elaboración del vino se ubica en una extensa zona situada al sur del Cáucaso: situado entre Georgia, Turquía, Armenia e Irán. La uva primigenia era la vitis vinifera sylvestris y se han recogido numerosas evidencias arqueológicas en las inmediaciones de Turkmenistán, Uzbekistán y Tajikistan datadas en lo que va desde el neolítico hasta comienzos de la época de bronce

Probablemente, el origen de la vid esté relacionado con el de la propia cultura humana. A lo largo de los milenios, la uva se ha convertido en una prodigiosa máquina natural de supervivencia.

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Todo comenzó con una cita casual; un encuentro que el azar quiso que se produjera superando incluso las limitaciones de la naturaleza: el matrimonio entre la vid y una levadura exógena conocida como “Saccharomyces cerevisiae“. Este microorganismo no se encontraba hace miles de años entre la flora propia de las distintas especies de vid. Más bien, estaba presente en especies arbóreas como el roble. Sin embargo, la tendencia de las vides silvestres a trepar por las ramas de los árboles pudo originar una espontánea inoculación en las uvas y la consecuente fermentación de su jugo que no pasó inadvertido a las primeras civilizaciones humanas. De ese modo, la producción de vino, casi tan antigua como la cultura, no sería otra cosa que el intento de domesticación y control de esta curiosa fermentación.

El hombre y la vid han seguido, a lo largo de los milenios, destinos comunes. El cultivo de especies domésticas de uva (Vitis vinífera) para su posterior utilización en la extracción de vino hubo de ir parejo al propio asentamiento de las primeras poblaciones nómadas que se  requiere para la recolección de suficiente cantidad de uva.El género Vitis, supo proliferar en zonas más templadas  y convertirse en exclusiva del hemisferio Norte

EGIPTO

La primera evidencia de la presencia de uva en Egipto son las semillas halladas en los yacimientos predinásticos (4000-3050 a.C.) de Tell Ibrahim Awad y Tell el Farain, situados uno al este y el otro al oeste del delta del Nilo.

Esclavos vendimiando. Pintura realizada en la tumba de Nebamun.

La primera evidencia arqueológica de machacado de las uvas con intención de extraer vino se puede observar en las representaciones del reinado de Udimu (ca. 3000 a. C.) En el Antiguo Egipto la cerveza era más popular que el vino.

Detalle de la tumba de Nebamun representando un banquete en honor a los dioses y el difunto (siglo XV a.C.)

El vino era considerado un lujo reservado a los sacerdotes y a los nobles, sin embargo en los periodos festivos lo escanciaban hasta los egipcios de las clases más bajas. Era costumbre cocinar el vino tras la fermentación para evitar su deterioro.
El vino también era empleado durante el proceso de embalsamamiento para limpiar los cadáveres, antes y después de las evisceraciones.

LA BIBLIA

“La embriaguez de Noé” de Miguel Angel Buonarroti, techo de la capilla Sixtina, Vaticano, Roma, 1509.

Miguel Angel muestra a Noe borracho delante de sus hijos, y simultáneamente, en el fondo Noé planta una viña.

Noé, el primer hombre que planta una viña, hizo vino con sus uvas, se embriagó y quedó desnudo en medio de su tienda.

Cam, el padre de Canaan, vio la desnudez de su padre y fue a decírselo a sus hermanos Sem y Jafet. Estos tomaron el manto, se lo pusieron sobre los hombros y, yendo de espaldas, vuelto el rostro, cubrieron, sin verla, la desnudez de su padre.

“Boda en Canáa” Jesús convirtiendo el agua en vino. Marten de Vos,, 1597, Catedral de Nuestra Señora, Amberes, Bélgica.
Las bebidas alcohólicas aparecen numerosas veces en la Biblia y en la literatura bíblica — desde Noé plantando un viñedo y emborrachándose en el Génesis a Jesús haciendo el milagro de convertir una importante cantidad de agua en vino en las bodas de Canáa y posteriormente incorporando el vino como parte del rito principal del Cristianismo: la Eucaristía

Banquete de Assurbanipal en Ninive. Primer ejemplo de banquete real recostado. Museo Británico. c. 640 a.C.
Las más antiguas escenas mesopotámicas en las que una pareja real aparece bebiendo cerveza sentada -y no reclinada- en un templo con ocasión del festival de la cosecha, probablemente en una suerte de comunión con la divinidad,
En otro tipo de banquetes más profanos ( mishtäh), donde la verdadera diversión está en la bebida, el aspecto comunal típico del simposio está ausente: es un señor o un rey quien invita.

LOS FENICIOS

La presencia fenicio-púnica en Occidente
Desde finales del siglo X o comienzos del IX a. C. según los hallazgos arqueológicos recientes de Huelva y La Rebanadilla, yacimiento próximo al aeropuerto de Málaga, los fenicios comenzaron a establecerse en el lejano Occidente, en torno a las Columnas de Melkart (Estrecho de Gibraltar), dando lugar a una expansión colonial que se convertirá en un fenómeno histórico de larga duración y amplia extensión geográfica.  Esta presencia colonial se extiende, desde la desembocadura del Segura hasta Cádiz, y presenta un patrón de asentamiento en el que los enclaves, muy próximos unos de otros, apenas distan unos pocos kilómetros entre sí.

Los fenicios, coinciden con el pueblo cananeo citado en la Biblia y sus descendientes púnicos de Cartago tuvieron una influencia directa sobre las culturas productoras de vino de los griegos y romanos que más tarde extenderían la viticultura por toda Europa.
También difundieron el uso de ánforas (a veces conocidas como «jarras cananitas») para el transporte y almacenaje del vino.
Estas primeras producciones llegan a las costas peninsulares hacia el siglo VIII a.C. y se caracterizan por su pequeño tamaño (40-50 cm. de altura), por tener la parte inferior más ancha que la superior, con la característica forma “de saco”, por presentar una carena más o menos marcada en el hombro y por tener el labio levantado.

Pero sin duda, la cerámica que mejor atestigua la llegada del vino, son las ánforas arcaicas de tipología fenicia que pronto comenzaron a fabricarse en la península y que son conocidas como R.1, Los fenicios, como pueblo marinero y comerciante, necesitaban unos recipientes adecuados para el transporte y almacenaje en largos desplazamientos por mar y tierra, así como para la conservación de productos, como aceite, vino, trigo y salazones.

Embarcación fenicia

Los continuos viajes de los fenicios en esta embarcaciones ligeras y “marineras”, propiciaron que  , las nuevas colonias griegas mediterráneas se convierten en los nuevos centros vitivinícolas de la Antigüedad Clásica: Siracusa y Catania, en Sicilia; la Magna Grecia (Ancona, Nápoles, Reggio Calabria y Tarento), en el sur de Italia;  Massilia (Marsella) y Nikaia (Niza), en el sur de Francia; Emporio (Ampurias), Rode (Rosas), Dianio (Denia), Alonis (¿Villajoyosa?), Eio (¿Hellín?) y Mainake (¿Málaga?) en el levante español.

Los talleres del Sur de la Península Ibérica pronto empezaron a fabricar ánforas siguiendo estos parámetros;

Relieve fenicio, con un lagar donde se pisa la uva.

La vitis vinifera , debió introducirse en la Península Ibérica a raíz de la colonización fenicia, la más antigua que llega a nuestras costas fueron los habitantes de Tiro, gentes con gran tradición en su cultivo y comercialización.
Los historiadores creen que no fue mucho después del descubrimiento del propio vino, el producto alcohólico del zumo de uva fermentado, cuando las culturas advirtieron su valor como bien comercial y el grado de conocimiento y habilidad para saber exactamente cómo transformar estos frutos en algo agradable de beber.

Ánforas de vino del periodo tinita. Abidos (c. 3000 a. C.) Louvre.

El vino era considerado una ofrenda aceptable tanto para dioses como para reyes, lo que incrementó su valor comercial en el mundo antiguo.
Desde sus asentamientos principales en Biblos, Tiro y Sidón, los fenicios empezaron a extender su influencia comercial a sus vecinos. Fueron uno de los primeros pueblos en llevar vino a Egipto. Desde allí pasaron del simple comercio a la fundación de colonias comerciales por todo el Mediterráneo.

Siguieron por la costa africana y terminaron fundando Cartago en el 814 a. C. Desde el Norte de África se extendieron a las Islas Baleares y la Península Ibérica, donde fundaron la ciudad de Cádiz
En la Península Ibérica, los fenicios viajaron al interior estableciendo rutas comerciales por los ríos Tajo, el Duero, el Anas (Guadiana), el Betis (Guadalquivir) y el Íbero (Ebro).

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Quemaperfumes de la Quéjola

Del siglo VI a. C. es la fortificación de La Quéjola, en Albacete, construcción destinada al almacenaje de ánforas de origen fenicio.

Cerro de la Cabeza Valdepeñas (Ciudad Real)

Excavaciones en la zona revelaron los restos de la antigua ciudad íbera del Cerro de las Cabezas, que fue fundada en algún momento del siglo VII a. C., hallándose varios ejemplos de cerámica, alfarería y objetos fenicios, incluyendo utensilios vitícolas.
Los vinos fenicios tuvieron una presencia tan duradera en el mundo grecorromano que la expresión «biblino» (relativa a la ciudad fenicia de Biblios) se usó para aludir al vino de alta calidad.

Los lagares documentados guardan gran similitud con los lagares del Mediterráneo Oriental, que consistían fundamentalmente en acondicionar el suelo para recibir las uvas, en muchas ocasiones se enlucía con cal o arcilla para impedir las filtraciones. La mayoría de los lagares estaban labrados en la propia roca y solían ser una o mas piletas destinadas a recepcionar el mosto. Estos lagares estaban próximos al viñedo, no así el almacenamiento del mosto que se hacia en el palacio o en los santuarios.

GRECIA

Ánforas púnicas.

Origen y difusión:
La viticultura ha existido en Grecia desde finales del periodo Neolítico, generalizándose el cultivo doméstico a principios de la Edad del Bronce.
La Grecia homérica ya dominaba el cultivo del vino con técnicas posiblemente importadas de Egipto, que le llevaba 2.000 años de ventaja.

Frescos minoicos

A través del comercio con el Antiguo Egipto, la civilización minoica de Creta tuvo acceso a los métodos vinícolas egipcios, una influencia que muy probablemente tuvieron sobre la Grecia micénica. Los palacios minoicos tuvieron sus correspondientes viñedos. Restos antiguos de ánforas en lugares como Chipre, Egipto, Palestina, Sicilia y el sur de Italia demuestran que los micénicos comerciaron activamente con vino por todo el mundo antiguo.

En la cultura minoica de mediados del II milenio a C., el vino y el toro sagrado estaban relacionados en la forma de copas con forma de cuerno llamadas Rhytón

Rhytón

El kylix de Dionysus  (taza de consumición) que fecha a 540-530 AC. Es una de las obras maestras de la cerámica ática de figuras negras, del alfarero Exekias y una de las obras más importantes en el Staatliche Antikensammlungen en Munich .

Con los griegos, la vid, y obviamente el vino,  comenzaron a revestirse de una categoría sagrada que los convirtieron en la ofrenda óptima para los dioses, sobre todo a Dionisyus.

El Merum o vino puro era solo servido para honrar a los dioses.

Los pueblos del Mediterráneo entraron en la civilización cuando aprendieron a cultivar el vino
Fueron los colonos griegos los que plantaron las primeras vides en el Lacio. Sorprendidos por las buenas condiciones climáticas y del terreno, fomentaron su cultivo y llegaron a denominar aquella tierra como Enotria, es decir, la tierra del vino.

Ánfora griega de figuras negras
En  una cara del vaso, se representaba a la diosa Atenea girada hacia la izquierda, armada con escudo y lanza, entre dos columnas; en la otra cara, una imagen que representa la disciplina en la que ha vencido el atleta.
Millones de unidades de ánforas, llevando los sellos distintivos de distintas ciudades-estado e islas egeas han sido desenterrados por los arqueólogos, demostrando el alcance de la influencia griega

Tumba de Vix cerca de Borgoña desveló varios objetos que demostraban los fuertes lazos entre los comerciantes de vino griegos y los habitantes celtas locales. El más importante era una gran crátera de manufactura griega, diseñada para contener más de 1000 litros de vino.

viticultura

Los griegos practicaron una forma primitiva de pisado de la uva. Se ponían cestas de mimbre llenas de uvas en cubas de madera o barro cocido con una cuerda o tablón encima. Los trabajadores del viñedo se sujetaban de la cuerda para mantener el equilibrio y aplastaban las uvas con sus pies
Los griegos creían que el vino también podía mejorarse añadiendo aditivos como resina, hierbas, especias, agua marina, salmuera, aceite y perfume. El Retsina, el Glühwein y el vermú son ejemplos modernos de esta costumbre
El estilo más común de vino en la Antigua Grecia era dulce y aromático, aunque también se producían vinos más secos.

Joven con un kílix, rodeado por dos jóvenes con esquifos. Medallón de une copa ática de figuras rojas, h. 490-480 a. C.

Los vinos que se conservaban bien y envejecían eran muy apreciados, con Hermipo describiendo los mejores vinos maduros con un buqué de «violetas, rosas y jacinto». Los poetas cómicos señalaban que a las mujeres griega les gustaba «el vino viejo pero los hombres jóvenes». El vino casi siempre se diluía, normalmente con agua o nieve cuando se quería servir frío. diluir el vino con agua como un rasgo de comportamiento civilizado
En la antigüedad, se hervía ocasionalmente el mosto para transformarlo en jarabe o miel de uvas. Los autores latinos mencionan diversas formas de conservación de las uvas e incluso del mosto. Se intentaba impedir la fermentación a fin de poder disponer de un líquido rico en azúcar.

Libaciones y religión

Artemisa  libacion Museo del Louvre
La libación consiste en derramar parte del líquido sobre el altar, o en el suelo, mientras se pronunciaba una oración. La mayoría de las veces se ofrece vino mezclado con agua (la mezcla que se bebe habitualmente) pero, según los tipos de ritual, también vino puro, leche, o una mezcla de vino, agua y miel.
La libación acompaña también el ceremonial del banquete común o simposio.
Otras libaciones que se consagran totalmente son las choai, del verbo griego chein: «derramar copiosamente». Están especialmente destinadas a los muertos. Derramadas en la tierra o sobre un túmulo funerario, tienen la función de establecer un lazo entre vivos y muertos.

El vino también desempeñaba importantes papeles religiosos, sociales y medicinales en la sociedad griega.

El culto de Dioniso 

“Baco” es una pintura del maestro barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). expuesta  en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Bacchus es el nombre romano del dios griego Dionisio. Este dios aficionado al vino, la locura y el éxtasis a menudo aparece en escenas de jolgorio y desenfreno

“Bacantes danzando”

Su culto, era muy activo, si no misterioso, y fue inmortalizado en la obra de Eurípides ” Las bacantes”. A lo largo de todo el año se celebraban varias fiestas:
El festival más importante, las Grandes Dionisíacas, tenía lugar en Atenas durante cinco días de cada primavera. Para esta celebración los grandes dramaturgos griegos Esquilo, Sófocles y Eurípides escribieron sus magníficas tragedias. Después del siglo V a.C., Dioniso fue conocido para los romanos como Baco

La Antesteria se celebraba en febrero y señalaba la apertura de las jarras de vino de la vendimia del otoño anterior
El primer día se llamaba  Pithoigía, es decir «apertura de jarras». Los atenienses visitaban el santuario de Dioniso «en los pantanos» para abrir las jarras que contenía el vino nuevo
El segundo día se llamaba Khóes, es decir «la fiesta de las jarras». Se servían jarras de vino nuevo y se organizaba un concurso de bebida.
El tercer día se llamaba Khýtroi, es decir «fiesta de las marmitas». Estaba consagrada al culto de los muertos

Las Dionisias incluían representaciones teatrales tanto de comedias como de tragedias en honor del dios del vino.
Las Grandes Dionisias de Atenas eran, sin duda, las más importantes celebraciones que, en honor a Dionisos, se realizaban en todo el ámbito griego. Duraban varios días, pero ahora no podríamos establecer una cronología exacta del desarrollo de los diversos actos. Se sabe que la imagen de Dionisos era conducida procesionalmente hasta un templo vecino a la Academia, y luego devuelta al teatro.
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.El vino en Grecia nunca estuvo alejado de su relación mística con el culto a Dioniso aunque que los antiguos griegos creían tradicionalmente que Dioniso era una adición tardía al panteón griego, había cierto rechazo hacia su culto

Ménade danzando réplica romana de un original griego de fines del siglo V a.C. atribuido a Calímaco.Museo del Prado

Las adoradoras de Dionisio eran mujeres salvajes y sedientas de sangre llamadas Ménades

EL SIMPOSYUM
El simposio o banquete era común a todos los antiguos griegos, a quienes les gustaba mucho la alegría de los banquetes con motivo de las fiestas familiares, fiestas de la ciudad o cualquier otro acontecimiento digno de celebrarse: éxitos diversos, sobre todo en los concursos de los poetas o de los atletas, la llegada o la partida de un amigo. Este rito era compartido por los fenicios y otros pueblos semitas que lo llamaban marzeaḥ.

Escena en un “stamnos” con simposiastas travestidos. Museo Arqueológico Nacional

En la antigua Grecia los anfitriones (denominados symposiarch) podían convocar una fiesta en su propia casa que denominaban Agapē (literalmente: amor fraternal),

Joven prostituta danzando delante de un symposiarch,  con un aulos (flauta doble). Interior de un kílix ático de figuras rojas del Pintor de Brygos (Museo Británico, Londres)

el symposiarch (anfitrión) era el encargado de mezclar las proporciones de agua y vino para los invitados en un recipiente cóncavo denominado crátera (el vino de alta graduación antes de mezclar se denominaba acratos), a veces se delegaba esta función a los más viejos, o los que mejor conocían a los componentes de grupo.
Que el symposion fue una institución social central en el arcaismo griego es un hecho reconocido hace ya tiempo por la investigación: se admite que buena parte de la poesía arcaica estaba pensada para ser cantada y oida en banquetes, acompañada del aulos, y se ha sostenido que la importancia de la cerámica en el arte arcaico se debe a la demanda de cerámica decorada de calidad para los symposia.

Platón S.V-IV aC

Platón pertenecía a una familia de aristócratas con sólidas conexiones políticas. En realidad se llamaba Aristocles, y lo de Platón es un apodo que debía de hacer alusión a su prestancia física (Platón, literalmente, significa ‘el de anchas espaldas)
A los 18 años conoció a Sócrates, a través de su maestro Cratilo y ese encuentro marcó definitivamente su vida. Sócrates le hizo ver la ignorancia de quienes se decían competentes; le enseñó que la virtud es conocimiento; el vicio, la ignorancia, y que el máximo valor es la acción moral.
Los banquetes (simposia) hicieron surgir incluso un género literario, como demuestran, entre otros, “El banquete de Platón” y el de Jenofonte

En primer lugar se saciaba el hambre con la comida propiamente dicha.
En segundo lugar se procedía a la ingestión de bebidas, vino sobre todo, paralelamente a toda clase de distracciones en común
Lo que  caracteriza a un symposion, son precisamente unos rasgos: (hombres solos que beben en el andron en postura reclinada vino mezclado en una crátera, todo ello después de la comida propiamente dicha) que para los griegos diferencian una costumbre civilizada de otra bárbara.
Solían comer tumbados, o más bien con las piernas extendidas, en un lecho, pero con el torso recto o ligeramente inclinado apoyado en cojines o almohadones, como se ve en tantas pinturas de vasos y bajorrelieves que representan escenas de banquetes.

Kylix con joven escanciando vino Museo del Louvre

Se empezaba a beber con las libaciones habituales en honor de los dioses, sobre todo de Dioniso, la «bondad divina» que ha dado el vino a los hombres.
os.

Las Hetairas 

Las esposas no tenían entradas, pero las hetairas, mujeres a las que sólo se invitaba para el entretenimiento, divertían tañendo la flauta o bailando y se cuidaban de los más bebidos. Lo mismo podía surgir una conversación elevadísima, como la que recoge Platón en su Banquete, que degenerar todo en un desenfrenado alborozo.
Nos bastará por ahora recordar que en todos estos banquetes el vino jugaba un papel especialmente importante, y que en el symposion en particular es el elemento central en torno al que se desarrollaba, física y metafóricamente, la reunión.

RITO FUNERARIO

Exposición del cadaver

Próthesis
En el ritual funerario,  el vino el elemento fundamental;y se empezaba por la Prothesis, que consistía en lavar el cuerpo y vestirlo con ropas de carácter funerario, lo hacían las mujeres de la familia. Una vez preparado lo ponían en la sala de la casa con los pies mirando hacia la puerta. Después se le colocaba al difunto una moneda en la boca con la que pagar a Caronte el viaje a través de la laguna Estigia.

 

Tumba del “Tuffatore” (del “Nadador”, en castellano) 
Que fue encontrada en el enclave de la antigua ciudad griega de Posidonia, que pasó a llamarse Paestum en época romana
Se trata de una tumba de cista; que es un tipo de inhumación que consiste en cuatro losas laterales semienterradas en el terreno y una quinta que hace de cubierta
Las escenas simbólicas de banquetes, con un sentido alegórico de procesión funeraria y de tránsito a la otra vida, son representaciones convencionales dentro de la iconografía funeraria griega.
Según una interpretación, el joven difunto era un atleta que hacía natación, lo cuál no es que resulte muy probable, ya que la natación no es una de la actividades deportivas por antonomasia de los griegos

Tras el enterramiento, tenía lugar el perideipnon, es decir, el banquete funerario.Una vez transcurridos treinta días tenía lugar un rito llamado triakostia, en el que sobre la tumba ponían la parte de la basura generada en el banquete que habían celebrado tras el entierro. A esto se sumaba un último banquete, con el que se daba por finalizado todo este proceso

vasijas

Hay catálogos que diferencian los objetos inventariados en ánforas, jarras, hidrias, calderas, calderos, vasijas para beber, vasijas para aceites y ungüentarios. Otro catálogo,  baraja la posibilidad de clasificar los recipientes en función del uso, así estos, serán mixtos (uso polivalente), para riego, para el culto, para beber, para ungüentos, etc. Una tercera división adicional sería diferenciando formas abiertas y cerradas.Siguiendo el modelo clásico de estudio, dedica especial atención al arte ático de los periodos de arte clásico y arcaico, al periodo de la cerámica de figuras negras y al período de las figuras rojas. En términos generales es una clasificación de los vasos y su evolución desde la Época micénica a la Época helenística

1 Alabastrones
Para ungüentos


2 Ánforas
Las mas utilizadas
Aparecen por primera vez en las costas del Líbano y Siria, durante el siglo XV  a. C. y se extienden por todo el mundo antiguo. Fueron empleadas primero por los egeos, en la ciudad cretense de Knossos, y más tarde por los antiguos griegos y romanos como principal medio de transporte y almacenamiento de la uva, el vino, las aceitunas, el aceite de oliva, los cereales, el pescado y otros productos básicos, también salsas de pescado, tipo garum. Se elaboraban a gran escala en los tiempos de la Antigua Grecia y su uso fue común en todo el Mediterráneo hasta el siglo VII

3 Aríbalos
Para aceite y ungüentos

4 Askos
utilizada para servir pequeñas cantidades de líquido, como por ejemplo aceite.o vino
Pueden ser sencillos, los askos múltiples tienen habitualmente de dos a cuatro picos

.5 Exaleiptron

6 Hidrias
Las transiciones, sobre todo en el cuello, son más acuados que en el kalpis. Las hidrias de hombro se emplearon sobre todo como soporte de pintura  de la cerámica

7  cráteras
Indispensable en la utilización del vino

.8 Lekitos

9 Pixis

10 Skyphoi

 

11 Kylix usado para beber vino

12 Mastos
Recipiente para beber vino en forma de pecho femenino, de ahí su nombre

Mosaico romano con botella de vino, Museo del Bardo, Túnez

ROMA
El vino y el banquete en Italia prerromana.
Los contextos funerarios itálicos pre-orientalizantes incluyen restos de comida y de objetos asociados a ella, sobre todo vajilla cerámica; El extendido uso del vino a partir del s. VII refleja, el banquete con vino -o simposio- en el ámbito privado (aunque con connotaciones políticas) al lado del banquete sacrificial, en una línea que perduraría hasta época romana.

El triclinium
La sala llamada triclinium, era amplia y en ella se situaban varios lechos adornados con cojines y telas, donde los comensales se recostaban sobre su lado izquierdo y descalzaban, como símbolo de distinción social.La disposición de los comensales seguía un orden jeraquizado reflejo del estatus social de los invitados.Todo estaba colocado en torno a una mesa (tabulae), donde se servían las viandas y también habia candelabros para alumbrar la sala.

Dibujo de 1832 de los frescos de symposion etrusco de la tumba del Triclinium de Tarquinia. c. 460 a.C. 

Ya desde el Periodo Orientalizante la iconografía y los ajuares funerarios etruscos muestran rasgos que indican una adopción de elementos principescos asociados al banquete, en una forma que se viene denominando “banquete homérico”

El simposio proporciona “elementos traza” de helenización, la enorme abundancia en Italia de vajilla importada -metálica y cerámica- procedente del Este –Grecia y Fenicia–  asociada al banquete y en especial a la bebida, unida a la documentación fehaciente de la práctica de beber reclinados y probablemente de mezclar el vino,  incluso de recitar poesía en el banquete, permite hablar de un grado elevado de transmisión de contenidos culturales detrás de los materiales,
Así, parece posible hablar en el s. VI a.C. de banquetes no sólo en contextos funerarios, como muestran las tumbas, sino también de verdaderos simposia en ambientes “palaciales” como Murlo o Acqua Rosa.

El triunfo de Baco de Velazquez
BACO
Baco, en la mitología romana, dios del vino, identificado con Dioniso, el dios griego del vino, y con Liber, el dios romano del vino. Hijo de Zeus (Júpiter), se le suele caracterizar de dos maneras: una como dios de la vegetación, específicamente de los frutos de los árboles, que aparece representado a menudo en los vasos áticos con un cuerno con bebida y racimos de uvas.

Baco acompañado de Sileno

La segunda caracterización del dios apunta a los misterios de una divinidad que inspiraba cultos orgiásticos, de los que son ejemplo las ménades o bacantes. Este grupo de mujeres abandonaba el hogar y vagaba por el desierto entrando en un estado de éxtasis en su devoción al dios. Vestían pieles de cervatillo y se creía que poseían poderes ocultos.

Tiziano Vecellio di Gregorio,” La bacanal de los Andrios” 1523-1526

Las bacanales se hicieron cada vez más desenfrenadas. Por esa razón, el Senado romano las prohibió en el año 186 a.C. En el siglo I d.C., sin embargo, los misterios dionisíacos eran aún populares, como lo demuestran las representaciones alusivas encontradas en sarcófagos griegos.

Ritual funerario

Sin duda uno de los rasgos que más resalta en el mundo itálico es la importancia concedida al banquete funerario,  La iconografía y ajuares de las tumbas muestra banquetes colectivos y parejas -familiares- reclinadas, pero, sobre todo, una ideología más compleja que la del antiguo banquete funerario. Es incluso posible que se depositaran cadáveres en las tumbas en postura reclinada, apoyados sobre un codo, como para un banquete, que en efecto presidirían desde dentro de la tumba.

Banquete – Fresco de la Casa dei Casti Amanti, Pompeya

La mujer y el vino
En los primeros tiempos de Roma no se permitía beber vino a las mujeres por el temor a que si lo hacían podían perder el decoro y llegar a caer en el adulterio, lo que avergonzaría a la familia y provocaría dudas en cuanto a la legitimidad de los herederos.
“Mulier si temetum biberit domi ut adulteram puniunta”, “si una mujer bebe vino en casa, ha de ser castigada como una adúltera”.

Polibio sostiene que los romanos les prohibían beber vino a las mujeres, sólo les permitían beberlo cocido, que en su sabor parecía como un vino ligero de Agosthenes o de Creta. Podían beber las mujeres vinos condimentados como era la Murrina, mezclado con azafrán, áloe y mirra. Una ley de Rómulo prohibía a la mujer el uso del vino puro,llamado en la lengua arcaica, temetum. y establecía para ellas la absoluta abstinencia.
Catón nos dice que no solamente se las reprendía por haber bebido vino, sino que se las castigaba con tanta severidad, como si hubiesen cometido un adulterio.

Detalle de mosaico con vendimia, Iglesia de Priest John, Mount Nebo, Jordania

Toro de Osuna arte íbero

IBERIA
Durante el s. VI a.C. hay evidencia de que los Iberos ya producían vino, y que desde entonces su cultivo y consumo fueron extendiéndose.
El proceso por el que el vino y su uso se pudo introducir en Tartesos a través de Huelva, Cádiz y otros lugares está siendo muy estudiado, pero se sale de los límites temporales y temáticos de este artículo
Por tanto, si dicha costumbre del banquete existió en Iberia, y si fue introducida junto con el vino -lo que como veremos es discutible-, cabe que la llegada de productos comerciales griegos con motivos iconográficos asociados al banquete cayera sobre un mercado ya muy receptivo desde hacía quizá dos siglos.
En consecuencia, y por lo que se refiere a Iberia, la ingestión de grandes cantidades de vino, asociada o no a un banquete que incluye comida, o a un ritual funerario, no tiene por qué ser asociada a un proceso de ‘helenización‘, sino que puede ser muy anterior y deberse a una influencia semita

Ánforas iberas para el transporte del vino y aceite
La presencia de una amplia variedad de ánforas samias, corintias, greco-itálicas, quiotas, púnicas etc. es indicio de que, pese a la escasez de ánforas griegas importadas en el mundo ibérico a partir del s. V a.C., llegaban a Iberia cantidades reducidas de aceites y vinos importados, que como se verá más adelante pueden ser interpretados como productos de lujo distintos a las producciones de vino locales, y como tales, símbolos de status. Dicho cargamento iba acompañado de un amplio lote de vasos de figuras rojas y barniz negro, la mayoría asociadas al servicio de bebida (crateras, copas, etc.).

Imitaciones ibéricas de cráteras áticas de columna halladas en Andalucía

Anfora, posiblemente vinaria, procedente del palacio-santuario de Cancho Roano (Badajoz). Espacio N-6. s. V a.C. Museo de Badajoz.
Se trata de formas que derivan claramente de las antiguas R-1 fenicias, mantenidas incluso durante siglos.

Entre los soldados mercenarios no helenizados, se contaban contingentes de origen ibero a los que Platón recuerda probablemente en una sola ocasión, para referirse a su costumbre, compartida con otros pueblos bárbaros, de beber el vino puro y de embriagarse: “No hablo ahora de un uso cualquiera del vino o de la abstinencia total del mismo, sino de la embriaguez, de si hay que seguir la costumbre de los escitas y los persas, o incluso la de los cartagineses, los celtas, los iberos y los tracios, pueblos todos ellos guerreros, o bien hay que seguir la vuestra. Vosotros, en efecto, rechazáis enteramente esta práctica, mientras que los escitas y los tracios, que beben el vino puro, tanto las mujeres como los hombres, y lo vierten sobre sus vestidos, tienen la idea de que observan una costumbre bella y feliz”

Beber el vino mezclado con agua y no puro era un hecho cultural que para Platón -y para muchos otros griegos- identificaba a los helenos, mientras que la ingestión pura del mismo líquido y consiguiente embriaguez sería signo identificador de naciones bárbaras y guerreras -o de griegos abandonados al desenfreno y la molicie.

En Valencia, de hecho en Requena, hay evidencia de lagares, excavados en rocas, por el que el mosto pisado caería a través, de unos orificios, y desde un segundo orificio, que llevaba a las ánforas, dónde el mosto fermentaría en ellas 30 o 40 días, luego se procedía al tapado y almacenaje.

Nave en el puerto de Ostia

Los iberos traían vino de Italia. En concreto, caldos etruscos. Y no lo hacían por necesidad, ya que vino había de sobra, sino por puro esnobismo: los vinos etruscos estaban considerados una bebida de lujo y ponerlos en la mesa significaba que en esa casa se contaba con posibles.

Yacimiento de Capote
En el sur de la provincia de Badajoz. En el centro del poblado se ha documentado un espacio, verdadero punto focal en el castro, abierto a una de las calles, con restos de una serie de estructuras y materiales que su excavador asocia a la celebración de un banquete en el que podrían participar, sentadas en bancos corridos, unas veinte personas
El excavador da por seguro que el banquete documentado sería un acto colectivo-se sacrificarían hasta 24 animales- en el que participarían la totalidad de adultos del poblado, dirigidos por los notables sentados en el espacio reservado
.Los datos que se han analizado hasta ahora, arqueológicos y documentales, nos permiten afirmar que los Iberos y Celtíberos consumían cerveza, y, cuando podían permitírselo (más los Iberos que los pueblos del interior), vino. También que, a diferencia del ámbito centroeuropeo, las cantidades de vino disponible podían ser grandes ya desde época antigua (s. VI a.C.) gracias a la producción local (Benimaquía, la Quéjola). Sabemos también que la bebida se asociaba a banquetes en contextos ritualizados (Cancho Roano), especialmente en situaciones excepcionales (por ejemplo, de guerra, Numancia y Capote), y que el vino se consumía, libaba o ambas cosas en los funerales (Los Villares). Por último, sabemos que se conocía e importaba buena parte de la vajilla estándar griega especializada para la bebida de vino


Poblado de Los Villares  o Antigua Ciudad Ibérica de Kelin  Requena, Valencia

El mundo del banquete funerario es sólo una parte del conjunto total de usos sociales posibles del vino, y por tanto puede proporcionarnos una visión sesgada, pero con todo sigue siendo nuestra fuente principal. Como se ha visto, los datos de los depósitos de ofrendas de Los Villares,

Dama de Baza y ajuar funerario ibero. MAN

Estaba dentro de una cámara funeraria , donde había además un ánfora púnica que se comunicaba con la superficie por medio de un embudo, a través del cual seguramente se hacían desde el exterior, libaciones como ofrendas líquidas. Esto indica que se profesaba culto a la persona allí enterrada.

Paradójicamente, aunque no podamos hallar nada más lejano al symposion griego, esta forma de actuar se aproxima, más que la celebración de un hipotético perideipnon en el propio cementerio, a la práctica griega del periodo arcaico de disponer las llamadas “offering places” y “offering ditches” separadas del ajuar y al rito de la libación.

“MEDITERRANEO”  Joan Manuel Serrat.

FUENTES:

https://www.uam.es/proyectosinv/equus/warmas/online/articul4/figuras4.html#14

https://es.wikipedia.org/wiki/Tipolog%C3%ADa_de_vasos_griegos

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:History_of_wine

http://s735.photobucket.com/user/cefyp/slideshow/Ceramicas%20fenicias/?albumview=slideshow

http://imperioromanodexaviervalderas.blogspot.com.es/2015/08/el-dios-baco-dionisio.html?m=1

https://vitisetvinumlex.wordpress.com/page/5/

http://roderic.uv.es/bitstream/handle/10550/34955/147.pdf?sequence=1

http://www.man.es/man/exposicion/recorridos-tematicos/arqueologia-muerte.html

Osarios y esqueletos enjoyados

Los osarios son aquellos lugares cuya finalidad es reunir y guardar los huesos u otros vestigios humanos. Se trata de recipientes o cajas sepulcrales de piedra caliza, donde se guardan los huesos para pasar el resto de la eternidad. 
El origen de los osarios viene del cristianismo, ya que, los cristianos querían ser enterrados en suelo sagrado, alrededor de las iglesias. Los cristianos, a diferencia de otras religiones, prefieren la práctica del entierro en vez de la incineración,
Por ello, muchos de los osarios tenían el carácter conmemorativo, con nombres escritos en las calaveras y la intención de pervivir en la memoria de las generaciones futuras, asi se ven en Beinhaus, Hallstatt, Austria.
Existen varios de estos osarios en iglesias y otros edificios de Europa, siendo objeto de devoción, admiración y misericordia, cuando no de espanto, según el caracter de los restos de las personas allí depositadas y de las circunstancias de sus fallecimientos.
En algunos lugares, como en el Monasterio de Sedlec, República Checa, se les ocurrio, utilizar como decoración los huesos; en la mayoría de los casos, el “material” proviene de todos los muertos por la peste negra, que azoto Europa en el siglo siglo XIV, causando la muerte de una tercera parte de la población del continente, en el año 1348, pero tambien los hay por otras causas...Vamos a verlos.

LOS OSARIOS

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La Iglesia de Wamba,Valladolid, España
Es el más nutrido de la Península, nos cuentan que se calcula que hay unas 3.000 calaveras y los restos más antiguos de alrededor del siglo XII y XIII. Impresiona ver tal cantidad de huesos apilados en las paredes del osario.

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La población de Wamba, en Valladolid situada en la comarca de los montes Torozos a unos 20 Km de la capital, toma su nombre del célebre rey Godo que en esta población fué elegido como rey de la Hispania visigoda, a la muerte de Recesvinto. La iglesia es de estilo Mozárabe y Románico, y esconde un verdadero tesoro en su interior que es posible visitar, y es parte de lo que fue un gran osario.

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Colocados y ordenados hasta el techo en las paredes de una habitación de piedra,se guardan unos 3000 cráneos y huesos que desde la edad media se fueron guardando. Algunos serían de la población local y la mayor parte de los caballeros de Malta (San Juán) que se establecieron aquí. La Iglesia

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Las Catacumbas de París, Francia
En francés “Les Catacombes”, el uso de estas desgastadas minas, para el almacenaje de huesos humanos, fué en el año 1786 cuando se tuvo la genial idea de trasladar los huesos del poco higiénico cementerio de Les Halles, aprovechando las canteras excavadas en la época galorromana a 20 metros de profundidad en la base de tres colinas: Montparnasse, Montrouge y Montsorius. Su nombre oficial es “Les carrières de Paris”

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Catacumbas de París
Fueron depositados sin ningún tipo de intención “artistica”, amontonados, hasta que el Inspector General de Canteras, decidió colocar los huesos de la parte delantera en forma de muralla, dandole el aspecto que tienen hoy en dia,
las catacumbas han sido testigos de multitud de acontecimientos, desde la fiesta organizada por Carlos X antes de la revolución, pasando por refugio de la resistencia francesa en la Segunda Guerra Mundial, ó, más recientemente, por ritos satánicos, motivo por el cual han sido cerradas Sin embargo, existen entradas secretas a lo largo de París, lo que permite ingresar a las catacumbas por medio de las alcantarillas, el metro, etc. En raras ocasiones las personas hacen uso de estos accesos para entrar en ellas.

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Beinhaus, Hallstatt, Austria

Beinhaus, en alemán significa literalmente “La Casa de los huesos” uno de los más antiguos de Europa a unas 2 horas y media en tren desde Salzburgo. En las escarpadas colinas junto a un paradisiaco lago repleto de cisnes se encuentra la Iglesia Católica, con un pequeño cementerio a sus pies.

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Debido a la falta de espacio para enterrar a sus muertos (teniendo en cuenta lo escarpado del sitio), los ciudadanos del lugar optaron por enterrarlos por un período de 12 años. Porteriormente se exhumaban los huesos y se trasladaban a la capilla anexa a la iglesia. 

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A diferencias de otras capillas similares, en esta la decoración es realmente primitiva, con unas simples repisas de madera sosteniendo los huesos. Lo que hace singular a esta capilla es el uso de los craneos como si de un lienzo se tratara. Cada craneo era tratado con mimo, decorándolo generalmente con el nombre del difunto y la fecha del fallecimiento. 
Para diferenciar los hombres de las mujeres se pintaban hiedras en los hombres y rosas en las mujeres

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Capilla de los Huesos de Campomaior, Portugal
El inicio de la guerra con Castilla en 1640, hizo de Campomaior el segundo centro militar más importante del Alentejo, después de Elvas. Por entonces, ingenieros militares, soldados, mercenarios, municiones y pólvora aprovisionaban a esta población fronteriza para contener el ataque de las tropas españolas que incesantemente asediaban la población. 

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Eran las 3 de la mañana y todos dormían. Se desató una terrible tormenta y la mala suerte quiso que un rayo cayese sobre la torre del castillo donde se almacenaban cantidades ingentes de explosivos: “6.000 arrobas de pólvora e 5.000 munições”. La explosión fue tan brutal que acabó con la vida de las 2/3 partes de la población portuguesa de Campo Maior. 34 años más tarde, se construyó una capilla en memoria de los que murieron en la explosión

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La Capilla de Los Huesos, Évora, Portugal
Se encuentra anexa a la Iglesia de San Francisco, en la ciudad medieval de Évora, a unas tres horas en coche desde la capital de Portugal, Lisboa

La capilla fué construída por monjes Franciscanos entre 1460 y 1510. El origen de esos huesos, es dudoso: se dice que los cadáveres provienen de víctimas de la Peste Negra, otros dicen que se trata de víctimas de La Inquisición mientras que otros dicen que son soldados muertos en batalla

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Al construir los nobles en las tierras donde estaban enterrados, los monjes Franciscanos preocupados por la desenfrenada construcción sobre los antiguos sitios de enterramiento deciden proteger los huesos dentro de su iglesia , y usarla también como lugar de meditación y oración

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Capilla de las Calaveras de Czermna, Polonia
Se trata de la fosa común de la gente que murió durante la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), las Guerras de Silesia (1740-1763) y quienes murieron víctimas de las hambrunas y las epidemias de cólera

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Capilla de las Calaveras de Czermna
Las paredes de esta pequeña iglesia barroca están llenas de más de 3.000 cráneos, así como huesos de más de 21.000 personas que se hallaban enterradas en el sótano. Cada hueso de este lugar es auténtico, y la calaveras de quienes crearon la capilla se colocaron en el centro de la misma, colocadas en el altar.

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Cele Kula, Nis, Serbia
La Torre de las calaveras o “Cele Kula”, se encuentra en Serbia, en la ciudad de Nis. Fue construida con las calaveras de los serbios asesinados por las tropas turcas en la batalla de Cegar, en 1809, En mayo de 1809, los insurrectos serbios fueron derrotados durante el primer levantamiento serbio contra el imperio turco

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Stevan Sindelic

Los rebeldes, comandados por Stevan Sindelic, se encontraban atrincherados, y cuando el comandante se vio completamente rodeado y con la batalla definitivamente perdida, disparó a un deposito de pólvora que había en una zanja, provocando una enorme explosión que acabó con todo rastro de vida a su alrededor: muchos de los atacantes, sus soldados y, obviamente, el mismo. 
Un total de 952 cráneos fueron colocados en tan macabra construcción. En lo alto de esta se encontraba la calavera del comandante Stevan Sindelic

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La cripta capuchina de Brno, República Checa 
Los capuchinos vinieron a las tierras checas a través de Viena alrededor de 1610, se asentaron en Praga, Olomouc y Brno. En la cripta capuchina está enterrado también el barón Trenck (1711-1749), 
El visitante descubrirá allí también una sentencia sobremanera conocida que reza: “Lo que sois, fuimos; lo que somos, seréis”…

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Monasterio de Sedlec, República Checa
Este es el famoso osario de Sedlec, cerca de Kutná Hora. Su decoración bizarra, formada por arañas, pirámides, cruces y blasones de huesos humanos, asombra a visitantes de todo el mundo. Las lámparas confeccionadas de huesos humanos representan una curiosidad algo horripilante.
El osario contiene aproximadamente 40.000 esqueletos humanos, colocados artísticamente para formar la decoración y el mobiliario de la capilla. 
Henry, el abad del monasterio de la Orden del Císter de Sedlec, fue enviado a la Tierra Santa por el rey Ottokar II de Bohemia en 1278. Cuando volvió, trajo consigo una pequeña cantidad de tierra que había recogido del Golgotha y la roció en el cementerio de la abadía. La fama de este acto piadoso pronto se extendió y el cementerio de Sedlec se hizo un sitio de entierro deseable en todas partes de Europa Central. Durante la Peste Negra a mediados del siglo XIV, y después de las Guerras husitas a principios del siglo XV miles de personas fueron enterradas allí y el cementerio tuvo que ser ampliado 
En 1870, František Rint, un tallista de madera, fue contratado por la familia Schwarzenberg para poner los montones de huesos en orden. Los macabros resultados de su trabajo hablan por sí solos. Una enorme lámpara de araña, que contiene al menos una unidad de cada hueso que forma el cuerpo humano

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Capilla de Santa Úrsula, en Colonia, Alemania
En las paredes de esta iglesia se pueden ver, artísticamente colocados, los restos de las, según la leyenda, once mil vírgenes muertas junto a la Santa. Si bien no es un osario como los otros, ya que tiene su historia, se puede considerar, esta capilla, como un Osario. 
Corría el siglo IV cuando un rey de Britania (Inglaterra) prometió a su hija Úrsula en matrimonio a un alto personaje de la nobleza del país. Su futuro esposo era pagano y Úrsula cristiana, y no estando conforme con tal matrimonio, pidió y obtuvo un periodo de tres años para poder peregrinar a Roma.

Martirio de Santa Úrsula por Caravaggio

Con ella viajaron diez compañeras más. De regreso de su peregrinación y al llegar a la actual Colonia en Alemania, fueron a caer en manos de los bárbaros hunos; Úrsula y su compañeras se negaron en redondo las pretensiones, por lo que los barbaros enfurecidos las mataron a todas.

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La leyenda de Santa Úrsula y sus compañeras vino a España de la mano de Beatriz de Suabia, esposa de Fernando III el Santo, que introdujo la devoción a la santa y a las once mil vírgenes en la península.

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Iglesia de Santa María de la Concepción de los Capuchinos, en Roma, Italia

Del siglo XVII. Especialmente macabra, dado que además de los huesos, se exponen cuerpos momificados de algunos de los frailes vestidos con sus hábitos.
La Iglesia de Los Capuchinos de Santa María de la Concepción data del año 1626 y fué bendecida por el Papa Urbano VIII. El hermano de éste, el Cardenal Antonio Barberini, miembro de la Orden de Los Capuchinos, ordenó en el año 1631 trasladar los restos de miles de Capuchinos muertos desde la Via dei Lucchesi hasta la cripta para decorarla con sus propios huesos y mantener vivo su recuerdo a lo largo de los siglos.

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San Bernardino alle Ossa, Milan, Italia
Es una iglesia en Milán , norte de Italia, más conocido por su osario , una pequeña capilla lateral decorado con numerosos cráneos y huesos humanos.
En 1145 se construyó un hospital cerca de la Iglesia de Santo Stefano Maggiore. El cementerio de la iglesia se llenó en poco tiempo y tuvieron que construir una sala para recoger los huesos. En 1269 se construyó junto a esta sala la Iglesia de San Bernardino alle Ossa.

Foto Rob Sheridan

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San Bernardino alle Ossa

La iglesia fue destruida en 1712, y fue reemplazado por un nuevo edificio diseñado por Carlo Giuseppe Merlo . En 1738 el rey Juan V de Portugal quedó tan impresionado de la capilla, que tenía una muy similar construido en Évora , cerca de Lisboa .

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Catedral de Otranto, Italia. 
Los ciudadanos de Otranto, junto a la guarnición que defendía la ciudad se atrincheraron en el castillo, su historia pasada en la que 800 cabezas cristianas rodaron en un mismo día bajo el hierro otomano y porque los huesos de esos 800 mártires decoran hoy en día las paredes de su catedral
Cuando Mohammed II y sus tropas se retiraron de Otranto, todos los restos fueron llevados a la Catedral y se decidió exponerlos en sus paredes como recordatorio privilegiado de aquel 12 de agosto en el que fueron ejecutados por defender su Fé.

LOS ESQUELETOS ENGALANADOS

Para completar este artículo “dedicado” a las osamentas, a continuación os dejo una breve galería con imágenes de algunos de los Santos y Santas de la Iglesia Católica, cuyos restos esqueléticos, vestidos de manera lujosa y llamativa, aún son venerados en algunas partes de Alemania y Austria.

San Pancracio con armadura del siglo XVIII

Los “santos enjoyados“, también conocidos como los “santos de las catacumbas“, son cadáveres de la antigua Roma que, fueron exhumados de las propias catacumbas de Roma.

Reliquia de las Catacumbas de San Pancracio. Fotografía tomada en la exposición del Museo Histórico de St. Gallen en Wil, Suiza

Se les identificó como mártires tempranos por señales tangibles –la letra M. (de “mártir”) presente en algunos cráneos o algún sedimento deshidratado en los huesos que se tomaba por sangre seca,– o intangibles, como el “resplandor áureo o la fragancia” que emitían los restos sacros.

Todos recibieron nombres ficticios y fueron enviados al extranjero (principalmente al mundo germánico ) como reliquias de (supuestos) santos entre los Siglos XVI – XIX. Los restos mortales reabastecieron el arsenal de las fuerzas católicas en el momento de la Contrarreforma. La Alemania meridional fue su principal destino debido a que sus iglesias habían sufrido saqueos y la destrucción de muchos de sus objetos de culto, como consecuencia del enfrentamiento contra los protestantes

Esqueleto de un supuesto mártir hallado en las catacumbas de Via Salaria, cubierto de joyas.

Fueron vestidos, lujosa y profusamente con sofisticados trajes, se ataviaron con pelucas y se adornaron con coronas de oro y joyas, desde gemas coloridas hasta grupos de perlas

Historia del descubrimiento

En 1578, los trabajadores de unas viñas, movidos por la curiosidad, descubrieron unas catacumbas romanas cerca de la Via Salaria. Años más tarde, los arqueólogos lograron desenterrarlas por completo, revelando un sobrecogedor espectáculo que parecía de otro mundo. Entre 500.000 y 750.000 esqueletos se extendían fantasmales frente a ellos, antiguos restos de individuos que habrían vivido en los primeros siglos del cristianismo, durante los cuales se dio muerte a miles de ellos, considerados en muchos casos mártires de la fe.

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Catacumbas de San Sebastián

En un principio se dio el nombre de catacumbas al cementerio de San Sebastián, aquel lugar donde los primitivos cristianos de Roma habían enterrado provisionalmente los cuerpos de San Pablo y San Pedro, en un momento en que temieron que les fueran sustraídos. Era el lugar llamado «ad catacumbas». Por extensión, a lo largo de la Edad Media se fue dando este nombre de catacumbas a todos los cementerios conocidos de las afueras de Roma que formaban una gran necrópolis y no solo se enterraban a mártires, sino en general a toda la población cristiana.

San Graciano en Waldsassen (Alemania).

Muchos de los esqueletos encontrados, fueron posteriormente adornados con oro y joyas incrustadas y con finas vestiduras, fueron expuestos en iglesias para mostrar los tesoros a los creyentes más devotos. A continuación os expongo su historia y localizaciones:

Santa Luciana de Heiligkreuztal (Alemania).

Los responsables de iglesias católicas de todo el mundo recibieron la noticia e inmediatamente se sintieron intrigados por el descubrimiento, decidiendo en muchos casos hacerse con el esqueleto de algún mártir (o de varios) para sus parroquias, y dispuestos a pagar una buena suma de dinero por su adquisición.

Cráneo de San Getreu en Ursberg (Alemania).

El proceso de ornamentación de cada esqueleto se encargaba habitualmente a conventos, o en ocasiones a algún monasterio. Seguían hasta tres años de trabajo, en los que frecuentemente se cubría inicialmente el cadáver con una mortaja de gasa tejida expresamente por las monjas. Este tejido era fino y vaporoso, pero impedía la acumulación del polvo y ayudaba a mantener los huesos unidos en el transcurso del proceso de decoración.

Cráneo relicario de San Deodato en Roggenburg (Alemania).

También se hacían rostros de cera para las calaveras de algunos mártires, en ocasiones sonrientes o con otras expresiones faciales. Tras el amortajamiento y/o el rostro de cera venían las joyas, gemas, oro y suntuosas vestiduras, así como la cuidadosa manipulación del esqueleto para adoptar posturas realistas.

San Deodato en Rheinau (Suiza).

Conforme pasó el tiempo, cada convento desarrolló un estilo propio para armar los huesos –sin conocimientos previos de anatomía, lo que provocó que se articularan de maneras singulares. Incluso, diversas monjas, o grupos de monjas y monjes, empezaron a expresar sus diferentes y reconocibles estilos a la hora de decorar los restos de los mártires, aunque habitualmente realizaban estos trabajos de forma anónima.

Santa Severina en Roggenburg (Alemania).

Si estas obras nunca gozaron del aprecio de luteranos y calvinistas, el siglo de las luces trajo su condena unánime como testimonios de la superstición. El mismo José II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, emprendió una embestida contra ellos al proclamar un edicto en el que se instaba a las comunidades a deshacerse de todas las reliquias cuya autenticidad no estuviera asegurada.

Muchas de las falsificaciones habían sido descubiertas, hecho el cual produjo que algunos de estos esqueletos fueron despojados de sus mejores galas y otros destruidos, mientras que el resto fueron ocultados y guardados en almacenes. Finalmente estos “santos” resultaron ser una fuente de vergüenza para la propia Iglesia.

Cráneo de San Benedicto en Muri (Suiza).

El historiador del arte, autor y fotógrafo Paul Koudounaris revivió el interés en los santos de las catacumbas con su libro de 2013, “Heavenly Bodies“.

 En la publicación del libro, Koudounaris trató de encontrar y fotografiar cada uno de los santos enjoyados existentes y que aún hoy se conservan.

Mano de San Teodosio en Waldsassen (Alemania).

Desde la perspectiva de un historiador de arte, Koudounaris cree que la cuestión de quiénes fueron los santos de las catacumbas en vida pasa a ser secundaria en comparación con el logro de crearlos. Son las obras de arte más magníficas jamás creadas con huesos humanos.

San Cándido en Irsee (Alemania).

Aun así, cabe preguntarse quiénes serían en vida hace siglos, y cómo se habrían sentido en relación con su espectacular auge y estrepitosa caída tras su muerte, bajo la forma de un esqueleto bellamente enjoyado.

San Máximo en Bürglen (Suiza).

En 2006, Paul Koudounaris comenzó a estudiar extensivamente el uso de restos humanos en rituales religiosos y como elemento decorativo en espacios sagrados. Comenzó a escribir sobre ellos y fotografiarlos para los periódicos europeos.

Nota: Todas estas increibles y macabras fotografías, están realizadas y son propiedad de Paul Koudounaris, y son mostradas aquí únicamente por divulgación e interés cultural.

Fuentes:

http://blogfunerariabizkaia.es/sabes-lo-que-son-los-osarios/

http://www.taringa.net/posts/arte/16551773/Arte-Macabro-Los-Osarios-de-Europa.html

http://www.escalofrio.com/n/Curiosidades/El_Osario_de_Sedlec

https://www.ancient-origins.es/noticias-general-historia-tradiciones-antiguas/macabras-reliquias-enjoyadas-los-santos-m%C3%A1rtires-las-catacumbas-salaria-003663

https://laexuberanciadehades.wordpress.com/2014/11/26/santos-enjoyados/

https://studylib.es/doc/4436289/esqueletos-enjoyados-3

La Escuela Bauhaus: 100 años


El impacto que esta escuela tuvo en el diseño y la arquitectura actual:
Bauhaus, unión de dos palabras alemanas: Bau (construcción), y Haus (casa), fundada en Weimar por Walter Adolph Georg Gropius –1883-1969–, arquitecto y urbanista nacido en Berlín.
En abril de 1919, acaba de hacer ahora cien años, en la Alemania maltrecha tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, el arquitecto Walter Gropius fundó la escuela de arquitectura, arte y oficios artísticos más influyente del siglo XX: la Bauhaus.

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Bahaus Museum, Weimar

Ocurrió en la capital del clasicismo germano, Weimar, que celebra el centenario por todo lo alto con la inauguración hoy del Bauhaus Museum, un edificio de nueva planta que expone un millar de piezas de la colección más antigua de un movimiento que dinamitó los cánones previos y creó un modo de combinar la belleza artística de los objetos con su funcionalidad que trascendería épocas y fronteras.

Fiesta de disfraces Bauhaus

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social

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Un siglo después, aquellos diseños Bauhaus, siguen pareciendo modernos. En su época resultaban tan radicales e incómodos, y los estudiantes y profesores de la escuela se conducían de modo tan poco convencional, que estilo y personas se hicieron insoportables para el nazismo.

HISTORIA

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Vista aérea del edificio de la Bauhaus en Dessau, 1927. (A. Körner (bildhübsche Fotografie) / Gentileza ifa)

En sus 14 años de existencia, intercalado entre dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño Bauhaus cambió para siempre el aspecto de la modernidad y revolucionó el pensamiento crítico, creativo y artístico del mundo.

La Bauhaus Manifiesto: “ La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la actividad arte...

Su lema era “regresar al trabajo manual”. A los estudiantes de la escuela se les enseñaba cerámica, grabado, encuadernación, carpintería, tipografía o publicidad

Imagen: Paola Manzana Fas

Diseños Bauhaus

La belleza y la utilidad son elementos que impulsan el diseño de varios objetos de uso cotidiano, sin decoraciones excesivas y dando una particular atención a la funcionalidad. Los diseñadores de la Bauhaus creaban objetos estéticamente agradables que podían reproducirse en serie con la intención de ponerlos a disposición de un amplio público. Encontraremos creaciones inspiradas en la bauhaus, aparentemente tan distintas entre sí, como la arquitectura o la tipografía, el diseño industrial o la pintura. Todo ello en las tres ubicaciones que tuvo la escuela: Weimar, Dassau y Berlín.

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Las técnicas industriales modernas ofrecían la posibilidad de trabajar materiales considerados inusuales en la producción de muebles de la época, como acero, vidrio, contrachapado y plástico, para facilitar la producción en serie y promover la idea de gran utilidad y practicidad. Hoy, sus desarrollos estéticos y funcionales pueden encontrarse en todos los hogares.

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Maestros de Bauhaus

La vocación social de la Bauhaus con su máxima de diseñar “para las necesidades de la gente, no para las necesidades del lujo”, lo cual le dio una aureola izquierdista que impulsó al Ayuntamiento de Dessau a despedirle en 1930.

Collage de Iwawo Yamawaki (estudiante de Bauhaus, 1932)

EL NAZISMO
En su historia, la Bauhaus padeció varias crisis económicas y gobiernos inestables. Su corta existencia tuvo relación con las derrotas del partido Socialista Demócrata Alemán SPD. A pesar de ello, fue sin duda un fenómeno cultural, pedagógico y de enorme influencia en el mundo del diseño.
Con la llegada del nazismo, muchos de sus artistas eligieron el exilio, mientras que otros, el colaboracionismo.
El abril de 1933, catorce años después de su fundación, y ya con Adolf Hitler como canciller, la Gestapo, paso a paso, desde la sede de Berlín hasta el resto, le bajó el telón para siempre…

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 Museo Estatal de Auschwitz – Birkenau

En el campo de exterminio de Auschwitz, perdieron la vida creadores asociados a la filosofía de Gropius como la húngara Otti Berger, la austriaca Friedl Dikcer-Brandeis o la alemana Lotte Mentzel, todas de confesión judía.


El diario Anhalter Tageszeitung lo celebró así: “La desaparición del suelo alemán de uno de los lugares más prominentes entre las manifestaciones artísticas del arte judío y marxista es una victoria grandiosa sobre el bolchevismo cultural”.
Gropius partió a los Estados Unidos y empezó a dar clases en la escuela de diseño de Harvard, Moholy-Nagy logró lo mismo en el Instituto Tecnológico de Chicago, Meyer ya se había refugiado en Moscú, y Kandinsky encontró en París su nuevo lugar en el mundo. Pero medio centenar, entre estudiantes y profesores, fueron asesinados, condenados a prisión o arrojados a campos de exterminio…


EL FUNDADOR

WALTER GROPIUS
Walter Adolph Georg Gropius (18 de mayo de 1883 – 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán, fundador de la Escuela de la Bauhaus.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928

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Bauhaus Dessau, 1926

Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios

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Mahler, Alma y Gropius

Entre 1910 y 1915, año estuvo casado con Alma Mahler
Alma y Gropius se conocieron y enamoraron en el verano de 1910. En aquella época, Alma estaba casada con el compositor y director de ópera austríaco, Gustav Mahler.


En 1919, Gropius funda la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus. Antes del primer curso, Gropius les explica que es la Bauhaus. “Una revolución estética y una nueva forma de vivir y de pensar. Los arquitectos, los escultores, los pintores, los diseñadores, debemos regresar al trabajo manual. La potencia artesana debe elevarse hasta el mismo nivel de las Bellas Artes, y crear objetos de consumo asequibles para el gran público”.


En el Manifiesto Bauhaus de 1919, entre otras claves del nuevo mundo propuesto, Gropius jugó fuerte en un punto: abandonar todos los modelos estéticos anteriores, incluyendo el educativo. “No creo en la separación de la Escuela de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. Son lo mismo. El artista es un artesano enaltecido, glorificado.

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los arquitectos del TAC

Estando ya en EEUU, en 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects’ Collaborative, más conocido como TAC

LOS DIRECTORES

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Hannes Meyer

HANNES MEYER
En febrero de 1928 Gropius propuso como segundo director a Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura, y lo logró, pese a la resistencia de varios profesores.

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Poster de Meyer

Meyer, según propia definición, era “un marxista científico”. Según su catecismo, toda creación de la Bauhaus debía tener un sentido social, ya que el creador estaba obligado a servir al pueblo. En cuanto al arte, era “superfluo y confuso”.
Era lo que esperaba el Partido Nacional Socialista, para cargar contra la utopía posible de Gropius. La Bauhaus para ellos, no era más que un grupo de comunistas al servicio de la Unión Soviética, y Meyer, un agitador bolchevique”.

Mies van der Rohe Haus Esters Krefeld

MIES VAN DER ROHE
Eran tiempos convulsos, y el tercer director, Mies van der Rohe, optó por centrarse en la estética. Tampoco eso sirvió para que los nazis les dejaran en paz. La escuela Bauhaus desapareció así en 1933, barrida por Hitler igual que la República de Weimar en la que había nacido.

Interior del edificio Bauhaus en Dessau

En 1925 un partido local filonazi logró echar de Weimar a la Bauhaus, que se mudó a la ciudad de Dessau, donde Gropius construiría el famoso edificio rectangular como nueva sede de la escuela, que también fue expulsada de allí en 1932 al ganar el Partido Nazi las elecciones municipales.

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Neue Nationalgalerie

En el área del Kulturforum ubicada en el centro de Berlín, se encuentra la Neue Nationalgalerie, última obra del maestro de la arquitectura, Mies Van der Rohe.
Su último director, Mies van der Rohe, se llevó las clases a Berlín, donde un puñado de alumnos y maestros resistió unos meses hasta que, con Hitler y los suyos ya en el poder, no tuvieron más remedio que disolverse en julio de 1933.

LOS ARTISTAS
La escuela contó entre sus miembros más destacados con Josef y Ann Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Marianne Brandt y Ludiwg Mies Van der Rohe, que luego extendieron su herencia hacia el mundo, ya que muchos se vieron forzados a emigrar por la coyuntura política de aquella tan convulsionada Alemania de la primera mitad del siglo pasado.

KANDINSKY

Pintor ruso, precursor del arte abstracto en pintura y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.

Imagen relacionada

Kandinski no solo enseñó en las clases de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma.

Después de una campaña de difamación nazi de la Bauhaus Dessau en 1932 se marcha a Berlín, hasta su disolución en julio de 1933.

Paul Klee y algunas de sus obras.

PAUL KLEE
Cuando Paul Klee asumió las funciones de ‘Meister’ (maestro) en la escuela de la Bauhaus de Weimar, en enero de 1921, ya era un célebre artista de vanguardia.
Como ‘Meister’ (maestro) Paul Klee comenzó a enseñar primero encuadernación y, más tarde, pintura sobre vidrio y pintura mural.

Paul Klee

Mas tarde, a Klee le resultaba cada vez más difícil conciliar sus ideales artísticos con aquellos de la Bauhaus.

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Academia de Bellas Artes de Düsseldorf

Klee decidió entonces abandonar Dessau y la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf le ofreció un puesto en 1930. Un año después aceptó la nueva posición dejando a su familia en Dessau.
Los nazis habían llegado al poder en Alemania durante el mismo año y Klee estaba en la lista negra del régimen que de ninguna manera aceptaba a un artista moderno con simpatías por la izquierda y Klee fue despedido de la Academia con efecto inmediato.

LOTTE BEESE

Lotte Beese

Fué la primera mujer en estudiar arquitectura en la Bauhaus
En 1919, todavía asfixiada por el eco sangriento de la Primera Gran Guerra, Charlotte Ida Anna Beese (Lotte), nacida en Reisitch, Alemania –luego Rokitiki, Polonia–, tiene 16 años y un padre de rigidez moral rayana en la tiranía.
Una mañana, no lejos de su casa y paseando por el bosque junto al lago con una amiga, ve una escena asombrosa: chicas y muchachos desnudos y alborozados, que se arrojan al lago, juegan, cantan, chapotean: un instante de libertad total. Quiere saber quiénes son. “Alumnos de una escuela de arte, creo”, le dice su amiga. “¡Quiero estar allí!”, grita, iluminada.
La decisión tiene alto precio. Su padre le prohíbe acercarse a “ese grupo de degenerados y comunistas”, Lotte se empeña, y herr Beese la echa de su casa.
La inscripción en la escuela, no es fácil. El examen de ingreso consiste en varias clases (algunas, hasta de relajamiento y respiración) en las que se pone a prueba la creatividad de los aspirantes.

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Lotte Beese fue amante de Hannes Meyer. Tuvo un hijo con él: Peter, y dos con el arquitecto holandés Mart Stam. Vivió y trabajó como arquitecta en media Europa. Se especializó en urbanismo.
Fue nombrada en 1946 directora del Departamento de Urbanismo de la Universidad de Arquitectura de Ámsterdam y realizó la reconstrucción de Rotterdam después de la Segunda Guerra Mundial.

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Pendrecht

Entre sus proyectos urbanísticos en esta ciudad destacan las resconstrucciones de Pendrecht y los distritos de Ommoord en el sur de Rotterdam, y su obra fotográfica puede verse en el MoMA, Nueva York, y en los museos Arthur Sackler (Harvard) y Getty (California).
Tuvo razón al huir, a sus 16 años, de un padre tirano, hechizada por chicas y muchachos desnudos que eran felices en un lago…
Según Lotte Beese, la primera mujer de la Bauhaus que estudió arquitectura, “algunos murieron en las cámaras de gas, unos pocos huyeron, y muchos colaboraron con el nazismo para salvar su vida”.

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Barracón de Sachsenhausen

EHRLICH
Por ejemplo, se convirtió en prisionero privilegiado: llegó a diseñador en jefe para las obras de expansión de Buchenwald –zoológico incluido–, y luego hizo lo mismo en el campo de Sachsenhausen. Murió en 1984 después de años de carrera en Alemania del Este.

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hornos crematorios de Auschwitz.

FRITZ ERL
lo superó en colaboracionismo: se alistó en las Waffen SS y diseñó las cámaras de gas y los hornos crematorios de Auschwitz. Junto con su socio Walter Dejaco, fue juzgado en 1972, pero declarado inocente: “No sabían para que se usarían nuestros diseños”, alegó.

HERBERT BAYER
En cuanto al gran diseñador gráfico Herbert Bayer, creador de los célebres posters de la Bauhaus y de muchos logos comerciales en los Estados Unidos.

Fue clave en la estética de las piezas de propaganda del Partido Nazi antes de la guerra…creativo estrella de los atroces designios de Joseph Goebbels llevados al papel para glorificar a la “Nueva Alemania”.

ARQUITECTURA
A raíz de la Primera Guerra Mundial, la escuela de arte Bauhaus de Alemania aportó un nuevo enfoque radical al diseño y a la estética que impactó la arquitectura modernista de todo el mundo.
La arquitectura en especial, reflejó esta impronta. En primer lugar procuraba evidenciar en el exterior, su función interior. Se hacía referencia al movimiento y la circulación de nuestro tiempo: “algo flotante, liviano y movido rítmicamente”. Todo esto había sido posible gracias al uso de los nuevos materiales: hierro, hormigón armado y vidrio. Siempre bajo la premisa principal: la necesidad de que le arte transformara la vida cotidiana. En los talleres Bauhaus se había logrado literalmente una solución novedosa para cada detalle a través de una simbiosis de arte y técnica. Estos son algunos de sus ejemplos más destacados:

Kornhaus

Diseñada por Carl Fieger, el Kornhaus (granero, en alemán) fue construido a orillas del río Elba en Dessau en 1930. El piso superior incluía un salón de baile y un área de restaurante. Debe su nombre a un granero histórico que estuvo en la misma localización hasta la década de 1870

Zollverein XII

El complejo industrial de la mina de carbón Zollverein XII en Essen, Alemania, fue diseñado por Fritz Schupp y Martin Kremmer.

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Después de mudarse a Estados Unidos, Gropius diseñó esta casa en Lincoln, en el estado de Massachusetts. A Gropius se le siguieron otros profesores de la Bauhaus como Ludwig Mies van der Rohe, Josef Albers, Herbert Bayer, Walter Peterhans y Laszlo Moholy-Nagy.

Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago

Mies van der Rohe diseñó el SR Crown Hall, la facultad de Arquitectura, en el Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago. El edificio se completó en 1956.

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Edificio de Tel-Aviv

Tel Aviv es la ciudad con más arquitectura Bauhaus. Hay más edificios construidos al estilo Bauhaus que en cualquier otro lugar del mundo, incluyendo cualquier ciudad de Alemania. El estilo fue llevado en los 30 por arquitectos europeos, mayormente alemanes y rusos, de la escuela Bauhaus que huían del régimen nazi

LOS DISEÑOS
Esa explosión, en arquitectura y diseño, dejó huellas eternas: desde la Silla Wassily, de Marcel Breur, hasta el mítico Edificio PanAm de Nueva York (hoy MetLife), pasando por la Máquina de escribir Olivetti Studio 42… Y por supuesto, las sedes de su escuela en Weimar –donde nació–, Dessau y Bernau.

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Hitler con Berthold Konrad Albert Speer

Iconos de la racionalidad contra (por mayor ejemplo) los monstruosos proyectos del alemán Berthold Konrad Albert Speer, el primer arquitecto del Tercer Reich, niño mimado de Hitler, y llamado, ante sus diseños de edificios y ciudades para el milenio de la cruz gamada, “el arquitecto del Diablo”, por sus “bodrios grandilocuentes”

Los diseños de muebles de la Bauhaus que consiguieron tener cierta continuidad fueron los tubulares que se han mantenido hasta nuestros días (a pesar de su precio y exclusividad) y que obtuvieron la aceptación de amplias capas sociales

LA SILLA WASSILY
también conocida como la silla Modelo B3, fue diseñada por el arquitecto modernista y diseñador de muebles húngaro Breuer entre 1925-1926; se inspiró para crearla mientras montaba su bicicleta; imaginó tomar el acero tubular, utilizado para el manillar, para doblarlo y hacer muebles.
La silla pronto se conoció como la Silla Wassily, que lleva el nombre del pintor ruso Wassily Kandinsky, amigo de Breuer.

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Mies van der Rohe. Linea Barcelona (sillón, banqueta, diván, mesa)

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LA SILLA BARCELONA
Creada en 1929 para la Exposición Internacional de Barcelona, fue diseñada por el director de la Bauhaus, Ludwig Mies van der Rohe, en colaboración con el arquitecto Lilly Reich; cuenta con dos cojines rectangulares delgados sobre un marco ligero de acero inoxidable.
El marco de la silla se rediseñó en 1950 con acero inoxidable, lo que permite su realización en una única pieza; el respaldo y el asiento son de piel bovina.

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LA SILLA BRNO
La silla Brno, diseñada por el arquitecto modernista Ludwig Mies van der Rohe entre 1929 y 1930, también ejemplifica el principio de Bauhaus de reducir objetos a sus elementos básicos, sustituyendo las cuatro patas, que normalmente lleva una silla, por una única barra en forma de C que soporta todo el asiento.

“BABY CRADLE”
El trabajo de Kandinsky fue la inspiración para la cuna del arquitecto alemán Peter Keler, que la diseñó en 1923 inspirándose en el libro de Kandinsky sobre la teoría del color.
Compuesta por formas simples como triángulos y rectángulos, y colores primarios, la base presenta un cuerpo de bloques de color en rojo y amarillo, con un balancín circular azul, una policromía reconocida como marca de la casa Bauhaus.

EL AJEDREZ
El artista Josef Hartwig, diseñó un juego de ajedrez de 32 piezas para la Bauhaus entre 1923 y 1924 con líneas, círculos y cuadrados mínimos, para reducir las piezas a su función básica de movimiento.
Al eliminar todos los símbolos religiosos y monárquicos que normalmente se usan en el ajedrez, el diseñador alemán propuso una visión del juego adaptado a una era moderna.

LA TETERA BRANDT
En 1924, la artista alemana Marianne Brandt tomó el diseño de una tetera convencional y la despojó de cualquier adorno para crear su infusor y colador de té de metal geométrico; a diferencia de las teteras convencionales, está destinado a destilar un extracto concentrado que, cuando se combina con agua caliente en la taza, puede producir té con la intensidad deseada.
El mango de ébano en forma de D está colocado en la parte superior del cuerpo para facilitar el vertido.

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Kurt Schmidt, Construcción para fuegos artificiales, taller de escenografía, 1923.Foto: A. Körner (bildhübsche Fotografie)

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Pero un arte-artesanía faltaba en sus programas: la fotografía. Por eso, en 1923, con la escuela ya en auge, le fue encargado el taller de metales al maestro húngaro László Moholy-Nagy, que incorporó esa maravilla visual que urdieron Niépce, Daguerre, Talbot, Eastman, a lo largo de años y experimentos.

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El húngaro enseño fotomontaje, montaje lumínico, foto escultura, collage: nuevas formas y nuevos temas: la esencia de Bauhaus.

A pesar de los cambios que experimentó entre 1919 y 1933, la Bauhaus siguió siendo el modelo ejemplar de la reforma de formación artística antiacadémica de la República de Weimar.
En resumen y palabras de Gropius : “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirán en objetos de consumo asequibles para el gran público”, Walter Gropius.
A partir del cierre de la Bauhaus en 1933, Gropius comenzó a integrarla a sus conferencias. La despojó de historia y nacionalidad. Desde entonces tuvo la convicción de haber creado un modelo de enseñanza atemporal y valido para todo lugar, un “denominador general de diseño”

FUENTES:

https://okdiario.com/curiosidades/google-celebra-centenario-escuela-bauhaus-doodle-especial-3978030

https://culturainquieta.com/es/arte/diseno/item/14914-diez-iconicos-disenos-de-mobiliario-de-la-bauhaus.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus

https://www.marca.com/tiramillas/actualidad/2019/04/12/5cb07e90268e3ee17d8b45d4.html

https://moovemag.com/2013/02/bauhaus-la-escuela-del-arte-del-diseno-y-la-arquitectura-del-siglo-xx/

https://www.infobae.com/america/cultura-america/2019/05/27/100-anos-de-la-bauhaus-de-la-revolucion-del-diseno-a-la-persecucion-nazi/

https://arquitectolejtman.com/2019/04/05/bauhaus-100-anos-el-impacto-que-esta-escuela-tuvo-en-el-diseno-y-la-arquitectura/

https://culturainquieta.com/es/arte/diseno/item/14914-diez-iconicos-disenos-de-mobiliario-de-la-bauhaus.html

https://www.metalocus.es


fotos edificios: Getty images

Los autómatas


La definición, según la RAE, de la palabra autómata, viene del latín. automăta, y este del griego. αὐτόματα autómata “ingenios mecánicos, que obran por sí mismos” y también autómata es una  “máquina que imita la figura y los movimientos de un ser animado” ​ el equivalente tecnológico serían los robots autónomos y si el robot es antropomorfo se le conoce como “androide”.​
Existe una cierta incertidumbre sobre el impacto económico de la programación y la amenaza del equipamiento robótico y recientemente se ha afirmado, con respecto a los robots, que en un intervalo aproximado de unos 10-20 años, el 47% de los trabajos  serán realizados por máquinas.
Estas son las conclusiones de un estudio de Oxford,  que pueden extrapolarse a otros países desarrollados.
Y se ha evolucionado, sí, pero hasta un límite, porque los expertos concluyen que las profesiones que requieren una mayor creatividad o inteligencia social “sobrevivirán” en términos humanos.
Por ejemplo, los diseñadores, coreógrafos , profesores de primaria, médicos o psicólogos…(Los trabajos creativos son aquellos que requieren el uso de habilidades cognitivas para producir bienes o servicios) siendo el sector salud, el que domina la lista de aquellas con un factor de riesgo de nada más el 1% o menos.
Las ocupaciones que se clasificaron como de riesgo “medio” de extinción de aquí a 2025, fueron:
Profesionales como jueces y magistrados (40%), economistas (43%), historiadores (44%), programadores (48%), pilotos comerciales (55%) y asesores financieros (58% de riesgo)

Fuente: https://www.bbc.com/mundo/noticias-38930099

Dicho esto, que nos da una idea de nuestro futuro y el de la automatización, vamos ahora a repasar, como y cuando se inició la creación de los primeros autómatas, que al cabo de los siglos evolucionaron hacia la robótica moderna.
Algunos de ellos, así como sus diseños, recogidos en libros, se pueden considerar auténticas obras de arte, por lo que creo pertinente compartirlo en páginas que traten del tema.


“El monje orando”de origen alemán c.1560

LOS ORÍGENES
Aunque resulte difícil de creer, la robótica es una ciencia que tiene miles de años. ASIMO o los robots de Sony no son más que el resultado de siglos de investigación.
La imagen del robot como máquina a semejanza con el ser humano ha prevalecido en las culturas desde hace muchos siglos. El afán por fabricar máquinas capaces de realizar tareas independientes ha sido una constante en la historia, a través de la que se han descrito infinidad de ingenios, antecesores directos de los actuales robots

Históricamente los primeros autómatas se remontan a la prehistoria, donde las estatuas de algunos de sus dioses o reyes despedían fuego de sus ojos, como fue el caso de una estatua de Osiris, otras poseían brazos mecánicos operados por los sacerdotes del templo

 Y otras, como la de Memon de Etiopía emitían sonidos cuando los rayos del sol los iluminaba consiguiendo, de este modo, causar el temor y el respeto a todo aquel que las contemplara
Los egipcios desarrollaron modelos matemáticos muy avanzados y construyeron automatismos muy sofisticados, como el reloj de agua.
LOS AUTÓMATAS EN GRECIA

“Pygmalion esculpiendo a Galatea”de Jean-Baptiste Regnault de 1786, Musée National du Château et des Trianons
 La mitología griega contiene  referencias sobre la vida artificial: Prometeo creó el primer hombre y la primera mujer con barro y les dio vida mediante el fuego celeste. Pigmalión, rey y sacerdote mitológico, descubrió como Galatea, una de las estatuas que había esculpido, tomaba vida, desvelando con ello el interés atávico del ser humano por los autómatas.

 Vulcano (Hefesto) en su fragua,  Rubens (1636-1638)
Ya en el siglo VIII a. de C., Homero, en su célebre Ilíada, describe a servientes mecánicos dotados de inteligencia construidos por Hefesto, el dios de la metalurgia, en su fragua.

Crátera con representación de Talos.

También se le considera el creador de Talos, autómata de bronce protector de Creta.

ARCHYTAS (428 aC-347 aC)

Anteriores a Herón,(que luego veremos) realizaron sus aportaciones como es el caso de Archytas, inventor del tornillo y la polea y famoso por su “paloma mecánica” capaz de volar gracias a vapor de aire en propulsión.

PHILÓN DE BIZANCIO (del 280 al 220 a.c.) 
Fue un escritor griego cuyos escritos trataron de mecánica, matemáticas, construcción de puertos y artilugios

Como los griegos no vivían mal y también le daban al vino, se le ocurrió diseñar: Su invención mas celebre se trata de una “camarera automática” cuando le ponía una copa en la mano, servía de una jarra en su otra mano vino y después agua dependiendo que tan fuerte se quisiera la bebida.

Y es que el término robot, que significa esclavo, viene que ni pintado: la sociedad griega despreciaba el trabajo, que era propio de esclavos y trataron a toda costa de no trabajar.

APOLONIO DE PERGA (262-190 a. de C)

Geómetra griego famoso por su obra “Sobre las secciones cónicas”. Él fue quien dio el nombre de elipse, parábola e hipérbola, a las figuras que conocemos.

Además de su famoso cono, (generador de todas las curvas resultantes de las diferentes intersecciones entre un cono y un plano) inventó una serie de autómatas musicales impulsados por agua.
 CTESIBIO (285 a. C.–222 a. C) 

Bomba de Ctesibio
Ademas de  autómatas musicales, cuya sonido lo creaba el paso del aire a través de diversos tubos, a la manera de un órgano, fabricó una serie de invenciones que establecieron las bases para el desarrollo de los compresores de aire y las bombas de vacío actuales.

Por supuesto también habría que destacar la Maquina de Antikhitera o Anticítera, que merece un capítulo aparte y dataría del año 87 a.C.

Hubo otros, como el terrible sistema descrito por Polibio (200 a. C.-118 a. C.) y utilizado por Nabis, tirano de Esparta, que consistía en un artilugio con “forma de mujer con clavos en su pecho” y brazos y que abrazaba mortalmente a todo aquel que incumplía sus pagos.

Trono de Salomón
Y otros aún más antiguos, pero de más difícil autentificación, como el mítico “Trono de Salomón”, descrito en la Biblia y otros textos árabes como un árbol de bronce con pájaros cantores, leones y grifos mecánicos además de ser móvil, pudiendo elevarse desde el suelo hasta el techo.

Pero el personaje mas importante de Grecia en el campo del automatismo fué:

HERÓN DE ALEJANDRÍA (del 20 al 62 d.c.)
Se dice de él, que pudo haber sido el “padre de la robótica”, fue un matemático e ingeniero griego del periodo helenístico, nacido probablemente en Egipto y que realizó su trabajo en Alejandría.

Esta reconstrucción del Hércules y el Dragón de Herón, corresponde a Giovanni Battista Aleoti,1589, Cuando Hércules golpea la cabeza del dragón, este arroja agua sobre su cara.

  En el año 62 Heron de Alejandría describe múltiples aparatos en su libro “Autómata”. Muchos de ellos, basados en los principios de Philon o Arquímedes, realizados fundamentalmente como entretenimiento y que imitaban el movimiento, tales como aves que gorjean, vuelan y beben

Dispensador de vino 

También  diseña ingeniosos mecanismos como la máquina de fuego que abría puertas de los templos o altares mágicos, donde las figuras apagaban el fuego de la llama.

También cabe destacar su “The automaton theatre” sobre su teatro de marionetas mecánicas que representaban la Guerra de Troya.

AUTÓMATAS EN ROMA

En la mitología romana, Vulcano, equivalente del Hefestos griego construye ingenios mecánicos que utiliza como sirvientes.

“La ofrenda a Príapo” Nicolas Poussin (1594-1665)
En Roma existía la costumbre de hacer funcionar juguetes automáticos para deleitar a los huéspedes.
Trimalción ofreció en su famoso banquete, descrito por Petronio en su “Satiricón”, pasteles y frutas que arrojaban un chorro de perfume cuando se hacía una ligera presión sobre un príapo (dios de la fecundidad, de exagerado pene, que como anécdota se descubrió en una restauración realizada en el Museo del Prado en 2009, bajo varias capas de pintura)

Estatua de broce de Príapo, en cuyo regazo estaban colocados pasteles y frutas.

EL ÁBACO

Ábaco romano de marfíl
Se tiene constancia de la existencia del ábaco ya entre el año 1000 y 500 a C, aunque existen dudas sobre si fue en Babilonia o en China dónde fue inventado.
Este ingenio matemático permitió el desarrollo de la computación y la inteligencia artificial que fueron desarrollándose paralelamente al interés por los automatismos y el diseño de máquinas imitadoras del ser humano.

AUTÓMATAS EN EL MUNDO ÁRABE
    La cultura árabe, heredó y difundió los conocimientos griegos, utilizándolos no sólo para realizar mecanismos destinados a la diversión, sino que les dieron una aplicación práctica, introduciéndolos en la vida cotidiana de la realeza. Ejemplos de estos son diversos sistemas dispensadores automáticos de agua para beber o lavarse
LOS HERMANOS BANU MUSA 

Trabajaron en la “Casa de la sabiduría”, el libro fue un encargo del califa Al-Mamun, que dio instrucciones a los Banu Musa para recopilar todo el saber  respecto a las máquinas, de las diversas obras grecolatinas que se habían conservado.​

Lámpara autoalimentable
Algunos de los artefactos se inspiraban en las obras de Herón de Alejandría​ y Filón de Bizancio, así como en la antigua Persia, China e India.​ Otros muchos fueron invenciones de los propios hermanos Banu Musa.

“El Libro de los Mecanismos Ingeniosos”
´Se trata de un libro escrito en el año 805 por los hermanos Banu Musa (Ahmad, Muhammad y Hasan bin Musa ibn Shakir) en los que son descritos​ un centenar de mecanismos y autómatas, y como emplearlos.

AL-DJAZARI (del 1136 a 1206 dC)
Llamado “el robotista del medievo” fue un importante erudito, artista, astrónomo, inventor e ingeniero mecánico y uno de los más grandes ingenieros de la historia, proveniente de Mesopotamia que floreció durante la Edad de Oro del Islam en la Edad Media.

Inventor del cigüeñal y los primeros relojes mecánicos movidos por pesos y agua entre otros muchos inventos de control automático, estuvo también muy interesado en la figura del autómata

“El libro del conocimiento de ingeniosos dispositivos mecánicos”, Automata, de al-Jazari. 1315

Escribió esta obra, considerada una de las más importantes sobre historia de la tecnología y que es una de las obras ilustradas más fascinantes del mundo árabe. Se dedica a la construcción de cincuenta dispositivos mecánicos, que van desde fuentes, relojes y puertas de palacio automatizadas hasta jarras, cerraduras y cerrojos. Terminado hacia el año 1205,del que se conservan copias manuscritas repartidas entre los Museos de Londres, Leiden, Dublín, París, Estambul, etc

Los dibujos presentados a continuación, pertenecen a este libro:

La llamada “Banda músical de Al Djazarí” 
Orquesta-autómata que operaba gracias a la fuerza del agua. Esta última estaba destinada a amenizar fiestas y banquetes   Compuesto por unas figuras con instrumentos musicales que, mediante diversos engranajes y ejes de levas  ( mecanismo que no sería descubierto en Europa hasta el siglo XIV),  así como una pequeña noria de agua,  permitía que del mismo saliese “música” o, al menos, ritmos musicales. Dado, que las clavijas responsables de las notas musicales  podían ser intercambiadas por otras distintas, con el objetivo de interpretar otra melodía, se considera una de las primeras máquinas programables de la historia.                                                             

“Reloj elefante” de Al-Jazari.
Complejo autómata con forma de elefante, animado por seres humanos y animales mecánicos que se movían y marcaban las horas.

Una reproducción del reloj de elefante en el centro comercial Ibn Battuta , Dubai 
Al-Jazari al terminar el desarrollo y la construcción de su reloj Elefante escribió: “El elefante representa las culturas india y africana, los dos dragones representan la antigua cultura china, el fénix representa la cultura persa, el agua representa la cultura griega antigua y el turbante representa la cultura islámica “que significa la mentalidad multicultural del intelectual Al-Jazari.

Diagrama de una flauta perpetua impulsada hidráulicamente

Uno de los capítulos trata sobre los dispositivos paralavarse las manos, como esta jarra grande sostenida por una mujer arrodillada en un pabellón abovedado. Al-Jazari sostiene que una vez que el pájaro silba, el agua se vierte en un recipiente debajo. Un pato luego bebe el agua usada y la libera a través de su cola en un contenedor escondido debajo de la plataforma.

LA EDAD MEDIA
La Edad Media supone un paso adelante en la creación de autómatas después de una época romana sin ninguna aportación importante.
En este periodo, se desarrollaron muchísimo los aparatos mecánicos, sobre todo en el arte musical, pues los primeros grandes órganos eran obras maestras de ingeniería.
VILLARD D´HONNECOURT (1200-1250)
Arquitecto o maestro  de obras itinerante, nacido en Francia, que ha pasado a la historia debido a que se ha conservado un cuaderno de viajes que le perteneció: el “Livre de portraiture”

En el año 1235, escribe este libro con bocetos que incluyen secciones de dispositivos mecánicos, como un ángel autómata, e indicaciones para la construcción de figuras humanas y animales, además de otros muchos bocetos de todo tipo.

“Livre de portraiture” detalles

“EL GALLO DE ESTRASBURGO”

  Otro ejemplo relevante de la época fue el Gallo de Estrasburgo que funcionó desde 1352 hasta 1789. Este es el autómata más antiguo que se conserva en la actualidad, formaba parte del reloj de la catedral de Estrasburgo y al dar las horas movía el pico y las alas.

LAS CABEZAS PARLANTES
Llegados a este punto, tengo que mencionar que, dentro de los autómatas hay un grupo que ha tenido una gran difusión a lo largo de la historia, las “cabezas parlantes”, seres que se creían entre la mecánica y la magia que hablaban, aconsejaban a sus dueños o predecían el futuro. La leyenda y el mito han influido mucho en este tipo de mecanismos encontrándose las primeras versiones en antiguos cuentos árabes.

Entre los autómatas de la Edad Media, donde destacaron:

EL PAPA SILVESTRE (del 945 al 1003)

Grabado del papa y el demonio, con el que se decía, había pactado
Antes de ser papa fue un erudito conocido como Gerbert d’Aurillac científico de su época, teólogo y filósofo, pero es en su faceta de matemático en la que más destacó.  Su creación más notoria se trataba de una “cabeza mecánica de bronce parlante”, a la cual al hacerle una pregunta, era capaz de responder en forma afirmativa o negativa. Debido a esto también se le atribuye al erudito el haber inventado la primera inteligencia artificial.

ALBERTO MAGNO (1204-1282)

Nacido en 1206 en Baviera, teólogo, filósofo y hombre de ciencia Alberto Magno es una de las figuras decisivas del pensamiento medieval. Se le han atribuido a lo largo de la historia multitud de obras tanto de carácter mágico como de creación de seres artificiales. En concreto dos, una de las llamadas “cabezas parlantes”, de las que se hablará más adelante, y de un autómata de hierro que le servía como mayordomo y en el que trabajó treinta años de su vida, era capaz de andar, abrir la puerta y saludar a los visitantes aunque otros autores afirman que además podía hacer más tareas caseras

  La cabeza parlante, la construyó -según sus propias palabras- usando : ”…Los ángeles del inframundo… “ y los misterios de la piedra filosofal para crear los “…metales y el desconocido material que le insuflaba vida …
De hecho esta cabeza parlante recuerda bastante al mítico Baphomet Templario y fué destruida a golpes por su discípulo Tomás de Aquino al creerla obra del demonio.

Otro de los ejemplos más famosos es la cabeza con forma de hombre de Roger Bacon (1214-1294), hecha de latón y que podía responder a preguntas sobre el futuro

O el de la figura de  Atanasio Kircher,y de su libro “Misurgia Universalis” donde describe con detalle la creación de figuras que pueden mover los ojos, labios y lengua.

Y siguiendo con el tema, en siglos posteriores, aparecieron otras cabezas parlantes, como la que Cervantes describió en su episodio del Quijote,que  se puede considerar un precedente renacentista: Cuando don Quijote y Sancho se entrevistan con la estatua asistimos a un juego de salón que agrega la ilusión a la ciencia

En cualquier caso, la mayoría de ellas conseguían la “voz” a través de diversos sistemas. El primero con base documental en conseguirlo fue Kratzenstein que con un sistema de tubos de órgano podía reproducir las vocales.

 O las creadas por el abate Mical, de tamaño natural y que, exhibidas de dos en dos, se contestaban la una a la otra.

En 1846, en el Gran Salón Egipcio de Londres, Joseph Faber expuso la versión más perfecta de estas máquinas, bautizada como Euphonia, que se utilizaba como el órgano de una iglesia y que podía desde recitar el alfabeto hasta responder preguntas, susurrar o reír.
Por un chelín por cabeza, los espectadores fueron llevados a una habitación oscura con poca luz para ver la Euphonia,
Catorce teclas de piano controlaban la articulación de la mandíbula, los labios y la lengua de la cabeza, mientras que los roles de los pulmones y la laringe se realizaban mediante un fuelle y una caña de marfil.

 EL RENACIMIENTO
En el Renacimiento, la tecnología predominante estuvo en los relojes… y sus personajes mas importantes fueron:

LEONARDO DA VINCI (1452-1519)
La genialidad de este excelso artista excede el campo de lo meramente pintoresco, y entre sus trabajos se pueden encontrar cosas tan extraordinarias como un precursor del helicóptero, un esnórquel, un paracaídas, un submarino y hasta un tanque, entre otras cosas.

Paloma imaginaria que aparecía, atribuida a Leonardo, en la serie de TV “Los demonios de da Vinci”
No existen datos de que fuera real, pero dado su ingenio y su afición por los pájaros, no sería tan increible.

En 1495 ya había diseñado uno de los primeros autómatas humanoides del mundo occidental: un caballero con armadura, que en su interior  albergaba un complejo mecanismo de ruedas y engranajes, cables y poleas, capaz de incorporarse, agitar los brazos, mover la cabeza (tenía un cuello flexible) y abrir y cerrar la mandíbula.

 Estas máquinas se relacionan con el canon anatómico del hombre vitruviano y sus claves matemáticas, aunque como muchos otros inventos de Leonardo no fue construido.

Este mecanismo fue reconstruido en la actualidad según los dibujos originales tal y como recogen el cuaderno recuperado en 1950

El segundo, mucho más ambicioso, se trató de un león mecánico construido a petición de Francis I, Rey de Francia (1515) para facilitar las conversaciones de paz entre el rey francés y el papa León X .

JUANELO TURRIANO ( 1501 a 1585)

Tambien conocido como Giovanni Torriani, fue un hábil relojero, ingeniero e inventor hispano-milanés.

“Astrarium” de Giovanni de Dondi 1364 (inspirador del “Cristalino”)
Llegó a España en el año 1529 llamado por Carlos I, y ya como Juanelo Turriano, fue nombrado Relojero de Corte y construyó para este rey el famoso “Cristalino”, un reloj astronómico que le hizo ser conocido en su época, porque era capaz de indicar la posición de los astros en cada momento, con objeto de interpretaciones astrológicas.

En 1540, el artesano Juanelo  construyó para el emperador Carlos V un mecanismo con la forma de una “joven que tocaba el laúd”. La máquina caminaba en línea recta y en círculo, tocaba de verdad el laúd pulsando las cuerdas, y giraba la cabeza para mirar en derredor.  (Kunsthistorisches Museum in Vienna)

EL ARTIFÍCIO DE JUANELO

Pero aunque no se trata de un autómata, propiamente dicho, Juanelo es más conocido por la máquina hidráulica que construyó para subir el agua a Toledo desde el río, conocida como el “Ingenio de Toledo o Artificio de Juanelo”.

Esta máquina conseguía llevar el agua del río Tajo hasta el Alcázar, situado a casi 100 metros por encima de su cauce y tiene una triste historia:
Para entender la importancia del “Artificio de Juanelo” hay que situarse en una ciudad como Toledo, rodeada en tres cuartas partes por las aguas del río Tajo, pero sin forma de abastecer a sus habitantes. Hasta que llegara la solución del Artificio, los aguadores o azacanes tenian que subir cientos de cántaros al día a lomos de asnos.

El agua que llegaba hasta los pies del propio Alcázar, allí se quedaba para su servicio, y al no ser repartido el líquido elemento con la ciudad, según el trato, esta y su Ayuntamiento se negaron a pagar a Turriano, los ocho mil ducados de oro y tampoco los mil novecientos para mantenimiento de tan grandiosa máquina

Ruinas del artificio de Juanelo, grabado publicado en 1858 en la revista El Museo Universal.

Y fue en el año 1581, cuando comenzó a funcionar el segundo “artificio”creado por Turriano, paralelo al primero,  para la ciudad de Toledo, aunque la ciudad siguió sin pagar al famoso “matemático mayor”, siendo al final el propio rey Felipe II el que siguió costeando parte de la obra,  pero debido a los problemas económicos, Turriano había dejado de pagar el mantenimiento del primero, que se deterioró y eso sirvió de coartada a Felipe II para, apropiarse del segundo Artificio y del agua por él bombeada. Segunda estafa.

EL HOMBRE DE PALO
 En Toledo, se le atribuye a Juanelo Turriano la creación de un autómata (entre otros muchos como danzarines, guerreros o pájaros voladores)

El  llamado “El Hombre de Palo” (del que queda constancia en el nombre de una calle de Toledo)

Se trataba de un sirviente autómata que se diferenciaba del resto por estar hecho de madera y que recorría las calles pidiendo limosna para su dueño haciendo una reverencia cuando la conseguía. (Otros autores más conservadores solo consideran a este autómata un muñeco de palo estático, que se colocó en la ciudad para recoger fondos para la apertura de un hospital)

El hombre de palo, no se conservó, pero existe una réplica moderna en Toledo.

En la Institución Smithsonian de Washington se conserva este autómata que algunos historiadores atribuyen también a Gianello Torriani. Representaría a San Diego de Alcalá, uno de los santos más populares en aquel momento y que daría nombre a la ciudad de San Diego,  Es de acero y mide 39 cm.

“EL MONJE ROBÓTICO”
Otra posible obra de Juanelo, fué este “fraile” con mecanismo de relojería, de 38 centímetros de altura, representa la figura del conocido fraile milagroso San Diego de Alcalá. El autómata estaba hecha de madera y hierro y se supone que fue fabricado  en la década de 1560.
El monje puede caminar, golpeándose el pecho, levantando su cruz y rezando en silencio. Hoy el monje reloj todavía puede deslizarse por allí, moviendo la boca y los brazos en oración silenciosa.

 La tradición en torno al monje es que el rey Felipe II, encargó a Turriano que crease el autómata penitente después de que su hijo Carlos  se recuperara de una enfermedad mortal, que el rey creyó milagrosa.

Detalle del monje autómata

Existe un pariente italiano del monje de palo, que no pide nada,  solo se desplaza, hace gestos con el rostro y toca un tambor. Este autómata que puede que también sea obra de Turriano y pertenece  a una colección privada, descrito así en el catálogo de la exposición de Cremona sobre Janello Torriani
Os aconsejo que visioneis este video, porque explica perfectamente su funcionamiento (esta en italiano, pero se entiende muy bien)

EL PAPAMOSCAS

 En España, el Papamoscas de la catedral de Burgos, construido en el siglo XVI, consiste en un hombre mecánico que se mueve con los cambios horarios y funciona aún hoy día , cuya misión es la de tocar las campanas señalando la hora: lo hace moviendo su brazo derecho (con el que mueve, a través de una campana, un badajo) al mismo tiempo que abre y cierra la boca. Si bien el mecanismo actual es del siglo XVIII, sustituye a un artilugio parecido de fecha anterior.

Los relojes con autómatas son muy abundantes en Europa y quizá el del Ayuntamiento de Praga, sea de los mas conocidos

 LOS AUTÓMATAS DEL S.XVII
RENÉ DESCARTES (1596-1650)

Uno de los más famosos casos de creación de un autómata humano, pero también donde es más difícil separar la historia de la ficción, es la historia de René Descartes  y su hija autómata
Cuentan que tras la muerte de su hija ilegítima Francine, de cinco años de edad, se sintió tan deprimido que se propuso construir una muñeca autómata lo más parecida a la fallecida
 Su inseparable unión hizo que la llevara de viaje cruzando el mar de Holanda. La tenía guardada en un cofre dentro de su camarote. El capitán del barco, intrigado por su contenido, consiguió entrar en el camarote y abrir el cofre.

Cual fue su espanto al comprobar que aquella muñeca se levantaba y movía, que  horrorizado, la tiró por la borda. Entonces Descartes, que solía destacarse por su mal humor, mató al capitán y lo tiró también, al igual que había hecho con la muñeca.
EL SIGLO XVIII: ÁUGE DE LOS AUTÓMATAS
Con la entrada en el siglo XVIII y los consiguientes avances en materia de relojería se llega a la que se considera la época donde mejores y más perfectos autómatas se realizaron de la historia. Su desarrollo, dominado por el carácter científico, ponía de relieve la obsesión por intentar reproducir lo más fielmente posible los movimientos y comportamientos de los seres vivos.  De esa manera, androides y animales mecánicos fueron realizados por relojeros atraídos por la medicina y por las ciencias naturales

JACQUES DE VAUCANSON 

Los tres autómatas de Vaucanson

Nacido un 24 de febrero de 1709, Jacques de Vaucanson, excelente relojero pero con amplios conocimientos de música, anatomía y mecánica, quería demostrar mediante sus autómatas la realización de principios biológicos básicos, tales como la circulación, la digestión o la respiración.

Sobre esta última función versó su primera creación “El Flautista” figura con forma de pastor y de tamaño natural que tocaba el tambor y la flauta con un variado repertorio musical
En la imagen se puede ver el flautista de Innocenzo Manzetti  (1849), ya que el otro desapareció.

Esquema del funcionamiento del flautista
. Vaucanson lo presentó en la Academia de Ciencias de Francia cosechando un gran éxito.

Más tarde, en 1738, crea su segundo autómata llamado “El Tamborilero” como una versión mejorada del primero. En esta ocasión la figura tocaba la zampoña de Provenza y el tamboril con veinte melodías distintas.

 EL PATO DIGESTOR DE VAUCANSON

Recreación moderna del canard

El tercero y más famoso fue “Le canard digérateur” de Jacques de Vaucanso, que fué aclamado en 1739 como el primer autómata capaz de hacer la digestión.

“El pato con aparato digestivo” transparente y compuesto por  más de 400 piezas en movimiento sólo en cada ala, podría batir sus alas, beber agua, comer granos de cereales, y era capaz de defecarlos.
La comida se recogía en un recipiente interior y se enviaban heces previamente almacenadas, por supuesto. Un proceso de digestión completo que los espectadores podían presenciar, al estar el abdomen abierto, aunque en realidad el pato era un engaño, pues lo que comía no era lo mismo que defecaba, sino que al interior del pato había un compartimento en el que se depositaba el grano que comía y del que salía algo parecido a un excremento. Pasados los años, Vaucanson, cansado de su propia obra, vendió las figuras en 1743. . Por desgracia, y tras su venta, los tres ingenios desaparecieron o fueron destruidos.
 . Por instigación de Luis XV, intento construir un modelo con corazón, venas y arterias, pero murió antes de poder terminar esta tarea.

EL TURCO MECÁNICO

“El Turco” tal y como lo veía el público.

El autómata más famoso de la historia fue un “impostor”. En 1769 el aristócrata húngaro Wolfgang von Kempelen fabricó un imponente busto de madera de un jugador de ajedrez, conocido como El Turco por su atuendo.
Esta máquina ajedrecista trucada fue construida  para impresionar a la emperatriz María Teresa de Austria. La máquina era capaz de jugar partidas de ajedrez con oponentes humanos.
Era operada en secreto por maestros de ajedrez con talento, pero durante décadas se creyó que era un autómata.

Posible funcionamiento real de “El Turco”.

 Fue uno de los mayores fraudes de su tiempo pero que, a pesar de ello, impulsó la creación de autómatas jugadores de ajedrez hasta casi nuestros días. El escritor Edgar Allan Poe, tras asistir a uno de sus espectáculos, planteó que tenía que haber un jugador real dentro del busto.

Construido en 1769, “El Turco” estaba formado por una mesa donde estaba colocado un maniquí con forma humana vestido con ropajes árabes. Una puerta en la parte frontal se abría y dejaba ver el supuesto mecanismo de funcionamiento del autómata. Un jugador oculto en el cajón, usando piezas magnéticas, podía disputar una partida boca abajo en la cara interior del tablero al tiempo que sus brazos estaban comunicados con los del busto mediante un dispositivo articulado
El campeón de ajedrez Johann Allgaier, fué el que se ocultó  y nunca fue descubierto y aún hoy día siguen siendo un misterio algunos aspectos de su invento
Este jugador fue una de las mayores atracciones de la época ya que, según contaban, era invencible.

Viajó a lo largo de Europa aún después de la muerte de su creador, pasando a manos de Johan Maezel, llegando a derrotar al mismísimo Napoleón Bonaparte durante la campaña de la Batalla de Wagram.

La fama de este autómata hizo que se crearan otras muchas réplicas con el mismo truco de funcionamiento, algunas de ellas en el siglo XIX como es el caso de “Ajeeb” presentado por Charles Hooper en 1868

o “Mephisto” nacido en 1876 consiguiendo ganar un torneo de ajedrez en Londres sin que nadie se percatara del artificio y que estaba controlado remotamente por medios electromecánicos

Así, podemos considerar a estos autómatas, tanto los falsos como los reales, como pioneros de los modernos juegos de ajedrez informáticos y de ordenadores como Deep Blue que mantienen el mismo espíritu y objetivos que sus predecesores: conseguir que una máquina pueda vencer a la mente humana.

LA INTÉRPRETE DULCIMER o “Joueuse de Tympanon”

Esta autómata fue construida en 1784 por Peter Kintzing y David Roentgen, el ebanista de Luis XVI, para la reina María Antonieta en Versalles.

Se dice que su pelo es el  de la reina y el vestido fue confeccionado, utilizando uno de los vestidos de María Antonieta.

FRIEDRICH VON KNAUSS (1724-1789)
Inventor del siglo XVIII  y creador de uno de los primeros autómatas escritores.
Knaus fabricó varios (al menos cinco) autómatas de escritura, de los cuales el primero se presentó en Francia en 1753. En sus ejemplos anteriores, la escritura solo se remontaba a una mano que sostenía una pluma. Sin embargo, el cuarto autómata de escritura tuvo mejoras significativas

El autómata, que se muestra en la figura, fue hecho por Knaus en 1764 y fue donado a su patrón, el Príncipe Carlos de Lorena. El mecanismo de relojería mueve una mano, haciendo que sumerja la pluma en el tintero y escriba las palabras “Huic Domui Deus / Nec metas rerum / Nec tempora ponat” (que Dios no imponga fines o plazos en esta casa)

Esta compleja creación mas perfeccionada, la formaba una esfera sostenida por dos águilas de bronce, en ella la figura de una diosa sirve de musa al autómata que con su largo brazo escribe en una hoja en blanco lo que previamente se le ha ordenado realizar.
El sistema de funcionamiento es capaz de hacer que el autómata moje la pluma en la tintero para poder escribir y cuenta con un sistema para pasar la página cuando esta ha quedado escrita.

El autómata de Knaus visto en un grabado antiguo

PIERRE JAQUET-DROZ (1721 – 1790)
 Posiblemente el mejor y más conocido creador de autómatas de la historia. Fue un famoso relojero y filósofo de finales del siglo XVIII,  quien entre 1768 y 1774 construyó tres autómatas de extraordinaria complejidad.

 Sus tres obras maestras «La pianista», «El dibujante» y «El escritor» causaron asombro en la época llegando a ser contemplados por reyes y emperadores tanto de Europa como de China, India o Japón.

LA PIANISTA
El primero de ellos, «La pianista», es un autómata con forma de mujer que toca el órgano, con la particularidad de que es la propia figura la que interpreta las obras pulsando las teclas con sus dedos sin tener el sonido pregrabado o procedente de otro lugar. Compuesta por 2500 piezas podía mover los ojos dirigiendo la mirada del piano a los dedos, inclina el cuerpo, respira y al finalizar cada tema hacía una reverencia.

EL DIBUJANTE
«El dibujante», por otra parte, estaba compuesto por unas 2000 piezas, tenía forma de niño sentado en un pupitre y podía realizar hasta cuatro dibujos distintos. Al igual que el anterior imita el comportamiento mientras realiza la tarea moviendo los ojos, las manos o incluso soplando en el papel para eliminar los restos del polvo del lápiz.

EL ESCRITOR

El último, y más complejo de los tres autómatas, es «El escritor», compuesto por más de 6000 piezas. Podía escribir utilizando la pluma gracias a una rueda donde se seleccionaban los caracteres uno a uno pudiendo escribir así pequeños textos de unas cuarenta palabras de longitud.

Como los anteriores, realizaba movimientos propios de un ser humano como mojar la tinta y escurrir el sobrante para no manchar el papel, levantar la pluma como si estuviera pensando, respetando los espacios y puntos y aparte, además de seguir con la mirada el papel y la pluma mientras escribe.

Los tres autómatas se pueden contemplar en el Musée d’Art et d’Histoire de Neuchâtel, Suiza.
Jean-Frédéric Leschot, relojero y socio de los Jaquet-Droz, se especializó en la fabricación de prótesis para sustituir miembros amputados, consiguiendo no sólo cubrir el aspecto estético sino desarrollar un alto grado de funcionalidad para los brazos y piernas construidos

ROBERT HOUDIN

La fama de los autómatas de Von Knauss y Jaquet-Droz llevó a muchos ilusionistas y prestidigitadores a incorporar trucos con autómatas en sus espectáculos. Es el caso de Robert-Houdin que creó varios autómatas que, aunque mecánicos, estaban más cerca del mundo de la magia. Cabe destacar un busto cantante donde se mostraba un sistema de engranajes con el que se decía que la figura cantaba, aunque la realidad es que detrás de ese mecanismo se encontraba una cantante auténtica.

EL CISNE PLATEADO

En 1773 el inventor, relojero y fabricante de instrumentos John Joseph Merlin construyó un cisne autómata de tamaño real.

El cisne plateado. Museo de Bowes

Al ponerlo en funcionamiento, sonaba una deliciosa música y el cisne movía la cabeza a ambos lados, se acicalaba el plumaje del lomo y se inclinaba sobre el agua para capturar un pececillo

EL TIGRE Y EL SOLDADO

Este extraño juguete mecánico de tamaño natural fue creado para el Sultan Tipu, sultán de la ciudad de Mysore y del sur de la India de 1782 a su muerte.
El soldado que el tigre ataca es un joven inglés llamado Munro. Un hombre joven de nacionalidad inglesa que cazaba cerca de Calcuta había sido atacado por un enorme tigre que, según las crónicas, medía “1,37 metros de alto y 2,74 de largo” que le provocó la muerte. La víctima era el único hijo del general Hector Munro, rival de Tipu en una de las guerras contra los británicos en  Mysore.

 Hechizado por la historia, el dirigente mandó construir el autómata.

Algunas de las rayas que componen el estampado del animal están huecas. La figura es en realidad una caja de resonancia para un órgano de teclas básicas y sonido aflautado.
Los fuelles, controlados con una manivela que regula el aire, simulan con confusos sonidos los rugidos del tigre y los lamentos del humano. El mecanismo también activa el brazo del hombre, que sube y baja sin lograr que el depredador se inmute.
El autómata fue descubierto en el palacio de verano del sultán en 1799 y enviado a Gran Bretaña. Ahora es uno de los artefactos más interesantes en el Museo Victoria and Albert.
El TROMPETISTA KAUFMANN

El trompetista, construido en 1810 por Friedrich Kaufmann en Dresde, Alemania, con vestimenta de español, tenía un fuelle de cuero para los pulmones y un conjunto de tubos que imitaban el sonido de un instrumento de metal.

EL TELAR JACQUARD

    A finales del siglo XVIII y principios del XIX se desarrollaron algunas ingeniosas invenciones mecánicas, utilizadas fundamentalmente en la industria textil, entre las que destacan la hiladora giratoria de Hargreaves (1770), la hiladora mecánica de Crompton (1779), el telar mecánico de Cartwrigth (1785) y el telar de Jacquard (1801).

Máquina de telar de Jacquard(1801)
Artefacto controlado por tarjeta en las cuales los huecos estaban estratégicamente perforados.
Este ultimo, fue el primero en aplicar las tarjetas perforadas como soporte de un programa de trabajo, es decir, eligiendo un conjunto de tarjetas, se definía el tipo de tejido que se desea realizar. Estas máquinas constituyeron los primeros precedentes históricos de las máquinas de control numérico.

ÚLTIMA ÉPOCA: 1848-1914

A finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX se siguieron creando autómatas de todo tipo, pero la realidad es que no fueron tan elaborados como sus antecesores y estuvieron más guiados al mundo del espectáculo.

“El fumador turco”
Entre los más importantes caben destacar “La pareja” de Alexander Nicolas Theroude,  la encantadora de serpientes de Roullet & Decamps, el fumador turco de Leopold Lambert, los escarceos con el mundo de los autómatas de científicos como Nikola Tesla y su robot sumergible con mando a distancia

El AUTÓMATA DE ROGER MOORE

 George Moore con su autómata caminante con forma humana y movido por la fuerza del vapor que podía recorrer distancias a casi 9 millas por hora.
En 1893 George Moore ideó un hombre de vapor que excitó la imaginación de quienes contemplaron el prototipo de lo que iba a ser todo un ejército de sirvientes capaces de liberar a la humanidad de los trabajos pesados o repetitivos… ¡y eso que la era de las cadenas de montaje ni siquiera había comenzado su reinado! Lo presentó en la Exposición de Chicago y  funcionaba porque  el tronco del maniquí encerraba una caldera calentada por gasolina y el motor, colocado debajo de dicha caldera, tenia una potencia de más de medio caballo a pesar de lo reducido de sus dimensiones
. Los gases desprendidos del hogar se escapan por la parte superior de la cabeza y forman el penacho del casco, y además tuvo la humorada de vestir a su hombre de vapor con una armadura de la Edad Media y de colocarle un cigarro en la boca, cigarro que también sirve de válvula de salida para el vapor

LA MORGUE MECÁNICA (La morgue de St. Dennistoun)

Atracción de feria macabra de los años 20, donde aparecen dos mujeres que acaban de reconocer los restos mortales de un ser querido. Una de ellas llora y hace el ademán de acercar el pañuelo al lacrimal para secarse las lágrimas de modo femenino; la otra intenta consolarla. En el depósito de cadáveres, un forense, un policía y dos investigadores trabajan en el caso.
Finalmente, con el estallido de la Primera Guerra Mundial la industria de los autómatas desaparece y no renacerá hasta la llegada de los modernos robots.

LOS MUSEOS

El Museo de Artes y Oficios de París
Tiene una excepcional colección de autómatas de los siglos XVIII, XIX y XX.

Museo de Colecciones de Artes Aplicadas en el Castillo Sforza en Milán
Cabeza de un autómata italiano (El Diablo), tallado en madera, siglos XVI y XVII, del Wunderkammer propiedad de Ludovico Settala. Podría hacer rodar sus ojos y mover su lengua, emitir un ruido y escupir humo de la boca.

Museu d’Autòmats del Tibidabo
El parque de atracciones del Tibidabo, en Barcelona, fue inaugurado en el año 1901 y entre sus atracciones se contaban una serie de autómatas distribuidos por todo el parque.

Hay payasos, gitanas que leen el futuro, hábiles equilibristas, verdugos en plena faena, maquetas animadas del parque,… y así hasta una cincuentena de piezas,

la monyos: 

AUTÓMATAS EN CHINA 

Las civilizaciones antiguas como la china también disponían de sus propios autómatas y mecanismos automáticos. Como la creada por el hijo del rey Tach`uan, hecho de madera, y tan semejante al hombre que confundían a todos los que lo veían, hasta que descubren su naturaleza y es destruido.

También el construido en el siglo II por Zhang Heng, que era un detector de terremotos que señalaba la dirección del epicentro.

EL KARAKURI JAPONÉS 

Fueron bastante populares en los siglos XVIII y XIX,  entre la clase aristócrata de Kioto, dominios feudales y el Shogunato de Edo.

Se les llamaba karakuri, que se podría traducir como “aparatos mecánicos para producir la sorpresa en una persona”y se distinguían tres tipos de figuras: las “Butai Karakuri” que se usaban en el teatro, las “Zashiki Karakuri” más pequeñas y con las que se jugaba en las habitaciones y las “Dashi Karakuri” que se utilizaban en las festividades religiosas

Su mayor tarea era la representación de mitos y leyendas tradicionales aunque existían de todo tipo como algunos que servían el te o lanzaban flechas con un arco.
Tanaka Hisashige (del 1799 a 1881)

fue un estudioso de la revolución tecnológica y científica europea, ingeniero, inventor de finales del periodo Edo a principios de la era Meiji y fundador de lo que pasaría a ser la Corporación Toshiba

Ya entrados en el siglo XX y XXI vemos como la tradición del karakuri se mantiene en los modernos robots japoneses, con la creación de complejísimos robots antropomorfos como ASIMO, QRIO o Repliee Q1 o mascotas robóticas como Aibo, descendiente directo de los autómatas animales de siglos pasados.

.

No quiero dejar de mencionar a otro precursor de la computación:
CHARLES BABBAGE (1791-1871) 

 Matemático y científico de la computación británico, que diseñó y desarrolló parcialmente una calculadora mecánica capaz de calcular tablas de funciones numéricas por el método de diferencias. Se le considera como una de las primeras personas en concebir la idea de lo que hoy llamaríamos una computadora, por lo que se le considera como “El Padre de la Computación”

La Máquina Diferencial
Esta máquina fue ideada por el militar, arquitecto e inventor alemán Johann Helfrich von Müller​ y redescubierta por el matemático británico Charles Babbage, ninguno de los cuales llegó a construirla

Es un dispositivo de naturaleza mecánica para calcular e imprimir tablas de funciones polinómicas y se introduce la capacidad de poder ser programado para la realización de unas actuaciones concretas.
.
Constituye un paso adelante para llegar a la concepción actual de robot; de suerte que si bien hasta el momento se ha trabajado en desarrollar su cuerpo en lo que a la movilidad se refiere, ahora se incluye también el primer atisbo de razonamiento automático, conocido más comúnmente como “inteligencia artificial”

ROBOTS DE CINE
Tenemos muchísimos ejemplos de films con robots y solo voy a presentar una muestra:

Réplica de la pionera “Metrópolis” 1927 de Fritz Lang

Y una de las mas recientes “La invención de Hugo” de Martin Scorssese, con el aliciente añadido de poder ver algunas películas de George Meliés

Y esto continua…

FUENTES

https://www.youtube.com/watch?time_continue=3&v=k_g7ISS9nFA   video Nancy

http://datociosos.blogspot.com/2016/03/casi-robots-de-la-antiguedad.html

http://automata.cps.unizar.es/Historia/Webs/automatas_en_la_historia.htm

http://mlozar.blogspot.com/2013/04/automatas-mecanicos.html

https://www.bbvaopenmind.com/automatas-los-ancestros-de-los-actuales-robots/

https://blogs.20minutos.es/trasdos/tag/automatas/

http://e-pursimuove.blogspot.com/2013/06/de-los-automatas-y-sus-maravillas.html

http://history-computer.com/Dreamers/Knauss.html

chity del amohttps://www.blogger.com/profile/080010416597106489421

La cocina de Leonardo da Vinci


En 1981 se descubre el llamado Codex Romanoff, una libreta en la que el polifacético artista anotaba recetas y comentarios acerca de los buenos modales en la mesa y donde muestra su interés por al arte de cocinar, unos valiosos documentos que años después se editan en el libro que hoy vamos a repasar :“Notas de cocina de Leonardo Da VInci”.

Desde muy joven Leonardo sentía una gran curiosidad y pasión por el mundo culinario. Mientras realizaba sus estudios con Andrea del Verrocchio todas las tardes iba a trabajar en una taberna llamada “Taberna de los tres caracoles”, junto al Ponte Vecchio de Florencia, esto para compensar la falta de ingresos.

Un día el cocinero de la taberna se va y el dueño de ésta le pide a Leonardo hacerse cargo de la cocina, llegando a dirigir su cocina en 1473.

Mas tarde. se dice que tras la muerte por envenenamiento de todos sus cocineros?, le echan del trabajo y nadie quiere contratarlo…

Poco tiempo después la taberna se incendia y Leonardo, junto con su amigo Sandro Botticelli deciden abrir un pequeño local llamado “Las tres ranas de Sandro y Leonardo”
Llegó a crear un nuevo concepto de platos , conocido hoy como la nouvelle cuisine.

El menú ilustrado que Leonardo y Boticelli confeccionaron para su taberna: los dibujos pueden delatar la mano de Boticelli, pero la escritura es, sin ninguna duda, la de Leonardo. Nadie podía entender ni una palabra, ni siquiera los clientes o los cocineros.

José Agustín Arrieta- “Bodegón”

Ingenia platos muy bien presentados, con pequeñas porciones de comida sobre pedacitos tallados de polenta, cosa a la que no estaban acostumbrados las gentes de la época.

Esta nueva forma de servir los platillos no es aceptada por los comensales pues las porciones eran pequeñas a diferencia de lo que estaban acostumbrados y el lugar no tuvo éxito y tuvieron que cerrar, ya que servian comida “rara” y “escasa”

SU ESTANCIA EN MILÁN

Milán, Castillo Sforzesco

Despues de este fracaso, Leonardo se traslada a Milán y su fama de ser refinado y tener excelente gusto lo lleva a trabajar en la corte de Ludovico Sforza, conocido también como Ludovico el Moro, organizando las fiestas y grandes banquetes de la corte.


LA ÚLTIMA CENA

Se dice , que era tanto el interés de Da Vinci en este campo, que incluso preparó un menú especial, sobre el que basó su famosa obra “La última cena”, encargada por Ludovico, para el Convento de Santa María della Grazie
De hecho primero ideó las recetas que aparecen en él antes que el cuadro en sí, como por ejemplo el “puré de nabos con rodajas de anguila”.

Durante casi dos años y nueve meses, realizó cientos de bocetos de alimentos, como los Huevos cocidos con rebanadas de zanahoria o el Muslo de pato con flores de calabacín.

Pronto empezó su labor en la corte de Milán, cuando se le encargó la organización de la boda de una sobrina de Ludovico para lo que Da Vinci puso toda la carne en el asador mecanizando el funcionamiento de la cocina y creando un menú degustación.


LOS “ARTILUGIOS”

Para manejar las grandes cantidades de comida que había que preparar para el evento, apostó por la invención de diferentes “electrodomésticos”(sin luz, claro) para la cocina.

Durante muchos años Da Vinci se esforzó en diseñar máquinas que modernizaran la cocina de su época, y muchas de ellas pueden considerarse predecesoras de objetos que utilizamos en la actualidad.

Muchas de sus invenciones se realizaron sobre 1482, mientras estaba al servicio del gobernador de Milán, Ludovico Sforza “El Moro”. Su talento fue mucho más allá de inventar las servilletas o la máquina para secarlas, llegando a idear un proyecto de cocina para el gran Palacio Sforza, en el centro de Milán.

Da Vinci llega a la conclusión de que se necesita una “fuente de fuego” permanente, y una de agua hirviendo.
También, unas cintas transportadoras llevaban troncos automáticamente a las chimeneas, la cuales contaban con una hélice movida por el aire que a su vez daba vueltas a los asados de forma automática.
. El artilugio consistía en una hélice instalada en el interior de la chimenea que se giraba por la corriente de aire caliente, y que estaba conectada por varios engranajes con el espetón, que se movía en función del fuego que hubiera.

Otro puesto que pretendió suprimir fue el de la mujer que calentaba los pucheros en la chimenea, gracias al calentador de agua, ideado con una serie de tubos metálicos enroscados y colocados sobre las cenizas del fuego. Un sistema de lluvia artificial para apagar los posibles incendios de las cocinas fueron otras de sus ideas, y aunque la mayor parte de estos inventos fracasaron en aquel momento, más tarde sirvieron de inspiración.

Otros utensilios, fueron la rebanadora de pan, una picadora de vacas,
En una ocasión, la troceadora de carne y de pan habían encallado cortando a un animal e, incluso (se cuenta) el brazo de un cocinero

Molinillo de peimienta

El sacacorchos para las botellas, el molinillo para la pimienta,

Picadora de ajos

Un objeto para triturar ajos y perejil …etc

Barbacoa

La barbacoa de leña que Leonardo diseñó para Ludovico Sforza en 1491 sigue siendo la base del modelo que comercializan hoy en día la Compañía de Barbacoas y Divanes con patentes de Leonardo en Vinci.

Aparador bebidas

El revolucionario aparador que Leonardo hizo para Beatrice d’Este tenía recipientes para el vino helado y el zumo de naranja helado, así como una placa caliente en el centro.

Cortador de berros

El diseño de Leonardo de un cortador de berros gigante fue fabricado en su taller en el Palacio Sforza de Milán; pero durante las demostraciones en los campos de berros cercanos al palacio, se desmandó y mató a dieciséis servidores de las cocinas y a tres jardineros. Posteriormente, Ludovico lo utilizó con muy buenos resultados contra las tropas invasoras francesas.

Máquina para hacer cucuruchos

Leonardo consideró la utilidad de que se bebiera en cucuruchos en vez de en vasos, sin tener muy claro el material para fabricarlos…

Batidora gigante
Cepillo giratorio para barrer

También se preocupó por la limpieza de la cocina, y pensó un sistema para mantener el suelo limpio que consistía en un cepillo giratorio que incorporaba una pala para recoger los restos que arrastraba el cepillo.(aspiradora renacentista?)

A veces los cocineros, hacían todo lo posible para no ser barridos por estos grandes cepillos encargados de mantener limpio el suelo.

Extractor de humo

Asi mismo, creó algo semejante a las actuales campanas extractoras, un dispositivo cuya función era eliminar los malos olores y los humos, que constaba de dos fuelles en el techo movidos por una manivela que estaba enganchada a un caballo.
Todos estos inventos, según cuentan los libros, fueron una catástrofe a la hora de su ejecución. Quizá Leonardo fuese un desastre para su época, pero sin duda ha sido un visionario para el futuro.


LA BODA SFORZA

La historia de Nastagio degli Onesti”, Botticelli

(atribuido también a Jacopo del Sellaio )

Cuando llegó el acontecimiento de la boda y todos los comensales ya estaban sentados a la mesa comenzó el lío:
Tan grande fue el mare magnun que se formó, que la historia la conocemos porque algunos asistentes al evento tuvieron que levantarse e ir a la cocina

Sabba de Castiglione

Uno de aquellos curiosos fue el embajador florentino Sabba de Castiglione di Pietro Alemani, quien dejó escrito lo que vio:
Al llegar a la cocina, Di Pietro pudo ver cómo uno grandes fuelles que pretendían mantener el aire limpio habían avivado el fuego consiguiendo que éste se propagara por toda la cocina, lo que a su vez había activado el difusor de agua contra incendios y a lo que se sumó que la máquina encargada de proveer de agua caliente se descontrolara provocando una total inundación. Este mal funcionamiento había conseguido que algunos animales (usados para mover estas máquinas) camparan a sus anchas entre pucheros, cocineros y artilugios.

NORMAS DE COMPORTAMIENTO EN LA MESA

Leonardo en la corte de Ludovico Sforza

Estas son las pautas de conducta apuntadas por Leonardo en el Codex Romanoff, donde uno de sus capítulos está dedicado a los hábitos indecorosos que, debieran suprimirse de la mesa. Estos son algunos:


LA SERVILLETA
Siempre preocupado por la limpieza tanto de la mesa como de los comensales confecciona un mantel de proporciones pequeñas para cada persona, es decir, inventa la “servilleta”. Sin duda uno de los grandes “inventos” de este genio, en el ámbito del protocolo gastronómico:
Da Vinci se permitió también darnos una buena recomendación: “NO TE LIMPIES LAS MANOS EN EL CONEJO”

Esta frase os sorprendera, pero tiene su explicación:

Ludovico Sforza el Moro

Leonardo decía: “La costumbre de mi señor Ludovico de amarrar conejos adornados con cintas a las sillas de los convidados a su mesa, de manera que puedan limpiarse las manos impregnadas de grasa sobre los lomos de las bestias, se me antoja impropio del tiempo y la época en que vivimos. Además, cuando se recogen las bestias tras el banquete y se llevan al lavadero, su hedor impregna las demás ropas con las que se lava.”

Formas de plegar las servilletas

¿Por qué no puede, como las demás personas de la corte, limpiarlo en el mantel dispuesto con ese propósito?


OTRAS NORMAS:
“Ningún invitado ha de sentarse sobre la mesa, ni de espaldas a la mesa, ni sobre el regazo de cualquier otro invitado.
No poner una pierna encima de la mesa.
No sentarse debajo de la mesa en ningún momento”.
No ha de pellizcar ni golpear a su vecino de mesa.
No ha de hacer ruidos de bufidos ni dar codazos.
No poner caras horribles ni lo ojos en blanco.
No escupir ni prender fuego al compañero durante la comida.
No hay que poner la cabeza en un plato
No tomar comida del plato de su vecino de mesa a menos que tenga su conocimiento.
No ha de poner trozos de su propia comida de aspecto desagradable o a medio masticar sobre el plato de sus vecinos sin antes preguntárselo.
No tomar comida de la mesa y guardarla en su bolso o faltriquera para comerla más tarde
No ha de enjugar su cuchillo en las vestiduras de su vecino de mesa.
No utilizar su cuchillo para hacer dibujos sobre la mesa.
No ha de hacer insinuaciones impúdicas a los pajes de mi señor, ni juguetear con sus cuerpos.
No ha de poner el dedo en la nariz ni en la oreja mientras está conversando
No ha de conspirar en la mesa (a menos que lo haga con mi señor)
No ha de golpear a los sirvientes a menos que sea en defensa propia
No ha de escupir ni hacia delante ni hacia los lados
No ha de pellizcar o golpear a su vecino de mesa
Y si ha de vomitar, entonces debe abandonar la mesa.

LOS ASESINATOS DURANTE LAS CENAS

Si hay un asesinato planeado para la comida, entonces lo más decoroso es que el asesino tome asiento junto a aquel que será el objeto de su arte, y que se sitúe a la izquierda o a la derecha de esa persona dependerá del método del asesino, pues de esta forma no interrumpirá tanto la conversación si la realización de este hecho se limita a una zona pequeña…
Después de que el cadáver, si lo hay, las manchas de sangre si las hay, hayan sido retirados por los servidores, es costumbre que el asesino también se retire de la mesa, pues su presencia en ocasiones puede perturbar las digestiones de las personas que se encuentran sentadas a su lado”.

LAS RECETAS
Las recetas aquí contenidas están recogidas del llamado Codex Romanoff y atribuidas al maestro del renacimiento Leonardo da Vinci
Entre las joyas que podemos encontrar en este Códice figura quizás el origen del
BOCADILLO.

A la hora de confeccionarlos, Da Vinci dudaba entre varios tipos :

El pan y la carne I:
“Me he puesto a pensar en tomar un trozo de pan y colocarlo entre dos pedazos de carne, mas ¿cómo deberé llamar este plato?”.
El pan y la carne II:
¿Y si dispusiera la carne entre dos trozos de pan?.
El pan y la carne III:
La rebanada de carrillo de buey deberá ir entre sendos pedazos de pan y no al revés. Será un plato como no se ha visto nunca antes en la mesa de mi señor Ludovico Sforza.

Bodegon de aves y liebres de Tomas Yepes S.XVII

“Ciertamente, se podría disponer toda suerte de cosas entre los panes:
Ubres, testículos, orejas, rabos, hígados… Los comensales no podrán ver el contenido hasta no cortarlos con sus cuchillos. Lo llamaré, por esta razón, “pan con sorpresa”.

Museo del Prado

Sopa de almendras:
“Habéis de hervir algunos nabos tiernos en una marmita en la que habréis puesto la cabeza cocida de una oveja; a continuación, aplastadlos con sal, pimienta y semillas de cominos; mezclad con ellos un huevo para ligar esta mezcla y con ella formad bolas y otras formas que cubriréis con migas de pan; en el centro de cada una de estas bolas y formas colocaréis un testículo tierno de cordero cocido. pondréis todo ellos en una marmita con aceite hasta que observéis que se torna duro y de color marrón, y entonces lo serviréis. No conozco la razón por la que este renombrado plato de Milán es conocido como sopa de almendras!”.

Pudín blanco:
“No es éste un plato para aquellos que tienen la peste, ni tampoco para aquellos que sufren del corazón. Es en verdad, un plato muy pesado, que perjudica asimismo a aquellos con molestias en el hígado y con piedras en la bilis, y es dañoso para la vista y los nervios de todos”.
“Pelaréis las pieles de las almendras y las pasaréis por la mano del mortero. Entonces, machacaréis las pechugas de media docena de capones, las mezclaréis con un poco de leche de cabra y aplastaréis todo en un cedazo. Lo agitaréis junto con la pasta de almendras, añadiréis cerca de veinte claras de huevo y algunas migas de pan blanco con un caldo algo graso, lo pasaréis todo por el cedazo mientras lo vertéis en la sartén. Después de algún tiempo, rociadlo con agua de rosas y pepitas de granada y servidlo”.

Bodegón con costillas y cabeza de cordero por Francisco de Goya

Testículos de cordero con miel y nata:
“Tomad los testículos de un cordero, despojadlos de sus pieles externas y dejadlos para que se empapen en agua fría durante algunas horas. Luego cortadlos o ralladlos en finas rebanadas, sazonadlos con sal y pimienta (y, añade Pietro Monti, asimismo un poco de azafrán para que adquieran un color menos enfermizo) y cocinadlos en mantequilla hasta el momento que al tocarlos los halléis blandos. Dejadlos luego que se enfríen, y cuando lo estén, verteréis un poco de nata y miel caliente sobre ellos y los serviréis. Es esta la manera correcta de servir testículos de cordero, aun cuando mi señor Ludovico se empeña en tomarlos calientes cuando le sean servidos, y de esa forma se le antojen el acompañamiento más idóneo para los nabos machacados que de tal manera le complacen”.

En el Códice Atlántico (libro que contiene escritos y dibujos de Leonardo y está en la Biblioteca Ambrosiana en Milán) se encuentra la receta para una bebida que posteriormente llamaron “Acquarosa de Leonardo” (Agua rosa de Leonardo) elaborada a base de extracto de rosas, azúcar, limón y un poco de alcohol.

Los Spango Mangiable

A Leonardo también se le atribuye la invención de el spaguetti o como el los llamaba “spago mangiable” (cordeles comestibles), el se encargo de perfeccionar la forma de los toscos tallarines llevados a Roma por Marco Polo a unos delgados y largos cordeles de harina de trigo. Posteriormente inventó el tenedor para facilitar el consumo de su invención.


LA VERDAD
¿Qué hay de verdad y mentira en la historia de Leonardo Da Vinci con la cocina?
Cierto es que Leonardo era un apasionado de la cocina declarado y que intentó crear varios inventos, aunque la mayoría acabaran en un desastre.
Pero no debeis preocuparos: Las “notas de cocina de Leonardo Da Vinci” es una recreación, una historia inventada por los historiadores británicos Shelagh y Jonathan Routh en 1987. Esta obra fue creada con el objetivo de entretener y divertir al lector, lo que consigue con creces. Un propósito tan claro que en Londres se presentó a la prensa el 1 de abril, día de los inocentes.
“Notas de cocina de Leonardo da Vinci” es un libro desternillante. Está escrito en un tono brillante y humorístico y va cargado de curiosidades (verdaderas o falsas, eso es lo de menos). Es un libro, lleno de barbaridades culinarias, artilugios imposibles, ocurrencias hilarantes e historias rocambolescas.
Se editó en España en 1999, bajo la batuta del experto en gastronomía Jose Carlos Capel, quien retiró un par de trampas introducidas por los autores: las referencias a las alubias y el maíz, productos americanos que a principios del XVI eran desconocidos en Europa. Sin embargo se mantuvo el dibujo de la máquina de pelar patatas, aunque estas tampoco habían cruzado el charco en aquellos tiempos.

No obstante, resulta asombroso el mito que se ha creado a partir de este libro que cuenta ya con 17 ediciones en su haber. Casi un dogma para muchos que creen, a pies juntillas, que Leonardo da Vinci inventó el bocadillo, la servilleta, el tenedor, el sacacorchos para zurdos, la máquina para cortar fiambres, la de secar servilletas y muchos otros artilugios.
El supuesto manuscrito original de Da Vinci que se denominó “Codex Romanoff” no está en el museo de l´Hermitage (Leningrado) como algunos piensan ni en poder de los herederos del genio renacentista. No está porque no existe. Hablamos de un libro imaginado cuyo contenido es completamente falso.
La clave está en que al traducir el texto, la editorial española optó por quitar los nombres de los Routh de la portada y promocionar el libro como auténtico.

FUENTES:
https://elpais.com/elpais/2011/09/07/gastronotas_de_capel/1315348669_131534.html
https://noloseytu.blogspot.com/2015/11/el-codex-romanoff.html


http://www.vivaleercopec.cl/2013/07/05/notas-de-cocina-de-leonardo-da-vinci/


https://www.homohominisacrares.net/humanidades/historia/leonardo-da-vinci-cocinero.php


https://www.aryse.org/de-una-broma-a-un-mito-el-libro-de-las-notas-de-cocina-de-leonardo-da-vinci/


https://curiososincompletos.wordpress.com/2011/10/23/leonardo-da-vinci-y-la-gastronomia-el-codex-romanoff/

BIBLIOGRAFÍA:

“Notas de cocina de Leonardo da Vinci” 1999 de Leonardo Da Vinci .Ediciones Martínez Roca (versión española)

“Notas de cocina de Leonardo da Vinci”(1987) Jonathan y Shelag Routh (versión inglesa)

La ciudad del perfume: Grasse (Provenza)

Grasse es la capital internacional de los perfumes. Situada en la Provenza-Alpes-Costa Azul (Paca), a unos kilómetros del mar Mediterráneo: a 14 kilómetros al noroeste de Cannes y a 30 del aeropuerto de Niza, pertenece al departamento de Alpes Marítimos.

Se encuentra en una colina a 750 metros de altitud.

Dominando vastos valles llenos de color por la cantidad de flores, sobre todo rosas, jazmines y nardos, que sirven para hacer los famosos perfumes.

Y es que el perfume es una seña de identidad de la ciudad de Grasse, desde el S.XVIII y que atrae todos los años a miles de turistas. De los 200 perfumistas que hay por el mundo, 40 se encuentran en Grasse.

Un campo de cultivo de la lavanda

LA PROVENZA
El entorno de Grasse, es uno de los lugares más bellos de la Costa Azul. Desde 2012, la región de los Préalpes d’Azur ha sido declarada Parque natural regional, por su biodiversidad: hay más de 2000 especies vegetales y también por sus paisajes.

Las hierbas de la Provenza

Tampoco, cuando se habla de los aromas de la Provenza, podemos olvidar esas hierbas que crecen por todos los rincones de la región y exhalan aromas penetrantes cuando se pasea por sus senderos: que son las hierbas de Provenza, el tomillo, el laurel, el romero, el estragón, el orégano, la mejorana,estrellas de la gastronomía provenzal y fundamento de muchos aceites esenciales y diferentes productos cosméticos.


RUTAS

Ruta de la lavanda

Hay 7 rutas de la lavanda que se pueden visitar de mediados de junio a mediados de julio, dependiendo de la floración.

Ruta de la mimosa

Y también una ruta de invierno que debe ser realizada entre febrero y marzo: la Ruta de la Mimosa, un itinerario de 130 km que discurre entre Bormes-les-Mimosas y Grasse, que nos invita a descubrir encantadores pueblos provenzales y magníficos paisajes pintados de amarillo, que nos embriagan con el aroma intenso de las mimosas.


Grotte de Thaïs en Saint-Nazaire-en-Royans 

Por otro lado, está la Réserve Biologique des Monts d’Azur, las cuevas de St Nazaire y las de Baume Obscure (a 20 minutos de Grasse).

HISTORIA

Grasse figuraba en los mapas desde la Edad media, desde el siglo XI, y desde el siglo XII posee una activa actividad comercial.

Vista del caserío de Grasse y la Catedral de Santa María del Puy

En cuanto a Grasse, se trata de una ciudad medieval fundada en el siglo VII que posee auténticos tesoros de la arquitectura genovesa y provenzal.

palacetes y casas restauradas de los siglos XVII y XVIII,

callejuelas estrechas y laberínticas que conducen a una hermosa catedral, soportales, arcadas, plazas con fuentes llenas de encanto…

De hecho, la ciudad de Grasse ha sido condecorada como Villa de Arte y de Historia por el Ministerio de cultura, como premio al valor de su patrimonio.

Place des Aires

Para descubrir el casco antiguo lo mejor es comenzar por la Place des Aires, con esas casas con arcadas y la fuente de Luis XV

Y seguir por las calles llenas de tiendas y puestos típicos, para después perderse callejuelas , que se convierten a menudo en escaleras.

Ayuntamiento

Admirar la torre y restos de las murallas del siglo XVI, el antiguo Palacio Episcopal que alberga el Ayuntamiento,
Además de palacetes (hôtel de Pontevès, hôtel de Cabris, Court de Fontmichel…), y hermosas villas del siglo XVIII.

El casino Belle Époque (hoy palacio de congresos)


LA CATEDRAL


Catedral de Notre-Dame du Puy

Entre los edificios más importantes se encuentra la Catedral de Notre-Dame du Puy, de estilo románico provenzal, construida en el siglo XI.

Catedral interior con el Lavatorio de Fragonard

En su interior alberga un bello retablo, tres cuadros de Rubens, un Fragonard, vidrieras y estatuas de Baillet.

MUSEOS

Hôtel de Cabris


Museo de Arte e Historia de Provenza:
Situado en un palacete, el Hôtel de Cabris, en el que pueden descubrir la vida cotidiana en la Provenza a través de diferentes obras y objetos.

Villa-Museo Fragonard:
Consagrado al pintor Jean-Honoré Fragonard, pintor de la Corte del Siglo XVIII, que nació en Grasse y vivió allí durante la Revolución francesa.

Destilería antigua

Museo Internacional de la Perfumería:
Es el mas importante y un museo único que reconstituye los 4000 años de historia del perfume:

Explica el origen y la evolución del perfume de Persia a Polinesia y de la Antigüedad al siglo XXI a partir de utensilios originales de Egipto, como khol; frascos griegos (que muchos más siglos más tarde sirvieron como inspiración para los perfumes de Paco Rabanne)

Potpurri

Ambientadores con pot-purri (mezcla de flores y especias naturales secas que comenzaron a usarse en la edad media para combatir los olores de la peste negra)

O una galería con lo botes “del perfume de cada año” desde 1900 y la evolución de las técnicas.

En el primer piso se exponen los frascos de perfumes diseñados hasta la actualidad

Colección de frascos antiguos
La colección de etiquetas

En otro piso donde se exhiben las etiquetas donde puede observarse la creatividad de los dibujos.

Y en la terraza, en un invernadero, se pueden oler las esencias con las que se elaboran los perfumes.

El neceser de supervivencia de María Antonieta (pesaba unos 40 kg,)
Foto: charcotrip.com
Perfumero de María Antonieta

La joya de la corona (y nunca mejor dicho) es la Sala del neceser, donde se veneran las coquetas bolsas de aseo que usó María Antonieta durante sus escapadas, que puso de moda el perfume de flores, allá por el siglo XVIII.

Los jardines de este Museo de la Perfumería constituyen un conservatorio de plantas destinadas a hacer perfume, un jardín botánico en el que se puede admirar el patrimonio agrícola y paisajístico ligado al cultivo local de estas plantas.

Perfumería Gallinard

Solo tres de las históricas perfumerías, son visitables: las de Molinard, Gallimard y Fragonard. Todas ellas incluyen una parte didáctica que explica el proceso de fabricación de las fragancias.

HISTORIA DEL PERFUME

El perfume (proveniente del latín per, «por» y fumare, «a través del humo») hacía referencia, en tiempos muy antiguos, a la sustancia aromática que desprendía un humo fragante al ser quemada

En la Edad Media siglo XVII en Grasse se curtía cuero para: guantes, botas, y carrozas, con su característico olor… Pero allá por el siglo XVII un emprendedor curtidor, Galimard, será quién tenga la idea de perfumar los guantes.

Catalina de Médicis

En una alarde visión de marketing moderno, elige a Catalina de Médicis para regalarle un par, esta fascinada comenzará a imponer su uso en la corte, y la alta sociedad adoptan la costumbre con entusiasmo.


Para cuando sobreviene la decadencia de la industria del cuero, debido a las tasas y la competencia con Niza, llegará el momento dorado del perfume.

La suerte quiere que en Grasse se dé un microclima Mediterráneo al resguardo del viento, cuenta con un suelo ideal para el cultivo de las flores necesarias para la elaboración de perfumes.

Los olores propios del país de Grasse (lavanda, rosa, Jazmín, nardo, violeta, mirto, flor de azahar salvaje, mimosa). El jazmín es la flor más típica de Grasse y fue introducida en Europa en el siglo XVII procedente de la India.
Grasse se convierte así en la cuna del perfume mundial y en la actualidad, cuenta con más de dos mil quinientos técnicos dedicados exclusivamente a la industria del perfume.

Alambiques para la destilación

La perfumería se desarrolla en la ciudad de Grasse en el siglo XVII, pero evolucionará a lo largo del siglo XVIII, cuando surge un nuevo procedimiento de extracción de las flores del principio que dará lugar al perfume:la destilación de los aceites esenciales

Un método que permite separar las partes más volátiles de las que lo son menos, el vapor arrastra las moléculas de olor y al tener estas diferentes densidades, es fácil de separar estos componentes una vez que se enfrían: el agua, de los aceites esenciales.

La mayor parte de las esencias ya existen completamente formadas en la planta o vegetal; sin embargo, otras no preexisten sino que se forman por la acción del agua sobre determinadas partes del vegetal por cuya acción se combinan ciertos elementos que se encuentran en las células y determinan su formación.

Bálsamo de Margot variante de enfleurage

Los fijadores que aglutinan las diversas fragancias incluyen bálsamos, ámbar gris y secreciones glandulares de ginetas y ciervos almizcleros.

Almizcle

El almizcle se obtiene principalmente a partir de una glándula cercana al ano del ciervo almizclero macho, quien se cree utiliza el olor para atraer a las hembras. En la actualidad, estos animales están protegidos en muchos países, por lo que los fabricantes de perfumes utilizan almizcle sintético


PROCESO DE OBTENCIÓN

Las flores se introducen en grasa a una temperatura de 50-80ºC.

Maceración.

Cuando se procede por maceración en la industria, es necesario colocar las flores en unas grandes calderas manteniéndolas sumergidas a fin de que suelten el olor.


Expresión.

Otro procedimiento extractivo es la expresión; muy conveniente en la cidra, la naranja y la bergamota. Cuando el fruto es abundante, se exprime para recoger el aceite.


Destilación.


Para ello, se emplea un alambique de cavidad bastante grande

Este método es el más empleado especialmente para flores, plantas y hierbas, tales como la lavanda, rosas, alhucema, tomillo, sándalo, mimosa, etc.


Enfleurage.

Enfleurage de jazmines en manteca

El procedimiento extractivo de disolución sirve para ciertas flores delicadas y consiste en impregnar las sustancias aromáticas en grasa y después extraer el aceite oloroso con alcohol.

Enfleurage de rosas

El proceso dura hasta 3 días, y puede hacerse por superposición sobre una manteca sólida o inmersión de las flores en la grasa ligeramente calentada para licuarla, con esta última modalidad, se puede licuar varias veces la grasa, colarla y cambiar las flores, de modo que cada vez queda más perfumada.

Preparación de las rosas en un país islámico

Se trata de un método antiguo, que no es eficiente, la esencia queda muy diluida en la grasa, por ello hoy en día en perfumería su uso es escaso.

Enfleurage en una factoría del S.XVIII.


Absoluto

Tras el enfleurage, falta un último paso que permite extraer la esencia llamada “absoluto”.El proceso para obtener el absoluto es básicamente mezclar la grasa con alcohol de modo que la fragancia se transfiera a este, luego separar grasa de alcohol y hacer que este se evapore dejando únicamente la esencia concentrada y pura.

En la actualidad el enfleurage solo se utiliza con flores que no toleran otros métodos, el caso más conocido es el jazmín, del cual se obtiene el “absoluto” tras un proceso de “enfleurage”.

El órgano de perfumes

El órgano de perfumes:

A principios del siglo XX, los componentes odorantes son tanto la memoria del perfumista como su órgano de perfumes, ordenados en semicírculo a su alrededor. Así tenía al alcance de la mano esencias de flores absolutas, esencias de plantas aromáticas, resinas, bálsamos y extractos Era el lugar donde tradicionalmente un perfumista trabaja en la composición de varios perfumes.

Tipos de perfumes, según su intensidad aromática:
Perfume: la forma más concentrada, entre el 15-45% de esencia aromática.
Eau de Perfume (EdP): concentración del ~15%.
Agua de baño, más conocida como Eau de Toilette (EdT): concentración del 7-15%
Agua de colonia, Eau de Cologne (EdC): la misma concentración que el anterior pero con aromas cítricos

Splash con una concntración del 1%

LA PIRÁMIDE OLFATIVA

Pirámide olfativa

La pirámide olfativa describe la estructura de un perfume, define las notas que percibimos y que se van desarrollando con el tiempo. Consta de:


Notas de salida o cabeza: Son el primer contacto con la fragancia. Se perciben durante los primeros 15 minutos aproximadamente y se pueden apreciar hasta 2 horas después.
Notas de corazón o cuerpo: Identifican al perfume, son las notas esenciales para decantarnos por la fragancia. Se perciben a partir de los 15 primeros minutos y se pueden apreciar hasta 6 horas después.
Notas de fondo o base: Reafirman la identidad del perfume y otorgan el carácter del mismo. Suelen ser esencias que dan profundidad a la fragancia como la madera, el ámbar, el almizcle o las especias. Se perciben a partir de las 2 horas. Son las que perduran en la piel

Para elegir un perfume se debe aplicar sobre la piel y olerlo pasado los primeros 15 minutos, para poder así identificar las notas de corazón y la familia olfativa que mejor acompaña a cada personalidad.
Cada perfume posee una historia, una inspiración del perfumista, una elección de familia olfativa: floral, oriental, amaderada o fresca.

Chanel nº 5

Esta industria será muy próspera, y en el siglo XIX, con la Revolución Industrial se inventan nuevas máquinas y nuevas técnicas de extracción. En la villa se establecerán varias fábricas de perfume que crean fragancias que después venden a grandes marcas, como Chanel.
Hoy en día las destilerías de Fragonard, Galimard,Molinard, las prestigiosas IFF, Robertet, Givaudan entre otros están presentes en la capital del perfume, además de la presencia de todas las casas importantes de la industria: Grasse cuenta con la densidad de población en perfumistas más alta del mundo.

No obstante, los perfumes contienen en nuestros días una mayoría aplastante de productos químicos sintéticos, por lo que las empresas pues se adaptaron volviéndose hacia los aromas alimentarios, sacando provecho de ventajas tales como el conocimiento de las materias primas, instalaciones, etc

LAS FLORES DE GRASSE
Los campos de jazmines y rosas son las flores emblemáticas del Pays de Grasse y, junto a flores como las violetas, el azahar, los nardos o los claveles, forman parte de los aromas de la Provenza.

Recolección de las rosas de Mayo

En la región de Grasse existen enormes campos de cultivo de estas flores destinados a la fabricación de perfumes.


ROSA CENTIFOLIA.

También conocida como Rosa de Mayo (Rose de Mai) es la principal flor de Grasse; motivo de celebraciones en la fecha de su recogida que le da el nombre.

Destinada casi en su totalidad a la elaboración de perfumes de alta gama debido a su elevado precio, destaca su carácter dulce, femenino y altamente sensual.
La Rosa Centifolia si no se cosecha en el momento en el que brota, ya no sirve, por lo que hay que hacerlo todos los días durante el período de floración en el mes de mayo, de ahí su otro nombre: “Rosa de Mayo”.


TUBEROSA: EL NARDO

El nardo, como es conocida en España, se está tratando de recuperar e impulsar en los últimos años entre los perfumistas de Grasse. Para Molinard es clave en alguna de sus creaciones. Esta flor blanca destaca por su olor embriagador como nota de corazón en perfumes florales y orientales. El nardo (Polianthes Tuberosa) florece en verano


VIOLETA

La violeta (Victoria Odorata) se cosecha dos veces por año, en mayo y en agosto, y sus hojas se utilizan en perfumería, pero también en confitería, así como sus flores que tienen un aroma picante.


MIMOSA.

En el mes de marzo las colinas de la Costa Azur se tiñen de amarillo con la flor de la mimosa. Es una planta a camino entre el mar y la montaña. Irradia olor dulce, suave y nebuloso, con notas que rememoran la infancia. Es uno de los emblemas de la casa Galimard.


LAVANDA.

Si bien la Lavanda y el Lavandin (variedad de alta montaña) son icono de la Provenza francesa, tienen también un papel histórico en Pays de Grasse.

“Fougère clásico” (El término Fougère se utiliza para describir una familia olfativa, es una clasificación que se utiliza en el mundo de la perfumería. Así como hablamos de familias florales, orientales o afrutadas, fougére es una familia más. Una fragancia fougére se crea a partir de notas de lavanda, musgo, madera y cumarina, principalmente en perfumes masculinos.


JAZMÍN.

Jazmín

El jazmín es una de las flores más típicas de Grasse y fue introducida en Europa en el siglo XVII procedente de la India. En la actualidad se recogen de 2 a 3 kilos de jazmines todos los días (1 kilo equivale a 8000 flores), que pasan a ser tratadas industrialmente para obtener una esencia
Es procesado tradicionalmente con la técnica de enfleurage en frío; consistente en la absorción del aroma de la flor a través de la aplicación de grasa en paneles de cristal. Actualmente este método ha sido sustituido por la extracción mediante solventes para obtener el absoluto de jazmín.

Cosecha de jazmín

Esta flor es el icono de la casa Fragonard. El jazmín Grandiflorum se utiliza por ejemplo para el famoso perfume Chanel nº 5 y se cosecha al alba, de julio a octubre, para lo que poseen sus propias plantaciones de rosas y de jazmines.


LYS E IRIS

Flor de Lys

Otras flores utilizadas para la perfumería son el Lys de la Madone y el Iris Pallida. El Lys, con sus enormes flores de un blanco inmaculadoy morado, tiene un aroma dulce, y los campos de lys florecen en junio.

Iris o lirios de Van Gogh

En cuando al Iris, podemos considerarlo otro símbolo de la Provenza, junto a la lavanda, ya que su historia está íntimamente ligada a la región: recordemos que inspiró a Vincent Van Gogh cuando vivió en Saint-Rémy de Provence, que descubrió los iris en los jardines del Monasterio Saint-Paul de Mausole.

ACONTECIMIENTOS EN GRASSE

La Fiesta del Jazmín

La Fiesta del Jazmín
En agosto, la ciudad de Grasse se inunda de flores durante tres días. Esta fiesta se celebra desde hace 64 años en honor al jazmín, una flor que encontramos por todas partes en Grasse y que ya forma parte de su patrimonio. Uno de los eventos más conocidos es la batalla de flores, en la que la gente es rociada con agua de jazmín y agasajada con ramos de flores.

Paulina Borghesse copia de la escultura de A. Canova

Además, en los jardines de la Princesse Pauline (hermana de Napoleón I) tiene lugar una comida provenzal. Y las calles, plazas y jardines de la ciudad se llenan con la música de grupos provenzales y charangas.

La Expo Rose
Este evento internacional tiene lugar en el mes de mayo en toda la ciudad de Grasse, pero sobre todo en los jardines de la Villa Fragonard y en la Cour Honoré Cresp. Es espectacular, ya que más de 50 mil rosas de todos los colores se exponen en cerámica típica. Llegan horticultores de todo el mundo para exponer diferentes variedades de rosas.


Las Siestas perfumadas
Tienen lugar en diferentes de la ciudad: en algunas plazas, en el Jardin des Orangers…donde se instalan tumbonas a disposición de los visitantes, que podrán descansar, disfrutar de las vistas y, sobre todo, de diferentes olores (cada año se dedica a fragancias concretas). Las Noches perfumadas son un concepto original, diferente, ¡todo un despertar de los sentidos!.


Las Noches perfumadas (Nuits Parfumées)
La ciudad de Grasse, en colaboración con el Museo Internacional de la Perfumería, propone al visitante una temporada estival llena de espectáculos, exposiciones y eventos en los que el perfume es el tema central. Noches especiales en la capital del perfume: paseos perfumados por el centro histórico en el que se puede sentir el olor del jazmín, de las rosas o de la flor de azahar; disfrutar de diferentes animaciones en los jardines inundados de aromas delicados que embriagan al visitante: lectura pública, conciertos, teatro…

GRASSE EN EL CINE

La localidad de Grasse se ha hecho famosa también gracias a la película del alemán Tom Tykwer “El Perfume”, basada en el célebre libro de Patrick Süskind.

Dustin Hoffman y Ben Whishaw

El protagonista, Grenouille, viaja a Grasse para crear la fragancia perfecta, y allí trabaja de ayudante haciendo perfumes y aprendiendo nuevos métodos.

Decorado de la película

La película ha sido una estupenda publicidad para la villa, a la que han llegado turistas interesados en descubrirla, así como sus talleres de perfumería.

FUENTES:

https://www.la-provenza.es/aromas-de-la-provenza
https://www.la-provenza.es/grasse
https://101lugaresincreibles.com/2018/09/una-ciudad-de-provenza-que-es-la-capital-del-perfume-grasse.html
http://elblogdemaitegarcia.blogspot.com/2015/08/siesta-perfumada.html
https://es.slideshare.net/zaraorg/el-perfume-13609711
https://www.academiadelperfume.com/historia-perfume/
https://www.oui.sncf/article/la-decouverte-des-parfums-grasse-66238
https://es.wikipedia.org/wiki/Perfume

El arte de la piedra dura

La práctica de componer imágenes a base de insertar piezas coloreadas de diversos materiales como vidrio, barro o piedras duras, conocida como mosaico, fue dominada a la perfección entre los antiguos romanos en el llamado opus sectile, o taracea de mármoles y piedras duras polícromas, una técnica rara y costosa que vivió su apogeo durante la época del emperador Augusto

Tigresa atacando a un ternero, opus sectile en mármol en la Basílica de Junius Bassus Museos Capitolinos Roma

El llamado mosaico florentino es el arte de tallar las piedras duras de manera que cortadas y ensambladas unas con otras, según sus diferentes colores y vetas forman una composición pictórica.

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Capilla de los Medici
El emblema de los Grandes Duques florentinos, coronados por gigli de pietra dura, incrustada

Reciben este nombre de una manera general debido a que surgió en Florencia en el transcurso del siglo XVI, con un grado tal de perfección que después ha podido ser igualado, pero nunca superado. Aunque tiene sus orígenes en el mosaico clásico, el opus sectile de los romanos y la técnica es en esencia la misma, pero ahora las piedras se cortan y tallan en la forma deseada por el artista aprovechando las manchas naturales de las piedras duras.

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Capilla de los Medici. Florencia

Para la ejecución de su sorprendente revestimiento de mármoles incrustados con mármoles de color y piedras semipreciosas, se estableció el taller de piedra dura gran ducal, el Opificio delle Pietre Dure. El arte de commessi, tal como se le llamó en Florencia, juntaba los fragmentos como puzzles de trocitos de piedras para formar los diseños del revestimiento que cubren totalmente las paredes.
El laboratorio fue fundado oficialmente en 1588 por Ferdinando I de’ Medici, con el fin de decorar la Capilla de los Príncipes, el mausoleo de los Medici

Foto: Olga Torrego Lopez

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La tabla Farnese, Diseñada por Jacopo [Giacomo] Barozzi da Vignola (Italia, Roma Vignola 1507-1573)

Se trata de uno de los más bellos y sugestivos piezas de muebles renacentistas en existencia. La parte superior es una losa de mármol blanco con incrustaciones al antiguo estilo romano con muchos colores diferentes mármoles y piedras semipreciosas y con las llamadas Piedras Duras. Tan rica es la incrustación de que la matriz de mármol blanco es visible sólo en las líneas que rodean varias fronteras y las figuras geométricas más grandes, que incluyen medallones, cartelas, rectángulos y óvalos.

Los Reales Laboratorios de Piedras Duras de Nápoles y Madrid

Resultado de imagen de carlos iii

La corte española no fue una excepción a esta costumbre. Importación primero y manufactura después, serán las principales vías de adquisición de este tipo de obras de  arte en nuestro país.

Figura clave en todo este proceso es la de Carlos III. Aficionado a estos trabajos desde que en 1732, siendo aún infante, visitase en Florencia la Galleria dei Lavori patrocinada por los Duques de Toscana, una de sus primeras medidas como rey napolitano será la creación del Real Laboratorio de Piedras Duras de Nápoles, en 1737. A finales de 1759, Carlos III regresa a la Península para hacerse cargo del trono de España. Entre su equipaje se trae consigo la mayoría de las piezas encargadas a la manufactura napolitana y que habían sido sufragadas personalmente por él. Una vez aquí, en 1762, ordena la fundación de otra real fábrica, heredera de su antecesora italiana, que trabajase en el doble campo del mosaico y la talla. Tal fue su interés que fue el único soberano que fundó dos manufacturas; la primera en Nápoles, en 1737 cuando regía en aquel territorio, y la segunda en Madrid, en el Buen Retiro, cuando ocupa el trono español en 1759. En ambos casos hubo de recurrir a operarios florentinos, que seguían siendo los maestros más reputados. El Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro produjo las nueve maravillosas mesas

Así, con la creación del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, se acaba con la necesidad de importación de este tipo de obras. Lástima que su vida no fuese más duradera. En 1808, con la invasión napoleónica, su actividad quedó clausurada y no se reanudó nunca más después de la guerra


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Mesa de Felipe II 

En Roma continuaron fabricándose obras importantes como el maravilloso tablero del Museo Nacional del Prado, donado en 1587 a Felipe II por el cardenal Michele Bonelli, sobrino de Pío V 
La pieza de mayor tamaño, es el Tablero de mesa de Felipe II, está decorada con motivos abstractos, geométricos y florales sobre fondo negro

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Mesa de Felipe II Museo del Prado imagen donde se aprecian los leones de bronce, que forman las patas.
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Los leones,son de bronce fundido y esferas de pórfido, 72 cm de alto, cada uno de los cuales apoya una garra sobre una bola de caliza de color rojizo, fueron encargados por Velázquez durante su segundo viaje a Italia para decorar el Salón de los Espejos del antiguo Real Alcázar de Madrid, dado que a su cargo de Pintor de Cámara unía el de Aposentador Real.

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Tablero del Duque de Osuna . Museo del Prado

Obra realizada en Florencia en 1614 por encargo de don Pedro Tellez Girón, duque de Osuna, cuyas armas se representan en el centro del tablero. El escudo está realizado por Giacomo di Gian Flasch y los vasos con flores se deben a Jacopo Ligozzi.En medio de un octógono se ve un escudo con las armas del duque de Osuna unidas a las de Castilla y León y rodeadas por las de Portugal y por el Toisón de Oro. Alrededor se disponen ocho compartimentos, separados por filetes blancos decorados con lapislázuli y rosso antico, que contienen panoplias, peltae, banderas, yelmos y otras armas y símbolos bélicos en varios mármoles de color (verde antico, bianco e nero di Aquitania, semesanto y giallo antico) y lapislázuli.

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Tablero de mesa en piedras duras, talleres romanos (después de 1565) Museo del Prado

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Mesa de don Rodrigo Calderón
Con leones de bronce (1651) Museo del Prado
. Lapislázuli, Mármol blanco, Mármol verde, 119 x 119 cm.

Este tablero de mesa procede de la almoneda de Don Rodrigo Calderón (conde de la Oliva de Plasencia, marqués de Siete Iglesias), según aparece descrito en el inventario del Alcázar de Madrid de 1636, donde estaba situado en la Pieza Nueva junto a dos espejos, uno de ébano y otro de piedras embutidas. No se cita en el juicio llevado contra Rodrigo quien fue ejecutado en la Plaza Mayor de Madrid el 21 de octubre de 1621, aunque sí figura en el inventario del Alcázar de 1686, en la testamentaría de Felipe V (1747) y en la de Fernando VII (1834). 
Felipe IV, coleccionista y mecenas extraordinario, adquirió obras de gran valor, como la mesa decorada con símbolos bélicos y turcos que perteneció a don Rodrigo Calderón. Posteriormente, el Estado español adquirió en una subasta en Nueva York este tablero, destinándolo al Museo Nacional de Artes Decorativas

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Tablero de mesa
Principio del siglo XVII. Alabastro, Paragone, Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 126,5 x 83 cm.

Óvalo central de alabastro enmarcado por volutas de la rara breccia pavonazza del Suffragio y dos cuadrados de alabastro cotognino y alabastro fiorito sobre fondo de lumachella. La cenefa, separada del rectángulo central por filetes de paragone, está dividida en compartimentos mixtilíneos, óvalos y rombos en diferentes materiales (broccatello, alabastro, verde antico, y lumachella). Realizado en Roma. Es similar a muchas de las composiciones de mármoles polícromos que existen en iglesias romanas a partir del inicio del siglo XVII. El diseño de esta pieza parece estar pensado más para un recuadro parietal que para una mesa

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Bufete del Nuncio Massimo 1624. Calcedonia, Jaspe rojo, Paragone, 152 x 107,5 cm.

Sobre un campo de mármol negro de Bélgica, o paragone, se dispone una guirnalda de flores en cuyo centro un papagayo pica una cereza. Alrededor, en los lados del largo del bufete, hay seis ramos de flores, cada uno de una especie, y otros cuatro ramos más pequeños; en los lados del ancho se ven dos ramos de otras flores y otros ramos menores, parecidos a los primeros. Alrededor de la guirnalda vuelan algunas mariposas y se disponen varias flores cortadas. En el borde, una banda de jaspe rojo con filetes de oro y rosetas de calcedonia. En todo el conjunto se utilizan las más excepcionales piedras duras de la manufactura florentina.

MUSEO DEL PRADO
Posee una serie de seis (o de ocho, si se incluyen otras dos mesas parecidas) que se elaboraron en el Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, fundado por Carlos III en 1759.

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Consola
1775 – 1780. Bronce dorado, Calcedonia, Lapislázuli, Paragone, 95 x 182 cm.

La composición central circundada por una cinta azul y amarilla de lapislázuli y calcedonia, representa, sobre un fondo de calcedonia blanca, dos hombres que juegan a los bolos junto a tres personajes que pasean, y a dos pedreros trabajando.

El fondo arquitectónico comprende ruinas romanas, como la pirámide Caio Cestio y la tumba de Cecilia Metela en relación con el vedutismo veneciano y el paisaje arqueológico romano. Alrededor de esta composición una cenefa de paragone contiene frutas de varios tipos, instrumentos musicales y científicos, varios libros y una bandeja con una toalla y una vaso de plata. En la cartela central del faldón lleva una torre, motivo heráldico español.

La imagen puede contener: calzado
Consola
1779 – 1781. Bronce dorado, Calcedonia, Jaspe rojo, Lapislázuli, Paragone, 95 x 180 cm

.El tablero incluye una gran escena central, sobre fondo blanco de calcedonia, con varias figuras en un puerto, dos de las cuales, de gusto oriental, están claramente inspiradas en Tiépolo. Una cinta de lapislázuli y calcedonia amarilla enmarca esta escena; alrededor, sobre fondo de paragone, un grupo de objetos variados: busto de un niño, cesta con peras, conchas, violín, anteojos, planos arquitectónicos e instrumentos de este arte; en alto, ala izquierda, una paleta de pintor con una corona de laurel que cubre la mitad superior de un pequeño cuadro con la Inmaculada Concepción. La técnica de factura es exquisita y destaca la utilización de piedras de diferente gradación de colores

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Consola
1775 – 1783. Bronce dorado, Jaspe, Paragone, 95 x 180 cm.

Tablero que presenta una decoración a base de motivos concebidos con recurso de trampantojos y dispuestos como “mesa revuelta”. Un retrato a silhouette y dos cuadros, el primero con dos personajes orientales y un “pulcinela”, y el segundo con un paisaje bucólico. Alrededor de los cuadros se ven dos anamorfosis, una gironda, un libro con partituras musicales y otros libros, uno de los cuales lleva escrito en el lomo Plinio. Natural T.I, un bastón y un fuelle con una cinta.

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Consola
1774 – 1783. Bronce dorado, Lapislázuli, Paragone, 97 x 190 cm.

Mesa con un cuadro con una marina y su marco al revés, naipes y varias fichas, una regla, un martillo, un compás y otros instrumentos de carpintería, dos hebillas, un llavero y varios dibujos sobre fondo de paragone o mármol negro de Bélgica. La representación del cuadro está directamente inspirado en las composiciones del pintor francés Joseph Vernet (1714-1789), cuya obra fue muy apreciada por Carlos III y Carlos IV. Los motivos relacionados con el juego como naipes están inspirados en modelos franceses contemporáneos de V. Penot.

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El juego del balón, consola
1782 – 1788. Bronce dorado, Calcedonia, Lapislázuli, 95 x 176 cm.

Sobre anchas cenefas de lapislázuli se disponen en la mesa conchas, frutas y flores. La escena central sobre fondo claro de calcedonia, está enmarcada por una guirnalda que incluye rocailla asimétrica. La escena de jugadores de balón con varias figuras que conversan en un paisaje con arquitectura clásica, en el que aparecen la leona de basalto del Capitolio y la pirámide Cestia de Roma. Está inspirada en modelos que Giuseppe Zocchi realizó en los años 1748 y 1765 para el emperador, gran duque Francisco de Lorena. Esta mesa y su pareja, fueron las últimas realizadas en el Real Laboratorio del Retiro ya en el año 1788. Aunque mantienen muchos elementos barrocos y rococó

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El juego del volante (consola de piedras duras)

Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro Mosaico. Bronce dorado, calcedonia, lapislázuli, 95 x 176 x 100 cm Hacia 1782-1788 Museo Nacional del Prado

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Mesa de piedras duras
1738 – 1749. Ágata, Amatista, Bronce dorado, Calcedonia, Madera de ébano, Jaspe, Lapislázuli, Paragone, 85 x 111 cm.
Museo del Prado

Mesa de centro, rectangular. El tablero en taracea de piedras duras sobre fondo de paragone están adornados con volutas en calcedonia enmarcados por un entrelazo de flores, frutos y hojas con pájaros y mariposas en distintos tipos de jaspe, amatista y ágata; en el centro hay un espacio vacío ocupado tan solo por un collar de perlas con un lazo de lapislázuli. El borde, en bronce dorado, tiene cartelas asimétricas en las esquinas que cuelgan sobre la alta faja de ébano, cuyos lados tienen cartelas parecidas con placas de lapislázuli. Pies triangulares, con placas en lapislázuli, y festones en bronce dorado con frutas en piedra dura.

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Mesa de piedras duras con pájaros y mariposas
1749 – 1763. Ágata, Bronce dorado, Calcedonia, Madera de ébano, Jaspe, Lapislázuli, Paragone, 92 x 150 cm.
Museo del Prado

El tablero en taracea de piedras duras sobre fondo de paragone tiene las esquinas moldeadas y está orlado con una faja de lapislázuli. Sobre él se representan flores y frutas con pájaros, insectos y volutas; todo en varios tipos de jaspe, lapislázuli, calcedonia y ágata. Los soportes, entre cartelas de bronce dorado con mascarones grutescos, tienen forma de pie de caballo y están adornados con placas de lapislázuli. A ambos lados de la alta faja lignita, situada bajo el tablero, hay cartelas en piedras duras con marcos de bronce, unidas por festones dorados a las cabezas femeninas que adornan las esquinas, simbolizando las Estaciones, cuya autoría se debe a Giovanni Morghen
El pie de bronce, realizado por Giovanni Battista Ferroni, sigue el modelo de las consolas napolitanas de la primera mitad del siglo, el de las “espagnolettes”

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Tablero para consola Museo del Prado

Paisaje con perspectiva arquitectónica y obelisco roto rodeado por cenefa decorativa en trampantojo. Hacia 1779.

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La Gruta de Posilipo
Buen Retiro

Del Real Laboratorio de Piedras Duras, sobre cartón de van Wittel (fines del siglo XVIII-inicios del siglo XIX) Cuadro de mosaico y piedras duras, 38,3 x 48,4 cm

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Vista de Bermeo

Buen Retiro, Real Laboratorio de Piedras Duras, sobre cartón de Paret y Alcázar (fines del siglo XVII-inicios del siglo XIX) Posible tablero para mesa, 40,5 x 81,5 cm

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Paisaje con ruina de un templo
1766 – 1800. Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 33,3 x 26,4 cm.

Cuadro de piedras duras, seguramente realizado en los últimos años de actividad del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro (1762-1808), bajo la dirección de Luis Poggetti. Este y otros cinco cuadros más aparecen citados en la Testamentaría de Fernando VII de 1834 y en el inventario manuscrito del Prado de 1857. En una serie de documentos de 1811 se mencionan los cincos cuadros de mosaico que Luis Poggetti había salvado y conducido desde Madrid a Cádiz, sede del gobierno español bajo la ocupación francesa.

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Paisaje con ruina de un templo
1766 – 1800. Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 33,3 x 26,4 cm.

Cuadro de piedras duras, seguramente realizado en los últimos años de actividad del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro (1762-1808), bajo la dirección de Luis Poggetti. Este y otros cinco cuadros más aparecen citados en la Testamentaría de Fernando VII de 1834 y en el inventario manuscrito del Prado de 1857. En una serie de documentos de 1811 se mencionan “los cincos cuadros de mosaico” que Luis Poggetti había “salvado”

OTRAS PIEZAS EUROPEAS

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La oración en el huerto. Oficio delle Pietre Dure (Galleria dei Lavori)

Según una pintura de Benedetto Veli, c. 1604. Galleria dei Lavori

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Tablero para mesa de piedras duras italiana atribuido a Pietro Antonio Paolini, Toscana, alrededor del año 1735

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Detalle de la mesa anterior

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Detalle de la mesa anterior

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Detalle de la mesa anterior

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Detalle de la mesa anterior

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mesa de estilo egipcio

Materiales: madera, tallado, pintado, y en parte dorada; encimera de granito negro no es original a la mesa.Probablemente hecha en Nueva York
Como bibliotecario del cardenal Alessandro Albani colector (1692-1779), Winckelmann pasó nueve años en el intenso estudio de la cultura etrusca, griega, romana clásica, y las obras egipcias. La presencia constante de arte egipcio en Italia en ocasiones inspiró a artesanos de épocas posteriores a incorporar sus misteriosos motivos decorativos en sus propias invenciones.

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Mesa de inspiración gótica c.1860 Madera y piedras duras.

A pesar de que el fabricante de esta mesa es desconocido, se produjo probablemente en Nueva York después de un diseño por el arquitecto británico Augustus Welby Northmore
El tablero de la mesa se apoya en peana inspirada en la arquitectura de contrafuertes que se extiende desde el eje central.Es un excelente ejemplo de cómo los muebles neogóticos emplean características reservadas para el uso en edificios durante el período gótico (siglo XII al XV)

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Theophil Hansen (Dinamarca, Copenhague 1813-1891 Viena)

Top ejecutado al Opificio delle Pietre Dure, Florencia, Italia ca. 1855-1860
mármol belga y piedras semipreciosas; pino pintado, fruitwood ebanizado, latón esmaltado, de bronce dorado. Peana en madera tallada gradas forma de jarrón con decoración de putti

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Armería Imperial, Tula (al sur de Moscú), Rusia Fecha: ca. 1780-1785

De acero, plata, cobre dorado, bronce dorado, tilo; cristal del espejo reemplazado por piedra dura.
Desde 1712, cuando el arsenal imperial en la ciudad de Tula, al sur de Moscú, fue fundada por Pedro el Grande (r. 1682-1725) 
En 1785 la emperatriz Catalina la Grande, durante cuyo reinado (1762-1796) floreció la fábrica de Tula, envió a dos de los trabajadores siderúrgicos con más experiencia del arsenal a Inglaterra con el fin de perfeccionar sus habilidades y ampliar sus perspectivas e ideas creativas;

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Caja de piedras duras
1650 – 1700. Madera de ébano, Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 19 x 33 cm.

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Cofre ochavado con entalles, piedra dura y camafeos

Segundo tercio del siglo XVII. Ágata, Carneola, Crisoprasa, Esmalte, Granate, Heliotropo, Jaspe bandeado, Lapislázuli, Olivino, Ónice, Ópalo de fuego, Oro, Plata dorada, Prasio, 12,5 x 19,8 cm.
Cofre octogonal prolongado, con la base formada por una plancha de plata, sobre la que se elevan cuatro paredes de acero con cantoneras y molduras de oro. La tapa es plana, a ocho aguas, se apoya sobre diez bolitas de materiales diversos: ágata, lapislázuli, carneola. Toda su superficie está ricamente decorada por una trama de oro esmaltado, con diseño de hojas picudas y granos, entrelazadas y huecas, de donde surgen otras menores

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Vaso de jaspe con camafeos de Neptuno y Anfitrite
1687 – 1689. Ágata, Calcedonia, Jaspe multicolor, Jaspe rojo agatizado, Lapislázuli, Ópalo

Se compone de dos piezas de jaspe rojo y dos importantes monturas con veinte camafeos. Cuerpo a modo de tazón, con perfil en arco rebajado, de boca redonda, y una pieza anular lobulada, en forma de flor, adherida en su fondo. La tapa es de oro, con sobrepuestos de cintas y hojarasca en oro esmaltado de blanco, con toques negros y púrpura, así como de verde trasflor. En el ala se engastan cinco camafeos grandes, dispuestos en vertical, y cinco pequeños, con escenas mitológicas

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Mesa de piedras duras, como un muestrario, capturada al barco británico Westmorland y depositada en el Gabinete de Historia Natural de Madrid. En la actualidad en el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid. Colección de Geología.



Fuentes:

http://digital.csic.es/bitstream/10261/13033/1/ma_PIEDRASDURAS_OyE_HISTORICA.pdf

https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/real-laboratorio-de-piedras-duras-del-buen-retiro/4fbfe253-c809-4055-a0cd-46a33045172b

http://www.all-sa.com/Prado16.htm https://www.museodelprado.es/coleccion/obras-de-arte?search=hardstone%20tabletop&ordenarPor=pm:relevance

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Tipos_de_m%C3%A1rmol TIPOS DE MÁRMOL

nota: en la relación que adjunto de las fuentes consultadas, hay un link, donde aparecen los distintos tipos de mármoles y piedras duras que existe.

Los manicomios del pasado


LOS MANICOMIOS

La palabra “loco” en el transcurso de la Historia se ha utilizado demasiadas veces contra personas que padecían enfermedades que en su momento la Medicina no alcanzaba a comprender, designándose como locura hasta final del siglo XIX, a un determinado comportamiento que rechazaba las normas sociales establecidas y la desviación de la norma (de donde procede su denominación: del latín vulgar “delirare, de lira ire”, que significaba originalmente en la agricultura “desviado del surco recto”

“La casa de locos” de Francisco de Goya,  Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

El tema de los establecimientos psiquiátricos estaba en las tertulias de los ilustrados españoles, y  este oleo de Goya, podría suponer una denuncia de la situación lamentable, de estas instituciones de beneficencia.

En sus orígenes fueron los templos griegos, donde se acogía a los dementes:

Pero ya, en la última parte de la Edad Media, los manicomios fueron creados para “quitar” de las calles a personas con enfermedades mentales.
 En realidad, estos “manicomios” eran cárceles. Rodeados de suciedad y oscuridad, y cuando los pacientes presentaban conductas trastornadas eran encadenadas como animales, y así eran tratados…

Mas tarde, en 1792, en un asilo de París, se llevó a cabo un experimento, fue Philippe Pinel quien en la “primera revolución psiquiátrica” hizo retirar las cadenas a estas personas y comenzó a tratarlas humanamente. Digamos que fué un paso importante, pero solo eso…

 LONDON´S BETHLEM ROYAL HOSPITAL 

Me voy a centrar en describir, como ejemplo europeo de psiquiátrico, en uno de los mas conocidos y el que más ha contribuido a crear el mito del manicomio de pesadilla: el Hospital Real de Bethlem (Beckenham, Bromley) de Londres. ​

El “Bedlam” en la actualidad
Fundado en 1247, y aunque ya no se encuentra en su ubicación original, se reconoce como la primera y más antigua institución especializada en enfermos mentales. El hospital está hoy en día a la vanguardia del tratamiento psiquiátrico, pero parte de su historia es conocida por su crueldad y trato inhumano

Situación del Hospital
 Ha sido denominado de diversas maneras: Santa María de Bethlem, Hospital de Bethlem, Hospital de Bethlehem y también como  “Bedlam”, que en inglés significa “casa de locos” y también “confusión o follón” (El nombre se lo pusieron los londinenses que escuchaban los gritos que salían del edificio, gritos de locos enjaulados o encadenados a las paredes.)

Bethlem ha formado parte de Londres desde 1247, cuando un antiguo alguacil de Londres, donó un terreno,  para levantar un asilo que se erigíó como un priorato para las hermanas y hermanos de la Orden de la Estrella de Bethlehem, de la que el edificio tomó su nombre.

Murallas romanas de Londinium
Su primera ubicación estaba en Bishopgate, una de las puertas de la fortaleza romana existente construida en 120  d. C.,  que protegía la calzada hacia Eburacum en el norte.  (Hoy dia junto a la actual estación de la calle Liverpool)

“El padre Jofré, defendiendo a un loco” Joaquín Sorolla 1887
Sus orígenes en el siglo XIII convierten a Bedlam en uno de los psiquiátricos más antiguos del mundo. Algunos autores consideran que es el pionero, aunque esa afirmación está lejos de suscitar unanimidad. El catedrático de Psiquiatría J.J. López-Ibor sostiene, por ejemplo, que ese honor lo ostenta un hospital fundado por el padre Jofré en Valencia en 1410

El plano del hospital de Bethlem se reproduce en el libro de Daniel Hack Tuke, “Capítulos de la Historia de los locos en las Islas Británicas” (Londres, 1882)

Los mapas de los primeros años del siglo XVI muestran Bedlam, cercano a Bishopgate, como un patio con unas pocas construcciones en piedra, una iglesia y un jardín. Las condiciones eran entonces espantosas, y el cuidado era poco más que moderado.

Había 31 pacientes, estando los más violentos y peligrosos maniatados y encadenados al suelo o las paredes. A algunos se les permitía marcharse, e incluso mendigar.

Jacobo I de Inglaterra

En 1598, cuando el ayuntamiento de la City encargó un estudio sobre su funcionamiento. Las conclusiones que se obtuvieron, fueron que este, no era un lugar apto para ser habitado por seres humanos, sucio y repugnantemente mantenido. Aunque eso no significó ningún cambio. El rey Jacobo I nombró a un nuevo gestor, Helkiah Crooke, que únicamente se preocupó por robar todas las donaciones que el hospital había recibido y a obligar a los enfermos a pagar por la comida con un lógico resultado: el que no podía pagar, moría de hambre.

“El rey Carlos I a caballo”de Sir Anthony van Dick (1599-1641)
Una nueva inspección llegaría cn el rey Carlos I en 1631. Un aparente soplo de humanidad, puesto que de ella se derivó la contratación de un cirujano, un médico y un boticario, los primeros facultativos que pisaban el centro desde su inauguración.

Se decidió incluso trasladar las instalaciones a otro lugar, un nuevo palacio aparentemente más salubre y adecuado y así, en 1676 el antiguo edifico medieval se mudó a uno nuevo y opulento situado en Moorfields. Su creador, Robert Hooke, quiso que fuera el Versalles de Londres y tiró la casa por la ventana: proyectó una fachada de 165 metros de largo, columnas corintias, torre con cúpula y jardines
Grandioso, pero una ruina total. La pesada fachada no tardó en resquebrajarse y el hospital sufrió graves filtraciones. Escritores como Thomas Browne dudaban de si los “locos” eran los internos o los responsables de aquel despropósito.

Estas estatuas, que se cree que representan la locura delirante y melancólica coronaron las puertas de entrada, se han conservado y se pueden ver en el Museo de la Mente en el actual Hospital Real de Bethlem. Grabado por C. Warren, 1808, después de C. Cibber, 1680. Wellcome Library, Londres
Hasta 1700 los lunáticos no fueron llamados “pacientes” gracias al psiquiatra holandés Paul Vicent. De 1725 a 1734 se abrieron las salas de “cuarables” e “incurables”.

Grabado de la octava impresión de William Hogarth es “A Rake’s Progress” que representa reclusos en el Hospital Real de Bethlem.

El Bethlem del siglo XVIII fue retratado en una escena de William Hogart “A Rake’s Progress” (traducido como “La vida de un libertino”), de 1735, donde se muestra en ocho imágenes la vida de Tom Rakewell, hijo de un rico comerciante, que malgasta su dinero en una vida de lujo, prostitutas, el juego y al final acaba su vida consumido y desesperado en una lúgubre sala de Bedlam.

En 1815 Bedlam se movió a los Campos de St George, Southwark, a un edificio diseñado por James Lewis (añadiéndose una cúpula más tarde, diseñada por Sydney Smirke)

En 1930, el hospital se trasladó a otro suburbio de Londres, situándose en Monks Orchard House, entre el parque Eden, Beckenhan y Shirley. El viejo hospital y sus dependencias fueron adquiridas por lord Rothermere, que solicitó a la diputación provincial londinense que se transformase en parque.

Años mas tarde, la parte central del edificio se convirtió en la sede del Museo Imperial de la Guerra en 1936.
EL ZOO HUMANO
Durante años más que un hospital fue casi un “zoo humano”, una galería a donde los ricos de Londres acudían en tropel para disfrutar del espectáculo de los “locos” y se referían sin sonrojo a los pacientes como “lunatickes”, una mezcla de “lunático” y “tickets”. A la humillación pública se sumaban un trato cruel y condiciones deplorables.

Bethlem Hospital, Londres: los incurables son inspeccionados por un miembro del personal médico, con los pacientes representados por figuras políticas. Dibujo de Thomas Rowlandson, 1789.
https://wellcomecollection.org/works/x7rf7y4e

La visita de esa casa de locos era una de las grandes diversiones dominicales de los londinenses. El visitante tenía derecho a recorrer todas las divisiones, las celdas, hablar con los enfermos, y burlarse de ellos.
El propio hospital lo promovía y se beneficiaba de las donaciones de los visitantes y de las contribuciones caritativas.

Uno de los cuadros de Hogart

Un grupo de pacientes…

Durante el siglo XVIII y parte del XIX,Bedlam se convirtió en una atracción turística.  Los visitantes pasaban por esas verjas llamadas “penny gates”, porque la entrada costaba muy poco:  un penique – el primer martes de cada mes era gratis – y se podía contemplar el espectáculo que brindaban los pobres dementes. Además,se podían llevar palos para azuzar a los dementes y elevar el nivel del show. Algunos también les daban alcohol para ver cómo actuaban borrachos.

 En 1814 se registraron más de 96.000 visitas, en el mayor espectáculo de Londres…

Durante años, los cadáveres de los pacientes fueron utilizados para disecciones y experimentos de todo tipo y hace cinco años los obreros que trabajaban en el Crossrail de Londres (un tren subterráneo para mejorar la comunicación de la City) se toparon con una sorpresa poco agradable: Un montón de huesos humanos. Al investigar se descubrió que pertenecían al antiguo cementerio del psiquiátrico. Entre las fosas comunes con internos del Bethlem y los cadáveres que dejó la peste negra se calcula que podría haber 4.000 esqueletos.

LOS   TRATAMIENTOS

San  Ignacio de Loyola realizando un exorcismo a un endemoniado
En el siglo XIII, poco o nada se sabía de la salud mental. Los enfermos psiquiátricos eran tratados como poseídos o endemoniados, y la sociedad creía que su dolencia era un castigo, divino o demoníaco, por sus pecados.Así, la Iglesia recurría a los exorcismos para alejar al demonio Por ello, todos los pacientes, independientemente de su cuadro, recibían el mismo tratamiento motivado por el desconocimiento y el miedo.

Entre los siglos posteriores, la terapéutica de la locura era tan variopinta como las posibles causas a las que se achacaba: la medicina empírica de curanderos y hechiceros recurría a las hierbas medicinales, los sortilegios y las prácticas supersticiosas; y los médicos diplomados y boticarios recurrían a estrictas dietas, duchas de agua fría en la cabeza y a las tan temidas sanguijuelas, por mencionar algunas.

“El patio de la casa de locos” Francisco de Goya. The Meadows Collection, Dallas Texas.

El tratamiento  de los pacientes mentales frecuentemente imitaba el tratamiento histórico de los inquisidores dela Iglesia: fueron encarcelados, encadenados o sometidos a restricciones dolorosas, azotados y torturados de diversas formas.

James (William) Norris, paciente de Bethlem, 1815.
“Este es un paciente mental de un manicomio victoriano”.  Fue el caso de Norris, expuesto por un periódico, lo que llevó a la reforma de Bedlam.

MÉTODOS DE INMOVILIZACIÓN

Actualmente podemos creer que todas estas prácticas eran terribles y absurdas pero, en aquellos tiempos, los médicos simplemente hacían lo que creían que era lo mejor para entender lo que estaba mal y cómo podían solucionarlo.

Un sistema primitivo empleado hasta el año 1800 para contener a un enfermo agitado eran los grilletes y las cadenas.

Se le ubicaba en una habitación de aislamiento con o sin paredes acolchadas, se le vestía una camisa de fuerza o se le enrollaba el cuerpo con sábanas y mantas.

Máscara para el criminal demente.  Estas máscaras, llamadas máscaras de tortura, se han usado durante siglos y no solo para los delincuentes.

LA TERAPIA DE ROTACIÓN

Hacia finales del siglo XIX entre sus paredes se “recetaba” la “terapia de rotación”, una práctica supuestamente inspirada en las teorías de Erasmus Darwin,abuelo del famoso naturalista : en la que se sentaba al paciente en una silla suspendida en alto para que girase y girase durante largas sesiones. Se consideraba que el hacer girar al paciente se podía sacudir el cerebro y aliviar así la esquizofrenia y otros trastornos mentales.

SHOCK FARMACOLÓGICO

 A medida que la farmacología fue avanzando, se ensayó un método  que consistía en administrar un compuesto de drogas tipo “cóctel” que sumía al paciente en un estado letárgico

La “cura alcanforosa” fue iniciada por J. Von Meduna (1896-1964) en el año 1934 con el objetivo de provocar crisis epilépticas a los enfermos esquizofrénicos, la primera sustancia que se suministró fue el aceite de alcanfor, pero tardaba en actuar y no siempre producía las convulsiones, por lo que pasó a emplearse el metrazol administrado por vía intravenosa para producir un choque convulsivo pero sin pérdida de conocimiento, en especial para los enfermos esquizofrénicos, cuyo criterio terapéutico era que la enfermedad epiléptica y la esquizofrenia eran antagónicas.
INSULINOTERAPIA

Aplicación de glucosa por medio de una sonda nasogástrica a un paciente para finalizar la terapia de choque con insulina.
Fué  promovida por Manfred Joshua Sakel (1900-1957), la aplicó por primera vez el año 1932 con el fin de provocar en el paciente un coma hipoglucémico que tuviese, en términos medios, un efecto de media hora. El tratamiento podía alcanzar una o dos semanas en sesiones diarias excepto algunos días. Para que el tratamiento fuese completo se necesitaban de entre 50 a 60 sesiones.
ELECTROSHOCK  o TERAPIA ELECTROCONVULSIVANTE (TEC)

Investigaron y aplicaron esta técnica (TEC)Lucio Bini (1908-1964) y Ugo Cerletti (1877-1963) con la finalidad de hallar una alternativa al choque, productor de convulsiones epileptiformes o tónico clónicas como tratamiento de la esquizofrenia. Encontraron la solución mediante la aplicación de electricidad en el cerebro

Una “vieja máquina de choque eléctrico” utilizada para la terapia del paciente en St. Elizabeths a principios del siglo XX (1920)
 La técnica consistía en el empleo de unos aparatos generadores de descargas eléctricas que, provistos de electrodos, se situaban en las regiones frontoparietales previamente bañados de una solución salina conductora, al activarlos producían un electrochoque cerebral Los receptores del procedimiento eran y son enfermos esquizofrénicos, o con estados depresivos, de delirio y manía. A partir del año 2005, y por indicación de la OMS, por escrito, debe solicitársele permiso al paciente antes de aplicarle este tipo de tratamiento.

MALARIOTERAPIA O PIROTERAPIA

Julius Wagner von Jauregg y la aplicación de su terapia
Ya Hipócrates había visto que algunas personas afectadas por un trastorno psiquiátrico que tenian convulsiones  que durante un ataque de malaria mejoraban su estado mental
Fue introducida por Julius Wagner von Jauregg (1857-1940), la aplicó el año 1917,consistía en inocular intravenosamente al paciente el germen patógeno Plasmodium Falciparum obtenido de la sangre de un paciente enfermo de paludismo.  el período de incubación de este Falciparum era de unos 10 días, tras los cuales, el enfermo padecía un acceso de 39 grados de temperatura, con síntomas de malestar general, cefaleas y sudoraciones profusas.   Posteriormente se le administraba al paciente clorhidrato de quinina que paliaba los efectos de la infección, como la anemia secundaria y caquexia

HIDROTERAPIA

La palabra hidroterapia es sugerente de balneario, pero nada más lejos estaban los manicomios de proporcionar el efecto beneficioso de las cálidas aguas termales.

Los baños o duchas de contraste que se aplicaban era otro método de choque que consistía en lanzar, con la ayuda de una manguera a presión, un chorro de agua caliente y fría de forma alterna.

También las terapias de vapor eran frecuentes para calmar a los pacientes

LOBOTOMIA

En los años 50 era muy común en los pacientes con  depresión y esquizofrenia, a los cuales esta intervención volvía más tranquilos y cooperativos.

Consiste en efectuar una trepanación quirúrgica para seccionar los lóbulos frontales del paciente, el impulsor fue Egas Moniz (1874-1955) cuyo fin era curar la epilepsia. Los lóbulos frontales se consideran el asiento de la inteligencia pero, para los defensores del tratamiento quirúrgico, la inteligencia se localizaba en la totalidad de la corteza cerebral.

TREPANACIÓN

“Extracción de la piedra de la locura” El Bosco
Con la trepanación se intentaron curar migrañas, convulsiones y otros procesos mentales.

Craneotomía

Aunque fueran unos procedimientos rudimentarios y sin ningún tipo de asepsia, muchos pacientes no sobrevivieron al procedimiento.
EXTRACCIÓN DE ÓRGANOS

El Dr. Henry Cotton, un psiquiatra de principios del siglo XX, creía que los trastornos mentales eran causados por bacterias en el interior del cuerpo. La solución mas logica para los doctores de entonces, era abrir a los pacientes y quitarles los órganos que tuvieran, según ellos, algún tipo de anormalidad. Pocos sobrevivieron al proceso…
TRABAJOS

Consistía en instigar a los enfermos para que trabajasen realizando labores  en la cocina, el lavadero, la costura, la limpieza, el huerto, los corrales, etc. para así tenerlos ocupados.
En la actualidad se realiza una terapia ocupacional mucho mas racional y útil.

OTRAS “PATOLOGÍAS Y TRATAMIENTOS”
 LA “HISTERIA”

Fotograma del film británico “Histerya”
Durante la época victoriana era muy común que una mujer fuese diagnosticada con histeria. Sus síntomas incluían desfallecimientos, insomnio, retención de liquidos, espasmos musculares, respiración entrecortada, irritabilidad, fuertes dolores de cabeza, pérdida de apetito y, ojo al dato: tendencia a causar problemas.

Consolador a vapor

Las pacientes con histeria femenina debían recibir un tratamiento conocido como  “masaje pélvico” en la que el doctor estimulaba los genitales de la mujer hasta producirle un orgasmo.
Al parecer, lo hacían porque consideraban que el deseo sexual reprimido de las mujeres era una enfermedad.

Otra forma habitual de tratarlas era con el lavado vaginal, el cual podéis ver ilustrado en la imagen de arriba.

LA LECTURA EN LAS MUJERES

 Hubo un tiempo en que los hombres pensaban que si una mujer era asidua a la lectura, esta acabaría loca. De hecho, llamó mucho la atención el caso de una mujer que pasó largos años en una institución mental por haber sido encontrada leyendo a las 5:30 de la madrugada.

HOMOSEXUALIDAD

La homosexualidad fue considerada lamentablemente, como una enfermedad de salud mental, por lo que la mejor manera de tratarles era enviándoles a una de estas instituciones.
MASTURBACIÓN

En aquella época se pensaba también, que la masturbación podía llevar a la locura. Muchos pacientes con enfermedades mentales graves tenían problemas para contenerse a sí mismos y se masturbaban por todas las instalaciones. Estos cinturones tenían el cometido de evitar que los pacientes se tocaran.

Definición de SALUD por la OMS (Organización Mundial de la Salud)
FUENTES:

https://h2g2.com/edited_entry/A2554157

http://www.badnewsaboutchristianity.com/gan_insane.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Hospital_Real_de_Bethlem

https://magnet.xataka.com/un-mundo-fascinante/la-infausta-historia-de-bethlem-el-psiquiatrico-que-exponia-a-los-enfermos-mentales-como-un-zoo

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-38517703

https://www.youtube.com/watch?v=ezSkFQttKJM HISTORIA

BIBLIOGRAFÍA:

“Historia de la Psiquiatría Española”: Juan José López Ibor

“El Tratamiento Moral de la Locura”, François Leuret

“Tratado de psiquiatría”, Henri Ey, Paul Bernard (1995). Elsevier España

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Los grutescos

Grutesco (del italiano grottesco, y este de grotta -“gruta”-) es un motivo decorativo derivado de la decoración de las “cuevas” descubiertas en la Roma del siglo XV y que posteriormente se han identificado como habitaciones y pasillos de la Domus Aurea (el palacio que Nerón hizo construir tras el gran incendio del año 64). A finales del s. XV, entre 1480 y 1490 muchos artistas tenían como costumbre visitar el monte Esquilino para introducirse en las ruinas de la que fue la magnífica Casa Dorada neroniana, y lo hacían en busca de modelos que rescatar para el renacer de las artes Tambien,estaban influidos por las pinturas descubiertas principalmente en los baños de Tito y Livia en Roma, en la Villa Adriana en Tívoli y en diversos edificios de Herculano y Pompeya.

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Los diez libros de la Arquitectura de Vitrubio

Vitrubio en el siglo I a.C. Como arquitecto y tratadista, vio ineludible inquirir en contra de esta decoración , con estos motivos argumentaba:“Nuestros gustos depravados rechazan estos hermosos ejemplos inspirados en la naturaleza no se ve sobre las paredes más que monstruos. se trata de cosas que no existen, ni pueden existir jamás.”

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El grutesco entendido como un tipo de decoración en la que se sintetizan los motivos vegetales, animales y figurativos de un modo onírico, se encontró con diversos obstáculos en el curso de su vida y desarrollo. Fueron muy utilizados en el arte del Renacimiento e interesaron a pintores como Botticelli, Filippino Lippi, il Pinturicchio, Rafael etc y se divulgaron por toda Europa.

Grutesco

Uno de los primeros hostiles a esta tendencia decorativa en época romana fue el poeta lírico y satírico Horacio en su Ars Poetica. En ella animaba a los pintores, en la medida de lo posible, a contenerse de dibujar “mujeres hermosas que terminan en un pez feo y oscuro” Celosamente el poeta delimita la imaginación de los artistas para evitar que creen personajes que no atienden a las leyes de la naturaleza

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Plato a la “Rafaelesca” en mayólica de Faenza, siglo XVI.

Ejemplo del empleo de esta decoración en artes menores

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Logetta del Cardenal Bibbiena de Giovanni da Udine

La decoración de grutescos que cubre los techos de múltiples salas del palacio, realizados por numerosas manos unificadas por un proyecto global ideado por Vasari.

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Villa d´Este es una villa situada en Tívoli, cerca de Roma

Esta decoración, consiste en la combinación de elementos vegetales (“follajes”, guirnaldas), vasijas, cornucopias, panoplias, figuras humanas y teriomórficas (“bichas”, centauros, sátiros, putti), animales fantásticos y seres mitológicos (“sabandijas”, “quimeras”), mascarones, bucráneos, etc., que se relacionan de manera caprichosa y rellenan de forma profusa el espacio (horror vacui) en composiciones simétricas.

Declarada Patrimonio de la Humanidad en 2001, es una pieza maestra de la arquitectura italiana y especialmente del diseño de jardines.

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Ruinas de la Domus Aurea, Roma

Su construcción dio inicio en el año 64, tras el incendio de Roma y a pesar que el emperador Nerón acabo con su vida en el año 68, todavía tuvo la oportunidad de disfrutar libremente su palacio.

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Domus Aurea, sala de la cupula

Una de las características más reconocidas de la Domus Aurea es su enorme cúpula dorada que de hecho solo era parte de los múltiples elementos extravagantes que la formaban ya que había una gran cantidad de oro en todas partes, mosaicos con acabado preciosista, techos estocados con piedras preciosas, incluso un lago artificial.

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Domus Aurea (Roma)
Detalle de la decoración del palacio
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Frescos de la Villa Badoer, de un tal Giallo Fiorentino

Se trataba de crear una ambientación de tipo ilusorio y fantástico, con el aval proporcionado por el uso de motivos tomados de la Antigüedad clásica.
La fantasía de los pintores: inventaban esas formas fuera de toda regla, colgaban de un hilo muy delgado un peso que jamás habría podido soportar, transformaban en hojas las patas de un caballo y las piernas de un hombre en patas de grulla, y pintaban también una gran cantidad de diabluras y extravagancias

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Decoración en el Palazzo Vecchio

Entre 1540 y 1565 fue la residencia del duque Cosme I de Médici, el cual encargó al artista Battista del Tasso la ampliación del palacio, creando una nueva serie de apartamentos donde poder alojar a la corte, a los huéspedes y a la propia familia.

La restructuración de parte del palacio y la compleja decoración de sus salas, incluyendo el Salón de los Quinientos fue encargada al polifacético artista (pintor, escritor, arquitecto e intelectual) Giorgio Vasari. En esta reforma participaron otros artistas como Baccio Bandinelli, Stradano o Salviati, entre otros, a quienes supuso una buena oportunidad de formación. Con estas ampliaciones el palacio duplicó su volumen, quedando finalizada la parte posterior a finales del siglo XVI.

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Grabado con grutescos

La fantasía de los artistas, su condición de estilo extravagante, chabacano, vulgar o absurdo, extendió el uso del término “grotesco” como sinónimo de tales adjetivos, incluso de lo irregular, grosero y de mal gusto:

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Caras grotescas de Leonardo da Vinci

Realizadas en un momento, donde el grutesco estaba en auge.

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Hieronymus Bosco Panel derecho de El jardín de las delicias (1480-1490)

Esta aceptación europea del grutesco no sería ajena, por otro lado, al gusto por lo monstruoso que se produce entonces; en este sentido, los seres híbridos y fantásticos presentes en este tipo de decoraciones, encuentran su paralelismo, en cuanto a modo de comunicación, en las espectrales imágenes de El Bosco y de algunas obras de Brueghel el Viejo

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Parque de los monstruos de Bomarzo, ca. 1550.

Este jardín era un feudo histórico de la familia Orsini, cuyo castillo está en el borde de la ciudad densamente construida. A mediados del siglo XVI Pier Francesco Orsini mandó construir un jardín adornado con extravagantes estatuas (el Parque de los monstruos), al gusto al uso.

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Wedgwoodkabinett del Palacio de Archiduque Alberto (Albrechtspalais o Albertina) de Bruselas, posteriormente trasladado a Viena.
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Monasterio de El Escorial .Galería de las Batallas

En esta decoración al grutesco, tal como la hemos calificado, dominan, pues, la omamentación, la ausencia de significación concreta, la falta de orden y proporción, así como la idea de combinación de partes diversas de modo artificial, caracteres todos del Manierismo.

Por el lado católico,el tratado que asume los dictámenes de Trento (1545-1563) dota a los grutescos del simbolismo requerido, quedando así justificada su presencia; otros,como los protestantes, desde presupuestos más radicales, rechazan esos tipos decorativos.
Mas adelante, la renuncia al grutesco supone la vuelta a un purismo arquitectónico, como sucede en Vignola o en Juan de Herrera, y es el caso de Elías Holl de Augsburgo.

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Catedral de Sigüenza (Guadalajara)

Decoración de la Capila de Santa Librada, ejemplo de utilización de uso religioso

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Palacio de Vaux-le-Vicomte Grotesque à l’antique del siglo XVII

Este palacio, está ubicado junto a la ciudad francesa de Maincy (departamento de Seine-et-Marne) es un palacio de estilo barroco del siglo XVII (1658-1661), construido para el intendente de finanzas de Luis XIV, Nicolás Fouquet que contrató a los mejores artistas de la época para construir su palacio: el arquitecto Luis Le Vau, el pintor Charles Le Brun y el paisajista André Le Nôtre.
Por cierto esta obra fué uno de los desencadenantes de su destitución.

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Palacio de Fontainebleau. (Año 1780)

Decoración de estilo neoclásico francés pintado a la maniera grottesca rafaelesca.
Este palacio introdujo en Francia el Manierismo italiano, en la decoración de interiores y en los jardines, adaptándolo. El manierismo francés en la decoración de interiores del siglo XVI es conocido como «estilo Fontainebleau»: combina escultura, forja, pintura, estuco y carpintería. En jardinería supuso la introducción del parterre.

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Azulejos del Palacio de Cristal del Retiro,del arquitecto Ricardo Velásquez Bosco

Incluso ya en el S.XIX,se utilizó esta decoración:
Utilizado como invernadero-estufa para albergar la muestra de plantas exóticas traídas para la Exposición General de Filipinas, realizada en Madrid en 1887. Los azulejos que decoran todo el perímetro del palacio son obra del ceramista Daniel Zuloaga, decorados con dragones, estrellas o flores. al estilo grutescos

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En los conventos novohispanos del siglo XVI, no se ha dado la debida importancia a este tipo de decoración para determinar su origen prehispánico o europeo, pero lo cierto es que aparecen con mucha frecuencia.

Archivo:Ex-convento de San Nicolás Tolentino, Actopan 8.JPG
Convento agustino de Actopan, México

Se trata de una de las muestras mas importantes, donde en el cubo de la escalera principal se mezclan motivos grutescos con escenas de San Agustín

FUENTES:


Wikpedia, Wikiarquitectura, Artehistoria y otros

https://www.tandfonline.com/doi/abs/10.1080/10609164.2017.1312879?journalCode=ccla20

https://elartenovienedemarte.wordpress.com/2013/10/11/el-grotesco-restitutio-o-continuatio/

https://www.arqhys.com/vitrubio.html

https://seordelbiombo.blogspot.com/2017/01/los-grutescos-de-vasari-en-la-signoria.html

http://dev.worldpossible.org:81/wikipedia_es_all_2016-02/A/Grutesco.html