El infierno en el arte

El infierno, proviene del latín infernum o inferus que significa “subterráneo” o “inferior”.
Según muchas religiones, el infierno viene de la palabra hebrea (Sheol) y griega hades y según muchas religiones es el lugar donde después de la muerte son torturadas eternamente las almas de los pecadores.

Es equivalente al Gehena del judaísmo, al Tártaro de la mitología griega, al Helheim según la mitología nórdica y al Inframundo de otras religiones.
Sin embargo, de acuerdo a las investigaciones , su origen viene de civilizaciones muy antiguas de Medio Oriente como las sumerias, babilónicas, egipcias y otras.

El infierno de otras civilizaciones

El averno no siempre había sido considerado un lugar de sufrimiento, antes podía ser simplemente un lugar de tránsito indefinido, así lo veían los hebreos con el Sheol, el Arallu babilonio o el Hades de los griegos.

Arallu

Babilonia
Se le daba el nombre de Arallu y hay un personaje destacado en su cultura:

La ramera de Babilonia cabalgando sobre la bestia de siete cabezas (grabado ruso del siglo XIX).

La ramera de Babilonia que aparece en el libro bíblico del Apocalipsis, concretamente en los capítulos 17 y 18.

Beato de Facundo, El Dragón da su poder a la Bestia

Se asocia con el Anticristo y la Bestia del Apocalipsis por su conexión con el reino de las siete cabezas y diez cuernos.

Avici (Infierno del budismo) Reino de los Narakas, uno de los seis reinos del samsara

Budismo
Reino de los Narakas, nombre dado a uno de los seis reinos del samsara de mayor sufrimiento de toda la cosmología budista.

El alma del difunto es llevada por Anubis, que tras el pesaje, lo presenta a Osiris

Egipto
Para los egipcios, su paraiso se llamaba Aaru y para llegar a él, el alma debía atravesar las 12 tierras del infierno, conocido como Duat, donde el espíritu del muerto debía ir y venir de un lado a otro, esquivando seres malignos.

El Duat

Este lugar incluso estaba «cartografiado» y mostraba una tierra dividida por dos caminos, estos estaban separados por un río de fuego
El Libro del Amduat o “Libro de lo que hay en el otro mundo” es una composición religiosa, surgida en el Reino Nuevo, que describe el viaje nocturno del Sol (Ra) por el mundo del Más Allá

Finalmente, al atravesar el Duat, el alma se encontraba con Osiris, el señor del inframundo, frente a quien debía jurar que no había violado las leyes divinas, y era aquí cuando su corazón era pesado en una balanza por Anubis; si era inocente, entraría al paraíso, si no, seria arrojada a la bestia Ammitt.

Valle de Hinom

Judios
Entre los judíos, los fariseos y los esenios admitieron la creencia de un infierno a su modo. Este dogma lo habían transmitido ya los griegos a los romanos, y lo adoptaron los cristianos. Lo llamaron Gehena y estaba en el Valle de Hinom. El valle estaba fuera de la muralla sur de la antigua Jerusalén, y se extiende desde el pie del Monte Sion hasta el valle de Cedrón. Los muertos no pecadores iban al Sheol.

Islam
En cuanto a la estructura del Infierno islámico, el Yahannam, el libro más descriptivo es el de Las mil y una noches. En la Noche 493, este libro habla de un edificio de siete pisos, separados uno de otro por «una distancia de mil años».

Según el Corán, solo Alá sabe quién irá al Yahannam y quién al Paraíso, la Yanna.

El Zaqum  es un árbol que crece en el Yahannam. Los condenados se ven obligados a comer su amarga fruta

Malik es el ángel que guarda el Yahannam, asistido por 19 zabaniya

Cultura grecorromana

Hades y Perséfone con el Can Cerbero


Grecia
Cerca del siglo V a.C. los griegos comenzaron a creer en una parte reservada del Hades como un lugar de castigo. Según la mitología, tras la muerte las almas de los hombres iban a parar a un lúgubre reino subterráneo, gobernado por el terrible dios Hades y su esposa Perséfone.

Orfeo y Eurídice en el infierno, Peter Paul Rubens

Héroes como Orfeo, Heracles o Ulises se atrevieron a visitarlo; el primero de ellos, Orfeo, lo hizo para rescatar a su amada Eurídice, pero no pudo culminarlo.

Hermes guiando a los difuntos Adolf Hirémy-Hirschl (1898) Galería Belvedere, Viena.

Hermes, mensajero de los dioses y guía de las almas hacia el inframundo, aparece rodeado de los espíritus de los difuntos que esperan a orillas del Estigio para ser transportados por Caronte al reino de Hades.

La barca de Caronte, Sueño, Noche y Morfeo, por Luca Giordano
La “geografía” del infierno

Tras entrar por cualquiera de las bocas del infierno existentes, el difunto se dirigía a la orilla del Estigia, el río que rodea el inframundo y que cruzaba a bordo de la barca de Caronte.

El volcán Hekla en el sur de Islandia , ha producido unas 20 grandes erupciones desde el siglo IX. y durante la edad media se le describía como “la prisión de Judas” y una de las entradas al infierno. 
Rubens, “Hércules y el Cancerbero”, 1636]

En la otra ribera del Estigia, el alma se encontraba con el guardián Cerbero y con los tres jueces del inframundo

Óbolo de Caronte

Era costumbre colocar en la boca o en los ojos del difunto una moneda (óbolo) para pagar el viaje a Caronte.

Caronte y Psyché de John Roddam Spencer Stanhope

Si el alma no disponía de moneda, se veía obligada a vagar durante cien años por las orillas del rio Estigia

Roma

La llamada Plutonium o Puerta del Infierno en Hierápolis

En los siglos I y II. Hierápolis, una antigua ciudad perteneciente a este imperio, se encontraba en su mejor momento después de haber sido reconstruida tras un terremoto durante el año 17. En este lugar se encontraba el Plutonio, también conocido como “la puerta del infierno”

 Gian Lorenzo Bernini, recrea el rapto de Perséfone por el dios Hades (Plutón), soberano del inframundo, contemplado por el can Cerbero. 1622. Galería Borghese, Roma.

La cueva, que se creía que marcaba el paso hacia el inframundo, estaba gobernada por el dios Plutón, el llamado Hades por los griegos . Fue esposo de Proserpina, a quien raptó para casarse con él. La madre de Proserpina, Ceres, se afligió tanto que provocó el invierno.

Plutón, de Agostino Carracci (1592).

El palacio de Plutón, se ubica en mitad del Tártaro y de los dioses del panteón romano, soberanos que controlan el mundo, él es el único que nunca ha de temer la insubordinación o la desobediencia

En Roma, los primeros que se burlaron de los infiernos fueron los poetas. Virgilio unas veces se ocupa de ellos hablando seriamente en la Eneida, y otras veces se burlaba de ellos en las Geórgicas. Lo mismo hicieron Lucrecio, Horacio, Cicerón y Séneca

El Cristianismo

Las Catacumbas de San Calixto en Roma

El cristianismo es la religión que se ha dado el lujo de añadir características cada vez más temibles a ese lugar de desdicha y sufrimiento, siendo la Edad Media la época en la que se llegó a un punto máximo de miedo por el averno.

Orígenes

Ya en el siglo III, Orígenes sostuvo la hipótesis que lleva por nombre Apocatástasis o Restauración, que implicaba la idea de que, al final de los tiempos y luego de sufrir diversas penalidades, todos los condenados al Infierno -incluyendo a Satanás y a los restantes ángeles caídos serían liberados.

Tormentos a los condenados en el Infierno. Fresco italiano del siglo XIV.
Sainte Foi de Conques, tímpano

Veremos que el tímpano de Conques es un sorprendente presagio de lo que se llamará pronto el Purgatorio, un concepto formalizado en el Concilio de Lyon en 1275 , que aparece además del infierno.

El angel caído”, por Gustave Doré ilustración para “El paraiso perdido”de John Milton

El infierno, de acuerdo con la doctrina católica, designa no solo el estado de los condenados, sino también el lugar donde son eternamente castigados los ángeles rebeldes y los hombres que murieron en pecado mortal.

Los ángeles, fueron enviados a la tierra capitaneados por Azael y Shemhazai a enseñar a los hombres, pero al revestirse de carne, se impregnaron de sus pasiones y perdieron las alas. Son los Nefilim o “Caídos”

Bartolomé Esteban Murillo – La escalera de Jacob durante su sueño

A los que los arcángeles Rafael y Miguel hubieron de encerrar en una cueva por sesenta generaciones, tras regresar al cielo por la escalera de Jacob.

Relación con los Santos

Michel Parcher , los padres de la iglesia latina: San Jerónimo de Estridón, San Agustín de Hipona,  
San Gregorio Magno y San Ambrosio de Milán

Muchos Padres de la Iglesia no creyeron en la eternidad de las penas, mientras que otros, creían no solo en la doctrina de la inmortalidad del alma, sino en la condenación eterna de los pecadores

San Agustín de Hipona

Pero fue el filosofo y teólogo San Agustin, quien estableció permanentemente la idea de que si no seguías el reglamento cristiano, tu alma estaría condenada al eterno sufrimiento hasta el fin de los tiempos.

El diablo ofrece el Libro de los Vicios de San Agustín, Michael Pacher, 1483

Fue en su obra “Ciudad de Dios” en la que justificó el infierno como “reparación infinita del pecado.

San Francisco de Asís durante la practica un exorcismo contra los demonios de Arezzo
fresco de Giotto. Basílica de San Francisco en Asís

San Francisco, durante la guerra civil de Arezzo, exhortó al hermano Silvestre a que expulsara los demonios que habitaban en la ciudad. Mientras que el santo se presenta concentrado en sus rezos y oraciones, Silvestre ejecuta la acción propuesta

El tormento o tentaciones de San Antonio abad

El tormento de San Antonio
Es la pintura más antigua conocida de Miguel Ángel, pintada como una copia cercana del famoso grabado de Martin Schongauer cuando solo tenía 12 o 13 años. Ahora se encuentra en el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth, Texas

San Millán luchando con un demonio. Arqueta de marfíl
Monasterio de Yuso (La Rioja)

San Millán

La arqueta de San Millán es de pleno siglo XI, cuando las reliquias del santo son trasladadas de Suso a Yuso

San Miguel mata al dragón, Josse Lieferinxe (1493-1508)

San Miguel

Ha sido el mas representado, venciendo al demonio a sus pies, ya que desde principios de la edad media se pensó que Miguel y sus ángeles arrojaron del Paraíso a Satán y sus secuaces

Iglesia de San Pietro al Monte, Pedale cerca de Civate (Lecco) donde se representa el capítulo XII del Apocalipsis

“Después hubo una gran batalla en el cielo: Miguel y sus ángeles luchaban contra el dragón (diablo); pero no prevalecieron, ni se halló ya lugar para ellos en el cielo. Y fue lanzado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero; fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él.”( Apo. 12,7-8.) (El dragón que aparece en el Apocalipsis, del apóstol Juan, y en otras tradiciones posteriores, en el arte cristiano del Medievo simboliza el pecado y suele aparecer bajo los pies de los santos y mártires)

San Miguel de Valdés Leal, Convento del Carmen Calzado de Córdoba
San Miguel Arcángel peleando y venciendo al Diablo, en la Basílica de la Merced (Barcelona).

El infierno en los Códices
A comienzos del siglo V, esta doctrina se enseñó en todo el cristianismo occidental y fue reafirmada oficialmente por los papas y los concilios a lo largo de la Edad Media.
La edad media abunda en descripciones de los infiernos y en relatos de viajes infernales, y en su difusión colaboraron entre otros, los codex.

La navegación de San Brandán

Auténtico best seller de la Edad Media, La navegación de san Brendán. relata el viaje oceánico realizado por un monje irlandés en el siglo VI junto con diecisiete compañeros en busca del Paraíso

“La Visión de Tundal”

La Visión de Tundal
Es un interesantísimo y bellísimo texto medieval que tuvo una enorme popularidad en la Edad Media durante al menos tres siglos, escrito en latín en el siglo XII por un monje benedictino irlandés llamado Marcus
En 1484 se imprime en la ciudad de Den Bosch (Países Bajos), y en ella se describe el viaje iniciático de Tondalus, un caballero del siglo XII de origen irlandés, que visita durante tres días el más allá y a su vuelta opta por la vida monacal.

La Babilonia Infernal, de Giacomino de Verona

Giacomino da Verona fue un poeta italiano de la segunda mitad del siglo XIII. Fraile menor, escribió dos poemas en vernáculo veneciano, De Babilonia civitate infernali y De Jerusalem celesti.

El Libro de las tres escrituras, de Bonvesin de la Riva

Dividido en tres partes: “La escritura negra” ilustra la vida del hombre y su caída al infierno, “La escritura roja” ilustra una recreación de la pasión de Cristo y la “Escritura dorada” ilustra las alegrías del cielo

Pseudomonarchia Daemonum 1583, del médico holandés Johann Weyer

También conocido como la Falsa Jerarquía de Demonios, es un gran compendio del siglo XVI que enumera los nombres de sesenta y nueve demonios. Esta lista apareció inicialmente como apéndice del primer libro de Johann Weyer sobre demonología

Otras representaciones infernales:

Beato de Santo Domingo de Silos
Codex De Predis. El´juicio final. el círculo del infierno, el agua fría. 1476. Cristoforo de Predis
Le trés riches heures du Duc de Berry”
Es un libro de horas profusamente iluminado, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410 por encargo del duque Juan I de Berry, Museo Condé en Chantilly, 
Códice alemán


En todos estos, en Virgilio y probablemente también en la tradición árabe se inspirará Dante para escribir su Infierno, de la Divina Comedia.

El demonio

El libro de Enoch, textos antiguos descubiertos en Etiopía en 1768

La historia de Lucifer, según los Libros de Enoch y del arameo Targum, de donde, la tradición cristiana tomaría la creencia sobre el origen del diablo.

Platón y Aristóteles en “La Escuela de Atenas” de Rafael, Vaticano

Será, sin embargo, el neoplatonismo quien aporte las claves fundamentales sobre la naturaleza y creencia de los “ daimones ” o demonios (hábil, conocedor) y de los ángeles guardianes.

El Juicio Final por Giotto di Bondone

En muchas imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Capilla Sixtina: Tentación del diablo y expulsión de Adán y Eva Miguel Angel Buonarroti

El pecado de Satán
Según el cristianismo, el Diablo también conocido como Lucifer o Luzbell, es un ser sobrenatural maligno y tentador de los hombres (un demonio). En el Nuevo Testamento se le identifica con el Satán hebreo del Libro de Job (1:6-8), con el Diablo del Evangelio de Mateo (4:8-10), con la serpiente del Génesis (3:1-5) y con el gran dragón del Apocalipsis (12:9)

“Apartate de mi Satanás!” Duccio Bounisegna.

Tras la aparición del Cristianismo y los Evangelios se le otorga a este ser a ese término un carácter personal como enemigo de Cristo y también como un “anticristo


Sinónimos de Satanás:

Lucifer, Luzbel. Belcebú, Leviatán, Diablo , Demonio, Satán, Maligno, Mefistófeles, Anticristo , ángel Caído, Pedro Botero y hasta Demontre! y Diantre! que se usan (o se usaban) como exclamaciones

“El Angel Caido” de Ricardo Bellver, Parque de el Buen Retiro de Madrid 1885

La imagen del Diablo, dentro de la cultura cristiana ha sido representado en ocasiones con la imagen de un ángel caído del cielo, un ejemplo de ellos es en el monumento de la Fuente del Ángel Caído en Madrid

En otras culturas, incluida la demonología y las ciencias ocultas, se le denominó y representó de diferentes maneras:

En demonologíaBuer es un demonio, presidente de la 2ª orden de los infiernos. Tiene cabeza de león y cinco patas de cabra dispuestas en una rueda y moviéndose como tal.

El Dragón rojo por William Blake

Belcebú es el “Señor de las Moscas”, porque en los rituales de adoración con sacrificios, la carne de los sacrificados se corrompía y siempre sus templos estaban infestados de moscas. es en cierto modo otra versión del Diablo.

Satán de William Blake (1757-1827) para “El paraiso perdido”

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: “el Paraíso perdido” de Milton , fué uno de sus favoritos

Relieve Burney, Babilonia (1800 a. C. – 1750 a. C.).

A Lilith, se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva. Según la leyenda, abandonó a Adán para irse del edén.

Asmodeo

Luego se instaló junto al mar Rojo, junto a sus hijos, y allí se unió con Asmodeo  ( demonio mazdeista, mencionado en el Talmud y en el Libro de Tobias), convirtiendose en demonio también. 

Algunos expertos, como por ejemplo Emil Kraeling, han identificado a la figura femenina del relieve como Lilith, antiguo demonio sumerio, basándose en una interpretación errónea de una traducción obsoleta del Poema de Gilgamesh


Adramelec es un dios de la mitología fenicia, es el demonio del orgullo excesivo, y se aparece bajo la forma de un burro con las plumas de un pavo real.

Baal

Baal cananeo que fue adorado por los fenicios, cartagineses y sirios.

Moloch o Moloch Baal fue un dios de origen canaanita. Era considerado el símbolo del fuego purificante. Griegos y romanos lo identificaban con Cronos y Saturno, respectivamente.

Mara

En el budismo, se le conoce como Mara, quien intentó evitar que el Buda Siddharta Gautama alcanzara la iluminación

El Tío de las minas

Una representación de la imagen del Diablo en la región andina conocido como El Tío de las minas de los Departamentos de Oruro y Potosí, Bolivia.

Descripción de un exorcismo asirio

El exorcismo
Es la práctica religiosa o espiritual realizada contra una fuerza maligna, utilizando diversos métodos cuyo fin es expulsar, sacar o apartar a dicho ente de la persona, objeto o área que se encuentra poseída por el maligno

André_Brouillet: “El Exorcismo” Museo Bellas Artes de Reims
Ritual en el mundo islámico
San Francisco de Borja realizando un exorcismo con un crucifijo, de Francisco de Goya

Iconografía

En el románico

Satanás induciendo a Herodes a la matanza de los inocentes
detalle de una dovela de Santo Domingo de Soria (foto:Javier Gago)

La figura del diablo ha estado presente en la cultura popular desde tiempo inmemorial y su abundante representación en el arte románico da buena muestra del interés o preocupación que su horripilante imagen despertaba en las gentes del medievo.

Portada de las Platerías Santiago de Compostela

Los maestros del románico, lo reflejaron de forma recurrente en grandes pórticos de monasterios o iglesias, «la mayor propaganda que se podía hacer en esa época»y su importancia fué muy grande.

Calahorra de Boedo, pila bautismal románica de la Iglesia de la Purificación de Nuestra Señora

Lo vemos representado en portadas, en claustros, incluso en pilas bautismales

Iglesia de Arenillas de San Pelayo. (Foto: Garcia Omedes)

Por supuesto tanto en la escultura de las iglesias románicas como en sus pinturas y frescos, se interpretaron escenas infernales, seres demoníacos y representaciones de distintos pecados y sus correspondientes castigos

Sainte Foi de Conques , tímpano de la portada principal.

En casi todas las imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Ermita de Santa Eulalia. Barrio de Santa María (Palencia)

Las pinturas del presbiterio sur muestran en dos registros superpuestos los tormentos que sufren los condenados. En el superior varios demonios los arrojan de cabeza a una caldera suspendida con cadena sobre el fuego que atizan con fuelle otros dos personajes diabólicos. En el registro inferior, otro esbirro de Lucifer flagela con látigo de bolas a dos condenados

San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
(Estas dos fotos han sido aportadas por Javier Gago
)

Iglesia de San Julián y Santa Basilisa de Rebolledo de la Torre, Burgos
(foto: Javier Gago)

Donde se ve a un demonio con aspecto de basilísco, amenazando a un pecador: el avaro.

Y otras dos, también de Javier Gago de la portada de la catedral de Tudela (Navarra)
Capitel románico Colegiata Saint Pierre Chauvigny. SXII Francia

Gótico:

Quimeras neogóticas de Notre Dame de París recreadas por Viollet-le-Duc

Durante el periodo gótico, la fantasia en la iconografía demoniaca, se desató, siendo las gárgolas sus ejemplos mas característicos:

Gárgola de la Catedral de Segovia

En la arquitectura de la Edad Media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que representan además de hombres y animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores

Friso de la Catedral de León
Frescos de Santa Eulalia de La Loma, Cantabria. foto de Javier gago
Satanas en el infierno Giotto di Bondone Capilla de los Scrovegni (Florencia)

El Renacimiento
La intención que tuvieron muchos artistas medievales y renacentistas al representar el reino satánico llenándolo de escenas grotescas fue extraordinariamente piadosa, por ejemplo, en el siglo XVII muchos pensaron que El Bosco era atéo.

Cristo desciende a los infiernos, El Bosco

El Bosco
Y es que el mundo de los sentidos está muy presente en las causas que le llevan a uno al Averno, pero no lo estaba menos en las sátiras de Hyeronimus Bosch, un artista especialmente preocupado por la música que opinaba que todo lo que fuesen movimientos descoyuntados, equilibrismos raros, caprichos musculares, era diabólico por necesidad.

El tríptico abierto de Las tentaciones de San Antonio (El Bosco, c. 1501) Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Varios de sus cuadros también contienen alusiones a creencias demoníacas y brujeriles con seres imaginarios y movimientos insólitos (así, en una de Las Tentaciones de San Antonio, podemos ver la imagen clásica de la pareja que se traslada por los aires al Sabbat montada en un pez volador).

Pero El Bosco, que era sin duda un místico, pintaba para censurar; y por eso al piadoso Felipe II le dio por coleccionar su obra, de ahí que hoy tengamos en El Prado lo mejorcito de él.

El jardín de las delicias de El Bosco, Museo del Prado

En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

Óleo de Dante Alighieri con una imagen de ‘El Infierno’

La divina comedia, de Dante Alighieri

No podemos dejar de mencionar a Dante el primero que describió un viaje al Infierno.
En la obra de Dante, La Divina Comedia, Virgilio aparece como su guía a través del Infierno y del Purgatorio. Además de la admiración de Dante por Virgilio, está el antecedente del descenso de Eneas al infierno para recibir los consejos de su padre Anquises, en el Canto VI de la Eneida de Virgilio.


Dante describe el Infierno en forma de embudo incrustado como un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior y en cada uno de ellos los condenados son sometidos a distintas penas, según la gravedad y el tipo de pecado.

El Mapa del Infierno de Botticelli

Llamado habitualmente El Abismo del Infierno o La vorágine del Infierno, es uno de los pergaminos que el famoso pintor italiano diseñó para ilustrar una edición de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Fue pintado entre 1480 y 1490, con la técnica de la “punta de plata”( Material duro y rígido, también llamado stilum o punta metálica, con la que se puede dibujar).

Priamo della Quercia: Dante y Virgilio en el Canto XXXII del Infierno

Virgilio, el más célebre de los poetas latinos, conduce a Dante Alighieri, a través del Infierno, donde las almas pecadoras del mundo son atormentadas sin cesar.

Dante y Virgilio en la entrada del infierno de Edgar Degas

Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes, sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo.

El rey Minos, Gustave Doré

Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos, y entre ellos se encuentran Francesca da Rimini y Paolo Malatesta, por lujuriosos

Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula.

los avaros acarreando piedras como castigo. Gustave Doré

Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros

Eugène Delacroix: Dante y Virgilio en el Infierno (1822)

Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, y enfangados en ella, luchando eternamente unos contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la ira

Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética.

Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro, en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos: violentos, suicidas y blasfemos

Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte y a este anillo se accede descendiendo un gran acantilado custodiado por Gerión.

Un gigante, dibujo de William Blake

Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo.

Gustave Doré

En él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo y ya en el mismo centro de la Tierra, donde está Lucifer, se encuentran quienes traicionaron a sus benefactores

Lucifer

Dante, queda sorprendido por la presencia de Lucifer, al ver que su cabeza tiene tres rostros, uno por delante, y los otros dos se unen a éste por medio de los hombros y se juntan por detrás en lo alto de la coronilla. Judas Iscariote aparece con su cabeza metida dentro de la boca de Lucifer y agita fuertemente las piernas fuera de ella. De las otras dos fauces salen las extremidades de Bruto y Casio, que provocaron la muerte a Julio César.

En el barroco

Estatua de Asmodeo en Rennes- le- Château, Francia

Ademas de este terrible demonio, que antes mencioné, en general en el barroco. existe abundante representación escultórica de tradición cristiana, suficientemente conocida y en el campo de la mitología, un tema en particular:

Orestes acosado por las Erinias o Furias, de William Adolphe Bouguereau.

Las furias:
Se refiere originalmente a las diosas infernales de la venganza en la mitología griega, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. Las Furias eran, pues, los cuatro moradores del Hades grecolatino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses

Pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces este término para designar esta temática.

(El Museo del Prado expuso ‘Las Furias. De Tiziano a Ribera’ en 2014)

Carlos V en la batalla de Mülhberg . Tiziano Vecellio

Las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg.

Colección de Las Furias de José Ribera

Ticio, de Tiziano

Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus.

Tántalo, de Ribera

Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses

Sísifo de Tiziano

Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus.

Ixión por José de Ribera

Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera

Ticio de Miguel Angel

La exposición, incluyó un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, nunca antes expuesto en España


Siglos XVIII al XIX

Oleo de Bouguereau

No sabemos qué pasa en ese círculo del infierno, pero todos se pelean al fondo. Arriba, un demonio sobrevuela la escena con los brazos cruzados y una blanca sonrisa.

Divina Comedia: Muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta, Alexandre Cabanel, 1871

En definitiva, principalmente encontramos representación pictórica (existe también representación escultórica) de los siglos XVIII-XIX, sobre todo de Gustave Doré, Giovanni Stradano, Bouguereau, William Blake y por supuesto de nuestro gran Goya

El aquelarre o el gran cabrón” de Francisco de Goya. (Pinturas negras) Museo del Prado
Goya con otro oleo representando el aquelarre, que se guarda en al Museo Lázaro Galdeano

Se cree que Goya realizó estas pinturas sobre brujas y el demonio, influenciado por su amigo el escritor Leandro Fernandez de Moratín, que rescató del olvido el escrito del Auto de Fe del Juicio contra las brujas de Zugarramurdi de 1610.

FUENTES:


https://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-museo-prado-expone-furias-tiziano-ribera-20140120144733.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/viaje-las-almas-mas-alla-el-infierno-de-los-griegos_11314/3


https://www.e-torredebabel.com/Biblioteca/Voltaire/infierno-Diccionario-Filosofico.htm


http://www.romanicoaragones.com/3-Somontano/990385-Chibluco1.htm


http://www.arquivoltas.com


http://blogderomanico.es/viaje-al-infierno-cristiano/


http://artebiblica.blogspot.com/2015/08/el-infierno.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/los-moradores-del-infierno_7947/4


https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Personajes_del_Infierno


https://web.archive.org/web/20050313185908/http://www.fortea.us/spanish/teologicos/nombres.htm


https://enciclopediamedieval.wordpress.com/2019/01/07/la-voragine-infernale-de-sandro-botticelli/


https://www.misterica.net/los-nueve-circulos-del-infierno-de-dante/


https://www.elestudiodelpintor.com/2016/10/dante-alighieri-la-divina-comedia-i-inferno/


https://www.taringa.net/+apuntes_y_monografias/10-versiones-del-infierno-interesantes_hiifz


https://hiveminer.com/Tags/g%C3%B3tico,infierno (fotos)


https://www.wattpad.com/188040528-biblia-satanica-los-nombres-infernales

Fotos: de románico y gótico: Javier Gago y de la web.

BIBLIOGRAFÍA:


Dante Alighieri: La Divina Comedia.


Pedro Luís Huerta “A propósito de Satán”. Fundación de Santa María la Real de Aguilar de Campoó

Los faraones nubios

Imagen de portada: Busto de un joven nubio y Pirámides de Meroe (Sudán). Autor: Clyde Winters

Nubia o Kush, como le llamaban entonces, fué un reino en lo que es hoy Sudán, al sur de Egipto y de la segunda catarata del Nilo; Nubia se dividía en dos grandes sectores, Wawat al norte (hasta la segunda catarata del Nilo), y Kush al sur (entre la segunda catarata y la confluencia del Nilo Azul y del Nilo Blanco).

Fué una de las fronteras de la antigüedad y puso faraones en Egipto de piel oscura, a los que se les denominaban “Faraones Negros”

Mapa de Egipto y Sudán

En el Imperio Antiguo, el límite entre Egipto y la Baja Nubia se situaba en Asuán, a la altura de la primera catarata del Nilo.

El reino de Kush

Kush era una región situada a lo largo del valle del Nilo y era rica en materias primas, sobre todo en oro, así que los egipcios desde muy pronto ambicionaron explotar estos recursos.
Textos egipcios relatan, desde tiempos del faraón Narmer las expediciones hacia Nubia, pero fue en la era del Imperio Medio de Egipto, cuando conquistaron la Baja Nubia (de la primera a la segunda catarata del Nilo).

Hacia 1100 a.C., un cambio climático propició el despoblamiento total de la Baja Nubia. Los egipcios se retiraron hacia el norte y los nubios hacia el sur. El territorio de la Alta Nubia, lejos del dominio de los faraones, quedó dividido en pequeñas prefecturas, territorios independientes, de los que el más importante fue el Kurru, también denominado Napata. Tres siglos más tarde, Egipto se fragmentaba en estados rivales. Era el fin del Imperio Nuevo.

El templo de Wadi es-Sebua (Valle de los Leones)
(El templo estaba quizás dedicado a una de las formas locales nubias de Horus, pero sus representaciones fueron alteradas a Amón en un momento posterior)

Hoy tales tierras se dividen entre las repúblicas de Egipto y Sudán, y no fue hasta los albores del siglo XVIII cuando historiadores y arqueólogos europeos iniciaron sus viajes a este último país.

BREVE HISTORIA DE EGIPTO

https://youtu.be/6a_gIpv_XD4


Antes de describir la deriva de Nubia y para introducirnos en el tema, podéis ver en este pequeño video , de forma muy resumida y mediante dibujos y esquemas, la historia de Egipto, útil porque os va a situar en la época y en su localización.

La conquista de Nubia
Egipto siempre consideró necesario controlar el país de Kush (Nubia), tanto para proveerse de materiales como para proteger sus rutas comerciales, y lo incorporó a la corona, convirtiéndolo en virreinato, en el siglo XVI a. C. El territorio pasó por una egiptización, con periódicas visitas de los faraones y sus visires, la construcción de numerosos templos con la consiguiente llegada del clero, y el envío de los príncipes a la corte para ser educados.

Sesostris III, el faraón que conquistó Nubia (V Campaña de Nubia)

Sesostris III fué un importante faraón que pasó a la historia como un gran conquistador, y Heródoto llegó a definirlo como “el único rey egipcio que imperó en Etiopía”

Estela fronteriza erigida en Semna por Sesostris III. Museo Nuevo, Berlín.
Templo de Montu en Medamud

Sesostris III aparece dos veces realizando una ofrenda ante el dios guerrero Montu en el relieve que decora este dintel procedente del templo de Montu en Medamud, cerca de Luxor. Museo del Louvre, París.

Sandalias de Tutankhamón con curiosos dibujos de sus enemigos

Es importante mencionar, que los tres principales enemigos de los egipcios eran los libios que ocupaban el desierto occidental y sus oasis, los llamados asiáticos (Hicsos, babilonios y sobre todo asirios) que vivían en el Levante, y finalmente los nubios al sur de Egipto. La historia recoge diversos nombres para los habitantes de la región, los cushitas: los egipcios los llamaron nehesyw (‘negros’), Eratóstenes recoge el nombre nubai (‘nubios’), los griegos y romanos los denominaban etíopes (los del rostro quemado).

Diferentes soldados, donde destaca por su arco un nubio

Para la antigua Kemet (Egipto), Nubia era “Tai-Seiti” la tierra de la “gente del arco”, población que difícilmente podía ser subyugada, pues sabía utilizar sus arcos y flechas.

Los jefes nubios trayendo regalos para el rey de Egipto, pintura mural del Antiguo Egipto de una tumba en Tebas, c.1380 a.C fragmento

Entre los tres pueblos, los nubios eran los más “egipcianizados” y, en momentos, fueron fundamentales para el desarrollo de la historia egipcia.
Verdaderamente, los nubios fueron el más grande de todos los pueblos subsaharianos en tiempos premodernos y merecen ser estudiados por derecho propio, aparte de la historia antigua egipcia.

HISTORIA EL REINO DE KUSH.

En la antigüedad el territorio actualmente llamado Nubia, correspondía al citado en las fuentes bíblicas con el nombre de Kush, Cush o Cus siendo muy influenciado por la cultura del antiguo Egipto e incluso durante las épocas de apogeo , lo que hoy es Nubia, fue una especie de virreinato egipcio.
El enclave actuó como centro de redistribución del oro ya que era para los antiguos egipcios «el país del oro» por antonomasia.

El tesoro áureo de Tutankhamón


EL ORO NUBIO

mapa minero de hace tres mil años

A principios del siglo XIX, se localizó en Deir el-Medina, el pueblo de los trabajadores de las tumbas reales del Valle de los Reyes, un papiro cuidadosamente enrollado, con una longitud de cerca de tres metros por 41 centímetros de altura, el documento contenía una auténtica representación cartográfica de las minas egipcias en el Wadi Hammamat, en el desierto oriental egipcio.
El Papiro de las minas fue elaborado en el reinado de Ramsés IV (siglo XII a.C.), lo que lo convierte en el mapa más antiguo de estas características que se conoce. Aquí se reproduce una de las secciones del papiro, conservado en el Museo Egipcio de Turín.

Ofrenda de oro para los faraones

Una embajada nubia ofrece aros de oro al faraón Tutmosis IV. Escena pintada en la tumba del oficial Sobekhotep. Museo Británico, Londres.

Tocado nubio

Los egipcios explotaron insistentemente, durante siglos, las minas de oro del País del Kush (Nubia). No es que fuera la única fuente del metal precioso que tenían los faraones, pues en el mismo Egipto se explotaban numerosas minas de oro, localizadas en su mayor parte al sur de Coptos y en Kom Ombo, no lejos de la primera catarata del Nilo. Ahora Sudán es uno de los países más pobres del mundo, pero cuando existía el reino de Kush, era rico en materias primas, sobre todo en oro.

Beduinos actuales en las pirámides de Meroe

Nubia, constituyó una importante plataforma comercial en la que era posible encontrar valiosas y exóticas materias primas procedentes del interior del continente africano y de las que Egipto carecía, como ganado, pieles de felinos, marfil, piedras semipreciosas, resinas y maderas exóticas.

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Esclavos nubios representados en el templo de Abu Simbel

Eso sin contar, además, el gran número de nubios que eran capturados y deportados para trabajar en los campos, las minas y las obras públicas de Egipto. Todo ello hizo que los faraones trataran de controlar las rutas que transitaban las expediciones comerciales hacia el sur.

Rutas comerciales

Para los faraones del Imperio Nuevo, Kush era importante también para establecer un corredor comercial camino del mar Rojo.

Amenofis I Museo del Louvre

Amenofis I (1527-1506 a. C.) creó el cargo de «virrey de Kush» con los títulos de «Hijo del rey» y «Guardián de las Tierras de Oro del Señor de las Dos Tierras». , quién con residencia oficial en Aniba, administraba el país y solo respondía ante el rey.

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Maqueta con figuras de soldados nubios del ejército egipcio. Tumba de Mesehti, Dinastía XI.
Museo Egipcio de El Cairo.

Para reforzar el control egipcio sobre la zona, a partir del reinado de Tutmosis II se impuso la costumbre de educar a los hijos de los gobernantes locales en la corte faraónica, con el fin de introducirlos en su cultura y hacerlos retornar a su país convertidos en fieles partidarios.

LAS CAPITALES

KERMA

Ruinas de Kerma

En el segundo milenio a.C. surgió en Nubia el primer reino unificado del que tenemos noticia, que se llamó Kerma. Era una ciudad muy poderosa, que según las recientes investigaciones alcanzó los 100.000 habitantes y en la que se levantaban baluartes defensivos de más de tres kilómetros de longitud. Era un Estado preparado para la guerra y temeroso de ella. Acabó siendo conquistado por Tutmosis I, que ocupó su capital.

Ruinas de Napata

NAPATA

Su expansión se produce hacia el 780 a. C. como reino de Kush ( Nubia) con capital en Napata, con marcada influencia egipcia, cimentada por siglos de dominación y colonización.

Mas adelante la primera capital, Napata fue saqueada por el faraón egipcio Psamético II en 590 a. C. y la ciudad decayó, aumentando la importancia de Meroe.

Pirámides de Meroe

MEROE

A partir de 300 a. C. se empezó a sepultar a los monarcas en Meroe, lo que marca el cambio de periodo y fue el origen de la XXV dinastía egipcia, también conocida como los faraones negros. Los reyes meroíticos convivieron en paz con la dinastía ptolemaica, que les transmitió la cultura griega. Mas tarde, su cultura se africanizó y a partir de 150 a. C. se empezó a utilizar una lengua y escritura propias.

Hacia el 1069 a.C con el fin de la dinastía XX , la región Nubia, por primera vez en mucho tiempo, queda liberada de la ocupación y explotación de sus vecinos del norte y comienza su etapa de independencia.

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Estatuas de los faraones negros en el Museo de Kerma (Sudán)

La profunda alta Nubia entre el 1085 -750 a.C, recuperó su independencia para convertirse en el reino de Kush o Cush. Surgió así una dinastía indígena de entre cuyos príncipes etíopes destacaron Pianjy Shabako, Shabitko, y Taharqo.

Cronología de los faraones nubios en Egipto.

No todos los investigadores están de acuerdo con las fechas, que algunos las retrasan unos cinco años. El nombre de Nesut-Bity o Nombre de Trono, significa literalmente El de la Abeja y el Junco y su traducción fidedigna es El Señor de las Dos Tierras ya que los jeroglíficos hacen referencia a la abeja, como símbolo del Bajo Egipto, y al junco como representación del Alto Egipto. Normalmente se traduce como rey del Alto y Bajo Egipto. En cuanto al termino Sara, significa “Hijo de Ra” que se añadía en el cartucho, desde la V dinastía.

LOS FARAONES NEGROS
https://youtu.be/-vJOhLnjMJ4


Durante la dinastía XXV, Napata fue el lugar de origen de los faraones, y puede que la capital de Egipto y lugar de entronización. Los reyes etíopes se convirtieron en los nuevos Faraones de Egipto. Les bastaron 75 años de Gobierno del país del Nilo, o ¿quizás algunos más?, para reunificarlo y construir un imperio.

Divinidad nubia: Amón

Fueron devotos de Amón adoptando el culto de sus vecinos egipcios

La nueva dinastía fue conocida como de “los faraones negros”, los cuales, a pesar de su origen, se consideraron legítimos sucesores de grandes reyes como Tutmosis III o Ramsés II

Piankhi

Piankhi fue el primero de aquellos nuevos reyes nubios,

Le siguieron Shabako, Shebitku y Taharqo.

Shabako

Shabako luchó para evitar que Egipto fuera conquistado por Sargón II de Asiria, y lo consiguió, después tuvo un periodo de paz que aprovechó para dedicarse a las letras y a levantar monumentos.

Shebitku , Museo Nubio
Taharqo actualmente en el Museo Británico Londres

Taharqo gobernó en los tiempos convulsos entre el 690- al 664 a.C, y es mencionado en el bíblico libro de los Reyes como el defensor de Ezequiel de Judea contra el ataque del emperador asirio Senaquerib.
El último gran rey de Asiria, Asurbanipal, derrotó a Taharqo, quien huyó a Tebas, donde murió tras 26 años de reinado. La última partida estaba ganada por los asirios

De cualquier forma, lo que es seguro es que el reino se fracturó y se formaron tres nuevos reinos en Nubia: Alwa, Makuria y Nobatia, con culturas fuertemente meroítica. Despues de esto se siguieron usando durante siglos la escritura y la lengua meroíticas, como en la inscripción del rey Charamadoye, rey de Nobatia (410 d. C.). Más tarde serían reemplazadas por la escritura y lengua griegas.

Las Candace

LAS REINAS NUBIAS
Las Candace o Kentake, fué el título dado a las reinas o reinas madre (  Amanetaki ) del antiguo reino africano de Kush.

Las Candaces, gobernaron durante siete siglos, desde el siglo III A.C. como centro de la familia, las mujeres poseían los bienes y elegían a sus maridos. Ellas gobernaban en el hogar y en el grupo y los hombres cargaban con el trabajo pesado. Las reinas negras vivieron en paz con los faraones y constituyeron, un auténtico matriarcado

Alejandro Magno

Una leyenda del Roman d’Alexandre propone que una Candace de Meroë luchó contra Alejandro Magno. Lo cierto es que Alejandro nunca atacó Nubia y nunca intentó avanzar más al sur del oasis de Siwa en Egipto.

Portada de la Piramide de la Reina Khennuwa en Kush

Pero despues una notable serie de reinas guerreras nubias, reinas regentes y reinas madre conocidas como Candace o Kentake, están saliendo a la luz solo gracias al avance en el descifrado de la escritura meroítica.

AMANETAKI o KENTAKE, LAS REINAS DE MEROE
Natakamani, una reina de Meroe

Bajorrelieve de Meroe

El reinado de la Reina Shanakdakhete es la fecha más temprana de la que se conservan inscripciones en escritura meroítica. En los siguientes años gobernarían a menudo reinas, como Amanirenas o Amanishakheto. Las reinas aparecen nombradas a menudo en los textos antiguos. El tesorero de una de ellas (posiblemente Amanitore), nombrado en la Biblia, predicó el cristianismo.

https://youtu.be/QHL4p1uUjRE
Amanitore, la reina negra

LAS INVASIONES A NUBIA

Relieve en el que Asurbanipal mata a un león (645-635 a.C.) – British Museum, Londres

LOS ASIRIOS
Los faraones negros no sufrieron excesivas rebeliones del pueblo egipcio en los ochenta años que duró la dinastía. No fueron expulsados por los egipcios, sino por los asirios. Los faraones nubios respetaron las tradiciones egipcias, incluso se hicieron esculpir esfinges. ¿Qué error cometieron para ser descabalgados del trono faraónico? Seguramente, el de un exceso de ambición, ya que intentaron extender su territorio más allá de Egipto, llegando al Levante mediterráneo. Chocaron así con los asirios, que entraron por dos veces en Egipto durante la XXV dinastía, liderados por Asurbanipal.

arqueros asirios

Con la irrupción de los asirios en el valle del Nilo en torno al año 680 a. C., los faraones nubios tuvieron que retirarse de Egipto y replegarse a su país de origen, al norte de la sexta catarata, donde perduraría el reino Kushita durante algo más de tres siglos; primero en Napata, y luego en Meroe, ciudades que ya vimos con anterioridad.

Tablillas asirias, Biblioteca de Nínive

Las inscripciones reales y las numerosas tablillas de arcilla asirias, traducidas por primera vez en las décadas de 1860 y 1870, aportaron más conocimientos de los que sabíamos sobre los conflictos entre los asirios y los faraones nubios.

LOS HICSOS

En el Segundo Periodo Intermedio de Egipto (1780-1580 a. C.) los egipcios perdieron militarmente la zona que fue invadida por los hicsos.
Estos se hicieron con el control del Bajo Egipto a mediados de siglo XVII a. C.

Faraón y tropas de hicsos con su armamento

Introdujeron en Egipto el caballo y el carro de guerra y el uso de armas, que eran absolutamente desconocido o apenas utilizadas por el ejército egipcio. Y no hablamos de cosas sofisticadas sino de arcos compuestos, armaduras de cuero y metal, dagas y espadas de bronce, y sobre todo de caballos y carros de guerra.

Comerciantes hicsos, Beni Hassan (Lepsius)

No hay un origen étnico único en los hicsos: se conformó fundamentalmente de inmigrantes de las regiones de Canaán y Siria. La mayoría eran comerciantes emigrados por el desplome de los mercados tradicionales de Biblos y Megido; su gran expansión territorial, no se debió a una conquista militar, sino a razones comerciales, posiblemente fueron semitas, lo que dio origen al mito de Israel esclavizado en Egipto, de lo que no hay ningún registro arqueológico.
.

Distintas formas iconográficas de Amón en Nubia

Los Nubios honrados por el Dios Amón tuvieron que liberar Egipto (país hermano) de sus invasores. La presencia de estos reyes siempre fue apreciada por el pueblo egipcio a sabiendas de que eso significaba un retorno a los valores religiosos, morales y políticos.

Una vez expulsados los hicsos, la Dinastía XVIII reinició la ocupación. Dirigieron numerosas incursiones para dominar y pacificar la zona.

ARQUEOLOGÍA E INVESTIGACIONES

George A. Reisner

Las excavaciones y estudios se iniciaron, a finales del s.XIX y sobre todo a partir las primeras evidencias arqueológicas de los reyes nubios, halladas en el s.XX por el egiptólogo mas importante: George Reisner , que en los años 1920 excavó sistemáticamente en todos los cementerios nubios y elaboró por primera vez una lista de reyes.

Pero los estudiosos, no terminan de ponerse de acuerdo en cuanto a la cronología que abarca este período.

Templo de Chnum Elephantine, Asuan

En 1905 arqueólogos británicos quisieron excavar en la región, pero el duro clima los espantó, y poca atención volvió a recibir durante años, como máximo, unos párrafos sobre los faraones negros.

Gebel Barkal Napatan (Sudan)

Gebel Barkal
Este sitio comprende cinco áreas arqueológicas que se extienden por el valle del Nilo, a lo largo de una zona de 60 km de longitud. Todas ellas datan de la época del segundo reino de Kush y son exponentes de las culturas napatea (900–270 a. C.) y meroítica (270 a. C.–350 d. C.).

Croquis de los yacimientos

Los vestigios arqueológicos comprenden tumbas, con pirámides o sin ellas, templos, viviendas y palacios.

Otro explorador, Giuseppe Ferlini, destrozó muchas pirámides en Meroe en la búsqueda de tesoros, concluyó con el hallazgo del tesoro de Amanishakheto.

Pieza del tesoro de la reina Amanishakheto.
Litografía de Karl Richard Lepsius con un yacimiento en Sesebis

La expedición de Lepsius dibujó, escribió y publicó sobre muchos lugares, templos y pirámides. Muchos templos documentados no se conservan en la actualidad, así que sus notas son muy valiosas.

A principios del siglo XX se llevó a cabo la segunda fase de la exploración de Nubia. Se excavó sistemáticamente en muchos lugares, sobre todo en la Baja Nubia, aunque también en Meroe (gracias a John Garstang, su arqueólogo mas conocido).

En esta época se descifró la escritura meroítica (gracias a FL. Griffith), aunque la lengua seguía sin poder entenderse.

Imagen relacionada

Otro arqueólogo, Georges Legrain (Paris 4-10-1865 – Luqxor 22-8-1917) encontró más de 700 estatuas de piedra, 17.000 de bronce y multitud de objetos variados conocidos como “la cachette de Karnak“.

LA PRESA DE ASUAN

Asuán es la antigua ciudad de Swenet que fue frontera, por el sur, del Antiguo Egipto con Nubia. Egipto siempre comenzaba en Swenet debido a que la ciudad está inmediatamente debajo de la primera catarata y la navegación desde aquí al delta era posible

Resultado de imagen de embalse de asuán

El Nilo se desbordaba anualmente, cuando las aguas procedentes de Uganda y Sudán fluían hacia el bajo Nilo en verano. pero el nivel de las crecidas conllevaba a veces la pérdida de cosechas enteras por anegamiento o sequía y la consiguiente hambruna en la población, por lo que se consideró necesaria la construcción de una presa que regulara el nivel

El problema fué, que la construcción de la presa de Asuán en Egipto amenazaba con hacer desaparecer para siempre muchos yacimientos arqueológicos.

Vista aérea de la presa de Asuán

Se construyó una primera presa con 54 metros de altura que recibió el nombre de Baja presa de Asuán. En 1946 ésta estuvo a punto de desbordarse, haciendo su función insuficiente, así que se tomó una decisión: en lugar de aumentar su altura, creyeron más conveniente construir otra presa unos 8 kilómetros río arriba.

Pero, la que sería conocida como Alta presa de Asuán pondría en peligro una gran cantidad de monumentos del Antiguo Egipto que quedarían sumergidos bajo el agua si nadie ponía remedio.

Tempol de Debot

Se procedió pues, el traslado a zonas más elevadas de los Templos, comoAbu Simbel, o su donación a los países que colaboraron en el rescate, como el Templo de Debod instalado en Madrid (España)

LAGO NASSER

El lago Nasser con los dos templos trasladados

Es el resultado de la construcción de la presa de Asuán entre 1958 y 1970. Mide aproximadamente 550 km de largo y 35 km de ancho en su punto de mayor.

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Templos de Abu Simbel y Hator
Ramsés II

Los faraones del Imperio Nuevo, como Ramsés II (1290-1224 a. C.), se elevaron a la realeza porque pudieron imponerse a los nubios, arrastrarlos a la derrota.

La Escultura Egipcia

https://youtu.be/HAnjoXY5PLU

Video sobre Ramsés II y sus construcciones

Templo de Abu Simbel

Para mostrar su divinidad este soberano decidió construir su gran templo en Abu Simbel.

EL TRASLADO DE ABU SIMBEL


El cortado de las superficies de los templos fue realizado con el requisito de que la anchura del corte no fuera superior a los 8mm, lo que obligó a realizar los cortes con sierras manuales. El resto de los cortes fue realizado con sierras eléctricas dando un acho de corte de 15-20 mm.

cuándo se trasladó Abu Simbel
Desmontaje de Abu Simbel
El traslado

El ambicioso proyecto empezó en noviembre de 1963 cuando un grupo de hidrólogos, ingenieros, arqueólogos y profesionales de otras áreas establecieron el plan plurianual de la Unesco para dividir ambos templos en bloques precisos: 807 para el Gran Templo y 235 para el más pequeño.
El templo se levantó en la ladera de una montaña del antiguo Valle Nubio en el sur de Egipto.

templo de Kalabsha Nubia

En definitiva, mientras que unos 1.000 kilómetros al norte, hacia El Cairo o Luxor los visitantes llegan en grandes cantidades para observar las maravillas egipcias, por contra en Sudán raramente visitan las pirámides en El Kurru, Nuri y Meroe, vestigios extraordinarios de la próspera y desconocida cultura Nubia que la historia olvidó. Vamos a conocerlas:

Pirámide de Al Kurru

Situada junto a la primera necrópolis de los reyes de Napata, fué la primera en construirse en el siglo VIII a. C., por el rey Pianjy , al estilo de las egípcias.

Pirámides de Nuri
Pirámides de Meroe
Museo de Nubia, Asuán

Situado en la ciudad de Asuán, en él se custodian los numerosos objetos encontrados en Nubia.

El templo de Wadi es-Sebua
Para propagar el culto a los dioses egipcios, Ramsés II hizo construir además, seis templos en Nubia. Entre ellos se contaba el de Wadi es-Sebua, provisto de una avenida o dromos flanqueada por varias esfinges.

Templo de Amón en Karnak
En su primer patio, llama la atención del viajero la presencia de una solitaria columna papiriforme que se yergue frente a la parte derecha del segundo pilono. En realidad, se trata del imponente vestigio de un kiosko que en su día estuvo formado por diez columnas, cinco a cada lado del eje de entrada al templo.

detalle de la columna solitaria de Karnak

Arqueólogos y arquitectos no se ponen de acuerdo sobre la identidad de este monumento levantado por Taharqa, monumento que el rey nubio repitió ante las puertas de los recintos de Montu y Khonsu.


CONCLUSIÓN


La historia de esta civilización comenzó hace 5.000 a 3.000 años antes de nuestra era. Llegó a ser un poderoso reino, centro de comercio al sur de Egipto e inclusive puso faraones en su trono, pero el racismo los relegó al olvido: Hacia 660, los faraones kushitas fueron expulsados a su región de origen, Nubia, y la dinastia de los faraones negros quedó desde entonces en el más profundo olvido y eso que Kush, fue la parte más importante de la historia de Nubia en una época, en que las antiguas civilizaciones de Egipto, Roma y Grecia eran apenas unos brotes poco significativos…

FUENTES:
http://arquehistoria.com/los-faraones-negros-que-salvaron-egipto-19128


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/nubia_7851/6


https://mihistoriauniversal.com/edad-antigua/antiguos-nubios/

https://es.wikipedia.org/wiki/Dinastía_XXV_de_Egipto


https://www.lugaresconhistoria.com/nubia-egipto
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_al_Aire_Libre_de_Nubia_y_Asuánhttp://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?

Abu Simbel – El gran templo de Ramsés II


Revista National Geographic History. Número 59

El vino en «De re coquinaria» de Apicius

La Antigua Roma desempeñó un papel fundamental en la historia del vino, debido a la extensión del imperio y al hecho que en las manos de los romanos, el vino se volvió «democrático» y estuvo disponible para todos, desde el esclavo más bajo hasta el aristócrata, pasando por el campesino, aunque hay que decir que sus características y calidad no fueron las mismas…

El vino, era conocido en toda la cuenca mediterránea, convirtiendose en un ingrediente característico de casi todas estas culturas, un rasgo diferencial con respecto a aquellas desarrolladas en latitudes europeas más septentrionales.
El efecto de divulgación del vino que hizo durante el imperio romano fue muy extenso en Europa ya que plantó viñas en todos los territorios ocupados .

Por si quereis mas información relacionada con la importancia del vino en el Mediterraneo, os remito a otra publicación que hice hace algún tiempo:


https://chitiya.blog/2019/06/10/mare-nostrum-vino-arte-y-cultura/


Primero quiero mencionar a un autor y su obra, que constituyó una valiosa fuente para conocer la gastronomía en el mundo romano, y por lo tanto sus vinos.


Fascimil “De re coquinaria” de Apicius : Tours, Francia, 869 d.C, Biblioteca Apostólica Vaticana.

Me refiero a la creada por Apicius, aunque en realidad se trata de una obra del siglo IVo V debida a un escritor probablemente godo, Vinidarius, conocido por recopilar »el «Apici excerpta” (citas de Apicio) basado en el libro «De re coquinaria»

Marcus Gavius Apicius
Nació en el siglo I de nuestra era, vivió durante los reinados de los emperadores Augusto y Tiberio, y fue indiscutiblemente el primer gourmet de la historia

De re coquinaria, ejemplar de Majansius de 1768

Vástago de terratenientes, latifundista en sí mismo y beneficiario de una abultada herencia de cien millones de sestercios, no encontró mejor manera de emplear la fortuna que con lo mejor que sabía hacer, y lo que más le gustaba: disfrutar de la vida y, sobre todo, de la comida y la bebida. se rodeó de cocineros, agricultores, artesanos, ganaderos, bodegueros y toda clase de personas capaces de ofrecerle los más refinados alimentos.

Fresco pompeyano

Dicen que llegó a desarrollar un método para cebar a truchas de río con higos secos y conseguir así engordar su hígado, celebró épicas bacanales con lenguas de flamencos rosas y sesos de ruiseñor como banquete, así como los talones del camello –de los cuales Apicio da la receta–. Por no hablar del cerebro de avestruz, muy apreciado por el excentrico emperador Heliogábalo, y daba de comer a sus cerdos vino mezclado con miel para dar mejor sabor a sus carnes e incluso viajó hasta la vieja Libia, en un barco que él mismo fletó, para comprobar si sus quisquillas eran tan grandes como aseguraban.

Muchos de estos alimentos hoy día, nos causan repugnancia pero, como nos enseñaron los antiguos romanos, “de gustibus non est disputandum”: sobre gustos no hay nada escrito.

La vida de Apicius, acorde con las máximas bacanales, contrastó con su violenta muerte, ya que se suicidó al comprobar cómo se agotaba su fortuna, aunque todavía conservaba el equivalente actual a varios millones de euros.


DE RE COQUINARIA


frontispicio de la 2ª. edición de Apicius impresa por Martin Lister en Amsterdam, 1709

El De re coquinaria representa, pues, el único corpus culinario latino que poseemos; configurado a lo largo de cuatro siglos, diversos compiladores anónimos fueron añadiendo al núcleo primigenio de escritos apicianos, tal vez a modo de un fichero de cocina, otros textos de fuentes distintas y con finalidades diversas, pero temáticamente relacionados entre sí y siempre conservando el nombre de Apicio al frente del corpus de recetas
Entre 1498, fecha de la primera edición impresa del tratado de Apicius, y 1936, se conocen 14 ediciones del texto en latín, así como una edición apócrifa.

Monasterio de Fulda

Se conservan algunos manuscritos anteriores, como una versión abreviada de la época carolingia y la versión del monasterio de Fulda (Alemania).


En sus diez libros, con casi quinientas recetas, además de las culinarias, cita casi 300 veces al vino, desde las formulas más puros, hasta los vinagres, incluyendo el que utiliza para cocinar.

Los 10 libros son:
I. Epimeles: consejos para el cocinero (incluyendo recetas de conservas)
II. Sarcoptes: carnes
III. Cepuros: ingredientes del jardín
IV. Pandecter: diferentes platos
V. Ospreos: legumbres
VI. Aeropetes: aves de corral
VII. Polyteles volatilia: aves salvajes y exóticas y otros productos de gourmet
VIII. Tetrapus quadripedia: cuadrúpedos
IX. Thalassa mare: mariscos
X. Halieus piscatura: pescados

Lararium en una cocina

Como divinidades familiares, los Lares siempre tuvieron una gran importancia en el culto doméstico de los romanos, por lo que el lararium, se colocaba cerca de la cocina y/o dormitorios.

EL VINO EN LAS COMIDAS

Triclinium ( imagen:Amura world. com)

El banquete con invitados se dividía en tres partes:

-el gustus o aperitivo para abrir el apetito (melón, atún, trufas, ostras,…),
-la prima mesa (cabrito, pollo, jamón, marisco, ….) que era el plato fuerte, y
-la secunda mesa, los postres.

Legionarios en un mercado

Distinta era la dieta del soldado en campaña: junto al cereal en forma de galleta (buccellatum), la grasa de la carne de cerdo salada (laridum) y la proteína del queso (caseus), el acetum ( vinagre) era uno de los ingredientes principales

En los banquetes de los patricios el vino se mezclaba con agua, haciendo varias partes: 1 de vino por 3 de agua, para un banquete “serio” 2 vino por 3 de agua, para un banquete más “festivo” y por último, vino y agua a partes iguales, o más vino, para conseguir una “orgía incontrolable”.

Mosaico del Museo del Bardo, Túnez

En el recetario de Apicius, resulta abrumadora la cantidad de menciones explícitas al vino, pues aparece citado casi en trescientas ocasiones, sea en forma pura (merum), sea en forma de alguna de sus variedades: vinos dulces (mulsum, passum), vinos cocidos (defritum, carenum, sapa), o licores cocidos y condimentados (vina condita)

En cuanto a recetas, solo quiero referirme a una muy antigua, llamada “moretum” que era un plato muy popular aparecido también en el «Appendix virgiliana», atribuido a Virgilio

Moretum

La receta del moretum, que describió Virgilio y fué mencionada también por «Columena en el libro XII de «De re rustica», es muy similar en preparación e ingredientes a salsas como el romesco catalán, el pesto italiano o el almodrote sefardí y sus ingredientes son hierbas aromáticas, ajo, queso, vinagre, aceite de oliva y sal.
Por tanto, le concedo especial importancia al vinagre, que como veréis era fundamental para los romanos.

Una salsa de tripas de pescado fermentadas muy popular, fué el Garum

No podía dejar de mencionarlo, dada su popularidad entre los romanos.

En este artículo, solo voy a mencionar los distintos vinos utilizados por los romanos, que acompañaban (o no) desde los manjares de Apicius a las modestísimas viandas que podían conseguir los ciudadanos mas humildes.

EL VINO EN LA LITERATURA
Podemos decir que el aprecio por el vino fue prácticamente unánime entre los escritores griegos y latinos de la antigüedad; ya es clásico aquel aforismo que decía: “Bonum vinum laetificat cor hominis” /el buen vino alegra el corazón del hombre

Lucio Anneo Séneca

Empezando por pensamientos como el de Lucio Anneo Séneca, cuando afirma que “el vino lava nuestras inquietudes, enjuaga el alma hasta el fondo y asegura la curación de la tristeza”

Plinio

Algunos de los escritores e historiadores de la época, como Plinio el Viejo en su Naturalis Historia, dedica el libro XIV 29​ al mundo del vino empezando a describir una gran cantidad de variedades

Petronio, “el árbitro de la elegancia”

Otros autores nos han dejado abundantes testimonios de las variedades, usos y virtudes de este néctar: las sátiras de Juvenal, los epigramas de Marcial, la lírica de Horacio y «la cena de Trimalción» (personaje del Satiricón), descrita por Petronio no se comprenderían sin el vino.

Catón

Por otro lado, también las obras de los llamados agrónomos, como Catón y Columela, así como las de Varrón, Cicerón y Virgilio, nos informan sobre su cultivo y utilización.


LOS USOS DEL VINO

Fresco en una tabernae de Pompeya, donde aparecen bebedores

El vino era una bebida tan popular entre los romanos que podría llamarse su bebida nacional. Despreciaban por completo la cerveza, ya que era una bebida popular entre los bárbaros, los británicos y los celtas; Así que naturalmente el vino era la mejor opción.
“In vino veritas” (en el vino está la verdad), que decía el viejo proverbio latino y de hecho, los romanos consideraban poco civilizado beber el vino sin aguar. Se consideraba una temeridad, pues conducía demasiado rápidamente a la embriaguez

Thermopolium en la ciudad de Ostia antica

Era habitual beber vino a la hora del almuerzo, que los romanos solían hacer en un tipo de establecimiento, los thermopolium, muy similares a las actuales osterie.

Durante prácticamente todo el periodo republicano las mujeres no podían bajo ningún concepto probar el vino

Pero al final del periodo republicano el veto al consumo femenino, se aplicaba ya de forma muy laxa, llegando a abolirse definitivamente en tiempos de Julio César.

Dionisio o Baco

Con el tiempo se empezaron a celebrar también las llamadas bacanales, en honor a Baco (Dionisos para los griegos). Baco será primero visto con recelo en Roma, por su origen extranjero.

Dionisio niño bebiendo, por Guido Reni

Pero con los años primero acabará siendo asimilado como propio ocupando su lugar en el panteón romano. y sus festejos, eran oficiados por las sacerdotisas de Baco, las bacantes

bacanal de Andrios de Tiziano

Estas celebraciones, las Bacanales, fueron prohibidas en el 186 a.C., al considerar el senado de la República que se habían vuelto demasiado frívolas y obscenas.

La Última Cena, Juan de Juanes, c. 1562 Museo del Prado

El vino nunca llego a perder por completo en la antigua Roma su carácter sacro. Ni siquiera con la llegada del cristianismo, que lo asimiló de forma completamente natural en su liturgia.

ELABORACIÓN

Pisado de la uva. Casa del Anfiteatro Romano de Mérida

Tras el primer pisado de la uva se obtenía el llamado “mustum calcatum”

Archaeological site de Ostia Antica en Roma – antiguas tinajas de vino o dolium

El mosto se dejaba fermentar unos meses en grandes tinajas de terracota de unos 1000 litros de capacidad, enterradas hasta la parte superior llamadas “dolium”para facilitar el control de temperatura. Tras el fermentado, el vino era tratado por el vinatero que le proporcionaba aromas.
Después, envejecían el vino durante 3 o 4 años, aunque algunas variedades daban lo mejor de sí después de, al menos, 10 o 15 años de crianza.

Las ánforas se dejaban envejecer, no en bodegas como se hace en la actualidad, sino en habitaciones altas de la casa, denominadas apotheca, generalmente cerca de las salidas de la chimenea lo que daba al vino un aroma a ahumado que gustaba mucho

ánforas y cántaros romanos

El vino era un alimento destacado en la dieta, aunque la ciencia por conservarlo estaba poco desarrollada y se agriaba con facilidad en las ánforas donde se almacenaba.
Eran vinos muy fuertes, que nosotros podríamos calificar perfectamente como licorosos o alcoholicos, siempre por encima del 15% de gradación, vinos que a la hora de ser consumidos, los romanos gustaban de rebajar con agua, ya que la fermentación no era controlada y su concentración de alcohol era muy alta.
Los caldos de peor calidad se adulteraban con aditivos y conservantes como la brea, al igual que con pequeñas cantidades de sal o agua marina. Por debajo de esos vinos modificados estaba la posca, de la que luego hablaré.

Detalle de mosaico con crátera de vino, Villa de Carranque (Toledo)

Los romanos preferían los vino blancos (en realidad de un color ambarino), por esta razón los vinos tintos se blanqueaban añadiéndole productos para clarificarlos tras la fermentación: cola de pez, polvo de mármol, clara de huevo, gelatina y en algunas ocasiones hasta sangre de cerdo

Clarificación del vino en la actualidad

Este proceso sorprende por su extraordinario parecido con los utilizados actualmente, en la clarificación y decoloración del vino. Antiguamente se vertía en la botella harina de haba o tres claras de huevo, y se agitaba por largo tiempo: al día siguiente el vino era blanco. Las cenizas de la uva blanca hacen lo mismo.

VARIEDADES

Foto: https://www.pausanias.es/es/productos-romanos

Había en Roma diferentes variedades de este caldo: mostum, merum y mulsum.


MOSTUM
El mostum era solo zumo de uva


MERUM
El merum adquiría el grado de vino puro, zumo de uva fermentado sin aditivos
Despues del mosto, se sitúan primero, los vinos puros, esto es, los vina mera, constituidos por el jugo de la fruta ya fermentado, pero sin adición de agua , edulcorante o condimento alguno.
En el De re coquinaria, el merum aparece mencionado en diecisiete recetas, aunque en ninguna de ellas se especifica la clase de vino de que se trata.

Al respecto, cabe recordar que los mera más afamados fueron el falerno, el másico, el albano, el cécubo, el setino, por mencionar tan solo algunos de los caldos italianos de mayor renombre en la antigüedad; todos estos vinos, por cierto, se denominaron, al igual que hoy, por su lugar de origen.

Cocina romana

En la cocina, el merum, en particular, y el vino, en general, fueron empleados como aliño, en combinación con el garum y el aceite, especialmente para los vegetales hervidos (calabazas, coles, puerros o alcachofas, entre otros), y para los huevos fritos o duros, al momento de servirlos. También fue usado como líquido de cocción, según muestra Apicio en una de sus recetas: “cortas el pollo en trozos pequeños, y lo haces hervir con garum, aceite y vino“. Por su contenido en glicerina, se le utilizó asimismo para ligar salsas (iura), para cuajar ciertos platillos, llamados patinae o patellae, tal vez similares a nuestros budings dulces o salados, y para espesar los tradicionales pultes, especie de papillas o potajes, elaborados con trigo molido y tostado, que posteriormente se cocía diluido en agua o leche.

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MULSUM

El primer mosto obtenido se reservaba y se mezclaba con miel para realizar el mulsum, esta bebida se servía al comienzo de los banquetes.
Se elaboraba mezclando miel de primera calidad, como la proveniente del monte Himeto en el Ática
En las recetas apicianas, el mulsum se menciona en quince ocasiones. Cabe señalar que, en De re coquinaria, el término latino mulsum y oenomel, su correspondiente vocablo transcrito del griego, aparecen empleados como sinónimos y se usan para suavizar la salsa blanca que, en este caso, acompaña los escalopes.

Casa dei Casti Amanti, Pompeya

DULCIA
En seguida del vino mulsum, se ubican los licores o vina dulcia, de los cuales es necesario distinguir el passum, vino obtenido a partir de las uvas pasas secadas al sol, y los vina cocta: ambos eran sumamente dulces y espesos, debido a la cocción a que eran sometidos, por medio de la cual se reducía el nivel de líquido y se concentraba la fructosa propia del mosto.

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PASSUM
Es un vino dulcia obtenido a base de pasas secadas al sol. Usualmente lo consumían las mujeres. La receta más antigua que se conoce es de origen cartaginés.

Monumento a Columela en una calle de Cadiz


El escritor y agrónomo Lucius Junius Moderatus, alias Columela (principios de la era cristiana-70 d.C.) en su obra De Agricultura explicaba cómo había que hacer el passum: Sobre un lecho de ramas, separada algo del suelo se ponían a secar al sol las uvas, que se cubrían de noche para evitar que les afectara el rocío. Una vez secas se meten en un recipiente, cubriéndolas con jugo de uva, y se dejan macerar durante seis días, tras lo cual se prensa y se saca el líquido (passum). Los restos se mezclan con otras uvas secas y se dejan macerar tres días, luego se vuelve a prensar obteniéndose así un “secundarium passum”.

VINOS COCIDOS Y ESPECIADOS

Los enólogos romanos descubrieron que de la ebullición del zumo de uva sin fermentar creaba un líquido dulce conocido como defrutum o arrope.

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En la práctica los romanos reconocían tres clases de vinos cocidos: sapa, defrutum y carenum:
SAPA
Vino obtenido al reducir mediante cocción el mosto hasta las 2/3 partes. Este y los dos siguientes eran usados generalmente en las preparaciones gastronómicas y medicina.

DEFRUTUM
Igual pero en una reduciéndolo a la mitad. Columela decía que la reducción del defrutum tenía que hacerse metiendo membrillos o otro producto similar para darle sabor.
CARENUM
Idem, pero reduciéndolo al tercio.

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CONDITUM
El conditum, era una mezcla de vino, miel y especias mezcladas a priori y maduradas.
De este último, hay una receta específica: el conditum paradoxum, que es una mezcla de vino, miel, pimienta negra, laurel, dátil, lentisco y azafrán, cocinado y almacenado para su uso posterior. Son los llamados “vinos artificiales”, vina ficticia: vinos no sólo cocidos, sino condimentados con especias , hierbas de olor.y con resinas, como la almáciga.

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Las bebidas resultantes fueron usadas especialmente como medicamentos, digestivos o tónicos reconstituyentes, como el ajenjo
Otra receta contiene —aparte del vino— agua de mar, colofonia y brea. La cerveza (cerevisia) era conocida también, pero era considerada vulgar.

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Había también vino de rosas, de violetas, o el vinum myrteum a base de macerar bayas de mirto en mosto, etc.


Vino de rosas
Concretamente este vino aparece nombrado en diferentes autores romanos como Plinio, Marcial, Juvenal, Horacio. Apicio también recoge recetas en su De re coquinaria y una de ellas es, el vino de rosas: Solo hace falta vino, pétalos de rosa y en 21 días está preparado.

En cocina, el vino passum, el defrito y el careno se usaban para endulzar y conservar alimentos, como sustitutos de la miel; para dar color a los platillos, y para confeccionar casi toda clase de salsas y de aderezos.

“DENOMINACIONES DE ORÍGEN”

Denominaciones de origen actuales

Son los romanos quienes empiezan a cultivar variedades que aún hoy definen la viticultura de la Italia central, como la blanca Trebbiano o las tintas Montepulciano y Sangiovese (a partir de ésta variedad se elaboran actualmente en Toscana los célebres Chianti). Sabemos también que, ya en aquel periodo se aplicaban diversas técnicas de vinificación, resultando de ellas vinos blancos (el Candidus), tintos (Atrum) y rosados (Rosatum)


Vinos célebres eran el verdoso Sorrento, el Fornio, el Trifoli, el Priverno, el Setia, el Albano y el Herburus, pero sobre todos ellos, destacaba el:

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Vinos célebres eran el verdoso Sorrento, el Fornio, el Trifoli, el Priverno, el Setia, el Albano y el Herburus, pero sobre todos ellos, destacaba el:

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FALERNO
El resultado constituía una bebida apreciadísima por los romanos, como lo ponen de manifiesto los versos de Horacio y de Marcial.
Numerosísimas son las referencias que han llegado hasta hoy día del vino Falerno (tanto seco como dulce), siendo por ello el vino más famoso de la antigüedad.

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Campania

Su origen no está del todo claro, se le cree originario de la Campania aunque leyendo a Virgilio y a Servio se cree que podría estar a unos 40 km en línea recta al noroeste de Nápoles. Además podríamos definir este vino como el primero con denominación de origen en todo el mundo.

Ribeira Sacra

Hispania:

Cuenta la leyenda que durante muchos años las huestes romanas cargaban sus arcas en la Ribeira Sacra para llevar a Calígula los vinos que prefería para sus festines. Los caldos de la orilla del Sil, que desde entonces se conocen popularmente como los vinos de los Césares. No existen pruebas documentales, pero no debe resultar extraño, pues no hay que olvidar que el Cañón del Sil era entonces la vía natural de penetración en Galicia.

una bodega de Jerez en la actualidad

También, se comienzan a producir vinos de enorme calidad en otros lugares de Hispania, hasta producirse una verdadera invasión de vinos hispánicos en Italia. El poeta Marcial describió un vino muy apreciado conocido como Ceretanum y originario de Ceret (la actual Jerez de la Frontera).

EL ACETUM
Por último, llegamos al vinagre (acetum), el término final de la línea evolutiva del vino, cuando éste deja de serlo, porque se ha convertido en un producto diferente. Como es sabido, el vinagre se produce, cuando el vino se vuelve agrio a causa de una segunda fermentación provocada por la presencia de una bacteria, la “acetobacter”, que produce el ácido acético.

Sin embargo, a lo largo de los tiempos, el vinagre, lejos de ser considerado un vino echado a perder, ha sido un condimento y un conservador muy estimado por sus múltiples usos y propiedades. Apicio distingue varias clases, sea según su procedencia: vinagre etiope, siriaco y líbico; o bien según los ingredientes que se le añaden: vinagre de comino (cuminatum),de anís (anetatum), de cilantro (coriandratum), o de laserpicio (laseratum), estos últimos verdaderos aderezos.


Hay que señalar que, a partir del vinagre, también se obtenían otras bebidas, como la posca, hecha a base de vinagre diluido en agua, constituía una bebida ligeramente ácida y refrescante.


LA POSCA

Posca era una bebida popular entre los antiguos soldados romanos y los campesinos pobres. Por lo general, se elaboraba diluyendo el vino de baja calidad y luego se agregaban especias para que tuviera mejor sabor.
Se cree que la bebida recibe su nombre de la mezcla del latín: poto (beber) o del griego epoxos (picante). De la misma forma “oxos” en griego significa vinagre, por lo que es muy posible que fuese una bebida medicinal en la época griega

Equipo habitual de un legionario

Por lo general, los soldados no tomaban vino ni mulsum: El consumo de vino de calidad se considera un signo de falta de disciplina, hasta el punto de que algunos generales lo prohibieron por completo, incluso los generales de alto rango también lo tomaban junto con las tropas para mostrar su lealtad a la legión
En tiempo del Adriano, la posca era una parte más del “sueldo” del legionario normal: cibaria o cibus castrensis, que era su dieta.

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Antiguo buque fluvial romano con  barriles de  vino y legionarios

Se sabía que las legiones romanas llevaban enormes barriles de vino posca durante sus campañas militares.

bacterias de las aguas contaminadas

Las legiones romanas solían recibir mucho vinagre en raciones. Los soldados añadían agua al vinagre para convertirlo en posca potable. El saneamiento en esos tiempos era bastante deficiente y el agua potable normal estaba generalmente contaminada. Esto solo agregó popularidad a la posca, ya que su acidez mataba a la mayoría de los gérmenes y evitaba que las bebidas se estancaran por mucho tiempo.

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Por la misma razón, la posca era también un eficaz antiséptico a la hora de lavar heridas.

“Sed tengo” Gregorio Fernández y discípulos 1612-1616 Cofradía de las Siete Palabras, Valladolid

Por supuesto, es la bebida que un legionario piadoso le proporciona a Jesús cuando este dice tener sed: “Y enseguida, uno de ellos fue corriendo a tomar una esponja, la empapó en vinagre y, sujetándola a una caña, le ofreció de beber” (Mateo 27,48)”.
Sin entrar en la intención de quienes se lo ofrecieron o el significado de las palabras de Jesús más allá del literal, esta historia tiene que ver con el vinagre o, mejor dicho, el supuesto vinagre. ¿Qué hacía allí un “recipiente lleno de vinagre”? La respuesta a esta pregunta es mucho más sencilla si pensamos que aquello no era vinagre, sino posca: estaba mezclado con agua.

En las tabernae, la bebida más vendida era la posca, una combinación de vino agrio o vinagre sazonado con miel y coriandro, cocinada y puesta a enfriar antes de beber, muy consumida por los soldados y las clases más bajas, porque al menos podía dejar cierto regusto a vino. Con ese valor de bebida pobretona aparece en diferentes textos. Leemos en Plauto: “No está mal la cosa: unos hartos de vino, y otros… a beber agua con vinagre” (alii poscam potitant)

La receta de posca no ha sobrevivido. He de decir que se ha hecho muy popular la que propone Cathy K. Kaufman en su libro «Cooking in Ancient Civilizations». La he encontrado reproducida hasta la saciedad en bibliografías y páginas de internet y es la siguiente:
1 taza y media de vinagre; media taza de miel; 1 cucharada de semillas de cilantro y 4 tazas de agua. Se trata de mezclar todos los ingredientes (las semillas de cilantro machacadas), hervir para que se disuelva la miel y colar las semillas

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Representación de esclavos en un mosaico que se conserva en el Museo del Bardo, en Túnez

LA LORA
El último peldaño del escalafón romano del vino lo ocupaba la lora, la bebida que solía servirse a los esclavos, y que dudamos de que fuera vino como tal. Se elaboraba mojando y prensando las pieles, semilla y tallos sobrantes de la preparación del vino para producir un caldo claro, flojo y amargo.

RECIPIENTES Y UTENSILIOS DESTACADOS

El tesoro de Boscoreale, Museo del Louvre (París)

Está formado por más de un centenar de piezas de vajilla de plata, joyas de oro y más de mil monedas de oro. Fue descubierto en 1895 en una villa romana de esta población italiana, situada en la ladera del Vesubio, que había sido sepultada por la erupción del volcán en el 79 d.C

La Copa Licurgo

Fué propiedad de la familia Rothschild, hasta que fue vendida al Museo Británico en 1958.

la botella de Speyer

Aunque fue analizada por un químico durante la Primera Guerra Mundial, la botella nunca se abrió
Los historiadores contemporáneos llevan años debatiendo si deberían abrir o no la botella de vino de Speyer, considerada la botella de vino más antigua del mundo. El Museo Histórico del Palatinado de Speyer (Alemania) alberga desde hace más de un siglo esta legendaria botella de mil 650 años de antigüedad, sellada con cera y que contiene un líquido blanco, que parece haber sido elaborado con una mezcla de hierbas y gran cantidades de aceite de oliva.††

cristal romano
Copa firmada por Ennion. Imperio romano, mediados del siglo I d. Cristal. azul transparente; soplado en molde con asas aplicadas

El vino se convirtió en un símbolo de riqueza, poder y lujo, el vino blanco se servía en copas de cristal en las casas de los nobles, mientras que el vino tinto se servía en las tabernas populares

Vaso de cristal imitando ónice

Para escanciar el vino se utilizaba un “cyathus”(Segun San Isidoro, es el genérico de copa, palabra procedente del griego que significa, taza con asa alargada)

Pocillator escanciando

Como escanciador, actuaba un joven esclavo, hermoso, de largos cabellos perfumados y muy educado al que llamaban “pocillator”, siendo los mas apreciados los de estirpe noble.


EL VINO Y EL SATURNISMO

El saturnismo o plumbosis es un envenenamiento causado por la ingesta de plomo (Pb), que provoca serie de trastornos mentales, físicos y hasta la muerte.
Se ha llegado a decir que la caída del Imperio Romano fue a causa del saturnismo producido por el vino. (El colapso del Imperio sigue siendo tema de debate entre académicos clásicos).

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Saturno devorando a su hijo por Rubens

Los romanos llamaban saturno al plomo, en honor al dios de la agricultura y la cosecha que devoró a sus hijos.


EL AZUCAR DE PLOMO
Las fuentes antiguas nos hablan de las distintas maneras de cocinar vino. Para que la cocción y por tanto la calidad del vino fuera exquisita se debía hervir en una olla de plomo o recubierta de esta metal, pues en las de cobre cogía mal sabor. Y es en este paso donde los romanos comenzaban a autoenvenenarse. El vino cocinado en estas ollas adquiría un sabor más dulce debido al “azúcar de plomo”, que no es otra cosa que el acetato.
Con el tiempo, los romanos aprendieron a hacer la forma cristalina del acetato de plomo (azucar) mediante la exposición de litargirio (óxido de plomo) en ácido acético (vinagre).

Domiciano emperador cuyos actos podrían estar relacionados con el plomo

Lo que los romanos desconocían es que la elevada ingesta de plomo les llevaría a sufrir constantes dolores de cabeza, episodios de extrema irritabilidad y de profunda depresión, gota, esterilidad… y en algunos casos incluso la muerte. ¡Qué se lo digan a Tiberio, a Claudio, a Calígula, a Nerón o Domiciano…!(La pregunta de si esto contribuyó a la aparente locura de estos emperadores)

Cucharas y cucharones. Museo Arqueológico, Saint-Germain-en-Laye.

Esto no se sostiene, pues los cazos que usaban los romanos solían ser de barro, aunque las clases pudientes también usaban metálicos de peltre, una aleación de cinc, plomo y estaño, e incluso cazos de plata,

Pero otra posibilidad era que la contaminación fuera a través de los tubos de plomo por los que llegaba el agua
Un litro de caldo cocinado en ollas de plomo concentra una cantidad de este metal pesado que varía entre 250 y 1.000 miligramos por litro. la Organización Mundial de la Salud (OMS) aconseja no tomar más de 40 mg/día para evitar la intoxicación

OTRAS BEBIDAS

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Hidromiel: bebida autóctona del norte de Europa, sobre todo de los pueblos escandinavos

El vino fue substituyendo a otras bebidas alcohólicas fermentadas como la hidromiel (hydromeli) o el aqua mulsa. Los romanos no fueron muy aficionados de la cerveza, aunque el edicto Diocleciano de “editum de pretiis maximis” (edicto de precios máximos) menciona la zythum (originaria de Egipto) y la cerevisia


CERVEZA
La cerveza se bebía, sobre todo, en las provincias del oeste y del norte de Italia, provincias donde el clima no favorecía al cultivo de la vid.

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Juliano el Apóstata

Hay otras pruebas que demuestran la mala fama de la cerveza en el Imperio Romano, sobre todo entre sus emperadores y gobernadores, el emperador Flavio Claudio Juliano (Juliano el Apóstata) compuso un poema en el que adoraba las virtudes del vino y sin embargo comparaba el olor de la cerveza con el de una cabra.

Ruinas de la Biblioteca de Alajandría

Ya en época de Claudio Ptolomeo I (305 – 282 aC), científico y divulgador que vivió en Egipto y trabajó en la famosa biblioteca de Alejandría, se introdujo la regulación sobre la venta y producción de cerveza, apareciendo el control estatal sobre este producto

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Medicina de Celso

También se encuentran referencias a la cerveza en la medicina romana. Celsus (25 aC-50 dC), mencionando al alto valor nutritivo de algunas de ellas realizadas a base de cereales

LAS BEBIDAS FRIAS

Nevero: construcción para conservar el hielo

En la época romana tomar una bebida bien fría era un lujo que no estaba al alcance de todos. La mayoría de la gente tomaba el agua o el vino tibios o calientes, y cuando querían enfriar el agua -que previamente habían hervido, por razones higiénicas- debían ponerla en la fresquera, dentro de recipientes de terracota que enfrían por sí solos el contenido.

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El uso de la nieve cobrará protagonismo a partir del siglo I : Entre los ricos se puso de moda -parece ser que el primero en hacerlo fue Nerón, según Plinio el Viejo (NH XXXI,40)- enfriar inmediatamente el agua que acababa de hervirse usando nieve. De esta forma, la presencia de nieve en una mesa era una señal clara de lujo y ostentación de riqueza.

Colum nivario

A la hora de filtrar los vinos, pues los vinos de la antigüedad se filtraban siempre para evitar beber las impurezas que pudieran contener, había dos posibilidades, usar el colum nivarium, un colador de metal, que cumplía la doble misión de colar y enfriar el vino.

OTRAS BEBIDAS ITALIANAS

Y ya puestos, para terminar, os voy a reseñar otras bebidas típicas de Italia, muchas muy antiguas y que han llegado hasta nuestros dias:


Strega: es el licor más antiguo de Italia, de la región de Benevento, donde se reúnen las brujas. Aunque su fórmula es secreta, su base es el azafrán, que le da su típico color y aroma, acompañado por otras especias como canela de Ceilán, la flor de lis florentina, pimienta de Jamaica, ginebra de los Apeninos y menta selvática.


Vermouth de Piamonte: bebida típica de Italia elaborada a partir de vinos blancos fuertes y aromáticos, macerado con caramelo, hierbas y especias. Para su preparación las hierbas se maceran durante un año. Puede ser seco o dulce, blanco (bianco), o rojo (rosso).


Maraschino: licor elaborado a partir de la destilación de la pulpa y las hojas de cerezas marascas


Campari: aperitivo de color rojo y sabor agridulce. Se prepara a base de vino, hierbas, raíces y alcohol, con cáscara de naranja y aguaquina.


Cynar: licor amargo digestivo de la región de Padua, elaborado a partir de alcachofas.


Fernet: aperitivo muy amargo, originario de Milán. Se elabora a partir de plantas aromáticas.


Galliano: licor amarillo muy dulce, elaborado a base de flores, hierbas y especias (anís, regaliz y vainilla entre otras).


Amaretto: licor originario de Saronno, cerca de Milán. Se elabora a base de huesos de albaricoque, almendras, alcohol puro, azúcar caramelizado, y la esencia de plantas y frutas aromáticas, especialmente vainilla, durazno y cereza.


Sambuca: licor fuerte y seco, destilado de las semillas del anís estrellado, con azúcar y sustancias aromáticas. Se puede tomar con hielo.


Limoncello: licor típico de Italia a base de limón macerado en alcohol,procedente de Campania. Se toma frío o a temperatura ambiente.


Grappa: bebida típica italiana de fuerte graduación alcohólica, destilada del bagazo de uva.

FUENTES:


https://antiguascivilizaciones.com/historia-roma/top-10-bebidas-comida-romana-antigua/
https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_vino#Imperio_romano
http://almacendeclasicas.blogspot.com/2012/12/el-vino-en-la-gastronomia-romana.html
https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-23762007000100002
http://abemus-incena.blogspot.com/2018/05/posca-la-bebida-popular.html
https://laboliteria.files.wordpress.com/2015/03/de-re-coquinaria-cocina-romana-apicio.pdf
https://portalclasico.com/los-romanos-y-el-vino-autoenvenenado-0
http://www.euskonews.eus/0614zbk/gaia61404es.html
https://lamanchawines.com/vino-la-antigua-roma/
http://derecoquinaria-sagunt.blogspot.com/2012/01/recetario-de-cocina-romana-v.html


Bibliografía:
Marco Gavio Apicio: De Re Coquinaria: Antología de recetas de la Roma Imperial

Mare Nostrum: vino, arte y cultura

MARE NOSTRUM:  mar Mediterráneo…  mar clave para nuestra Historia y Cultura.
Fenicios y romanos navegaron por él junto a los griegos, desde hace unos tres mil años aproximadamente, extendiendo cultura, arte, tradiciones y tantas cosas mas…entre ellas el vino.
La etimología de este mar procede del latín «Mar Medi Terraneum», cuyo significado es «mar en el medio de las tierras». aquellas donde se iniciaron los primeros cultivos vitícolas.
Suele considerarse que fue en el mundo griego donde el vino disfrutó de una mayor consideración, estando presente en los Symposia (los banquetes griegos), de donde pasó al mundo etrusco y romano.
Sin embargo, la vinculación de esta bebida con una posición social, el disfrute de una buena comida, el entablar conversaciones o disfrutar de los bailes mientras se disfruta del vino eran prácticas normales  tambien en el mundo faraónico.

Esto permite vincular aún más el mundo de la vid y del vino con la cultura mediterránea, encontrando evidencias de su consumo e importancia en la primera de las grandes civilizaciones que se desarrolló en torno al mar Mediterráneo.

Nave fenicia , recreación

Realidades que también, como ya hemos señalado, se constatan en el mundo de Siria-Palestina a lo largo de toda la antigüedad, no debiendo olvidar que fueron griegos y fenicios los que introdujeron formas de vida y de cultura que marcan los comienzos de una tradición, tanto histórica como cultural, que aún sigue vigente en la actualidad en muchos de los países de nuestro entorno.

Vitis vinifera  (Köhler Medizinal-Pflanzen)

Origen del cultivo
Existen evidencias arqueológicas en las que se indica que las producciones de vino más antiguas provienen de una extensa área que abarca: Georgia  e Irán (Montes Zagros), datando estos comienzos en el periodo que va desde el 6000 al 5000 a. C.

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Es una creencia generalizada que los comienzos de la elaboración del vino se ubica en una extensa zona situada al sur del Cáucaso: situado entre Georgia, Turquía, Armenia e Irán. La uva primigenia era la vitis vinifera sylvestris y se han recogido numerosas evidencias arqueológicas en las inmediaciones de Turkmenistán, Uzbekistán y Tajikistan datadas en lo que va desde el neolítico hasta comienzos de la época de bronce

Probablemente, el origen de la vid esté relacionado con el de la propia cultura humana. A lo largo de los milenios, la uva se ha convertido en una prodigiosa máquina natural de supervivencia.

Resultado de imagen de saccharomyces cerevisiae morfologia


Todo comenzó con una cita casual; un encuentro que el azar quiso que se produjera superando incluso las limitaciones de la naturaleza: el matrimonio entre la vid y una levadura exógena conocida como “Saccharomyces cerevisiae“. Este microorganismo no se encontraba hace miles de años entre la flora propia de las distintas especies de vid. Más bien, estaba presente en especies arbóreas como el roble. Sin embargo, la tendencia de las vides silvestres a trepar por las ramas de los árboles pudo originar una espontánea inoculación en las uvas y la consecuente fermentación de su jugo que no pasó inadvertido a las primeras civilizaciones humanas. De ese modo, la producción de vino, casi tan antigua como la cultura, no sería otra cosa que el intento de domesticación y control de esta curiosa fermentación.

El hombre y la vid han seguido, a lo largo de los milenios, destinos comunes. El cultivo de especies domésticas de uva (Vitis vinífera) para su posterior utilización en la extracción de vino hubo de ir parejo al propio asentamiento de las primeras poblaciones nómadas que se  requiere para la recolección de suficiente cantidad de uva.El género Vitis, supo proliferar en zonas más templadas  y convertirse en exclusiva del hemisferio Norte

EGIPTO

La primera evidencia de la presencia de uva en Egipto son las semillas halladas en los yacimientos predinásticos (4000-3050 a.C.) de Tell Ibrahim Awad y Tell el Farain, situados uno al este y el otro al oeste del delta del Nilo.

Esclavos vendimiando. Pintura realizada en la tumba de Nebamun.

La primera evidencia arqueológica de machacado de las uvas con intención de extraer vino se puede observar en las representaciones del reinado de Udimu (ca. 3000 a. C.) En el Antiguo Egipto la cerveza era más popular que el vino.

Detalle de la tumba de Nebamun representando un banquete en honor a los dioses y el difunto (siglo XV a.C.)

El vino era considerado un lujo reservado a los sacerdotes y a los nobles, sin embargo en los periodos festivos lo escanciaban hasta los egipcios de las clases más bajas. Era costumbre cocinar el vino tras la fermentación para evitar su deterioro.
El vino también era empleado durante el proceso de embalsamamiento para limpiar los cadáveres, antes y después de las evisceraciones.

LA BIBLIA

“La embriaguez de Noé” de Miguel Angel Buonarroti, techo de la capilla Sixtina, Vaticano, Roma, 1509.

Miguel Angel muestra a Noe borracho delante de sus hijos, y simultáneamente, en el fondo Noé planta una viña.

Noé, el primer hombre que planta una viña, hizo vino con sus uvas, se embriagó y quedó desnudo en medio de su tienda.

Cam, el padre de Canaan, vio la desnudez de su padre y fue a decírselo a sus hermanos Sem y Jafet. Estos tomaron el manto, se lo pusieron sobre los hombros y, yendo de espaldas, vuelto el rostro, cubrieron, sin verla, la desnudez de su padre.

“Boda en Canáa” Jesús convirtiendo el agua en vino. Marten de Vos,, 1597, Catedral de Nuestra Señora, Amberes, Bélgica.
Las bebidas alcohólicas aparecen numerosas veces en la Biblia y en la literatura bíblica — desde Noé plantando un viñedo y emborrachándose en el Génesis a Jesús haciendo el milagro de convertir una importante cantidad de agua en vino en las bodas de Canáa y posteriormente incorporando el vino como parte del rito principal del Cristianismo: la Eucaristía

Banquete de Assurbanipal en Ninive. Primer ejemplo de banquete real recostado. Museo Británico. c. 640 a.C.
Las más antiguas escenas mesopotámicas en las que una pareja real aparece bebiendo cerveza sentada -y no reclinada- en un templo con ocasión del festival de la cosecha, probablemente en una suerte de comunión con la divinidad,
En otro tipo de banquetes más profanos ( mishtäh), donde la verdadera diversión está en la bebida, el aspecto comunal típico del simposio está ausente: es un señor o un rey quien invita.

LOS FENICIOS

La presencia fenicio-púnica en Occidente
Desde finales del siglo X o comienzos del IX a. C. según los hallazgos arqueológicos recientes de Huelva y La Rebanadilla, yacimiento próximo al aeropuerto de Málaga, los fenicios comenzaron a establecerse en el lejano Occidente, en torno a las Columnas de Melkart (Estrecho de Gibraltar), dando lugar a una expansión colonial que se convertirá en un fenómeno histórico de larga duración y amplia extensión geográfica.  Esta presencia colonial se extiende, desde la desembocadura del Segura hasta Cádiz, y presenta un patrón de asentamiento en el que los enclaves, muy próximos unos de otros, apenas distan unos pocos kilómetros entre sí.

Los fenicios, coinciden con el pueblo cananeo citado en la Biblia y sus descendientes púnicos de Cartago tuvieron una influencia directa sobre las culturas productoras de vino de los griegos y romanos que más tarde extenderían la viticultura por toda Europa.
También difundieron el uso de ánforas (a veces conocidas como «jarras cananitas») para el transporte y almacenaje del vino.
Estas primeras producciones llegan a las costas peninsulares hacia el siglo VIII a.C. y se caracterizan por su pequeño tamaño (40-50 cm. de altura), por tener la parte inferior más ancha que la superior, con la característica forma “de saco”, por presentar una carena más o menos marcada en el hombro y por tener el labio levantado.

Pero sin duda, la cerámica que mejor atestigua la llegada del vino, son las ánforas arcaicas de tipología fenicia que pronto comenzaron a fabricarse en la península y que son conocidas como R.1, Los fenicios, como pueblo marinero y comerciante, necesitaban unos recipientes adecuados para el transporte y almacenaje en largos desplazamientos por mar y tierra, así como para la conservación de productos, como aceite, vino, trigo y salazones.

Embarcación fenicia

Los continuos viajes de los fenicios en esta embarcaciones ligeras y “marineras”, propiciaron que  , las nuevas colonias griegas mediterráneas se convierten en los nuevos centros vitivinícolas de la Antigüedad Clásica: Siracusa y Catania, en Sicilia; la Magna Grecia (Ancona, Nápoles, Reggio Calabria y Tarento), en el sur de Italia;  Massilia (Marsella) y Nikaia (Niza), en el sur de Francia; Emporio (Ampurias), Rode (Rosas), Dianio (Denia), Alonis (¿Villajoyosa?), Eio (¿Hellín?) y Mainake (¿Málaga?) en el levante español.

Los talleres del Sur de la Península Ibérica pronto empezaron a fabricar ánforas siguiendo estos parámetros;

Relieve fenicio, con un lagar donde se pisa la uva.

La vitis vinifera , debió introducirse en la Península Ibérica a raíz de la colonización fenicia, la más antigua que llega a nuestras costas fueron los habitantes de Tiro, gentes con gran tradición en su cultivo y comercialización.
Los historiadores creen que no fue mucho después del descubrimiento del propio vino, el producto alcohólico del zumo de uva fermentado, cuando las culturas advirtieron su valor como bien comercial y el grado de conocimiento y habilidad para saber exactamente cómo transformar estos frutos en algo agradable de beber.

Ánforas de vino del periodo tinita. Abidos (c. 3000 a. C.) Louvre.

El vino era considerado una ofrenda aceptable tanto para dioses como para reyes, lo que incrementó su valor comercial en el mundo antiguo.
Desde sus asentamientos principales en Biblos, Tiro y Sidón, los fenicios empezaron a extender su influencia comercial a sus vecinos. Fueron uno de los primeros pueblos en llevar vino a Egipto. Desde allí pasaron del simple comercio a la fundación de colonias comerciales por todo el Mediterráneo.

Siguieron por la costa africana y terminaron fundando Cartago en el 814 a. C. Desde el Norte de África se extendieron a las Islas Baleares y la Península Ibérica, donde fundaron la ciudad de Cádiz
En la Península Ibérica, los fenicios viajaron al interior estableciendo rutas comerciales por los ríos Tajo, el Duero, el Anas (Guadiana), el Betis (Guadalquivir) y el Íbero (Ebro).

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Quemaperfumes de la Quéjola

Del siglo VI a. C. es la fortificación de La Quéjola, en Albacete, construcción destinada al almacenaje de ánforas de origen fenicio.

Cerro de la Cabeza Valdepeñas (Ciudad Real)

Excavaciones en la zona revelaron los restos de la antigua ciudad íbera del Cerro de las Cabezas, que fue fundada en algún momento del siglo VII a. C., hallándose varios ejemplos de cerámica, alfarería y objetos fenicios, incluyendo utensilios vitícolas.
Los vinos fenicios tuvieron una presencia tan duradera en el mundo grecorromano que la expresión «biblino» (relativa a la ciudad fenicia de Biblios) se usó para aludir al vino de alta calidad.

Los lagares documentados guardan gran similitud con los lagares del Mediterráneo Oriental, que consistían fundamentalmente en acondicionar el suelo para recibir las uvas, en muchas ocasiones se enlucía con cal o arcilla para impedir las filtraciones. La mayoría de los lagares estaban labrados en la propia roca y solían ser una o mas piletas destinadas a recepcionar el mosto. Estos lagares estaban próximos al viñedo, no así el almacenamiento del mosto que se hacia en el palacio o en los santuarios.

GRECIA

Ánforas púnicas.

Origen y difusión:
La viticultura ha existido en Grecia desde finales del periodo Neolítico, generalizándose el cultivo doméstico a principios de la Edad del Bronce.
La Grecia homérica ya dominaba el cultivo del vino con técnicas posiblemente importadas de Egipto, que le llevaba 2.000 años de ventaja.

Frescos minoicos

A través del comercio con el Antiguo Egipto, la civilización minoica de Creta tuvo acceso a los métodos vinícolas egipcios, una influencia que muy probablemente tuvieron sobre la Grecia micénica. Los palacios minoicos tuvieron sus correspondientes viñedos. Restos antiguos de ánforas en lugares como Chipre, Egipto, Palestina, Sicilia y el sur de Italia demuestran que los micénicos comerciaron activamente con vino por todo el mundo antiguo.

En la cultura minoica de mediados del II milenio a C., el vino y el toro sagrado estaban relacionados en la forma de copas con forma de cuerno llamadas Rhytón

Rhytón

El kylix de Dionysus  (taza de consumición) que fecha a 540-530 AC. Es una de las obras maestras de la cerámica ática de figuras negras, del alfarero Exekias y una de las obras más importantes en el Staatliche Antikensammlungen en Munich .

Con los griegos, la vid, y obviamente el vino,  comenzaron a revestirse de una categoría sagrada que los convirtieron en la ofrenda óptima para los dioses, sobre todo a Dionisyus.

El Merum o vino puro era solo servido para honrar a los dioses.

Los pueblos del Mediterráneo entraron en la civilización cuando aprendieron a cultivar el vino
Fueron los colonos griegos los que plantaron las primeras vides en el Lacio. Sorprendidos por las buenas condiciones climáticas y del terreno, fomentaron su cultivo y llegaron a denominar aquella tierra como Enotria, es decir, la tierra del vino.

Ánfora griega de figuras negras
En  una cara del vaso, se representaba a la diosa Atenea girada hacia la izquierda, armada con escudo y lanza, entre dos columnas; en la otra cara, una imagen que representa la disciplina en la que ha vencido el atleta.
Millones de unidades de ánforas, llevando los sellos distintivos de distintas ciudades-estado e islas egeas han sido desenterrados por los arqueólogos, demostrando el alcance de la influencia griega

Tumba de Vix cerca de Borgoña desveló varios objetos que demostraban los fuertes lazos entre los comerciantes de vino griegos y los habitantes celtas locales. El más importante era una gran crátera de manufactura griega, diseñada para contener más de 1000 litros de vino.

viticultura

Los griegos practicaron una forma primitiva de pisado de la uva. Se ponían cestas de mimbre llenas de uvas en cubas de madera o barro cocido con una cuerda o tablón encima. Los trabajadores del viñedo se sujetaban de la cuerda para mantener el equilibrio y aplastaban las uvas con sus pies
Los griegos creían que el vino también podía mejorarse añadiendo aditivos como resina, hierbas, especias, agua marina, salmuera, aceite y perfume. El Retsina, el Glühwein y el vermú son ejemplos modernos de esta costumbre
El estilo más común de vino en la Antigua Grecia era dulce y aromático, aunque también se producían vinos más secos.

Joven con un kílix, rodeado por dos jóvenes con esquifos. Medallón de une copa ática de figuras rojas, h. 490-480 a. C.

Los vinos que se conservaban bien y envejecían eran muy apreciados, con Hermipo describiendo los mejores vinos maduros con un buqué de «violetas, rosas y jacinto». Los poetas cómicos señalaban que a las mujeres griega les gustaba «el vino viejo pero los hombres jóvenes». El vino casi siempre se diluía, normalmente con agua o nieve cuando se quería servir frío. diluir el vino con agua como un rasgo de comportamiento civilizado
En la antigüedad, se hervía ocasionalmente el mosto para transformarlo en jarabe o miel de uvas. Los autores latinos mencionan diversas formas de conservación de las uvas e incluso del mosto. Se intentaba impedir la fermentación a fin de poder disponer de un líquido rico en azúcar.

Libaciones y religión

Artemisa  libacion Museo del Louvre
La libación consiste en derramar parte del líquido sobre el altar, o en el suelo, mientras se pronunciaba una oración. La mayoría de las veces se ofrece vino mezclado con agua (la mezcla que se bebe habitualmente) pero, según los tipos de ritual, también vino puro, leche, o una mezcla de vino, agua y miel.
La libación acompaña también el ceremonial del banquete común o simposio.
Otras libaciones que se consagran totalmente son las choai, del verbo griego chein: «derramar copiosamente». Están especialmente destinadas a los muertos. Derramadas en la tierra o sobre un túmulo funerario, tienen la función de establecer un lazo entre vivos y muertos.

El vino también desempeñaba importantes papeles religiosos, sociales y medicinales en la sociedad griega.

El culto de Dioniso 

“Baco” es una pintura del maestro barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). expuesta  en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Bacchus es el nombre romano del dios griego Dionisio. Este dios aficionado al vino, la locura y el éxtasis a menudo aparece en escenas de jolgorio y desenfreno

“Bacantes danzando”

Su culto, era muy activo, si no misterioso, y fue inmortalizado en la obra de Eurípides ” Las bacantes”. A lo largo de todo el año se celebraban varias fiestas:
El festival más importante, las Grandes Dionisíacas, tenía lugar en Atenas durante cinco días de cada primavera. Para esta celebración los grandes dramaturgos griegos Esquilo, Sófocles y Eurípides escribieron sus magníficas tragedias. Después del siglo V a.C., Dioniso fue conocido para los romanos como Baco

La Antesteria se celebraba en febrero y señalaba la apertura de las jarras de vino de la vendimia del otoño anterior
El primer día se llamaba  Pithoigía, es decir «apertura de jarras». Los atenienses visitaban el santuario de Dioniso «en los pantanos» para abrir las jarras que contenía el vino nuevo
El segundo día se llamaba Khóes, es decir «la fiesta de las jarras». Se servían jarras de vino nuevo y se organizaba un concurso de bebida.
El tercer día se llamaba Khýtroi, es decir «fiesta de las marmitas». Estaba consagrada al culto de los muertos

Las Dionisias incluían representaciones teatrales tanto de comedias como de tragedias en honor del dios del vino.
Las Grandes Dionisias de Atenas eran, sin duda, las más importantes celebraciones que, en honor a Dionisos, se realizaban en todo el ámbito griego. Duraban varios días, pero ahora no podríamos establecer una cronología exacta del desarrollo de los diversos actos. Se sabe que la imagen de Dionisos era conducida procesionalmente hasta un templo vecino a la Academia, y luego devuelta al teatro.
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.El vino en Grecia nunca estuvo alejado de su relación mística con el culto a Dioniso aunque que los antiguos griegos creían tradicionalmente que Dioniso era una adición tardía al panteón griego, había cierto rechazo hacia su culto

Ménade danzando réplica romana de un original griego de fines del siglo V a.C. atribuido a Calímaco.Museo del Prado

Las adoradoras de Dionisio eran mujeres salvajes y sedientas de sangre llamadas Ménades

EL SIMPOSYUM
El simposio o banquete era común a todos los antiguos griegos, a quienes les gustaba mucho la alegría de los banquetes con motivo de las fiestas familiares, fiestas de la ciudad o cualquier otro acontecimiento digno de celebrarse: éxitos diversos, sobre todo en los concursos de los poetas o de los atletas, la llegada o la partida de un amigo. Este rito era compartido por los fenicios y otros pueblos semitas que lo llamaban marzeaḥ.

Escena en un “stamnos” con simposiastas travestidos. Museo Arqueológico Nacional

En la antigua Grecia los anfitriones (denominados symposiarch) podían convocar una fiesta en su propia casa que denominaban Agapē (literalmente: amor fraternal),

Joven prostituta danzando delante de un symposiarch,  con un aulos (flauta doble). Interior de un kílix ático de figuras rojas del Pintor de Brygos (Museo Británico, Londres)

el symposiarch (anfitrión) era el encargado de mezclar las proporciones de agua y vino para los invitados en un recipiente cóncavo denominado crátera (el vino de alta graduación antes de mezclar se denominaba acratos), a veces se delegaba esta función a los más viejos, o los que mejor conocían a los componentes de grupo.
Que el symposion fue una institución social central en el arcaismo griego es un hecho reconocido hace ya tiempo por la investigación: se admite que buena parte de la poesía arcaica estaba pensada para ser cantada y oida en banquetes, acompañada del aulos, y se ha sostenido que la importancia de la cerámica en el arte arcaico se debe a la demanda de cerámica decorada de calidad para los symposia.

Platón S.V-IV aC

Platón pertenecía a una familia de aristócratas con sólidas conexiones políticas. En realidad se llamaba Aristocles, y lo de Platón es un apodo que debía de hacer alusión a su prestancia física (Platón, literalmente, significa ‘el de anchas espaldas)
A los 18 años conoció a Sócrates, a través de su maestro Cratilo y ese encuentro marcó definitivamente su vida. Sócrates le hizo ver la ignorancia de quienes se decían competentes; le enseñó que la virtud es conocimiento; el vicio, la ignorancia, y que el máximo valor es la acción moral.
Los banquetes (simposia) hicieron surgir incluso un género literario, como demuestran, entre otros, “El banquete de Platón” y el de Jenofonte

En primer lugar se saciaba el hambre con la comida propiamente dicha.
En segundo lugar se procedía a la ingestión de bebidas, vino sobre todo, paralelamente a toda clase de distracciones en común
Lo que  caracteriza a un symposion, son precisamente unos rasgos: (hombres solos que beben en el andron en postura reclinada vino mezclado en una crátera, todo ello después de la comida propiamente dicha) que para los griegos diferencian una costumbre civilizada de otra bárbara.
Solían comer tumbados, o más bien con las piernas extendidas, en un lecho, pero con el torso recto o ligeramente inclinado apoyado en cojines o almohadones, como se ve en tantas pinturas de vasos y bajorrelieves que representan escenas de banquetes.

Kylix con joven escanciando vino Museo del Louvre

Se empezaba a beber con las libaciones habituales en honor de los dioses, sobre todo de Dioniso, la «bondad divina» que ha dado el vino a los hombres.
os.

Las Hetairas 

Las esposas no tenían entradas, pero las hetairas, mujeres a las que sólo se invitaba para el entretenimiento, divertían tañendo la flauta o bailando y se cuidaban de los más bebidos. Lo mismo podía surgir una conversación elevadísima, como la que recoge Platón en su Banquete, que degenerar todo en un desenfrenado alborozo.
Nos bastará por ahora recordar que en todos estos banquetes el vino jugaba un papel especialmente importante, y que en el symposion en particular es el elemento central en torno al que se desarrollaba, física y metafóricamente, la reunión.

RITO FUNERARIO

Exposición del cadaver

Próthesis
En el ritual funerario,  el vino el elemento fundamental;y se empezaba por la Prothesis, que consistía en lavar el cuerpo y vestirlo con ropas de carácter funerario, lo hacían las mujeres de la familia. Una vez preparado lo ponían en la sala de la casa con los pies mirando hacia la puerta. Después se le colocaba al difunto una moneda en la boca con la que pagar a Caronte el viaje a través de la laguna Estigia.

 

Tumba del “Tuffatore” (del “Nadador”, en castellano) 
Que fue encontrada en el enclave de la antigua ciudad griega de Posidonia, que pasó a llamarse Paestum en época romana
Se trata de una tumba de cista; que es un tipo de inhumación que consiste en cuatro losas laterales semienterradas en el terreno y una quinta que hace de cubierta
Las escenas simbólicas de banquetes, con un sentido alegórico de procesión funeraria y de tránsito a la otra vida, son representaciones convencionales dentro de la iconografía funeraria griega.
Según una interpretación, el joven difunto era un atleta que hacía natación, lo cuál no es que resulte muy probable, ya que la natación no es una de la actividades deportivas por antonomasia de los griegos

Tras el enterramiento, tenía lugar el perideipnon, es decir, el banquete funerario.Una vez transcurridos treinta días tenía lugar un rito llamado triakostia, en el que sobre la tumba ponían la parte de la basura generada en el banquete que habían celebrado tras el entierro. A esto se sumaba un último banquete, con el que se daba por finalizado todo este proceso

vasijas

Hay catálogos que diferencian los objetos inventariados en ánforas, jarras, hidrias, calderas, calderos, vasijas para beber, vasijas para aceites y ungüentarios. Otro catálogo,  baraja la posibilidad de clasificar los recipientes en función del uso, así estos, serán mixtos (uso polivalente), para riego, para el culto, para beber, para ungüentos, etc. Una tercera división adicional sería diferenciando formas abiertas y cerradas.Siguiendo el modelo clásico de estudio, dedica especial atención al arte ático de los periodos de arte clásico y arcaico, al periodo de la cerámica de figuras negras y al período de las figuras rojas. En términos generales es una clasificación de los vasos y su evolución desde la Época micénica a la Época helenística

1 Alabastrones
Para ungüentos


2 Ánforas
Las mas utilizadas
Aparecen por primera vez en las costas del Líbano y Siria, durante el siglo XV  a. C. y se extienden por todo el mundo antiguo. Fueron empleadas primero por los egeos, en la ciudad cretense de Knossos, y más tarde por los antiguos griegos y romanos como principal medio de transporte y almacenamiento de la uva, el vino, las aceitunas, el aceite de oliva, los cereales, el pescado y otros productos básicos, también salsas de pescado, tipo garum. Se elaboraban a gran escala en los tiempos de la Antigua Grecia y su uso fue común en todo el Mediterráneo hasta el siglo VII

3 Aríbalos
Para aceite y ungüentos

4 Askos
utilizada para servir pequeñas cantidades de líquido, como por ejemplo aceite.o vino
Pueden ser sencillos, los askos múltiples tienen habitualmente de dos a cuatro picos

.5 Exaleiptron

6 Hidrias
Las transiciones, sobre todo en el cuello, son más acuados que en el kalpis. Las hidrias de hombro se emplearon sobre todo como soporte de pintura  de la cerámica

7  cráteras
Indispensable en la utilización del vino

.8 Lekitos

9 Pixis

10 Skyphoi

 

11 Kylix usado para beber vino

12 Mastos
Recipiente para beber vino en forma de pecho femenino, de ahí su nombre

Mosaico romano con botella de vino, Museo del Bardo, Túnez

ROMA
El vino y el banquete en Italia prerromana.
Los contextos funerarios itálicos pre-orientalizantes incluyen restos de comida y de objetos asociados a ella, sobre todo vajilla cerámica; El extendido uso del vino a partir del s. VII refleja, el banquete con vino -o simposio- en el ámbito privado (aunque con connotaciones políticas) al lado del banquete sacrificial, en una línea que perduraría hasta época romana.

El triclinium
La sala llamada triclinium, era amplia y en ella se situaban varios lechos adornados con cojines y telas, donde los comensales se recostaban sobre su lado izquierdo y descalzaban, como símbolo de distinción social.La disposición de los comensales seguía un orden jeraquizado reflejo del estatus social de los invitados.Todo estaba colocado en torno a una mesa (tabulae), donde se servían las viandas y también habia candelabros para alumbrar la sala.

Dibujo de 1832 de los frescos de symposion etrusco de la tumba del Triclinium de Tarquinia. c. 460 a.C. 

Ya desde el Periodo Orientalizante la iconografía y los ajuares funerarios etruscos muestran rasgos que indican una adopción de elementos principescos asociados al banquete, en una forma que se viene denominando “banquete homérico”

El simposio proporciona “elementos traza” de helenización, la enorme abundancia en Italia de vajilla importada -metálica y cerámica- procedente del Este –Grecia y Fenicia–  asociada al banquete y en especial a la bebida, unida a la documentación fehaciente de la práctica de beber reclinados y probablemente de mezclar el vino,  incluso de recitar poesía en el banquete, permite hablar de un grado elevado de transmisión de contenidos culturales detrás de los materiales,
Así, parece posible hablar en el s. VI a.C. de banquetes no sólo en contextos funerarios, como muestran las tumbas, sino también de verdaderos simposia en ambientes “palaciales” como Murlo o Acqua Rosa.

El triunfo de Baco de Velazquez
BACO
Baco, en la mitología romana, dios del vino, identificado con Dioniso, el dios griego del vino, y con Liber, el dios romano del vino. Hijo de Zeus (Júpiter), se le suele caracterizar de dos maneras: una como dios de la vegetación, específicamente de los frutos de los árboles, que aparece representado a menudo en los vasos áticos con un cuerno con bebida y racimos de uvas.

Baco acompañado de Sileno

La segunda caracterización del dios apunta a los misterios de una divinidad que inspiraba cultos orgiásticos, de los que son ejemplo las ménades o bacantes. Este grupo de mujeres abandonaba el hogar y vagaba por el desierto entrando en un estado de éxtasis en su devoción al dios. Vestían pieles de cervatillo y se creía que poseían poderes ocultos.

Tiziano Vecellio di Gregorio,” La bacanal de los Andrios” 1523-1526

Las bacanales se hicieron cada vez más desenfrenadas. Por esa razón, el Senado romano las prohibió en el año 186 a.C. En el siglo I d.C., sin embargo, los misterios dionisíacos eran aún populares, como lo demuestran las representaciones alusivas encontradas en sarcófagos griegos.

Ritual funerario

Sin duda uno de los rasgos que más resalta en el mundo itálico es la importancia concedida al banquete funerario,  La iconografía y ajuares de las tumbas muestra banquetes colectivos y parejas -familiares- reclinadas, pero, sobre todo, una ideología más compleja que la del antiguo banquete funerario. Es incluso posible que se depositaran cadáveres en las tumbas en postura reclinada, apoyados sobre un codo, como para un banquete, que en efecto presidirían desde dentro de la tumba.

Banquete – Fresco de la Casa dei Casti Amanti, Pompeya

La mujer y el vino
En los primeros tiempos de Roma no se permitía beber vino a las mujeres por el temor a que si lo hacían podían perder el decoro y llegar a caer en el adulterio, lo que avergonzaría a la familia y provocaría dudas en cuanto a la legitimidad de los herederos.
“Mulier si temetum biberit domi ut adulteram puniunta”, “si una mujer bebe vino en casa, ha de ser castigada como una adúltera”.

Polibio sostiene que los romanos les prohibían beber vino a las mujeres, sólo les permitían beberlo cocido, que en su sabor parecía como un vino ligero de Agosthenes o de Creta. Podían beber las mujeres vinos condimentados como era la Murrina, mezclado con azafrán, áloe y mirra. Una ley de Rómulo prohibía a la mujer el uso del vino puro,llamado en la lengua arcaica, temetum. y establecía para ellas la absoluta abstinencia.
Catón nos dice que no solamente se las reprendía por haber bebido vino, sino que se las castigaba con tanta severidad, como si hubiesen cometido un adulterio.

Detalle de mosaico con vendimia, Iglesia de Priest John, Mount Nebo, Jordania

Toro de Osuna arte íbero

IBERIA
Durante el s. VI a.C. hay evidencia de que los Iberos ya producían vino, y que desde entonces su cultivo y consumo fueron extendiéndose.
El proceso por el que el vino y su uso se pudo introducir en Tartesos a través de Huelva, Cádiz y otros lugares está siendo muy estudiado, pero se sale de los límites temporales y temáticos de este artículo
Por tanto, si dicha costumbre del banquete existió en Iberia, y si fue introducida junto con el vino -lo que como veremos es discutible-, cabe que la llegada de productos comerciales griegos con motivos iconográficos asociados al banquete cayera sobre un mercado ya muy receptivo desde hacía quizá dos siglos.
En consecuencia, y por lo que se refiere a Iberia, la ingestión de grandes cantidades de vino, asociada o no a un banquete que incluye comida, o a un ritual funerario, no tiene por qué ser asociada a un proceso de ‘helenización‘, sino que puede ser muy anterior y deberse a una influencia semita

Ánforas iberas para el transporte del vino y aceite
La presencia de una amplia variedad de ánforas samias, corintias, greco-itálicas, quiotas, púnicas etc. es indicio de que, pese a la escasez de ánforas griegas importadas en el mundo ibérico a partir del s. V a.C., llegaban a Iberia cantidades reducidas de aceites y vinos importados, que como se verá más adelante pueden ser interpretados como productos de lujo distintos a las producciones de vino locales, y como tales, símbolos de status. Dicho cargamento iba acompañado de un amplio lote de vasos de figuras rojas y barniz negro, la mayoría asociadas al servicio de bebida (crateras, copas, etc.).

Imitaciones ibéricas de cráteras áticas de columna halladas en Andalucía

Anfora, posiblemente vinaria, procedente del palacio-santuario de Cancho Roano (Badajoz). Espacio N-6. s. V a.C. Museo de Badajoz.
Se trata de formas que derivan claramente de las antiguas R-1 fenicias, mantenidas incluso durante siglos.

Entre los soldados mercenarios no helenizados, se contaban contingentes de origen ibero a los que Platón recuerda probablemente en una sola ocasión, para referirse a su costumbre, compartida con otros pueblos bárbaros, de beber el vino puro y de embriagarse: “No hablo ahora de un uso cualquiera del vino o de la abstinencia total del mismo, sino de la embriaguez, de si hay que seguir la costumbre de los escitas y los persas, o incluso la de los cartagineses, los celtas, los iberos y los tracios, pueblos todos ellos guerreros, o bien hay que seguir la vuestra. Vosotros, en efecto, rechazáis enteramente esta práctica, mientras que los escitas y los tracios, que beben el vino puro, tanto las mujeres como los hombres, y lo vierten sobre sus vestidos, tienen la idea de que observan una costumbre bella y feliz”

Beber el vino mezclado con agua y no puro era un hecho cultural que para Platón -y para muchos otros griegos- identificaba a los helenos, mientras que la ingestión pura del mismo líquido y consiguiente embriaguez sería signo identificador de naciones bárbaras y guerreras -o de griegos abandonados al desenfreno y la molicie.

En Valencia, de hecho en Requena, hay evidencia de lagares, excavados en rocas, por el que el mosto pisado caería a través, de unos orificios, y desde un segundo orificio, que llevaba a las ánforas, dónde el mosto fermentaría en ellas 30 o 40 días, luego se procedía al tapado y almacenaje.

Nave en el puerto de Ostia

Los iberos traían vino de Italia. En concreto, caldos etruscos. Y no lo hacían por necesidad, ya que vino había de sobra, sino por puro esnobismo: los vinos etruscos estaban considerados una bebida de lujo y ponerlos en la mesa significaba que en esa casa se contaba con posibles.

Yacimiento de Capote
En el sur de la provincia de Badajoz. En el centro del poblado se ha documentado un espacio, verdadero punto focal en el castro, abierto a una de las calles, con restos de una serie de estructuras y materiales que su excavador asocia a la celebración de un banquete en el que podrían participar, sentadas en bancos corridos, unas veinte personas
El excavador da por seguro que el banquete documentado sería un acto colectivo-se sacrificarían hasta 24 animales- en el que participarían la totalidad de adultos del poblado, dirigidos por los notables sentados en el espacio reservado
.Los datos que se han analizado hasta ahora, arqueológicos y documentales, nos permiten afirmar que los Iberos y Celtíberos consumían cerveza, y, cuando podían permitírselo (más los Iberos que los pueblos del interior), vino. También que, a diferencia del ámbito centroeuropeo, las cantidades de vino disponible podían ser grandes ya desde época antigua (s. VI a.C.) gracias a la producción local (Benimaquía, la Quéjola). Sabemos también que la bebida se asociaba a banquetes en contextos ritualizados (Cancho Roano), especialmente en situaciones excepcionales (por ejemplo, de guerra, Numancia y Capote), y que el vino se consumía, libaba o ambas cosas en los funerales (Los Villares). Por último, sabemos que se conocía e importaba buena parte de la vajilla estándar griega especializada para la bebida de vino


Poblado de Los Villares  o Antigua Ciudad Ibérica de Kelin  Requena, Valencia

El mundo del banquete funerario es sólo una parte del conjunto total de usos sociales posibles del vino, y por tanto puede proporcionarnos una visión sesgada, pero con todo sigue siendo nuestra fuente principal. Como se ha visto, los datos de los depósitos de ofrendas de Los Villares,

Dama de Baza y ajuar funerario ibero. MAN

Estaba dentro de una cámara funeraria , donde había además un ánfora púnica que se comunicaba con la superficie por medio de un embudo, a través del cual seguramente se hacían desde el exterior, libaciones como ofrendas líquidas. Esto indica que se profesaba culto a la persona allí enterrada.

Paradójicamente, aunque no podamos hallar nada más lejano al symposion griego, esta forma de actuar se aproxima, más que la celebración de un hipotético perideipnon en el propio cementerio, a la práctica griega del periodo arcaico de disponer las llamadas “offering places” y “offering ditches” separadas del ajuar y al rito de la libación.

“MEDITERRANEO”  Joan Manuel Serrat.

FUENTES:

https://www.uam.es/proyectosinv/equus/warmas/online/articul4/figuras4.html#14

https://es.wikipedia.org/wiki/Tipolog%C3%ADa_de_vasos_griegos

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:History_of_wine

http://s735.photobucket.com/user/cefyp/slideshow/Ceramicas%20fenicias/?albumview=slideshow

http://imperioromanodexaviervalderas.blogspot.com.es/2015/08/el-dios-baco-dionisio.html?m=1

https://vitisetvinumlex.wordpress.com/page/5/

http://roderic.uv.es/bitstream/handle/10550/34955/147.pdf?sequence=1

http://www.man.es/man/exposicion/recorridos-tematicos/arqueologia-muerte.html

Osarios y esqueletos enjoyados

Los osarios son aquellos lugares cuya finalidad es reunir y guardar los huesos u otros vestigios humanos. Se trata de recipientes o cajas sepulcrales de piedra caliza, donde se guardan los huesos para pasar el resto de la eternidad. 
El origen de los osarios viene del cristianismo, ya que, los cristianos querían ser enterrados en suelo sagrado, alrededor de las iglesias. Los cristianos, a diferencia de otras religiones, prefieren la práctica del entierro en vez de la incineración,
Por ello, muchos de los osarios tenían el carácter conmemorativo, con nombres escritos en las calaveras y la intención de pervivir en la memoria de las generaciones futuras, asi se ven en Beinhaus, Hallstatt, Austria.
Existen varios de estos osarios en iglesias y otros edificios de Europa, siendo objeto de devoción, admiración y misericordia, cuando no de espanto, según el caracter de los restos de las personas allí depositadas y de las circunstancias de sus fallecimientos.
En algunos lugares, como en el Monasterio de Sedlec, República Checa, se les ocurrio, utilizar como decoración los huesos; en la mayoría de los casos, el “material” proviene de todos los muertos por la peste negra, que azoto Europa en el siglo siglo XIV, causando la muerte de una tercera parte de la población del continente, en el año 1348, pero tambien los hay por otras causas...Vamos a verlos.

LOS OSARIOS

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La Iglesia de Wamba,Valladolid, España
Es el más nutrido de la Península, nos cuentan que se calcula que hay unas 3.000 calaveras y los restos más antiguos de alrededor del siglo XII y XIII. Impresiona ver tal cantidad de huesos apilados en las paredes del osario.

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La población de Wamba, en Valladolid situada en la comarca de los montes Torozos a unos 20 Km de la capital, toma su nombre del célebre rey Godo que en esta población fué elegido como rey de la Hispania visigoda, a la muerte de Recesvinto. La iglesia es de estilo Mozárabe y Románico, y esconde un verdadero tesoro en su interior que es posible visitar, y es parte de lo que fue un gran osario.

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Colocados y ordenados hasta el techo en las paredes de una habitación de piedra,se guardan unos 3000 cráneos y huesos que desde la edad media se fueron guardando. Algunos serían de la población local y la mayor parte de los caballeros de Malta (San Juán) que se establecieron aquí. La Iglesia

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Las Catacumbas de París, Francia
En francés “Les Catacombes”, el uso de estas desgastadas minas, para el almacenaje de huesos humanos, fué en el año 1786 cuando se tuvo la genial idea de trasladar los huesos del poco higiénico cementerio de Les Halles, aprovechando las canteras excavadas en la época galorromana a 20 metros de profundidad en la base de tres colinas: Montparnasse, Montrouge y Montsorius. Su nombre oficial es “Les carrières de Paris”

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Catacumbas de París
Fueron depositados sin ningún tipo de intención “artistica”, amontonados, hasta que el Inspector General de Canteras, decidió colocar los huesos de la parte delantera en forma de muralla, dandole el aspecto que tienen hoy en dia,
las catacumbas han sido testigos de multitud de acontecimientos, desde la fiesta organizada por Carlos X antes de la revolución, pasando por refugio de la resistencia francesa en la Segunda Guerra Mundial, ó, más recientemente, por ritos satánicos, motivo por el cual han sido cerradas Sin embargo, existen entradas secretas a lo largo de París, lo que permite ingresar a las catacumbas por medio de las alcantarillas, el metro, etc. En raras ocasiones las personas hacen uso de estos accesos para entrar en ellas.

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Beinhaus, Hallstatt, Austria

Beinhaus, en alemán significa literalmente “La Casa de los huesos” uno de los más antiguos de Europa a unas 2 horas y media en tren desde Salzburgo. En las escarpadas colinas junto a un paradisiaco lago repleto de cisnes se encuentra la Iglesia Católica, con un pequeño cementerio a sus pies.

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Debido a la falta de espacio para enterrar a sus muertos (teniendo en cuenta lo escarpado del sitio), los ciudadanos del lugar optaron por enterrarlos por un período de 12 años. Porteriormente se exhumaban los huesos y se trasladaban a la capilla anexa a la iglesia. 

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A diferencias de otras capillas similares, en esta la decoración es realmente primitiva, con unas simples repisas de madera sosteniendo los huesos. Lo que hace singular a esta capilla es el uso de los craneos como si de un lienzo se tratara. Cada craneo era tratado con mimo, decorándolo generalmente con el nombre del difunto y la fecha del fallecimiento. 
Para diferenciar los hombres de las mujeres se pintaban hiedras en los hombres y rosas en las mujeres

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Capilla de los Huesos de Campomaior, Portugal
El inicio de la guerra con Castilla en 1640, hizo de Campomaior el segundo centro militar más importante del Alentejo, después de Elvas. Por entonces, ingenieros militares, soldados, mercenarios, municiones y pólvora aprovisionaban a esta población fronteriza para contener el ataque de las tropas españolas que incesantemente asediaban la población. 

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Eran las 3 de la mañana y todos dormían. Se desató una terrible tormenta y la mala suerte quiso que un rayo cayese sobre la torre del castillo donde se almacenaban cantidades ingentes de explosivos: “6.000 arrobas de pólvora e 5.000 munições”. La explosión fue tan brutal que acabó con la vida de las 2/3 partes de la población portuguesa de Campo Maior. 34 años más tarde, se construyó una capilla en memoria de los que murieron en la explosión

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La Capilla de Los Huesos, Évora, Portugal
Se encuentra anexa a la Iglesia de San Francisco, en la ciudad medieval de Évora, a unas tres horas en coche desde la capital de Portugal, Lisboa

La capilla fué construída por monjes Franciscanos entre 1460 y 1510. El origen de esos huesos, es dudoso: se dice que los cadáveres provienen de víctimas de la Peste Negra, otros dicen que se trata de víctimas de La Inquisición mientras que otros dicen que son soldados muertos en batalla

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Al construir los nobles en las tierras donde estaban enterrados, los monjes Franciscanos preocupados por la desenfrenada construcción sobre los antiguos sitios de enterramiento deciden proteger los huesos dentro de su iglesia , y usarla también como lugar de meditación y oración

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Capilla de las Calaveras de Czermna, Polonia
Se trata de la fosa común de la gente que murió durante la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), las Guerras de Silesia (1740-1763) y quienes murieron víctimas de las hambrunas y las epidemias de cólera

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Capilla de las Calaveras de Czermna
Las paredes de esta pequeña iglesia barroca están llenas de más de 3.000 cráneos, así como huesos de más de 21.000 personas que se hallaban enterradas en el sótano. Cada hueso de este lugar es auténtico, y la calaveras de quienes crearon la capilla se colocaron en el centro de la misma, colocadas en el altar.

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Cele Kula, Nis, Serbia
La Torre de las calaveras o “Cele Kula”, se encuentra en Serbia, en la ciudad de Nis. Fue construida con las calaveras de los serbios asesinados por las tropas turcas en la batalla de Cegar, en 1809, En mayo de 1809, los insurrectos serbios fueron derrotados durante el primer levantamiento serbio contra el imperio turco

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Stevan Sindelic

Los rebeldes, comandados por Stevan Sindelic, se encontraban atrincherados, y cuando el comandante se vio completamente rodeado y con la batalla definitivamente perdida, disparó a un deposito de pólvora que había en una zanja, provocando una enorme explosión que acabó con todo rastro de vida a su alrededor: muchos de los atacantes, sus soldados y, obviamente, el mismo. 
Un total de 952 cráneos fueron colocados en tan macabra construcción. En lo alto de esta se encontraba la calavera del comandante Stevan Sindelic

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La cripta capuchina de Brno, República Checa 
Los capuchinos vinieron a las tierras checas a través de Viena alrededor de 1610, se asentaron en Praga, Olomouc y Brno. En la cripta capuchina está enterrado también el barón Trenck (1711-1749), 
El visitante descubrirá allí también una sentencia sobremanera conocida que reza: “Lo que sois, fuimos; lo que somos, seréis”…

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Monasterio de Sedlec, República Checa
Este es el famoso osario de Sedlec, cerca de Kutná Hora. Su decoración bizarra, formada por arañas, pirámides, cruces y blasones de huesos humanos, asombra a visitantes de todo el mundo. Las lámparas confeccionadas de huesos humanos representan una curiosidad algo horripilante.
El osario contiene aproximadamente 40.000 esqueletos humanos, colocados artísticamente para formar la decoración y el mobiliario de la capilla. 
Henry, el abad del monasterio de la Orden del Císter de Sedlec, fue enviado a la Tierra Santa por el rey Ottokar II de Bohemia en 1278. Cuando volvió, trajo consigo una pequeña cantidad de tierra que había recogido del Golgotha y la roció en el cementerio de la abadía. La fama de este acto piadoso pronto se extendió y el cementerio de Sedlec se hizo un sitio de entierro deseable en todas partes de Europa Central. Durante la Peste Negra a mediados del siglo XIV, y después de las Guerras husitas a principios del siglo XV miles de personas fueron enterradas allí y el cementerio tuvo que ser ampliado 
En 1870, František Rint, un tallista de madera, fue contratado por la familia Schwarzenberg para poner los montones de huesos en orden. Los macabros resultados de su trabajo hablan por sí solos. Una enorme lámpara de araña, que contiene al menos una unidad de cada hueso que forma el cuerpo humano

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Capilla de Santa Úrsula, en Colonia, Alemania
En las paredes de esta iglesia se pueden ver, artísticamente colocados, los restos de las, según la leyenda, once mil vírgenes muertas junto a la Santa. Si bien no es un osario como los otros, ya que tiene su historia, se puede considerar, esta capilla, como un Osario. 
Corría el siglo IV cuando un rey de Britania (Inglaterra) prometió a su hija Úrsula en matrimonio a un alto personaje de la nobleza del país. Su futuro esposo era pagano y Úrsula cristiana, y no estando conforme con tal matrimonio, pidió y obtuvo un periodo de tres años para poder peregrinar a Roma.

Martirio de Santa Úrsula por Caravaggio

Con ella viajaron diez compañeras más. De regreso de su peregrinación y al llegar a la actual Colonia en Alemania, fueron a caer en manos de los bárbaros hunos; Úrsula y su compañeras se negaron en redondo las pretensiones, por lo que los barbaros enfurecidos las mataron a todas.

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La leyenda de Santa Úrsula y sus compañeras vino a España de la mano de Beatriz de Suabia, esposa de Fernando III el Santo, que introdujo la devoción a la santa y a las once mil vírgenes en la península.

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Iglesia de Santa María de la Concepción de los Capuchinos, en Roma, Italia

Del siglo XVII. Especialmente macabra, dado que además de los huesos, se exponen cuerpos momificados de algunos de los frailes vestidos con sus hábitos.
La Iglesia de Los Capuchinos de Santa María de la Concepción data del año 1626 y fué bendecida por el Papa Urbano VIII. El hermano de éste, el Cardenal Antonio Barberini, miembro de la Orden de Los Capuchinos, ordenó en el año 1631 trasladar los restos de miles de Capuchinos muertos desde la Via dei Lucchesi hasta la cripta para decorarla con sus propios huesos y mantener vivo su recuerdo a lo largo de los siglos.

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San Bernardino alle Ossa, Milan, Italia
Es una iglesia en Milán , norte de Italia, más conocido por su osario , una pequeña capilla lateral decorado con numerosos cráneos y huesos humanos.
En 1145 se construyó un hospital cerca de la Iglesia de Santo Stefano Maggiore. El cementerio de la iglesia se llenó en poco tiempo y tuvieron que construir una sala para recoger los huesos. En 1269 se construyó junto a esta sala la Iglesia de San Bernardino alle Ossa.

Foto Rob Sheridan

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San Bernardino alle Ossa

La iglesia fue destruida en 1712, y fue reemplazado por un nuevo edificio diseñado por Carlo Giuseppe Merlo . En 1738 el rey Juan V de Portugal quedó tan impresionado de la capilla, que tenía una muy similar construido en Évora , cerca de Lisboa .

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Catedral de Otranto, Italia. 
Los ciudadanos de Otranto, junto a la guarnición que defendía la ciudad se atrincheraron en el castillo, su historia pasada en la que 800 cabezas cristianas rodaron en un mismo día bajo el hierro otomano y porque los huesos de esos 800 mártires decoran hoy en día las paredes de su catedral
Cuando Mohammed II y sus tropas se retiraron de Otranto, todos los restos fueron llevados a la Catedral y se decidió exponerlos en sus paredes como recordatorio privilegiado de aquel 12 de agosto en el que fueron ejecutados por defender su Fé.

LOS ESQUELETOS ENGALANADOS

Para completar este artículo “dedicado” a las osamentas, a continuación os dejo una breve galería con imágenes de algunos de los Santos y Santas de la Iglesia Católica, cuyos restos esqueléticos, vestidos de manera lujosa y llamativa, aún son venerados en algunas partes de Alemania y Austria.

San Pancracio con armadura del siglo XVIII

Los “santos enjoyados“, también conocidos como los “santos de las catacumbas“, son cadáveres de la antigua Roma que, fueron exhumados de las propias catacumbas de Roma.

Reliquia de las Catacumbas de San Pancracio. Fotografía tomada en la exposición del Museo Histórico de St. Gallen en Wil, Suiza

Se les identificó como mártires tempranos por señales tangibles –la letra M. (de “mártir”) presente en algunos cráneos o algún sedimento deshidratado en los huesos que se tomaba por sangre seca,– o intangibles, como el “resplandor áureo o la fragancia” que emitían los restos sacros.

Todos recibieron nombres ficticios y fueron enviados al extranjero (principalmente al mundo germánico ) como reliquias de (supuestos) santos entre los Siglos XVI – XIX. Los restos mortales reabastecieron el arsenal de las fuerzas católicas en el momento de la Contrarreforma. La Alemania meridional fue su principal destino debido a que sus iglesias habían sufrido saqueos y la destrucción de muchos de sus objetos de culto, como consecuencia del enfrentamiento contra los protestantes

Esqueleto de un supuesto mártir hallado en las catacumbas de Via Salaria, cubierto de joyas.

Fueron vestidos, lujosa y profusamente con sofisticados trajes, se ataviaron con pelucas y se adornaron con coronas de oro y joyas, desde gemas coloridas hasta grupos de perlas

Historia del descubrimiento

En 1578, los trabajadores de unas viñas, movidos por la curiosidad, descubrieron unas catacumbas romanas cerca de la Via Salaria. Años más tarde, los arqueólogos lograron desenterrarlas por completo, revelando un sobrecogedor espectáculo que parecía de otro mundo. Entre 500.000 y 750.000 esqueletos se extendían fantasmales frente a ellos, antiguos restos de individuos que habrían vivido en los primeros siglos del cristianismo, durante los cuales se dio muerte a miles de ellos, considerados en muchos casos mártires de la fe.

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Catacumbas de San Sebastián

En un principio se dio el nombre de catacumbas al cementerio de San Sebastián, aquel lugar donde los primitivos cristianos de Roma habían enterrado provisionalmente los cuerpos de San Pablo y San Pedro, en un momento en que temieron que les fueran sustraídos. Era el lugar llamado «ad catacumbas». Por extensión, a lo largo de la Edad Media se fue dando este nombre de catacumbas a todos los cementerios conocidos de las afueras de Roma que formaban una gran necrópolis y no solo se enterraban a mártires, sino en general a toda la población cristiana.

San Graciano en Waldsassen (Alemania).

Muchos de los esqueletos encontrados, fueron posteriormente adornados con oro y joyas incrustadas y con finas vestiduras, fueron expuestos en iglesias para mostrar los tesoros a los creyentes más devotos. A continuación os expongo su historia y localizaciones:

Santa Luciana de Heiligkreuztal (Alemania).

Los responsables de iglesias católicas de todo el mundo recibieron la noticia e inmediatamente se sintieron intrigados por el descubrimiento, decidiendo en muchos casos hacerse con el esqueleto de algún mártir (o de varios) para sus parroquias, y dispuestos a pagar una buena suma de dinero por su adquisición.

Cráneo de San Getreu en Ursberg (Alemania).

El proceso de ornamentación de cada esqueleto se encargaba habitualmente a conventos, o en ocasiones a algún monasterio. Seguían hasta tres años de trabajo, en los que frecuentemente se cubría inicialmente el cadáver con una mortaja de gasa tejida expresamente por las monjas. Este tejido era fino y vaporoso, pero impedía la acumulación del polvo y ayudaba a mantener los huesos unidos en el transcurso del proceso de decoración.

Cráneo relicario de San Deodato en Roggenburg (Alemania).

También se hacían rostros de cera para las calaveras de algunos mártires, en ocasiones sonrientes o con otras expresiones faciales. Tras el amortajamiento y/o el rostro de cera venían las joyas, gemas, oro y suntuosas vestiduras, así como la cuidadosa manipulación del esqueleto para adoptar posturas realistas.

San Deodato en Rheinau (Suiza).

Conforme pasó el tiempo, cada convento desarrolló un estilo propio para armar los huesos –sin conocimientos previos de anatomía, lo que provocó que se articularan de maneras singulares. Incluso, diversas monjas, o grupos de monjas y monjes, empezaron a expresar sus diferentes y reconocibles estilos a la hora de decorar los restos de los mártires, aunque habitualmente realizaban estos trabajos de forma anónima.

Santa Severina en Roggenburg (Alemania).

Si estas obras nunca gozaron del aprecio de luteranos y calvinistas, el siglo de las luces trajo su condena unánime como testimonios de la superstición. El mismo José II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, emprendió una embestida contra ellos al proclamar un edicto en el que se instaba a las comunidades a deshacerse de todas las reliquias cuya autenticidad no estuviera asegurada.

Muchas de las falsificaciones habían sido descubiertas, hecho el cual produjo que algunos de estos esqueletos fueron despojados de sus mejores galas y otros destruidos, mientras que el resto fueron ocultados y guardados en almacenes. Finalmente estos “santos” resultaron ser una fuente de vergüenza para la propia Iglesia.

Cráneo de San Benedicto en Muri (Suiza).

El historiador del arte, autor y fotógrafo Paul Koudounaris revivió el interés en los santos de las catacumbas con su libro de 2013, “Heavenly Bodies“.

 En la publicación del libro, Koudounaris trató de encontrar y fotografiar cada uno de los santos enjoyados existentes y que aún hoy se conservan.

Mano de San Teodosio en Waldsassen (Alemania).

Desde la perspectiva de un historiador de arte, Koudounaris cree que la cuestión de quiénes fueron los santos de las catacumbas en vida pasa a ser secundaria en comparación con el logro de crearlos. Son las obras de arte más magníficas jamás creadas con huesos humanos.

San Cándido en Irsee (Alemania).

Aun así, cabe preguntarse quiénes serían en vida hace siglos, y cómo se habrían sentido en relación con su espectacular auge y estrepitosa caída tras su muerte, bajo la forma de un esqueleto bellamente enjoyado.

San Máximo en Bürglen (Suiza).

En 2006, Paul Koudounaris comenzó a estudiar extensivamente el uso de restos humanos en rituales religiosos y como elemento decorativo en espacios sagrados. Comenzó a escribir sobre ellos y fotografiarlos para los periódicos europeos.

Nota: Todas estas increibles y macabras fotografías, están realizadas y son propiedad de Paul Koudounaris, y son mostradas aquí únicamente por divulgación e interés cultural.

Fuentes:

http://blogfunerariabizkaia.es/sabes-lo-que-son-los-osarios/

http://www.taringa.net/posts/arte/16551773/Arte-Macabro-Los-Osarios-de-Europa.html

http://www.escalofrio.com/n/Curiosidades/El_Osario_de_Sedlec

https://www.ancient-origins.es/noticias-general-historia-tradiciones-antiguas/macabras-reliquias-enjoyadas-los-santos-m%C3%A1rtires-las-catacumbas-salaria-003663

https://laexuberanciadehades.wordpress.com/2014/11/26/santos-enjoyados/

https://studylib.es/doc/4436289/esqueletos-enjoyados-3

La Escuela Bauhaus: 100 años


El impacto que esta escuela tuvo en el diseño y la arquitectura actual:
Bauhaus, unión de dos palabras alemanas: Bau (construcción), y Haus (casa), fundada en Weimar por Walter Adolph Georg Gropius –1883-1969–, arquitecto y urbanista nacido en Berlín.
En abril de 1919, acaba de hacer ahora cien años, en la Alemania maltrecha tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, el arquitecto Walter Gropius fundó la escuela de arquitectura, arte y oficios artísticos más influyente del siglo XX: la Bauhaus.

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Bahaus Museum, Weimar

Ocurrió en la capital del clasicismo germano, Weimar, que celebra el centenario por todo lo alto con la inauguración hoy del Bauhaus Museum, un edificio de nueva planta que expone un millar de piezas de la colección más antigua de un movimiento que dinamitó los cánones previos y creó un modo de combinar la belleza artística de los objetos con su funcionalidad que trascendería épocas y fronteras.

Fiesta de disfraces Bauhaus

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social

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Un siglo después, aquellos diseños Bauhaus, siguen pareciendo modernos. En su época resultaban tan radicales e incómodos, y los estudiantes y profesores de la escuela se conducían de modo tan poco convencional, que estilo y personas se hicieron insoportables para el nazismo.

HISTORIA

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Vista aérea del edificio de la Bauhaus en Dessau, 1927. (A. Körner (bildhübsche Fotografie) / Gentileza ifa)

En sus 14 años de existencia, intercalado entre dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño Bauhaus cambió para siempre el aspecto de la modernidad y revolucionó el pensamiento crítico, creativo y artístico del mundo.

La Bauhaus Manifiesto: “ La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la actividad arte...

Su lema era “regresar al trabajo manual”. A los estudiantes de la escuela se les enseñaba cerámica, grabado, encuadernación, carpintería, tipografía o publicidad

Imagen: Paola Manzana Fas

Diseños Bauhaus

La belleza y la utilidad son elementos que impulsan el diseño de varios objetos de uso cotidiano, sin decoraciones excesivas y dando una particular atención a la funcionalidad. Los diseñadores de la Bauhaus creaban objetos estéticamente agradables que podían reproducirse en serie con la intención de ponerlos a disposición de un amplio público. Encontraremos creaciones inspiradas en la bauhaus, aparentemente tan distintas entre sí, como la arquitectura o la tipografía, el diseño industrial o la pintura. Todo ello en las tres ubicaciones que tuvo la escuela: Weimar, Dassau y Berlín.

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Las técnicas industriales modernas ofrecían la posibilidad de trabajar materiales considerados inusuales en la producción de muebles de la época, como acero, vidrio, contrachapado y plástico, para facilitar la producción en serie y promover la idea de gran utilidad y practicidad. Hoy, sus desarrollos estéticos y funcionales pueden encontrarse en todos los hogares.

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Maestros de Bauhaus

La vocación social de la Bauhaus con su máxima de diseñar “para las necesidades de la gente, no para las necesidades del lujo”, lo cual le dio una aureola izquierdista que impulsó al Ayuntamiento de Dessau a despedirle en 1930.

Collage de Iwawo Yamawaki (estudiante de Bauhaus, 1932)

EL NAZISMO
En su historia, la Bauhaus padeció varias crisis económicas y gobiernos inestables. Su corta existencia tuvo relación con las derrotas del partido Socialista Demócrata Alemán SPD. A pesar de ello, fue sin duda un fenómeno cultural, pedagógico y de enorme influencia en el mundo del diseño.
Con la llegada del nazismo, muchos de sus artistas eligieron el exilio, mientras que otros, el colaboracionismo.
El abril de 1933, catorce años después de su fundación, y ya con Adolf Hitler como canciller, la Gestapo, paso a paso, desde la sede de Berlín hasta el resto, le bajó el telón para siempre…

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 Museo Estatal de Auschwitz – Birkenau

En el campo de exterminio de Auschwitz, perdieron la vida creadores asociados a la filosofía de Gropius como la húngara Otti Berger, la austriaca Friedl Dikcer-Brandeis o la alemana Lotte Mentzel, todas de confesión judía.


El diario Anhalter Tageszeitung lo celebró así: “La desaparición del suelo alemán de uno de los lugares más prominentes entre las manifestaciones artísticas del arte judío y marxista es una victoria grandiosa sobre el bolchevismo cultural”.
Gropius partió a los Estados Unidos y empezó a dar clases en la escuela de diseño de Harvard, Moholy-Nagy logró lo mismo en el Instituto Tecnológico de Chicago, Meyer ya se había refugiado en Moscú, y Kandinsky encontró en París su nuevo lugar en el mundo. Pero medio centenar, entre estudiantes y profesores, fueron asesinados, condenados a prisión o arrojados a campos de exterminio…


EL FUNDADOR

WALTER GROPIUS
Walter Adolph Georg Gropius (18 de mayo de 1883 – 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán, fundador de la Escuela de la Bauhaus.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928

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Bauhaus Dessau, 1926

Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios

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Mahler, Alma y Gropius

Entre 1910 y 1915, año estuvo casado con Alma Mahler
Alma y Gropius se conocieron y enamoraron en el verano de 1910. En aquella época, Alma estaba casada con el compositor y director de ópera austríaco, Gustav Mahler.


En 1919, Gropius funda la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus. Antes del primer curso, Gropius les explica que es la Bauhaus. “Una revolución estética y una nueva forma de vivir y de pensar. Los arquitectos, los escultores, los pintores, los diseñadores, debemos regresar al trabajo manual. La potencia artesana debe elevarse hasta el mismo nivel de las Bellas Artes, y crear objetos de consumo asequibles para el gran público”.


En el Manifiesto Bauhaus de 1919, entre otras claves del nuevo mundo propuesto, Gropius jugó fuerte en un punto: abandonar todos los modelos estéticos anteriores, incluyendo el educativo. “No creo en la separación de la Escuela de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. Son lo mismo. El artista es un artesano enaltecido, glorificado.

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los arquitectos del TAC

Estando ya en EEUU, en 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects’ Collaborative, más conocido como TAC

LOS DIRECTORES

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Hannes Meyer

HANNES MEYER
En febrero de 1928 Gropius propuso como segundo director a Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura, y lo logró, pese a la resistencia de varios profesores.

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Poster de Meyer

Meyer, según propia definición, era “un marxista científico”. Según su catecismo, toda creación de la Bauhaus debía tener un sentido social, ya que el creador estaba obligado a servir al pueblo. En cuanto al arte, era “superfluo y confuso”.
Era lo que esperaba el Partido Nacional Socialista, para cargar contra la utopía posible de Gropius. La Bauhaus para ellos, no era más que un grupo de comunistas al servicio de la Unión Soviética, y Meyer, un agitador bolchevique”.

Mies van der Rohe Haus Esters Krefeld

MIES VAN DER ROHE
Eran tiempos convulsos, y el tercer director, Mies van der Rohe, optó por centrarse en la estética. Tampoco eso sirvió para que los nazis les dejaran en paz. La escuela Bauhaus desapareció así en 1933, barrida por Hitler igual que la República de Weimar en la que había nacido.

Interior del edificio Bauhaus en Dessau

En 1925 un partido local filonazi logró echar de Weimar a la Bauhaus, que se mudó a la ciudad de Dessau, donde Gropius construiría el famoso edificio rectangular como nueva sede de la escuela, que también fue expulsada de allí en 1932 al ganar el Partido Nazi las elecciones municipales.

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Neue Nationalgalerie

En el área del Kulturforum ubicada en el centro de Berlín, se encuentra la Neue Nationalgalerie, última obra del maestro de la arquitectura, Mies Van der Rohe.
Su último director, Mies van der Rohe, se llevó las clases a Berlín, donde un puñado de alumnos y maestros resistió unos meses hasta que, con Hitler y los suyos ya en el poder, no tuvieron más remedio que disolverse en julio de 1933.

LOS ARTISTAS
La escuela contó entre sus miembros más destacados con Josef y Ann Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Marianne Brandt y Ludiwg Mies Van der Rohe, que luego extendieron su herencia hacia el mundo, ya que muchos se vieron forzados a emigrar por la coyuntura política de aquella tan convulsionada Alemania de la primera mitad del siglo pasado.

KANDINSKY

Pintor ruso, precursor del arte abstracto en pintura y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.

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Kandinski no solo enseñó en las clases de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma.

Después de una campaña de difamación nazi de la Bauhaus Dessau en 1932 se marcha a Berlín, hasta su disolución en julio de 1933.

Paul Klee y algunas de sus obras.

PAUL KLEE
Cuando Paul Klee asumió las funciones de ‘Meister’ (maestro) en la escuela de la Bauhaus de Weimar, en enero de 1921, ya era un célebre artista de vanguardia.
Como ‘Meister’ (maestro) Paul Klee comenzó a enseñar primero encuadernación y, más tarde, pintura sobre vidrio y pintura mural.

Paul Klee

Mas tarde, a Klee le resultaba cada vez más difícil conciliar sus ideales artísticos con aquellos de la Bauhaus.

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Academia de Bellas Artes de Düsseldorf

Klee decidió entonces abandonar Dessau y la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf le ofreció un puesto en 1930. Un año después aceptó la nueva posición dejando a su familia en Dessau.
Los nazis habían llegado al poder en Alemania durante el mismo año y Klee estaba en la lista negra del régimen que de ninguna manera aceptaba a un artista moderno con simpatías por la izquierda y Klee fue despedido de la Academia con efecto inmediato.

LOTTE BEESE

Lotte Beese

Fué la primera mujer en estudiar arquitectura en la Bauhaus
En 1919, todavía asfixiada por el eco sangriento de la Primera Gran Guerra, Charlotte Ida Anna Beese (Lotte), nacida en Reisitch, Alemania –luego Rokitiki, Polonia–, tiene 16 años y un padre de rigidez moral rayana en la tiranía.
Una mañana, no lejos de su casa y paseando por el bosque junto al lago con una amiga, ve una escena asombrosa: chicas y muchachos desnudos y alborozados, que se arrojan al lago, juegan, cantan, chapotean: un instante de libertad total. Quiere saber quiénes son. “Alumnos de una escuela de arte, creo”, le dice su amiga. “¡Quiero estar allí!”, grita, iluminada.
La decisión tiene alto precio. Su padre le prohíbe acercarse a “ese grupo de degenerados y comunistas”, Lotte se empeña, y herr Beese la echa de su casa.
La inscripción en la escuela, no es fácil. El examen de ingreso consiste en varias clases (algunas, hasta de relajamiento y respiración) en las que se pone a prueba la creatividad de los aspirantes.

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Lotte Beese fue amante de Hannes Meyer. Tuvo un hijo con él: Peter, y dos con el arquitecto holandés Mart Stam. Vivió y trabajó como arquitecta en media Europa. Se especializó en urbanismo.
Fue nombrada en 1946 directora del Departamento de Urbanismo de la Universidad de Arquitectura de Ámsterdam y realizó la reconstrucción de Rotterdam después de la Segunda Guerra Mundial.

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Pendrecht

Entre sus proyectos urbanísticos en esta ciudad destacan las resconstrucciones de Pendrecht y los distritos de Ommoord en el sur de Rotterdam, y su obra fotográfica puede verse en el MoMA, Nueva York, y en los museos Arthur Sackler (Harvard) y Getty (California).
Tuvo razón al huir, a sus 16 años, de un padre tirano, hechizada por chicas y muchachos desnudos que eran felices en un lago…
Según Lotte Beese, la primera mujer de la Bauhaus que estudió arquitectura, “algunos murieron en las cámaras de gas, unos pocos huyeron, y muchos colaboraron con el nazismo para salvar su vida”.

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Barracón de Sachsenhausen

EHRLICH
Por ejemplo, se convirtió en prisionero privilegiado: llegó a diseñador en jefe para las obras de expansión de Buchenwald –zoológico incluido–, y luego hizo lo mismo en el campo de Sachsenhausen. Murió en 1984 después de años de carrera en Alemania del Este.

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hornos crematorios de Auschwitz.

FRITZ ERL
lo superó en colaboracionismo: se alistó en las Waffen SS y diseñó las cámaras de gas y los hornos crematorios de Auschwitz. Junto con su socio Walter Dejaco, fue juzgado en 1972, pero declarado inocente: “No sabían para que se usarían nuestros diseños”, alegó.

HERBERT BAYER
En cuanto al gran diseñador gráfico Herbert Bayer, creador de los célebres posters de la Bauhaus y de muchos logos comerciales en los Estados Unidos.

Fue clave en la estética de las piezas de propaganda del Partido Nazi antes de la guerra…creativo estrella de los atroces designios de Joseph Goebbels llevados al papel para glorificar a la “Nueva Alemania”.

ARQUITECTURA
A raíz de la Primera Guerra Mundial, la escuela de arte Bauhaus de Alemania aportó un nuevo enfoque radical al diseño y a la estética que impactó la arquitectura modernista de todo el mundo.
La arquitectura en especial, reflejó esta impronta. En primer lugar procuraba evidenciar en el exterior, su función interior. Se hacía referencia al movimiento y la circulación de nuestro tiempo: “algo flotante, liviano y movido rítmicamente”. Todo esto había sido posible gracias al uso de los nuevos materiales: hierro, hormigón armado y vidrio. Siempre bajo la premisa principal: la necesidad de que le arte transformara la vida cotidiana. En los talleres Bauhaus se había logrado literalmente una solución novedosa para cada detalle a través de una simbiosis de arte y técnica. Estos son algunos de sus ejemplos más destacados:

Kornhaus

Diseñada por Carl Fieger, el Kornhaus (granero, en alemán) fue construido a orillas del río Elba en Dessau en 1930. El piso superior incluía un salón de baile y un área de restaurante. Debe su nombre a un granero histórico que estuvo en la misma localización hasta la década de 1870

Zollverein XII

El complejo industrial de la mina de carbón Zollverein XII en Essen, Alemania, fue diseñado por Fritz Schupp y Martin Kremmer.

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Después de mudarse a Estados Unidos, Gropius diseñó esta casa en Lincoln, en el estado de Massachusetts. A Gropius se le siguieron otros profesores de la Bauhaus como Ludwig Mies van der Rohe, Josef Albers, Herbert Bayer, Walter Peterhans y Laszlo Moholy-Nagy.

Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago

Mies van der Rohe diseñó el SR Crown Hall, la facultad de Arquitectura, en el Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago. El edificio se completó en 1956.

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Edificio de Tel-Aviv

Tel Aviv es la ciudad con más arquitectura Bauhaus. Hay más edificios construidos al estilo Bauhaus que en cualquier otro lugar del mundo, incluyendo cualquier ciudad de Alemania. El estilo fue llevado en los 30 por arquitectos europeos, mayormente alemanes y rusos, de la escuela Bauhaus que huían del régimen nazi

LOS DISEÑOS
Esa explosión, en arquitectura y diseño, dejó huellas eternas: desde la Silla Wassily, de Marcel Breur, hasta el mítico Edificio PanAm de Nueva York (hoy MetLife), pasando por la Máquina de escribir Olivetti Studio 42… Y por supuesto, las sedes de su escuela en Weimar –donde nació–, Dessau y Bernau.

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Hitler con Berthold Konrad Albert Speer

Iconos de la racionalidad contra (por mayor ejemplo) los monstruosos proyectos del alemán Berthold Konrad Albert Speer, el primer arquitecto del Tercer Reich, niño mimado de Hitler, y llamado, ante sus diseños de edificios y ciudades para el milenio de la cruz gamada, “el arquitecto del Diablo”, por sus “bodrios grandilocuentes”

Los diseños de muebles de la Bauhaus que consiguieron tener cierta continuidad fueron los tubulares que se han mantenido hasta nuestros días (a pesar de su precio y exclusividad) y que obtuvieron la aceptación de amplias capas sociales

LA SILLA WASSILY
también conocida como la silla Modelo B3, fue diseñada por el arquitecto modernista y diseñador de muebles húngaro Breuer entre 1925-1926; se inspiró para crearla mientras montaba su bicicleta; imaginó tomar el acero tubular, utilizado para el manillar, para doblarlo y hacer muebles.
La silla pronto se conoció como la Silla Wassily, que lleva el nombre del pintor ruso Wassily Kandinsky, amigo de Breuer.

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Mies van der Rohe. Linea Barcelona (sillón, banqueta, diván, mesa)

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LA SILLA BARCELONA
Creada en 1929 para la Exposición Internacional de Barcelona, fue diseñada por el director de la Bauhaus, Ludwig Mies van der Rohe, en colaboración con el arquitecto Lilly Reich; cuenta con dos cojines rectangulares delgados sobre un marco ligero de acero inoxidable.
El marco de la silla se rediseñó en 1950 con acero inoxidable, lo que permite su realización en una única pieza; el respaldo y el asiento son de piel bovina.

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LA SILLA BRNO
La silla Brno, diseñada por el arquitecto modernista Ludwig Mies van der Rohe entre 1929 y 1930, también ejemplifica el principio de Bauhaus de reducir objetos a sus elementos básicos, sustituyendo las cuatro patas, que normalmente lleva una silla, por una única barra en forma de C que soporta todo el asiento.

“BABY CRADLE”
El trabajo de Kandinsky fue la inspiración para la cuna del arquitecto alemán Peter Keler, que la diseñó en 1923 inspirándose en el libro de Kandinsky sobre la teoría del color.
Compuesta por formas simples como triángulos y rectángulos, y colores primarios, la base presenta un cuerpo de bloques de color en rojo y amarillo, con un balancín circular azul, una policromía reconocida como marca de la casa Bauhaus.

EL AJEDREZ
El artista Josef Hartwig, diseñó un juego de ajedrez de 32 piezas para la Bauhaus entre 1923 y 1924 con líneas, círculos y cuadrados mínimos, para reducir las piezas a su función básica de movimiento.
Al eliminar todos los símbolos religiosos y monárquicos que normalmente se usan en el ajedrez, el diseñador alemán propuso una visión del juego adaptado a una era moderna.

LA TETERA BRANDT
En 1924, la artista alemana Marianne Brandt tomó el diseño de una tetera convencional y la despojó de cualquier adorno para crear su infusor y colador de té de metal geométrico; a diferencia de las teteras convencionales, está destinado a destilar un extracto concentrado que, cuando se combina con agua caliente en la taza, puede producir té con la intensidad deseada.
El mango de ébano en forma de D está colocado en la parte superior del cuerpo para facilitar el vertido.

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Kurt Schmidt, Construcción para fuegos artificiales, taller de escenografía, 1923.Foto: A. Körner (bildhübsche Fotografie)

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Pero un arte-artesanía faltaba en sus programas: la fotografía. Por eso, en 1923, con la escuela ya en auge, le fue encargado el taller de metales al maestro húngaro László Moholy-Nagy, que incorporó esa maravilla visual que urdieron Niépce, Daguerre, Talbot, Eastman, a lo largo de años y experimentos.

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El húngaro enseño fotomontaje, montaje lumínico, foto escultura, collage: nuevas formas y nuevos temas: la esencia de Bauhaus.

A pesar de los cambios que experimentó entre 1919 y 1933, la Bauhaus siguió siendo el modelo ejemplar de la reforma de formación artística antiacadémica de la República de Weimar.
En resumen y palabras de Gropius : “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirán en objetos de consumo asequibles para el gran público”, Walter Gropius.
A partir del cierre de la Bauhaus en 1933, Gropius comenzó a integrarla a sus conferencias. La despojó de historia y nacionalidad. Desde entonces tuvo la convicción de haber creado un modelo de enseñanza atemporal y valido para todo lugar, un “denominador general de diseño”

FUENTES:

https://okdiario.com/curiosidades/google-celebra-centenario-escuela-bauhaus-doodle-especial-3978030

https://culturainquieta.com/es/arte/diseno/item/14914-diez-iconicos-disenos-de-mobiliario-de-la-bauhaus.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus

https://www.marca.com/tiramillas/actualidad/2019/04/12/5cb07e90268e3ee17d8b45d4.html

https://moovemag.com/2013/02/bauhaus-la-escuela-del-arte-del-diseno-y-la-arquitectura-del-siglo-xx/

https://www.infobae.com/america/cultura-america/2019/05/27/100-anos-de-la-bauhaus-de-la-revolucion-del-diseno-a-la-persecucion-nazi/

https://arquitectolejtman.com/2019/04/05/bauhaus-100-anos-el-impacto-que-esta-escuela-tuvo-en-el-diseno-y-la-arquitectura/

https://culturainquieta.com/es/arte/diseno/item/14914-diez-iconicos-disenos-de-mobiliario-de-la-bauhaus.html

https://www.metalocus.es


fotos edificios: Getty images

Los autómatas


La definición, según la RAE, de la palabra autómata, viene del latín. automăta, y este del griego. αὐτόματα autómata “ingenios mecánicos, que obran por sí mismos” y también autómata es una  “máquina que imita la figura y los movimientos de un ser animado” ​ el equivalente tecnológico serían los robots autónomos y si el robot es antropomorfo se le conoce como “androide”.​
Existe una cierta incertidumbre sobre el impacto económico de la programación y la amenaza del equipamiento robótico y recientemente se ha afirmado, con respecto a los robots, que en un intervalo aproximado de unos 10-20 años, el 47% de los trabajos  serán realizados por máquinas.
Estas son las conclusiones de un estudio de Oxford,  que pueden extrapolarse a otros países desarrollados.
Y se ha evolucionado, sí, pero hasta un límite, porque los expertos concluyen que las profesiones que requieren una mayor creatividad o inteligencia social “sobrevivirán” en términos humanos.
Por ejemplo, los diseñadores, coreógrafos , profesores de primaria, médicos o psicólogos…(Los trabajos creativos son aquellos que requieren el uso de habilidades cognitivas para producir bienes o servicios) siendo el sector salud, el que domina la lista de aquellas con un factor de riesgo de nada más el 1% o menos.
Las ocupaciones que se clasificaron como de riesgo “medio” de extinción de aquí a 2025, fueron:
Profesionales como jueces y magistrados (40%), economistas (43%), historiadores (44%), programadores (48%), pilotos comerciales (55%) y asesores financieros (58% de riesgo)

Fuente: https://www.bbc.com/mundo/noticias-38930099

Dicho esto, que nos da una idea de nuestro futuro y el de la automatización, vamos ahora a repasar, como y cuando se inició la creación de los primeros autómatas, que al cabo de los siglos evolucionaron hacia la robótica moderna.
Algunos de ellos, así como sus diseños, recogidos en libros, se pueden considerar auténticas obras de arte, por lo que creo pertinente compartirlo en páginas que traten del tema.


“El monje orando”de origen alemán c.1560

LOS ORÍGENES
Aunque resulte difícil de creer, la robótica es una ciencia que tiene miles de años. ASIMO o los robots de Sony no son más que el resultado de siglos de investigación.
La imagen del robot como máquina a semejanza con el ser humano ha prevalecido en las culturas desde hace muchos siglos. El afán por fabricar máquinas capaces de realizar tareas independientes ha sido una constante en la historia, a través de la que se han descrito infinidad de ingenios, antecesores directos de los actuales robots

Históricamente los primeros autómatas se remontan a la prehistoria, donde las estatuas de algunos de sus dioses o reyes despedían fuego de sus ojos, como fue el caso de una estatua de Osiris, otras poseían brazos mecánicos operados por los sacerdotes del templo

 Y otras, como la de Memon de Etiopía emitían sonidos cuando los rayos del sol los iluminaba consiguiendo, de este modo, causar el temor y el respeto a todo aquel que las contemplara
Los egipcios desarrollaron modelos matemáticos muy avanzados y construyeron automatismos muy sofisticados, como el reloj de agua.
LOS AUTÓMATAS EN GRECIA

“Pygmalion esculpiendo a Galatea”de Jean-Baptiste Regnault de 1786, Musée National du Château et des Trianons
 La mitología griega contiene  referencias sobre la vida artificial: Prometeo creó el primer hombre y la primera mujer con barro y les dio vida mediante el fuego celeste. Pigmalión, rey y sacerdote mitológico, descubrió como Galatea, una de las estatuas que había esculpido, tomaba vida, desvelando con ello el interés atávico del ser humano por los autómatas.

 Vulcano (Hefesto) en su fragua,  Rubens (1636-1638)
Ya en el siglo VIII a. de C., Homero, en su célebre Ilíada, describe a servientes mecánicos dotados de inteligencia construidos por Hefesto, el dios de la metalurgia, en su fragua.

Crátera con representación de Talos.

También se le considera el creador de Talos, autómata de bronce protector de Creta.

ARCHYTAS (428 aC-347 aC)

Anteriores a Herón,(que luego veremos) realizaron sus aportaciones como es el caso de Archytas, inventor del tornillo y la polea y famoso por su “paloma mecánica” capaz de volar gracias a vapor de aire en propulsión.

PHILÓN DE BIZANCIO (del 280 al 220 a.c.) 
Fue un escritor griego cuyos escritos trataron de mecánica, matemáticas, construcción de puertos y artilugios

Como los griegos no vivían mal y también le daban al vino, se le ocurrió diseñar: Su invención mas celebre se trata de una “camarera automática” cuando le ponía una copa en la mano, servía de una jarra en su otra mano vino y después agua dependiendo que tan fuerte se quisiera la bebida.

Y es que el término robot, que significa esclavo, viene que ni pintado: la sociedad griega despreciaba el trabajo, que era propio de esclavos y trataron a toda costa de no trabajar.

APOLONIO DE PERGA (262-190 a. de C)

Geómetra griego famoso por su obra “Sobre las secciones cónicas”. Él fue quien dio el nombre de elipse, parábola e hipérbola, a las figuras que conocemos.

Además de su famoso cono, (generador de todas las curvas resultantes de las diferentes intersecciones entre un cono y un plano) inventó una serie de autómatas musicales impulsados por agua.
 CTESIBIO (285 a. C.–222 a. C) 

Bomba de Ctesibio
Ademas de  autómatas musicales, cuya sonido lo creaba el paso del aire a través de diversos tubos, a la manera de un órgano, fabricó una serie de invenciones que establecieron las bases para el desarrollo de los compresores de aire y las bombas de vacío actuales.

Por supuesto también habría que destacar la Maquina de Antikhitera o Anticítera, que merece un capítulo aparte y dataría del año 87 a.C.

Hubo otros, como el terrible sistema descrito por Polibio (200 a. C.-118 a. C.) y utilizado por Nabis, tirano de Esparta, que consistía en un artilugio con “forma de mujer con clavos en su pecho” y brazos y que abrazaba mortalmente a todo aquel que incumplía sus pagos.

Trono de Salomón
Y otros aún más antiguos, pero de más difícil autentificación, como el mítico “Trono de Salomón”, descrito en la Biblia y otros textos árabes como un árbol de bronce con pájaros cantores, leones y grifos mecánicos además de ser móvil, pudiendo elevarse desde el suelo hasta el techo.

Pero el personaje mas importante de Grecia en el campo del automatismo fué:

HERÓN DE ALEJANDRÍA (del 20 al 62 d.c.)
Se dice de él, que pudo haber sido el “padre de la robótica”, fue un matemático e ingeniero griego del periodo helenístico, nacido probablemente en Egipto y que realizó su trabajo en Alejandría.

Esta reconstrucción del Hércules y el Dragón de Herón, corresponde a Giovanni Battista Aleoti,1589, Cuando Hércules golpea la cabeza del dragón, este arroja agua sobre su cara.

  En el año 62 Heron de Alejandría describe múltiples aparatos en su libro “Autómata”. Muchos de ellos, basados en los principios de Philon o Arquímedes, realizados fundamentalmente como entretenimiento y que imitaban el movimiento, tales como aves que gorjean, vuelan y beben

Dispensador de vino 

También  diseña ingeniosos mecanismos como la máquina de fuego que abría puertas de los templos o altares mágicos, donde las figuras apagaban el fuego de la llama.

También cabe destacar su “The automaton theatre” sobre su teatro de marionetas mecánicas que representaban la Guerra de Troya.

AUTÓMATAS EN ROMA

En la mitología romana, Vulcano, equivalente del Hefestos griego construye ingenios mecánicos que utiliza como sirvientes.

“La ofrenda a Príapo” Nicolas Poussin (1594-1665)
En Roma existía la costumbre de hacer funcionar juguetes automáticos para deleitar a los huéspedes.
Trimalción ofreció en su famoso banquete, descrito por Petronio en su “Satiricón”, pasteles y frutas que arrojaban un chorro de perfume cuando se hacía una ligera presión sobre un príapo (dios de la fecundidad, de exagerado pene, que como anécdota se descubrió en una restauración realizada en el Museo del Prado en 2009, bajo varias capas de pintura)

Estatua de broce de Príapo, en cuyo regazo estaban colocados pasteles y frutas.

EL ÁBACO

Ábaco romano de marfíl
Se tiene constancia de la existencia del ábaco ya entre el año 1000 y 500 a C, aunque existen dudas sobre si fue en Babilonia o en China dónde fue inventado.
Este ingenio matemático permitió el desarrollo de la computación y la inteligencia artificial que fueron desarrollándose paralelamente al interés por los automatismos y el diseño de máquinas imitadoras del ser humano.

AUTÓMATAS EN EL MUNDO ÁRABE
    La cultura árabe, heredó y difundió los conocimientos griegos, utilizándolos no sólo para realizar mecanismos destinados a la diversión, sino que les dieron una aplicación práctica, introduciéndolos en la vida cotidiana de la realeza. Ejemplos de estos son diversos sistemas dispensadores automáticos de agua para beber o lavarse
LOS HERMANOS BANU MUSA 

Trabajaron en la “Casa de la sabiduría”, el libro fue un encargo del califa Al-Mamun, que dio instrucciones a los Banu Musa para recopilar todo el saber  respecto a las máquinas, de las diversas obras grecolatinas que se habían conservado.​

Lámpara autoalimentable
Algunos de los artefactos se inspiraban en las obras de Herón de Alejandría​ y Filón de Bizancio, así como en la antigua Persia, China e India.​ Otros muchos fueron invenciones de los propios hermanos Banu Musa.

“El Libro de los Mecanismos Ingeniosos”
´Se trata de un libro escrito en el año 805 por los hermanos Banu Musa (Ahmad, Muhammad y Hasan bin Musa ibn Shakir) en los que son descritos​ un centenar de mecanismos y autómatas, y como emplearlos.

AL-DJAZARI (del 1136 a 1206 dC)
Llamado “el robotista del medievo” fue un importante erudito, artista, astrónomo, inventor e ingeniero mecánico y uno de los más grandes ingenieros de la historia, proveniente de Mesopotamia que floreció durante la Edad de Oro del Islam en la Edad Media.

Inventor del cigüeñal y los primeros relojes mecánicos movidos por pesos y agua entre otros muchos inventos de control automático, estuvo también muy interesado en la figura del autómata

“El libro del conocimiento de ingeniosos dispositivos mecánicos”, Automata, de al-Jazari. 1315

Escribió esta obra, considerada una de las más importantes sobre historia de la tecnología y que es una de las obras ilustradas más fascinantes del mundo árabe. Se dedica a la construcción de cincuenta dispositivos mecánicos, que van desde fuentes, relojes y puertas de palacio automatizadas hasta jarras, cerraduras y cerrojos. Terminado hacia el año 1205,del que se conservan copias manuscritas repartidas entre los Museos de Londres, Leiden, Dublín, París, Estambul, etc

Los dibujos presentados a continuación, pertenecen a este libro:

La llamada “Banda músical de Al Djazarí” 
Orquesta-autómata que operaba gracias a la fuerza del agua. Esta última estaba destinada a amenizar fiestas y banquetes   Compuesto por unas figuras con instrumentos musicales que, mediante diversos engranajes y ejes de levas  ( mecanismo que no sería descubierto en Europa hasta el siglo XIV),  así como una pequeña noria de agua,  permitía que del mismo saliese “música” o, al menos, ritmos musicales. Dado, que las clavijas responsables de las notas musicales  podían ser intercambiadas por otras distintas, con el objetivo de interpretar otra melodía, se considera una de las primeras máquinas programables de la historia.                                                             

“Reloj elefante” de Al-Jazari.
Complejo autómata con forma de elefante, animado por seres humanos y animales mecánicos que se movían y marcaban las horas.

Una reproducción del reloj de elefante en el centro comercial Ibn Battuta , Dubai 
Al-Jazari al terminar el desarrollo y la construcción de su reloj Elefante escribió: “El elefante representa las culturas india y africana, los dos dragones representan la antigua cultura china, el fénix representa la cultura persa, el agua representa la cultura griega antigua y el turbante representa la cultura islámica “que significa la mentalidad multicultural del intelectual Al-Jazari.

Diagrama de una flauta perpetua impulsada hidráulicamente

Uno de los capítulos trata sobre los dispositivos paralavarse las manos, como esta jarra grande sostenida por una mujer arrodillada en un pabellón abovedado. Al-Jazari sostiene que una vez que el pájaro silba, el agua se vierte en un recipiente debajo. Un pato luego bebe el agua usada y la libera a través de su cola en un contenedor escondido debajo de la plataforma.

LA EDAD MEDIA
La Edad Media supone un paso adelante en la creación de autómatas después de una época romana sin ninguna aportación importante.
En este periodo, se desarrollaron muchísimo los aparatos mecánicos, sobre todo en el arte musical, pues los primeros grandes órganos eran obras maestras de ingeniería.
VILLARD D´HONNECOURT (1200-1250)
Arquitecto o maestro  de obras itinerante, nacido en Francia, que ha pasado a la historia debido a que se ha conservado un cuaderno de viajes que le perteneció: el “Livre de portraiture”

En el año 1235, escribe este libro con bocetos que incluyen secciones de dispositivos mecánicos, como un ángel autómata, e indicaciones para la construcción de figuras humanas y animales, además de otros muchos bocetos de todo tipo.

“Livre de portraiture” detalles

“EL GALLO DE ESTRASBURGO”

  Otro ejemplo relevante de la época fue el Gallo de Estrasburgo que funcionó desde 1352 hasta 1789. Este es el autómata más antiguo que se conserva en la actualidad, formaba parte del reloj de la catedral de Estrasburgo y al dar las horas movía el pico y las alas.

LAS CABEZAS PARLANTES
Llegados a este punto, tengo que mencionar que, dentro de los autómatas hay un grupo que ha tenido una gran difusión a lo largo de la historia, las “cabezas parlantes”, seres que se creían entre la mecánica y la magia que hablaban, aconsejaban a sus dueños o predecían el futuro. La leyenda y el mito han influido mucho en este tipo de mecanismos encontrándose las primeras versiones en antiguos cuentos árabes.

Entre los autómatas de la Edad Media, donde destacaron:

EL PAPA SILVESTRE (del 945 al 1003)

Grabado del papa y el demonio, con el que se decía, había pactado
Antes de ser papa fue un erudito conocido como Gerbert d’Aurillac científico de su época, teólogo y filósofo, pero es en su faceta de matemático en la que más destacó.  Su creación más notoria se trataba de una “cabeza mecánica de bronce parlante”, a la cual al hacerle una pregunta, era capaz de responder en forma afirmativa o negativa. Debido a esto también se le atribuye al erudito el haber inventado la primera inteligencia artificial.

ALBERTO MAGNO (1204-1282)

Nacido en 1206 en Baviera, teólogo, filósofo y hombre de ciencia Alberto Magno es una de las figuras decisivas del pensamiento medieval. Se le han atribuido a lo largo de la historia multitud de obras tanto de carácter mágico como de creación de seres artificiales. En concreto dos, una de las llamadas “cabezas parlantes”, de las que se hablará más adelante, y de un autómata de hierro que le servía como mayordomo y en el que trabajó treinta años de su vida, era capaz de andar, abrir la puerta y saludar a los visitantes aunque otros autores afirman que además podía hacer más tareas caseras

  La cabeza parlante, la construyó -según sus propias palabras- usando : ”…Los ángeles del inframundo… “ y los misterios de la piedra filosofal para crear los “…metales y el desconocido material que le insuflaba vida …
De hecho esta cabeza parlante recuerda bastante al mítico Baphomet Templario y fué destruida a golpes por su discípulo Tomás de Aquino al creerla obra del demonio.

Otro de los ejemplos más famosos es la cabeza con forma de hombre de Roger Bacon (1214-1294), hecha de latón y que podía responder a preguntas sobre el futuro

O el de la figura de  Atanasio Kircher,y de su libro “Misurgia Universalis” donde describe con detalle la creación de figuras que pueden mover los ojos, labios y lengua.

Y siguiendo con el tema, en siglos posteriores, aparecieron otras cabezas parlantes, como la que Cervantes describió en su episodio del Quijote,que  se puede considerar un precedente renacentista: Cuando don Quijote y Sancho se entrevistan con la estatua asistimos a un juego de salón que agrega la ilusión a la ciencia

En cualquier caso, la mayoría de ellas conseguían la “voz” a través de diversos sistemas. El primero con base documental en conseguirlo fue Kratzenstein que con un sistema de tubos de órgano podía reproducir las vocales.

 O las creadas por el abate Mical, de tamaño natural y que, exhibidas de dos en dos, se contestaban la una a la otra.

En 1846, en el Gran Salón Egipcio de Londres, Joseph Faber expuso la versión más perfecta de estas máquinas, bautizada como Euphonia, que se utilizaba como el órgano de una iglesia y que podía desde recitar el alfabeto hasta responder preguntas, susurrar o reír.
Por un chelín por cabeza, los espectadores fueron llevados a una habitación oscura con poca luz para ver la Euphonia,
Catorce teclas de piano controlaban la articulación de la mandíbula, los labios y la lengua de la cabeza, mientras que los roles de los pulmones y la laringe se realizaban mediante un fuelle y una caña de marfil.

 EL RENACIMIENTO
En el Renacimiento, la tecnología predominante estuvo en los relojes… y sus personajes mas importantes fueron:

LEONARDO DA VINCI (1452-1519)
La genialidad de este excelso artista excede el campo de lo meramente pintoresco, y entre sus trabajos se pueden encontrar cosas tan extraordinarias como un precursor del helicóptero, un esnórquel, un paracaídas, un submarino y hasta un tanque, entre otras cosas.

Paloma imaginaria que aparecía, atribuida a Leonardo, en la serie de TV “Los demonios de da Vinci”
No existen datos de que fuera real, pero dado su ingenio y su afición por los pájaros, no sería tan increible.

En 1495 ya había diseñado uno de los primeros autómatas humanoides del mundo occidental: un caballero con armadura, que en su interior  albergaba un complejo mecanismo de ruedas y engranajes, cables y poleas, capaz de incorporarse, agitar los brazos, mover la cabeza (tenía un cuello flexible) y abrir y cerrar la mandíbula.

 Estas máquinas se relacionan con el canon anatómico del hombre vitruviano y sus claves matemáticas, aunque como muchos otros inventos de Leonardo no fue construido.

Este mecanismo fue reconstruido en la actualidad según los dibujos originales tal y como recogen el cuaderno recuperado en 1950

El segundo, mucho más ambicioso, se trató de un león mecánico construido a petición de Francis I, Rey de Francia (1515) para facilitar las conversaciones de paz entre el rey francés y el papa León X .

JUANELO TURRIANO ( 1501 a 1585)

Tambien conocido como Giovanni Torriani, fue un hábil relojero, ingeniero e inventor hispano-milanés.

“Astrarium” de Giovanni de Dondi 1364 (inspirador del “Cristalino”)
Llegó a España en el año 1529 llamado por Carlos I, y ya como Juanelo Turriano, fue nombrado Relojero de Corte y construyó para este rey el famoso “Cristalino”, un reloj astronómico que le hizo ser conocido en su época, porque era capaz de indicar la posición de los astros en cada momento, con objeto de interpretaciones astrológicas.

En 1540, el artesano Juanelo  construyó para el emperador Carlos V un mecanismo con la forma de una “joven que tocaba el laúd”. La máquina caminaba en línea recta y en círculo, tocaba de verdad el laúd pulsando las cuerdas, y giraba la cabeza para mirar en derredor.  (Kunsthistorisches Museum in Vienna)

EL ARTIFÍCIO DE JUANELO

Pero aunque no se trata de un autómata, propiamente dicho, Juanelo es más conocido por la máquina hidráulica que construyó para subir el agua a Toledo desde el río, conocida como el “Ingenio de Toledo o Artificio de Juanelo”.

Esta máquina conseguía llevar el agua del río Tajo hasta el Alcázar, situado a casi 100 metros por encima de su cauce y tiene una triste historia:
Para entender la importancia del “Artificio de Juanelo” hay que situarse en una ciudad como Toledo, rodeada en tres cuartas partes por las aguas del río Tajo, pero sin forma de abastecer a sus habitantes. Hasta que llegara la solución del Artificio, los aguadores o azacanes tenian que subir cientos de cántaros al día a lomos de asnos.

El agua que llegaba hasta los pies del propio Alcázar, allí se quedaba para su servicio, y al no ser repartido el líquido elemento con la ciudad, según el trato, esta y su Ayuntamiento se negaron a pagar a Turriano, los ocho mil ducados de oro y tampoco los mil novecientos para mantenimiento de tan grandiosa máquina

Ruinas del artificio de Juanelo, grabado publicado en 1858 en la revista El Museo Universal.

Y fue en el año 1581, cuando comenzó a funcionar el segundo “artificio”creado por Turriano, paralelo al primero,  para la ciudad de Toledo, aunque la ciudad siguió sin pagar al famoso “matemático mayor”, siendo al final el propio rey Felipe II el que siguió costeando parte de la obra,  pero debido a los problemas económicos, Turriano había dejado de pagar el mantenimiento del primero, que se deterioró y eso sirvió de coartada a Felipe II para, apropiarse del segundo Artificio y del agua por él bombeada. Segunda estafa.

EL HOMBRE DE PALO
 En Toledo, se le atribuye a Juanelo Turriano la creación de un autómata (entre otros muchos como danzarines, guerreros o pájaros voladores)

El  llamado “El Hombre de Palo” (del que queda constancia en el nombre de una calle de Toledo)

Se trataba de un sirviente autómata que se diferenciaba del resto por estar hecho de madera y que recorría las calles pidiendo limosna para su dueño haciendo una reverencia cuando la conseguía. (Otros autores más conservadores solo consideran a este autómata un muñeco de palo estático, que se colocó en la ciudad para recoger fondos para la apertura de un hospital)

El hombre de palo, no se conservó, pero existe una réplica moderna en Toledo.

En la Institución Smithsonian de Washington se conserva este autómata que algunos historiadores atribuyen también a Gianello Torriani. Representaría a San Diego de Alcalá, uno de los santos más populares en aquel momento y que daría nombre a la ciudad de San Diego,  Es de acero y mide 39 cm.

“EL MONJE ROBÓTICO”
Otra posible obra de Juanelo, fué este “fraile” con mecanismo de relojería, de 38 centímetros de altura, representa la figura del conocido fraile milagroso San Diego de Alcalá. El autómata estaba hecha de madera y hierro y se supone que fue fabricado  en la década de 1560.
El monje puede caminar, golpeándose el pecho, levantando su cruz y rezando en silencio. Hoy el monje reloj todavía puede deslizarse por allí, moviendo la boca y los brazos en oración silenciosa.

 La tradición en torno al monje es que el rey Felipe II, encargó a Turriano que crease el autómata penitente después de que su hijo Carlos  se recuperara de una enfermedad mortal, que el rey creyó milagrosa.

Detalle del monje autómata

Existe un pariente italiano del monje de palo, que no pide nada,  solo se desplaza, hace gestos con el rostro y toca un tambor. Este autómata que puede que también sea obra de Turriano y pertenece  a una colección privada, descrito así en el catálogo de la exposición de Cremona sobre Janello Torriani
Os aconsejo que visioneis este video, porque explica perfectamente su funcionamiento (esta en italiano, pero se entiende muy bien)

EL PAPAMOSCAS

 En España, el Papamoscas de la catedral de Burgos, construido en el siglo XVI, consiste en un hombre mecánico que se mueve con los cambios horarios y funciona aún hoy día , cuya misión es la de tocar las campanas señalando la hora: lo hace moviendo su brazo derecho (con el que mueve, a través de una campana, un badajo) al mismo tiempo que abre y cierra la boca. Si bien el mecanismo actual es del siglo XVIII, sustituye a un artilugio parecido de fecha anterior.

Los relojes con autómatas son muy abundantes en Europa y quizá el del Ayuntamiento de Praga, sea de los mas conocidos

 LOS AUTÓMATAS DEL S.XVII
RENÉ DESCARTES (1596-1650)

Uno de los más famosos casos de creación de un autómata humano, pero también donde es más difícil separar la historia de la ficción, es la historia de René Descartes  y su hija autómata
Cuentan que tras la muerte de su hija ilegítima Francine, de cinco años de edad, se sintió tan deprimido que se propuso construir una muñeca autómata lo más parecida a la fallecida
 Su inseparable unión hizo que la llevara de viaje cruzando el mar de Holanda. La tenía guardada en un cofre dentro de su camarote. El capitán del barco, intrigado por su contenido, consiguió entrar en el camarote y abrir el cofre.

Cual fue su espanto al comprobar que aquella muñeca se levantaba y movía, que  horrorizado, la tiró por la borda. Entonces Descartes, que solía destacarse por su mal humor, mató al capitán y lo tiró también, al igual que había hecho con la muñeca.
EL SIGLO XVIII: ÁUGE DE LOS AUTÓMATAS
Con la entrada en el siglo XVIII y los consiguientes avances en materia de relojería se llega a la que se considera la época donde mejores y más perfectos autómatas se realizaron de la historia. Su desarrollo, dominado por el carácter científico, ponía de relieve la obsesión por intentar reproducir lo más fielmente posible los movimientos y comportamientos de los seres vivos.  De esa manera, androides y animales mecánicos fueron realizados por relojeros atraídos por la medicina y por las ciencias naturales

JACQUES DE VAUCANSON 

Los tres autómatas de Vaucanson

Nacido un 24 de febrero de 1709, Jacques de Vaucanson, excelente relojero pero con amplios conocimientos de música, anatomía y mecánica, quería demostrar mediante sus autómatas la realización de principios biológicos básicos, tales como la circulación, la digestión o la respiración.

Sobre esta última función versó su primera creación “El Flautista” figura con forma de pastor y de tamaño natural que tocaba el tambor y la flauta con un variado repertorio musical
En la imagen se puede ver el flautista de Innocenzo Manzetti  (1849), ya que el otro desapareció.

Esquema del funcionamiento del flautista
. Vaucanson lo presentó en la Academia de Ciencias de Francia cosechando un gran éxito.

Más tarde, en 1738, crea su segundo autómata llamado “El Tamborilero” como una versión mejorada del primero. En esta ocasión la figura tocaba la zampoña de Provenza y el tamboril con veinte melodías distintas.

 EL PATO DIGESTOR DE VAUCANSON

Recreación moderna del canard

El tercero y más famoso fue “Le canard digérateur” de Jacques de Vaucanso, que fué aclamado en 1739 como el primer autómata capaz de hacer la digestión.

“El pato con aparato digestivo” transparente y compuesto por  más de 400 piezas en movimiento sólo en cada ala, podría batir sus alas, beber agua, comer granos de cereales, y era capaz de defecarlos.
La comida se recogía en un recipiente interior y se enviaban heces previamente almacenadas, por supuesto. Un proceso de digestión completo que los espectadores podían presenciar, al estar el abdomen abierto, aunque en realidad el pato era un engaño, pues lo que comía no era lo mismo que defecaba, sino que al interior del pato había un compartimento en el que se depositaba el grano que comía y del que salía algo parecido a un excremento. Pasados los años, Vaucanson, cansado de su propia obra, vendió las figuras en 1743. . Por desgracia, y tras su venta, los tres ingenios desaparecieron o fueron destruidos.
 . Por instigación de Luis XV, intento construir un modelo con corazón, venas y arterias, pero murió antes de poder terminar esta tarea.

EL TURCO MECÁNICO

“El Turco” tal y como lo veía el público.

El autómata más famoso de la historia fue un “impostor”. En 1769 el aristócrata húngaro Wolfgang von Kempelen fabricó un imponente busto de madera de un jugador de ajedrez, conocido como El Turco por su atuendo.
Esta máquina ajedrecista trucada fue construida  para impresionar a la emperatriz María Teresa de Austria. La máquina era capaz de jugar partidas de ajedrez con oponentes humanos.
Era operada en secreto por maestros de ajedrez con talento, pero durante décadas se creyó que era un autómata.

Posible funcionamiento real de “El Turco”.

 Fue uno de los mayores fraudes de su tiempo pero que, a pesar de ello, impulsó la creación de autómatas jugadores de ajedrez hasta casi nuestros días. El escritor Edgar Allan Poe, tras asistir a uno de sus espectáculos, planteó que tenía que haber un jugador real dentro del busto.

Construido en 1769, “El Turco” estaba formado por una mesa donde estaba colocado un maniquí con forma humana vestido con ropajes árabes. Una puerta en la parte frontal se abría y dejaba ver el supuesto mecanismo de funcionamiento del autómata. Un jugador oculto en el cajón, usando piezas magnéticas, podía disputar una partida boca abajo en la cara interior del tablero al tiempo que sus brazos estaban comunicados con los del busto mediante un dispositivo articulado
El campeón de ajedrez Johann Allgaier, fué el que se ocultó  y nunca fue descubierto y aún hoy día siguen siendo un misterio algunos aspectos de su invento
Este jugador fue una de las mayores atracciones de la época ya que, según contaban, era invencible.

Viajó a lo largo de Europa aún después de la muerte de su creador, pasando a manos de Johan Maezel, llegando a derrotar al mismísimo Napoleón Bonaparte durante la campaña de la Batalla de Wagram.

La fama de este autómata hizo que se crearan otras muchas réplicas con el mismo truco de funcionamiento, algunas de ellas en el siglo XIX como es el caso de “Ajeeb” presentado por Charles Hooper en 1868

o “Mephisto” nacido en 1876 consiguiendo ganar un torneo de ajedrez en Londres sin que nadie se percatara del artificio y que estaba controlado remotamente por medios electromecánicos

Así, podemos considerar a estos autómatas, tanto los falsos como los reales, como pioneros de los modernos juegos de ajedrez informáticos y de ordenadores como Deep Blue que mantienen el mismo espíritu y objetivos que sus predecesores: conseguir que una máquina pueda vencer a la mente humana.

LA INTÉRPRETE DULCIMER o “Joueuse de Tympanon”

Esta autómata fue construida en 1784 por Peter Kintzing y David Roentgen, el ebanista de Luis XVI, para la reina María Antonieta en Versalles.

Se dice que su pelo es el  de la reina y el vestido fue confeccionado, utilizando uno de los vestidos de María Antonieta.

FRIEDRICH VON KNAUSS (1724-1789)
Inventor del siglo XVIII  y creador de uno de los primeros autómatas escritores.
Knaus fabricó varios (al menos cinco) autómatas de escritura, de los cuales el primero se presentó en Francia en 1753. En sus ejemplos anteriores, la escritura solo se remontaba a una mano que sostenía una pluma. Sin embargo, el cuarto autómata de escritura tuvo mejoras significativas

El autómata, que se muestra en la figura, fue hecho por Knaus en 1764 y fue donado a su patrón, el Príncipe Carlos de Lorena. El mecanismo de relojería mueve una mano, haciendo que sumerja la pluma en el tintero y escriba las palabras “Huic Domui Deus / Nec metas rerum / Nec tempora ponat” (que Dios no imponga fines o plazos en esta casa)

Esta compleja creación mas perfeccionada, la formaba una esfera sostenida por dos águilas de bronce, en ella la figura de una diosa sirve de musa al autómata que con su largo brazo escribe en una hoja en blanco lo que previamente se le ha ordenado realizar.
El sistema de funcionamiento es capaz de hacer que el autómata moje la pluma en la tintero para poder escribir y cuenta con un sistema para pasar la página cuando esta ha quedado escrita.

El autómata de Knaus visto en un grabado antiguo

PIERRE JAQUET-DROZ (1721 – 1790)
 Posiblemente el mejor y más conocido creador de autómatas de la historia. Fue un famoso relojero y filósofo de finales del siglo XVIII,  quien entre 1768 y 1774 construyó tres autómatas de extraordinaria complejidad.

 Sus tres obras maestras «La pianista», «El dibujante» y «El escritor» causaron asombro en la época llegando a ser contemplados por reyes y emperadores tanto de Europa como de China, India o Japón.

LA PIANISTA
El primero de ellos, «La pianista», es un autómata con forma de mujer que toca el órgano, con la particularidad de que es la propia figura la que interpreta las obras pulsando las teclas con sus dedos sin tener el sonido pregrabado o procedente de otro lugar. Compuesta por 2500 piezas podía mover los ojos dirigiendo la mirada del piano a los dedos, inclina el cuerpo, respira y al finalizar cada tema hacía una reverencia.

EL DIBUJANTE
«El dibujante», por otra parte, estaba compuesto por unas 2000 piezas, tenía forma de niño sentado en un pupitre y podía realizar hasta cuatro dibujos distintos. Al igual que el anterior imita el comportamiento mientras realiza la tarea moviendo los ojos, las manos o incluso soplando en el papel para eliminar los restos del polvo del lápiz.

EL ESCRITOR

El último, y más complejo de los tres autómatas, es «El escritor», compuesto por más de 6000 piezas. Podía escribir utilizando la pluma gracias a una rueda donde se seleccionaban los caracteres uno a uno pudiendo escribir así pequeños textos de unas cuarenta palabras de longitud.

Como los anteriores, realizaba movimientos propios de un ser humano como mojar la tinta y escurrir el sobrante para no manchar el papel, levantar la pluma como si estuviera pensando, respetando los espacios y puntos y aparte, además de seguir con la mirada el papel y la pluma mientras escribe.

Los tres autómatas se pueden contemplar en el Musée d’Art et d’Histoire de Neuchâtel, Suiza.
Jean-Frédéric Leschot, relojero y socio de los Jaquet-Droz, se especializó en la fabricación de prótesis para sustituir miembros amputados, consiguiendo no sólo cubrir el aspecto estético sino desarrollar un alto grado de funcionalidad para los brazos y piernas construidos

ROBERT HOUDIN

La fama de los autómatas de Von Knauss y Jaquet-Droz llevó a muchos ilusionistas y prestidigitadores a incorporar trucos con autómatas en sus espectáculos. Es el caso de Robert-Houdin que creó varios autómatas que, aunque mecánicos, estaban más cerca del mundo de la magia. Cabe destacar un busto cantante donde se mostraba un sistema de engranajes con el que se decía que la figura cantaba, aunque la realidad es que detrás de ese mecanismo se encontraba una cantante auténtica.

EL CISNE PLATEADO

En 1773 el inventor, relojero y fabricante de instrumentos John Joseph Merlin construyó un cisne autómata de tamaño real.

El cisne plateado. Museo de Bowes

Al ponerlo en funcionamiento, sonaba una deliciosa música y el cisne movía la cabeza a ambos lados, se acicalaba el plumaje del lomo y se inclinaba sobre el agua para capturar un pececillo

EL TIGRE Y EL SOLDADO

Este extraño juguete mecánico de tamaño natural fue creado para el Sultan Tipu, sultán de la ciudad de Mysore y del sur de la India de 1782 a su muerte.
El soldado que el tigre ataca es un joven inglés llamado Munro. Un hombre joven de nacionalidad inglesa que cazaba cerca de Calcuta había sido atacado por un enorme tigre que, según las crónicas, medía “1,37 metros de alto y 2,74 de largo” que le provocó la muerte. La víctima era el único hijo del general Hector Munro, rival de Tipu en una de las guerras contra los británicos en  Mysore.

 Hechizado por la historia, el dirigente mandó construir el autómata.

Algunas de las rayas que componen el estampado del animal están huecas. La figura es en realidad una caja de resonancia para un órgano de teclas básicas y sonido aflautado.
Los fuelles, controlados con una manivela que regula el aire, simulan con confusos sonidos los rugidos del tigre y los lamentos del humano. El mecanismo también activa el brazo del hombre, que sube y baja sin lograr que el depredador se inmute.
El autómata fue descubierto en el palacio de verano del sultán en 1799 y enviado a Gran Bretaña. Ahora es uno de los artefactos más interesantes en el Museo Victoria and Albert.
El TROMPETISTA KAUFMANN

El trompetista, construido en 1810 por Friedrich Kaufmann en Dresde, Alemania, con vestimenta de español, tenía un fuelle de cuero para los pulmones y un conjunto de tubos que imitaban el sonido de un instrumento de metal.

EL TELAR JACQUARD

    A finales del siglo XVIII y principios del XIX se desarrollaron algunas ingeniosas invenciones mecánicas, utilizadas fundamentalmente en la industria textil, entre las que destacan la hiladora giratoria de Hargreaves (1770), la hiladora mecánica de Crompton (1779), el telar mecánico de Cartwrigth (1785) y el telar de Jacquard (1801).

Máquina de telar de Jacquard(1801)
Artefacto controlado por tarjeta en las cuales los huecos estaban estratégicamente perforados.
Este ultimo, fue el primero en aplicar las tarjetas perforadas como soporte de un programa de trabajo, es decir, eligiendo un conjunto de tarjetas, se definía el tipo de tejido que se desea realizar. Estas máquinas constituyeron los primeros precedentes históricos de las máquinas de control numérico.

ÚLTIMA ÉPOCA: 1848-1914

A finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX se siguieron creando autómatas de todo tipo, pero la realidad es que no fueron tan elaborados como sus antecesores y estuvieron más guiados al mundo del espectáculo.

“El fumador turco”
Entre los más importantes caben destacar “La pareja” de Alexander Nicolas Theroude,  la encantadora de serpientes de Roullet & Decamps, el fumador turco de Leopold Lambert, los escarceos con el mundo de los autómatas de científicos como Nikola Tesla y su robot sumergible con mando a distancia

El AUTÓMATA DE ROGER MOORE

 George Moore con su autómata caminante con forma humana y movido por la fuerza del vapor que podía recorrer distancias a casi 9 millas por hora.
En 1893 George Moore ideó un hombre de vapor que excitó la imaginación de quienes contemplaron el prototipo de lo que iba a ser todo un ejército de sirvientes capaces de liberar a la humanidad de los trabajos pesados o repetitivos… ¡y eso que la era de las cadenas de montaje ni siquiera había comenzado su reinado! Lo presentó en la Exposición de Chicago y  funcionaba porque  el tronco del maniquí encerraba una caldera calentada por gasolina y el motor, colocado debajo de dicha caldera, tenia una potencia de más de medio caballo a pesar de lo reducido de sus dimensiones
. Los gases desprendidos del hogar se escapan por la parte superior de la cabeza y forman el penacho del casco, y además tuvo la humorada de vestir a su hombre de vapor con una armadura de la Edad Media y de colocarle un cigarro en la boca, cigarro que también sirve de válvula de salida para el vapor

LA MORGUE MECÁNICA (La morgue de St. Dennistoun)

Atracción de feria macabra de los años 20, donde aparecen dos mujeres que acaban de reconocer los restos mortales de un ser querido. Una de ellas llora y hace el ademán de acercar el pañuelo al lacrimal para secarse las lágrimas de modo femenino; la otra intenta consolarla. En el depósito de cadáveres, un forense, un policía y dos investigadores trabajan en el caso.
Finalmente, con el estallido de la Primera Guerra Mundial la industria de los autómatas desaparece y no renacerá hasta la llegada de los modernos robots.

LOS MUSEOS

El Museo de Artes y Oficios de París
Tiene una excepcional colección de autómatas de los siglos XVIII, XIX y XX.

Museo de Colecciones de Artes Aplicadas en el Castillo Sforza en Milán
Cabeza de un autómata italiano (El Diablo), tallado en madera, siglos XVI y XVII, del Wunderkammer propiedad de Ludovico Settala. Podría hacer rodar sus ojos y mover su lengua, emitir un ruido y escupir humo de la boca.

Museu d’Autòmats del Tibidabo
El parque de atracciones del Tibidabo, en Barcelona, fue inaugurado en el año 1901 y entre sus atracciones se contaban una serie de autómatas distribuidos por todo el parque.

Hay payasos, gitanas que leen el futuro, hábiles equilibristas, verdugos en plena faena, maquetas animadas del parque,… y así hasta una cincuentena de piezas,

la monyos: 

AUTÓMATAS EN CHINA 

Las civilizaciones antiguas como la china también disponían de sus propios autómatas y mecanismos automáticos. Como la creada por el hijo del rey Tach`uan, hecho de madera, y tan semejante al hombre que confundían a todos los que lo veían, hasta que descubren su naturaleza y es destruido.

También el construido en el siglo II por Zhang Heng, que era un detector de terremotos que señalaba la dirección del epicentro.

EL KARAKURI JAPONÉS 

Fueron bastante populares en los siglos XVIII y XIX,  entre la clase aristócrata de Kioto, dominios feudales y el Shogunato de Edo.

Se les llamaba karakuri, que se podría traducir como “aparatos mecánicos para producir la sorpresa en una persona”y se distinguían tres tipos de figuras: las “Butai Karakuri” que se usaban en el teatro, las “Zashiki Karakuri” más pequeñas y con las que se jugaba en las habitaciones y las “Dashi Karakuri” que se utilizaban en las festividades religiosas

Su mayor tarea era la representación de mitos y leyendas tradicionales aunque existían de todo tipo como algunos que servían el te o lanzaban flechas con un arco.
Tanaka Hisashige (del 1799 a 1881)

fue un estudioso de la revolución tecnológica y científica europea, ingeniero, inventor de finales del periodo Edo a principios de la era Meiji y fundador de lo que pasaría a ser la Corporación Toshiba

Ya entrados en el siglo XX y XXI vemos como la tradición del karakuri se mantiene en los modernos robots japoneses, con la creación de complejísimos robots antropomorfos como ASIMO, QRIO o Repliee Q1 o mascotas robóticas como Aibo, descendiente directo de los autómatas animales de siglos pasados.

.

No quiero dejar de mencionar a otro precursor de la computación:
CHARLES BABBAGE (1791-1871) 

 Matemático y científico de la computación británico, que diseñó y desarrolló parcialmente una calculadora mecánica capaz de calcular tablas de funciones numéricas por el método de diferencias. Se le considera como una de las primeras personas en concebir la idea de lo que hoy llamaríamos una computadora, por lo que se le considera como “El Padre de la Computación”

La Máquina Diferencial
Esta máquina fue ideada por el militar, arquitecto e inventor alemán Johann Helfrich von Müller​ y redescubierta por el matemático británico Charles Babbage, ninguno de los cuales llegó a construirla

Es un dispositivo de naturaleza mecánica para calcular e imprimir tablas de funciones polinómicas y se introduce la capacidad de poder ser programado para la realización de unas actuaciones concretas.
.
Constituye un paso adelante para llegar a la concepción actual de robot; de suerte que si bien hasta el momento se ha trabajado en desarrollar su cuerpo en lo que a la movilidad se refiere, ahora se incluye también el primer atisbo de razonamiento automático, conocido más comúnmente como “inteligencia artificial”

ROBOTS DE CINE
Tenemos muchísimos ejemplos de films con robots y solo voy a presentar una muestra:

Réplica de la pionera “Metrópolis” 1927 de Fritz Lang

Y una de las mas recientes “La invención de Hugo” de Martin Scorssese, con el aliciente añadido de poder ver algunas películas de George Meliés

Y esto continua…

FUENTES

https://www.youtube.com/watch?time_continue=3&v=k_g7ISS9nFA   video Nancy

http://datociosos.blogspot.com/2016/03/casi-robots-de-la-antiguedad.html

http://automata.cps.unizar.es/Historia/Webs/automatas_en_la_historia.htm

http://mlozar.blogspot.com/2013/04/automatas-mecanicos.html

https://www.bbvaopenmind.com/automatas-los-ancestros-de-los-actuales-robots/

https://blogs.20minutos.es/trasdos/tag/automatas/

http://e-pursimuove.blogspot.com/2013/06/de-los-automatas-y-sus-maravillas.html

http://history-computer.com/Dreamers/Knauss.html

chity del amohttps://www.blogger.com/profile/080010416597106489421

La cocina de Leonardo da Vinci


En 1981 se descubre el llamado Codex Romanoff, una libreta en la que el polifacético artista anotaba recetas y comentarios acerca de los buenos modales en la mesa y donde muestra su interés por al arte de cocinar, unos valiosos documentos que años después se editan en el libro que hoy vamos a repasar :“Notas de cocina de Leonardo Da VInci”.

Desde muy joven Leonardo sentía una gran curiosidad y pasión por el mundo culinario. Mientras realizaba sus estudios con Andrea del Verrocchio todas las tardes iba a trabajar en una taberna llamada “Taberna de los tres caracoles”, junto al Ponte Vecchio de Florencia, esto para compensar la falta de ingresos.

Un día el cocinero de la taberna se va y el dueño de ésta le pide a Leonardo hacerse cargo de la cocina, llegando a dirigir su cocina en 1473.

Mas tarde. se dice que tras la muerte por envenenamiento de todos sus cocineros?, le echan del trabajo y nadie quiere contratarlo…

Poco tiempo después la taberna se incendia y Leonardo, junto con su amigo Sandro Botticelli deciden abrir un pequeño local llamado “Las tres ranas de Sandro y Leonardo”
Llegó a crear un nuevo concepto de platos , conocido hoy como la nouvelle cuisine.

El menú ilustrado que Leonardo y Boticelli confeccionaron para su taberna: los dibujos pueden delatar la mano de Boticelli, pero la escritura es, sin ninguna duda, la de Leonardo. Nadie podía entender ni una palabra, ni siquiera los clientes o los cocineros.

José Agustín Arrieta- “Bodegón”

Ingenia platos muy bien presentados, con pequeñas porciones de comida sobre pedacitos tallados de polenta, cosa a la que no estaban acostumbrados las gentes de la época.

Esta nueva forma de servir los platillos no es aceptada por los comensales pues las porciones eran pequeñas a diferencia de lo que estaban acostumbrados y el lugar no tuvo éxito y tuvieron que cerrar, ya que servian comida “rara” y “escasa”

SU ESTANCIA EN MILÁN

Milán, Castillo Sforzesco

Despues de este fracaso, Leonardo se traslada a Milán y su fama de ser refinado y tener excelente gusto lo lleva a trabajar en la corte de Ludovico Sforza, conocido también como Ludovico el Moro, organizando las fiestas y grandes banquetes de la corte.


LA ÚLTIMA CENA

Se dice , que era tanto el interés de Da Vinci en este campo, que incluso preparó un menú especial, sobre el que basó su famosa obra “La última cena”, encargada por Ludovico, para el Convento de Santa María della Grazie
De hecho primero ideó las recetas que aparecen en él antes que el cuadro en sí, como por ejemplo el “puré de nabos con rodajas de anguila”.

Durante casi dos años y nueve meses, realizó cientos de bocetos de alimentos, como los Huevos cocidos con rebanadas de zanahoria o el Muslo de pato con flores de calabacín.

Pronto empezó su labor en la corte de Milán, cuando se le encargó la organización de la boda de una sobrina de Ludovico para lo que Da Vinci puso toda la carne en el asador mecanizando el funcionamiento de la cocina y creando un menú degustación.


LOS “ARTILUGIOS”

Para manejar las grandes cantidades de comida que había que preparar para el evento, apostó por la invención de diferentes “electrodomésticos”(sin luz, claro) para la cocina.

Durante muchos años Da Vinci se esforzó en diseñar máquinas que modernizaran la cocina de su época, y muchas de ellas pueden considerarse predecesoras de objetos que utilizamos en la actualidad.

Muchas de sus invenciones se realizaron sobre 1482, mientras estaba al servicio del gobernador de Milán, Ludovico Sforza “El Moro”. Su talento fue mucho más allá de inventar las servilletas o la máquina para secarlas, llegando a idear un proyecto de cocina para el gran Palacio Sforza, en el centro de Milán.

Da Vinci llega a la conclusión de que se necesita una “fuente de fuego” permanente, y una de agua hirviendo.
También, unas cintas transportadoras llevaban troncos automáticamente a las chimeneas, la cuales contaban con una hélice movida por el aire que a su vez daba vueltas a los asados de forma automática.
. El artilugio consistía en una hélice instalada en el interior de la chimenea que se giraba por la corriente de aire caliente, y que estaba conectada por varios engranajes con el espetón, que se movía en función del fuego que hubiera.

Otro puesto que pretendió suprimir fue el de la mujer que calentaba los pucheros en la chimenea, gracias al calentador de agua, ideado con una serie de tubos metálicos enroscados y colocados sobre las cenizas del fuego. Un sistema de lluvia artificial para apagar los posibles incendios de las cocinas fueron otras de sus ideas, y aunque la mayor parte de estos inventos fracasaron en aquel momento, más tarde sirvieron de inspiración.

Otros utensilios, fueron la rebanadora de pan, una picadora de vacas,
En una ocasión, la troceadora de carne y de pan habían encallado cortando a un animal e, incluso (se cuenta) el brazo de un cocinero

Molinillo de peimienta

El sacacorchos para las botellas, el molinillo para la pimienta,

Picadora de ajos

Un objeto para triturar ajos y perejil …etc

Barbacoa

La barbacoa de leña que Leonardo diseñó para Ludovico Sforza en 1491 sigue siendo la base del modelo que comercializan hoy en día la Compañía de Barbacoas y Divanes con patentes de Leonardo en Vinci.

Aparador bebidas

El revolucionario aparador que Leonardo hizo para Beatrice d’Este tenía recipientes para el vino helado y el zumo de naranja helado, así como una placa caliente en el centro.

Cortador de berros

El diseño de Leonardo de un cortador de berros gigante fue fabricado en su taller en el Palacio Sforza de Milán; pero durante las demostraciones en los campos de berros cercanos al palacio, se desmandó y mató a dieciséis servidores de las cocinas y a tres jardineros. Posteriormente, Ludovico lo utilizó con muy buenos resultados contra las tropas invasoras francesas.

Máquina para hacer cucuruchos

Leonardo consideró la utilidad de que se bebiera en cucuruchos en vez de en vasos, sin tener muy claro el material para fabricarlos…

Batidora gigante
Cepillo giratorio para barrer

También se preocupó por la limpieza de la cocina, y pensó un sistema para mantener el suelo limpio que consistía en un cepillo giratorio que incorporaba una pala para recoger los restos que arrastraba el cepillo.(aspiradora renacentista?)

A veces los cocineros, hacían todo lo posible para no ser barridos por estos grandes cepillos encargados de mantener limpio el suelo.

Extractor de humo

Asi mismo, creó algo semejante a las actuales campanas extractoras, un dispositivo cuya función era eliminar los malos olores y los humos, que constaba de dos fuelles en el techo movidos por una manivela que estaba enganchada a un caballo.
Todos estos inventos, según cuentan los libros, fueron una catástrofe a la hora de su ejecución. Quizá Leonardo fuese un desastre para su época, pero sin duda ha sido un visionario para el futuro.


LA BODA SFORZA

La historia de Nastagio degli Onesti”, Botticelli

(atribuido también a Jacopo del Sellaio )

Cuando llegó el acontecimiento de la boda y todos los comensales ya estaban sentados a la mesa comenzó el lío:
Tan grande fue el mare magnun que se formó, que la historia la conocemos porque algunos asistentes al evento tuvieron que levantarse e ir a la cocina

Sabba de Castiglione

Uno de aquellos curiosos fue el embajador florentino Sabba de Castiglione di Pietro Alemani, quien dejó escrito lo que vio:
Al llegar a la cocina, Di Pietro pudo ver cómo uno grandes fuelles que pretendían mantener el aire limpio habían avivado el fuego consiguiendo que éste se propagara por toda la cocina, lo que a su vez había activado el difusor de agua contra incendios y a lo que se sumó que la máquina encargada de proveer de agua caliente se descontrolara provocando una total inundación. Este mal funcionamiento había conseguido que algunos animales (usados para mover estas máquinas) camparan a sus anchas entre pucheros, cocineros y artilugios.

NORMAS DE COMPORTAMIENTO EN LA MESA

Leonardo en la corte de Ludovico Sforza

Estas son las pautas de conducta apuntadas por Leonardo en el Codex Romanoff, donde uno de sus capítulos está dedicado a los hábitos indecorosos que, debieran suprimirse de la mesa. Estos son algunos:


LA SERVILLETA
Siempre preocupado por la limpieza tanto de la mesa como de los comensales confecciona un mantel de proporciones pequeñas para cada persona, es decir, inventa la “servilleta”. Sin duda uno de los grandes “inventos” de este genio, en el ámbito del protocolo gastronómico:
Da Vinci se permitió también darnos una buena recomendación: “NO TE LIMPIES LAS MANOS EN EL CONEJO”

Esta frase os sorprendera, pero tiene su explicación:

Ludovico Sforza el Moro

Leonardo decía: “La costumbre de mi señor Ludovico de amarrar conejos adornados con cintas a las sillas de los convidados a su mesa, de manera que puedan limpiarse las manos impregnadas de grasa sobre los lomos de las bestias, se me antoja impropio del tiempo y la época en que vivimos. Además, cuando se recogen las bestias tras el banquete y se llevan al lavadero, su hedor impregna las demás ropas con las que se lava.”

Formas de plegar las servilletas

¿Por qué no puede, como las demás personas de la corte, limpiarlo en el mantel dispuesto con ese propósito?


OTRAS NORMAS:
“Ningún invitado ha de sentarse sobre la mesa, ni de espaldas a la mesa, ni sobre el regazo de cualquier otro invitado.
No poner una pierna encima de la mesa.
No sentarse debajo de la mesa en ningún momento”.
No ha de pellizcar ni golpear a su vecino de mesa.
No ha de hacer ruidos de bufidos ni dar codazos.
No poner caras horribles ni lo ojos en blanco.
No escupir ni prender fuego al compañero durante la comida.
No hay que poner la cabeza en un plato
No tomar comida del plato de su vecino de mesa a menos que tenga su conocimiento.
No ha de poner trozos de su propia comida de aspecto desagradable o a medio masticar sobre el plato de sus vecinos sin antes preguntárselo.
No tomar comida de la mesa y guardarla en su bolso o faltriquera para comerla más tarde
No ha de enjugar su cuchillo en las vestiduras de su vecino de mesa.
No utilizar su cuchillo para hacer dibujos sobre la mesa.
No ha de hacer insinuaciones impúdicas a los pajes de mi señor, ni juguetear con sus cuerpos.
No ha de poner el dedo en la nariz ni en la oreja mientras está conversando
No ha de conspirar en la mesa (a menos que lo haga con mi señor)
No ha de golpear a los sirvientes a menos que sea en defensa propia
No ha de escupir ni hacia delante ni hacia los lados
No ha de pellizcar o golpear a su vecino de mesa
Y si ha de vomitar, entonces debe abandonar la mesa.

LOS ASESINATOS DURANTE LAS CENAS

Si hay un asesinato planeado para la comida, entonces lo más decoroso es que el asesino tome asiento junto a aquel que será el objeto de su arte, y que se sitúe a la izquierda o a la derecha de esa persona dependerá del método del asesino, pues de esta forma no interrumpirá tanto la conversación si la realización de este hecho se limita a una zona pequeña…
Después de que el cadáver, si lo hay, las manchas de sangre si las hay, hayan sido retirados por los servidores, es costumbre que el asesino también se retire de la mesa, pues su presencia en ocasiones puede perturbar las digestiones de las personas que se encuentran sentadas a su lado”.

LAS RECETAS
Las recetas aquí contenidas están recogidas del llamado Codex Romanoff y atribuidas al maestro del renacimiento Leonardo da Vinci
Entre las joyas que podemos encontrar en este Códice figura quizás el origen del
BOCADILLO.

A la hora de confeccionarlos, Da Vinci dudaba entre varios tipos :

El pan y la carne I:
“Me he puesto a pensar en tomar un trozo de pan y colocarlo entre dos pedazos de carne, mas ¿cómo deberé llamar este plato?”.
El pan y la carne II:
¿Y si dispusiera la carne entre dos trozos de pan?.
El pan y la carne III:
La rebanada de carrillo de buey deberá ir entre sendos pedazos de pan y no al revés. Será un plato como no se ha visto nunca antes en la mesa de mi señor Ludovico Sforza.

Bodegon de aves y liebres de Tomas Yepes S.XVII

“Ciertamente, se podría disponer toda suerte de cosas entre los panes:
Ubres, testículos, orejas, rabos, hígados… Los comensales no podrán ver el contenido hasta no cortarlos con sus cuchillos. Lo llamaré, por esta razón, “pan con sorpresa”.

Museo del Prado

Sopa de almendras:
“Habéis de hervir algunos nabos tiernos en una marmita en la que habréis puesto la cabeza cocida de una oveja; a continuación, aplastadlos con sal, pimienta y semillas de cominos; mezclad con ellos un huevo para ligar esta mezcla y con ella formad bolas y otras formas que cubriréis con migas de pan; en el centro de cada una de estas bolas y formas colocaréis un testículo tierno de cordero cocido. pondréis todo ellos en una marmita con aceite hasta que observéis que se torna duro y de color marrón, y entonces lo serviréis. No conozco la razón por la que este renombrado plato de Milán es conocido como sopa de almendras!”.

Pudín blanco:
“No es éste un plato para aquellos que tienen la peste, ni tampoco para aquellos que sufren del corazón. Es en verdad, un plato muy pesado, que perjudica asimismo a aquellos con molestias en el hígado y con piedras en la bilis, y es dañoso para la vista y los nervios de todos”.
“Pelaréis las pieles de las almendras y las pasaréis por la mano del mortero. Entonces, machacaréis las pechugas de media docena de capones, las mezclaréis con un poco de leche de cabra y aplastaréis todo en un cedazo. Lo agitaréis junto con la pasta de almendras, añadiréis cerca de veinte claras de huevo y algunas migas de pan blanco con un caldo algo graso, lo pasaréis todo por el cedazo mientras lo vertéis en la sartén. Después de algún tiempo, rociadlo con agua de rosas y pepitas de granada y servidlo”.

Bodegón con costillas y cabeza de cordero por Francisco de Goya

Testículos de cordero con miel y nata:
“Tomad los testículos de un cordero, despojadlos de sus pieles externas y dejadlos para que se empapen en agua fría durante algunas horas. Luego cortadlos o ralladlos en finas rebanadas, sazonadlos con sal y pimienta (y, añade Pietro Monti, asimismo un poco de azafrán para que adquieran un color menos enfermizo) y cocinadlos en mantequilla hasta el momento que al tocarlos los halléis blandos. Dejadlos luego que se enfríen, y cuando lo estén, verteréis un poco de nata y miel caliente sobre ellos y los serviréis. Es esta la manera correcta de servir testículos de cordero, aun cuando mi señor Ludovico se empeña en tomarlos calientes cuando le sean servidos, y de esa forma se le antojen el acompañamiento más idóneo para los nabos machacados que de tal manera le complacen”.

En el Códice Atlántico (libro que contiene escritos y dibujos de Leonardo y está en la Biblioteca Ambrosiana en Milán) se encuentra la receta para una bebida que posteriormente llamaron “Acquarosa de Leonardo” (Agua rosa de Leonardo) elaborada a base de extracto de rosas, azúcar, limón y un poco de alcohol.

Los Spango Mangiable

A Leonardo también se le atribuye la invención de el spaguetti o como el los llamaba “spago mangiable” (cordeles comestibles), el se encargo de perfeccionar la forma de los toscos tallarines llevados a Roma por Marco Polo a unos delgados y largos cordeles de harina de trigo. Posteriormente inventó el tenedor para facilitar el consumo de su invención.


LA VERDAD
¿Qué hay de verdad y mentira en la historia de Leonardo Da Vinci con la cocina?
Cierto es que Leonardo era un apasionado de la cocina declarado y que intentó crear varios inventos, aunque la mayoría acabaran en un desastre.
Pero no debeis preocuparos: Las “notas de cocina de Leonardo Da Vinci” es una recreación, una historia inventada por los historiadores británicos Shelagh y Jonathan Routh en 1987. Esta obra fue creada con el objetivo de entretener y divertir al lector, lo que consigue con creces. Un propósito tan claro que en Londres se presentó a la prensa el 1 de abril, día de los inocentes.
“Notas de cocina de Leonardo da Vinci” es un libro desternillante. Está escrito en un tono brillante y humorístico y va cargado de curiosidades (verdaderas o falsas, eso es lo de menos). Es un libro, lleno de barbaridades culinarias, artilugios imposibles, ocurrencias hilarantes e historias rocambolescas.
Se editó en España en 1999, bajo la batuta del experto en gastronomía Jose Carlos Capel, quien retiró un par de trampas introducidas por los autores: las referencias a las alubias y el maíz, productos americanos que a principios del XVI eran desconocidos en Europa. Sin embargo se mantuvo el dibujo de la máquina de pelar patatas, aunque estas tampoco habían cruzado el charco en aquellos tiempos.

No obstante, resulta asombroso el mito que se ha creado a partir de este libro que cuenta ya con 17 ediciones en su haber. Casi un dogma para muchos que creen, a pies juntillas, que Leonardo da Vinci inventó el bocadillo, la servilleta, el tenedor, el sacacorchos para zurdos, la máquina para cortar fiambres, la de secar servilletas y muchos otros artilugios.
El supuesto manuscrito original de Da Vinci que se denominó “Codex Romanoff” no está en el museo de l´Hermitage (Leningrado) como algunos piensan ni en poder de los herederos del genio renacentista. No está porque no existe. Hablamos de un libro imaginado cuyo contenido es completamente falso.
La clave está en que al traducir el texto, la editorial española optó por quitar los nombres de los Routh de la portada y promocionar el libro como auténtico.

FUENTES:
https://elpais.com/elpais/2011/09/07/gastronotas_de_capel/1315348669_131534.html
https://noloseytu.blogspot.com/2015/11/el-codex-romanoff.html


http://www.vivaleercopec.cl/2013/07/05/notas-de-cocina-de-leonardo-da-vinci/


https://www.homohominisacrares.net/humanidades/historia/leonardo-da-vinci-cocinero.php


https://www.aryse.org/de-una-broma-a-un-mito-el-libro-de-las-notas-de-cocina-de-leonardo-da-vinci/


https://curiososincompletos.wordpress.com/2011/10/23/leonardo-da-vinci-y-la-gastronomia-el-codex-romanoff/

BIBLIOGRAFÍA:

“Notas de cocina de Leonardo da Vinci” 1999 de Leonardo Da Vinci .Ediciones Martínez Roca (versión española)

“Notas de cocina de Leonardo da Vinci”(1987) Jonathan y Shelag Routh (versión inglesa)

La ciudad del perfume: Grasse (Provenza)

Grasse es la capital internacional de los perfumes. Situada en la Provenza-Alpes-Costa Azul (Paca), a unos kilómetros del mar Mediterráneo: a 14 kilómetros al noroeste de Cannes y a 30 del aeropuerto de Niza, pertenece al departamento de Alpes Marítimos.

Se encuentra en una colina a 750 metros de altitud.

Dominando vastos valles llenos de color por la cantidad de flores, sobre todo rosas, jazmines y nardos, que sirven para hacer los famosos perfumes.

Y es que el perfume es una seña de identidad de la ciudad de Grasse, desde el S.XVIII y que atrae todos los años a miles de turistas. De los 200 perfumistas que hay por el mundo, 40 se encuentran en Grasse.

Un campo de cultivo de la lavanda

LA PROVENZA
El entorno de Grasse, es uno de los lugares más bellos de la Costa Azul. Desde 2012, la región de los Préalpes d’Azur ha sido declarada Parque natural regional, por su biodiversidad: hay más de 2000 especies vegetales y también por sus paisajes.

Las hierbas de la Provenza

Tampoco, cuando se habla de los aromas de la Provenza, podemos olvidar esas hierbas que crecen por todos los rincones de la región y exhalan aromas penetrantes cuando se pasea por sus senderos: que son las hierbas de Provenza, el tomillo, el laurel, el romero, el estragón, el orégano, la mejorana,estrellas de la gastronomía provenzal y fundamento de muchos aceites esenciales y diferentes productos cosméticos.


RUTAS

Ruta de la lavanda

Hay 7 rutas de la lavanda que se pueden visitar de mediados de junio a mediados de julio, dependiendo de la floración.

Ruta de la mimosa

Y también una ruta de invierno que debe ser realizada entre febrero y marzo: la Ruta de la Mimosa, un itinerario de 130 km que discurre entre Bormes-les-Mimosas y Grasse, que nos invita a descubrir encantadores pueblos provenzales y magníficos paisajes pintados de amarillo, que nos embriagan con el aroma intenso de las mimosas.


Grotte de Thaïs en Saint-Nazaire-en-Royans 

Por otro lado, está la Réserve Biologique des Monts d’Azur, las cuevas de St Nazaire y las de Baume Obscure (a 20 minutos de Grasse).

HISTORIA

Grasse figuraba en los mapas desde la Edad media, desde el siglo XI, y desde el siglo XII posee una activa actividad comercial.

Vista del caserío de Grasse y la Catedral de Santa María del Puy

En cuanto a Grasse, se trata de una ciudad medieval fundada en el siglo VII que posee auténticos tesoros de la arquitectura genovesa y provenzal.

palacetes y casas restauradas de los siglos XVII y XVIII,

callejuelas estrechas y laberínticas que conducen a una hermosa catedral, soportales, arcadas, plazas con fuentes llenas de encanto…

De hecho, la ciudad de Grasse ha sido condecorada como Villa de Arte y de Historia por el Ministerio de cultura, como premio al valor de su patrimonio.

Place des Aires

Para descubrir el casco antiguo lo mejor es comenzar por la Place des Aires, con esas casas con arcadas y la fuente de Luis XV

Y seguir por las calles llenas de tiendas y puestos típicos, para después perderse callejuelas , que se convierten a menudo en escaleras.

Ayuntamiento

Admirar la torre y restos de las murallas del siglo XVI, el antiguo Palacio Episcopal que alberga el Ayuntamiento,
Además de palacetes (hôtel de Pontevès, hôtel de Cabris, Court de Fontmichel…), y hermosas villas del siglo XVIII.

El casino Belle Époque (hoy palacio de congresos)


LA CATEDRAL


Catedral de Notre-Dame du Puy

Entre los edificios más importantes se encuentra la Catedral de Notre-Dame du Puy, de estilo románico provenzal, construida en el siglo XI.

Catedral interior con el Lavatorio de Fragonard

En su interior alberga un bello retablo, tres cuadros de Rubens, un Fragonard, vidrieras y estatuas de Baillet.

MUSEOS

Hôtel de Cabris


Museo de Arte e Historia de Provenza:
Situado en un palacete, el Hôtel de Cabris, en el que pueden descubrir la vida cotidiana en la Provenza a través de diferentes obras y objetos.

Villa-Museo Fragonard:
Consagrado al pintor Jean-Honoré Fragonard, pintor de la Corte del Siglo XVIII, que nació en Grasse y vivió allí durante la Revolución francesa.

Destilería antigua

Museo Internacional de la Perfumería:
Es el mas importante y un museo único que reconstituye los 4000 años de historia del perfume:

Explica el origen y la evolución del perfume de Persia a Polinesia y de la Antigüedad al siglo XXI a partir de utensilios originales de Egipto, como khol; frascos griegos (que muchos más siglos más tarde sirvieron como inspiración para los perfumes de Paco Rabanne)

Potpurri

Ambientadores con pot-purri (mezcla de flores y especias naturales secas que comenzaron a usarse en la edad media para combatir los olores de la peste negra)

O una galería con lo botes “del perfume de cada año” desde 1900 y la evolución de las técnicas.

En el primer piso se exponen los frascos de perfumes diseñados hasta la actualidad

Colección de frascos antiguos
La colección de etiquetas

En otro piso donde se exhiben las etiquetas donde puede observarse la creatividad de los dibujos.

Y en la terraza, en un invernadero, se pueden oler las esencias con las que se elaboran los perfumes.

El neceser de supervivencia de María Antonieta (pesaba unos 40 kg,)
Foto: charcotrip.com
Perfumero de María Antonieta

La joya de la corona (y nunca mejor dicho) es la Sala del neceser, donde se veneran las coquetas bolsas de aseo que usó María Antonieta durante sus escapadas, que puso de moda el perfume de flores, allá por el siglo XVIII.

Los jardines de este Museo de la Perfumería constituyen un conservatorio de plantas destinadas a hacer perfume, un jardín botánico en el que se puede admirar el patrimonio agrícola y paisajístico ligado al cultivo local de estas plantas.

Perfumería Gallinard

Solo tres de las históricas perfumerías, son visitables: las de Molinard, Gallimard y Fragonard. Todas ellas incluyen una parte didáctica que explica el proceso de fabricación de las fragancias.

HISTORIA DEL PERFUME

El perfume (proveniente del latín per, «por» y fumare, «a través del humo») hacía referencia, en tiempos muy antiguos, a la sustancia aromática que desprendía un humo fragante al ser quemada

En la Edad Media siglo XVII en Grasse se curtía cuero para: guantes, botas, y carrozas, con su característico olor… Pero allá por el siglo XVII un emprendedor curtidor, Galimard, será quién tenga la idea de perfumar los guantes.

Catalina de Médicis

En una alarde visión de marketing moderno, elige a Catalina de Médicis para regalarle un par, esta fascinada comenzará a imponer su uso en la corte, y la alta sociedad adoptan la costumbre con entusiasmo.


Para cuando sobreviene la decadencia de la industria del cuero, debido a las tasas y la competencia con Niza, llegará el momento dorado del perfume.

La suerte quiere que en Grasse se dé un microclima Mediterráneo al resguardo del viento, cuenta con un suelo ideal para el cultivo de las flores necesarias para la elaboración de perfumes.

Los olores propios del país de Grasse (lavanda, rosa, Jazmín, nardo, violeta, mirto, flor de azahar salvaje, mimosa). El jazmín es la flor más típica de Grasse y fue introducida en Europa en el siglo XVII procedente de la India.
Grasse se convierte así en la cuna del perfume mundial y en la actualidad, cuenta con más de dos mil quinientos técnicos dedicados exclusivamente a la industria del perfume.

Alambiques para la destilación

La perfumería se desarrolla en la ciudad de Grasse en el siglo XVII, pero evolucionará a lo largo del siglo XVIII, cuando surge un nuevo procedimiento de extracción de las flores del principio que dará lugar al perfume:la destilación de los aceites esenciales

Un método que permite separar las partes más volátiles de las que lo son menos, el vapor arrastra las moléculas de olor y al tener estas diferentes densidades, es fácil de separar estos componentes una vez que se enfrían: el agua, de los aceites esenciales.

La mayor parte de las esencias ya existen completamente formadas en la planta o vegetal; sin embargo, otras no preexisten sino que se forman por la acción del agua sobre determinadas partes del vegetal por cuya acción se combinan ciertos elementos que se encuentran en las células y determinan su formación.

Bálsamo de Margot variante de enfleurage

Los fijadores que aglutinan las diversas fragancias incluyen bálsamos, ámbar gris y secreciones glandulares de ginetas y ciervos almizcleros.

Almizcle

El almizcle se obtiene principalmente a partir de una glándula cercana al ano del ciervo almizclero macho, quien se cree utiliza el olor para atraer a las hembras. En la actualidad, estos animales están protegidos en muchos países, por lo que los fabricantes de perfumes utilizan almizcle sintético


PROCESO DE OBTENCIÓN

Las flores se introducen en grasa a una temperatura de 50-80ºC.

Maceración.

Cuando se procede por maceración en la industria, es necesario colocar las flores en unas grandes calderas manteniéndolas sumergidas a fin de que suelten el olor.


Expresión.

Otro procedimiento extractivo es la expresión; muy conveniente en la cidra, la naranja y la bergamota. Cuando el fruto es abundante, se exprime para recoger el aceite.


Destilación.


Para ello, se emplea un alambique de cavidad bastante grande

Este método es el más empleado especialmente para flores, plantas y hierbas, tales como la lavanda, rosas, alhucema, tomillo, sándalo, mimosa, etc.


Enfleurage.

Enfleurage de jazmines en manteca

El procedimiento extractivo de disolución sirve para ciertas flores delicadas y consiste en impregnar las sustancias aromáticas en grasa y después extraer el aceite oloroso con alcohol.

Enfleurage de rosas

El proceso dura hasta 3 días, y puede hacerse por superposición sobre una manteca sólida o inmersión de las flores en la grasa ligeramente calentada para licuarla, con esta última modalidad, se puede licuar varias veces la grasa, colarla y cambiar las flores, de modo que cada vez queda más perfumada.

Preparación de las rosas en un país islámico

Se trata de un método antiguo, que no es eficiente, la esencia queda muy diluida en la grasa, por ello hoy en día en perfumería su uso es escaso.

Enfleurage en una factoría del S.XVIII.


Absoluto

Tras el enfleurage, falta un último paso que permite extraer la esencia llamada “absoluto”.El proceso para obtener el absoluto es básicamente mezclar la grasa con alcohol de modo que la fragancia se transfiera a este, luego separar grasa de alcohol y hacer que este se evapore dejando únicamente la esencia concentrada y pura.

En la actualidad el enfleurage solo se utiliza con flores que no toleran otros métodos, el caso más conocido es el jazmín, del cual se obtiene el “absoluto” tras un proceso de “enfleurage”.

El órgano de perfumes

El órgano de perfumes:

A principios del siglo XX, los componentes odorantes son tanto la memoria del perfumista como su órgano de perfumes, ordenados en semicírculo a su alrededor. Así tenía al alcance de la mano esencias de flores absolutas, esencias de plantas aromáticas, resinas, bálsamos y extractos Era el lugar donde tradicionalmente un perfumista trabaja en la composición de varios perfumes.

Tipos de perfumes, según su intensidad aromática:
Perfume: la forma más concentrada, entre el 15-45% de esencia aromática.
Eau de Perfume (EdP): concentración del ~15%.
Agua de baño, más conocida como Eau de Toilette (EdT): concentración del 7-15%
Agua de colonia, Eau de Cologne (EdC): la misma concentración que el anterior pero con aromas cítricos

Splash con una concntración del 1%

LA PIRÁMIDE OLFATIVA

Pirámide olfativa

La pirámide olfativa describe la estructura de un perfume, define las notas que percibimos y que se van desarrollando con el tiempo. Consta de:


Notas de salida o cabeza: Son el primer contacto con la fragancia. Se perciben durante los primeros 15 minutos aproximadamente y se pueden apreciar hasta 2 horas después.
Notas de corazón o cuerpo: Identifican al perfume, son las notas esenciales para decantarnos por la fragancia. Se perciben a partir de los 15 primeros minutos y se pueden apreciar hasta 6 horas después.
Notas de fondo o base: Reafirman la identidad del perfume y otorgan el carácter del mismo. Suelen ser esencias que dan profundidad a la fragancia como la madera, el ámbar, el almizcle o las especias. Se perciben a partir de las 2 horas. Son las que perduran en la piel

Para elegir un perfume se debe aplicar sobre la piel y olerlo pasado los primeros 15 minutos, para poder así identificar las notas de corazón y la familia olfativa que mejor acompaña a cada personalidad.
Cada perfume posee una historia, una inspiración del perfumista, una elección de familia olfativa: floral, oriental, amaderada o fresca.

Chanel nº 5

Esta industria será muy próspera, y en el siglo XIX, con la Revolución Industrial se inventan nuevas máquinas y nuevas técnicas de extracción. En la villa se establecerán varias fábricas de perfume que crean fragancias que después venden a grandes marcas, como Chanel.
Hoy en día las destilerías de Fragonard, Galimard,Molinard, las prestigiosas IFF, Robertet, Givaudan entre otros están presentes en la capital del perfume, además de la presencia de todas las casas importantes de la industria: Grasse cuenta con la densidad de población en perfumistas más alta del mundo.

No obstante, los perfumes contienen en nuestros días una mayoría aplastante de productos químicos sintéticos, por lo que las empresas pues se adaptaron volviéndose hacia los aromas alimentarios, sacando provecho de ventajas tales como el conocimiento de las materias primas, instalaciones, etc

LAS FLORES DE GRASSE
Los campos de jazmines y rosas son las flores emblemáticas del Pays de Grasse y, junto a flores como las violetas, el azahar, los nardos o los claveles, forman parte de los aromas de la Provenza.

Recolección de las rosas de Mayo

En la región de Grasse existen enormes campos de cultivo de estas flores destinados a la fabricación de perfumes.


ROSA CENTIFOLIA.

También conocida como Rosa de Mayo (Rose de Mai) es la principal flor de Grasse; motivo de celebraciones en la fecha de su recogida que le da el nombre.

Destinada casi en su totalidad a la elaboración de perfumes de alta gama debido a su elevado precio, destaca su carácter dulce, femenino y altamente sensual.
La Rosa Centifolia si no se cosecha en el momento en el que brota, ya no sirve, por lo que hay que hacerlo todos los días durante el período de floración en el mes de mayo, de ahí su otro nombre: “Rosa de Mayo”.


TUBEROSA: EL NARDO

El nardo, como es conocida en España, se está tratando de recuperar e impulsar en los últimos años entre los perfumistas de Grasse. Para Molinard es clave en alguna de sus creaciones. Esta flor blanca destaca por su olor embriagador como nota de corazón en perfumes florales y orientales. El nardo (Polianthes Tuberosa) florece en verano


VIOLETA

La violeta (Victoria Odorata) se cosecha dos veces por año, en mayo y en agosto, y sus hojas se utilizan en perfumería, pero también en confitería, así como sus flores que tienen un aroma picante.


MIMOSA.

En el mes de marzo las colinas de la Costa Azur se tiñen de amarillo con la flor de la mimosa. Es una planta a camino entre el mar y la montaña. Irradia olor dulce, suave y nebuloso, con notas que rememoran la infancia. Es uno de los emblemas de la casa Galimard.


LAVANDA.

Si bien la Lavanda y el Lavandin (variedad de alta montaña) son icono de la Provenza francesa, tienen también un papel histórico en Pays de Grasse.

“Fougère clásico” (El término Fougère se utiliza para describir una familia olfativa, es una clasificación que se utiliza en el mundo de la perfumería. Así como hablamos de familias florales, orientales o afrutadas, fougére es una familia más. Una fragancia fougére se crea a partir de notas de lavanda, musgo, madera y cumarina, principalmente en perfumes masculinos.


JAZMÍN.

Jazmín

El jazmín es una de las flores más típicas de Grasse y fue introducida en Europa en el siglo XVII procedente de la India. En la actualidad se recogen de 2 a 3 kilos de jazmines todos los días (1 kilo equivale a 8000 flores), que pasan a ser tratadas industrialmente para obtener una esencia
Es procesado tradicionalmente con la técnica de enfleurage en frío; consistente en la absorción del aroma de la flor a través de la aplicación de grasa en paneles de cristal. Actualmente este método ha sido sustituido por la extracción mediante solventes para obtener el absoluto de jazmín.

Cosecha de jazmín

Esta flor es el icono de la casa Fragonard. El jazmín Grandiflorum se utiliza por ejemplo para el famoso perfume Chanel nº 5 y se cosecha al alba, de julio a octubre, para lo que poseen sus propias plantaciones de rosas y de jazmines.


LYS E IRIS

Flor de Lys

Otras flores utilizadas para la perfumería son el Lys de la Madone y el Iris Pallida. El Lys, con sus enormes flores de un blanco inmaculadoy morado, tiene un aroma dulce, y los campos de lys florecen en junio.

Iris o lirios de Van Gogh

En cuando al Iris, podemos considerarlo otro símbolo de la Provenza, junto a la lavanda, ya que su historia está íntimamente ligada a la región: recordemos que inspiró a Vincent Van Gogh cuando vivió en Saint-Rémy de Provence, que descubrió los iris en los jardines del Monasterio Saint-Paul de Mausole.

ACONTECIMIENTOS EN GRASSE

La Fiesta del Jazmín

La Fiesta del Jazmín
En agosto, la ciudad de Grasse se inunda de flores durante tres días. Esta fiesta se celebra desde hace 64 años en honor al jazmín, una flor que encontramos por todas partes en Grasse y que ya forma parte de su patrimonio. Uno de los eventos más conocidos es la batalla de flores, en la que la gente es rociada con agua de jazmín y agasajada con ramos de flores.

Paulina Borghesse copia de la escultura de A. Canova

Además, en los jardines de la Princesse Pauline (hermana de Napoleón I) tiene lugar una comida provenzal. Y las calles, plazas y jardines de la ciudad se llenan con la música de grupos provenzales y charangas.

La Expo Rose
Este evento internacional tiene lugar en el mes de mayo en toda la ciudad de Grasse, pero sobre todo en los jardines de la Villa Fragonard y en la Cour Honoré Cresp. Es espectacular, ya que más de 50 mil rosas de todos los colores se exponen en cerámica típica. Llegan horticultores de todo el mundo para exponer diferentes variedades de rosas.


Las Siestas perfumadas
Tienen lugar en diferentes de la ciudad: en algunas plazas, en el Jardin des Orangers…donde se instalan tumbonas a disposición de los visitantes, que podrán descansar, disfrutar de las vistas y, sobre todo, de diferentes olores (cada año se dedica a fragancias concretas). Las Noches perfumadas son un concepto original, diferente, ¡todo un despertar de los sentidos!.


Las Noches perfumadas (Nuits Parfumées)
La ciudad de Grasse, en colaboración con el Museo Internacional de la Perfumería, propone al visitante una temporada estival llena de espectáculos, exposiciones y eventos en los que el perfume es el tema central. Noches especiales en la capital del perfume: paseos perfumados por el centro histórico en el que se puede sentir el olor del jazmín, de las rosas o de la flor de azahar; disfrutar de diferentes animaciones en los jardines inundados de aromas delicados que embriagan al visitante: lectura pública, conciertos, teatro…

GRASSE EN EL CINE

La localidad de Grasse se ha hecho famosa también gracias a la película del alemán Tom Tykwer “El Perfume”, basada en el célebre libro de Patrick Süskind.

Dustin Hoffman y Ben Whishaw

El protagonista, Grenouille, viaja a Grasse para crear la fragancia perfecta, y allí trabaja de ayudante haciendo perfumes y aprendiendo nuevos métodos.

Decorado de la película

La película ha sido una estupenda publicidad para la villa, a la que han llegado turistas interesados en descubrirla, así como sus talleres de perfumería.

FUENTES:

https://www.la-provenza.es/aromas-de-la-provenza
https://www.la-provenza.es/grasse
https://101lugaresincreibles.com/2018/09/una-ciudad-de-provenza-que-es-la-capital-del-perfume-grasse.html
http://elblogdemaitegarcia.blogspot.com/2015/08/siesta-perfumada.html
https://es.slideshare.net/zaraorg/el-perfume-13609711
https://www.academiadelperfume.com/historia-perfume/
https://www.oui.sncf/article/la-decouverte-des-parfums-grasse-66238
https://es.wikipedia.org/wiki/Perfume

El arte de la piedra dura

La práctica de componer imágenes a base de insertar piezas coloreadas de diversos materiales como vidrio, barro o piedras duras, conocida como mosaico, fue dominada a la perfección entre los antiguos romanos en el llamado opus sectile, o taracea de mármoles y piedras duras polícromas, una técnica rara y costosa que vivió su apogeo durante la época del emperador Augusto

Tigresa atacando a un ternero, opus sectile en mármol en la Basílica de Junius Bassus Museos Capitolinos Roma

El llamado mosaico florentino es el arte de tallar las piedras duras de manera que cortadas y ensambladas unas con otras, según sus diferentes colores y vetas forman una composición pictórica.

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Capilla de los Medici
El emblema de los Grandes Duques florentinos, coronados por gigli de pietra dura, incrustada

Reciben este nombre de una manera general debido a que surgió en Florencia en el transcurso del siglo XVI, con un grado tal de perfección que después ha podido ser igualado, pero nunca superado. Aunque tiene sus orígenes en el mosaico clásico, el opus sectile de los romanos y la técnica es en esencia la misma, pero ahora las piedras se cortan y tallan en la forma deseada por el artista aprovechando las manchas naturales de las piedras duras.

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Capilla de los Medici. Florencia

Para la ejecución de su sorprendente revestimiento de mármoles incrustados con mármoles de color y piedras semipreciosas, se estableció el taller de piedra dura gran ducal, el Opificio delle Pietre Dure. El arte de commessi, tal como se le llamó en Florencia, juntaba los fragmentos como puzzles de trocitos de piedras para formar los diseños del revestimiento que cubren totalmente las paredes.
El laboratorio fue fundado oficialmente en 1588 por Ferdinando I de’ Medici, con el fin de decorar la Capilla de los Príncipes, el mausoleo de los Medici

Foto: Olga Torrego Lopez

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La tabla Farnese, Diseñada por Jacopo [Giacomo] Barozzi da Vignola (Italia, Roma Vignola 1507-1573)

Se trata de uno de los más bellos y sugestivos piezas de muebles renacentistas en existencia. La parte superior es una losa de mármol blanco con incrustaciones al antiguo estilo romano con muchos colores diferentes mármoles y piedras semipreciosas y con las llamadas Piedras Duras. Tan rica es la incrustación de que la matriz de mármol blanco es visible sólo en las líneas que rodean varias fronteras y las figuras geométricas más grandes, que incluyen medallones, cartelas, rectángulos y óvalos.

Los Reales Laboratorios de Piedras Duras de Nápoles y Madrid

Resultado de imagen de carlos iii

La corte española no fue una excepción a esta costumbre. Importación primero y manufactura después, serán las principales vías de adquisición de este tipo de obras de  arte en nuestro país.

Figura clave en todo este proceso es la de Carlos III. Aficionado a estos trabajos desde que en 1732, siendo aún infante, visitase en Florencia la Galleria dei Lavori patrocinada por los Duques de Toscana, una de sus primeras medidas como rey napolitano será la creación del Real Laboratorio de Piedras Duras de Nápoles, en 1737. A finales de 1759, Carlos III regresa a la Península para hacerse cargo del trono de España. Entre su equipaje se trae consigo la mayoría de las piezas encargadas a la manufactura napolitana y que habían sido sufragadas personalmente por él. Una vez aquí, en 1762, ordena la fundación de otra real fábrica, heredera de su antecesora italiana, que trabajase en el doble campo del mosaico y la talla. Tal fue su interés que fue el único soberano que fundó dos manufacturas; la primera en Nápoles, en 1737 cuando regía en aquel territorio, y la segunda en Madrid, en el Buen Retiro, cuando ocupa el trono español en 1759. En ambos casos hubo de recurrir a operarios florentinos, que seguían siendo los maestros más reputados. El Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro produjo las nueve maravillosas mesas

Así, con la creación del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, se acaba con la necesidad de importación de este tipo de obras. Lástima que su vida no fuese más duradera. En 1808, con la invasión napoleónica, su actividad quedó clausurada y no se reanudó nunca más después de la guerra


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Mesa de Felipe II 

En Roma continuaron fabricándose obras importantes como el maravilloso tablero del Museo Nacional del Prado, donado en 1587 a Felipe II por el cardenal Michele Bonelli, sobrino de Pío V 
La pieza de mayor tamaño, es el Tablero de mesa de Felipe II, está decorada con motivos abstractos, geométricos y florales sobre fondo negro

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Mesa de Felipe II Museo del Prado imagen donde se aprecian los leones de bronce, que forman las patas.
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Los leones,son de bronce fundido y esferas de pórfido, 72 cm de alto, cada uno de los cuales apoya una garra sobre una bola de caliza de color rojizo, fueron encargados por Velázquez durante su segundo viaje a Italia para decorar el Salón de los Espejos del antiguo Real Alcázar de Madrid, dado que a su cargo de Pintor de Cámara unía el de Aposentador Real.

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Tablero del Duque de Osuna . Museo del Prado

Obra realizada en Florencia en 1614 por encargo de don Pedro Tellez Girón, duque de Osuna, cuyas armas se representan en el centro del tablero. El escudo está realizado por Giacomo di Gian Flasch y los vasos con flores se deben a Jacopo Ligozzi.En medio de un octógono se ve un escudo con las armas del duque de Osuna unidas a las de Castilla y León y rodeadas por las de Portugal y por el Toisón de Oro. Alrededor se disponen ocho compartimentos, separados por filetes blancos decorados con lapislázuli y rosso antico, que contienen panoplias, peltae, banderas, yelmos y otras armas y símbolos bélicos en varios mármoles de color (verde antico, bianco e nero di Aquitania, semesanto y giallo antico) y lapislázuli.

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Tablero de mesa en piedras duras, talleres romanos (después de 1565) Museo del Prado

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Mesa de don Rodrigo Calderón
Con leones de bronce (1651) Museo del Prado
. Lapislázuli, Mármol blanco, Mármol verde, 119 x 119 cm.

Este tablero de mesa procede de la almoneda de Don Rodrigo Calderón (conde de la Oliva de Plasencia, marqués de Siete Iglesias), según aparece descrito en el inventario del Alcázar de Madrid de 1636, donde estaba situado en la Pieza Nueva junto a dos espejos, uno de ébano y otro de piedras embutidas. No se cita en el juicio llevado contra Rodrigo quien fue ejecutado en la Plaza Mayor de Madrid el 21 de octubre de 1621, aunque sí figura en el inventario del Alcázar de 1686, en la testamentaría de Felipe V (1747) y en la de Fernando VII (1834). 
Felipe IV, coleccionista y mecenas extraordinario, adquirió obras de gran valor, como la mesa decorada con símbolos bélicos y turcos que perteneció a don Rodrigo Calderón. Posteriormente, el Estado español adquirió en una subasta en Nueva York este tablero, destinándolo al Museo Nacional de Artes Decorativas

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Tablero de mesa
Principio del siglo XVII. Alabastro, Paragone, Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 126,5 x 83 cm.

Óvalo central de alabastro enmarcado por volutas de la rara breccia pavonazza del Suffragio y dos cuadrados de alabastro cotognino y alabastro fiorito sobre fondo de lumachella. La cenefa, separada del rectángulo central por filetes de paragone, está dividida en compartimentos mixtilíneos, óvalos y rombos en diferentes materiales (broccatello, alabastro, verde antico, y lumachella). Realizado en Roma. Es similar a muchas de las composiciones de mármoles polícromos que existen en iglesias romanas a partir del inicio del siglo XVII. El diseño de esta pieza parece estar pensado más para un recuadro parietal que para una mesa

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Bufete del Nuncio Massimo 1624. Calcedonia, Jaspe rojo, Paragone, 152 x 107,5 cm.

Sobre un campo de mármol negro de Bélgica, o paragone, se dispone una guirnalda de flores en cuyo centro un papagayo pica una cereza. Alrededor, en los lados del largo del bufete, hay seis ramos de flores, cada uno de una especie, y otros cuatro ramos más pequeños; en los lados del ancho se ven dos ramos de otras flores y otros ramos menores, parecidos a los primeros. Alrededor de la guirnalda vuelan algunas mariposas y se disponen varias flores cortadas. En el borde, una banda de jaspe rojo con filetes de oro y rosetas de calcedonia. En todo el conjunto se utilizan las más excepcionales piedras duras de la manufactura florentina.

MUSEO DEL PRADO
Posee una serie de seis (o de ocho, si se incluyen otras dos mesas parecidas) que se elaboraron en el Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, fundado por Carlos III en 1759.

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Consola
1775 – 1780. Bronce dorado, Calcedonia, Lapislázuli, Paragone, 95 x 182 cm.

La composición central circundada por una cinta azul y amarilla de lapislázuli y calcedonia, representa, sobre un fondo de calcedonia blanca, dos hombres que juegan a los bolos junto a tres personajes que pasean, y a dos pedreros trabajando.

El fondo arquitectónico comprende ruinas romanas, como la pirámide Caio Cestio y la tumba de Cecilia Metela en relación con el vedutismo veneciano y el paisaje arqueológico romano. Alrededor de esta composición una cenefa de paragone contiene frutas de varios tipos, instrumentos musicales y científicos, varios libros y una bandeja con una toalla y una vaso de plata. En la cartela central del faldón lleva una torre, motivo heráldico español.

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Consola
1779 – 1781. Bronce dorado, Calcedonia, Jaspe rojo, Lapislázuli, Paragone, 95 x 180 cm

.El tablero incluye una gran escena central, sobre fondo blanco de calcedonia, con varias figuras en un puerto, dos de las cuales, de gusto oriental, están claramente inspiradas en Tiépolo. Una cinta de lapislázuli y calcedonia amarilla enmarca esta escena; alrededor, sobre fondo de paragone, un grupo de objetos variados: busto de un niño, cesta con peras, conchas, violín, anteojos, planos arquitectónicos e instrumentos de este arte; en alto, ala izquierda, una paleta de pintor con una corona de laurel que cubre la mitad superior de un pequeño cuadro con la Inmaculada Concepción. La técnica de factura es exquisita y destaca la utilización de piedras de diferente gradación de colores

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Consola
1775 – 1783. Bronce dorado, Jaspe, Paragone, 95 x 180 cm.

Tablero que presenta una decoración a base de motivos concebidos con recurso de trampantojos y dispuestos como “mesa revuelta”. Un retrato a silhouette y dos cuadros, el primero con dos personajes orientales y un “pulcinela”, y el segundo con un paisaje bucólico. Alrede