El Greco

Imagen de cabecera: “Concierto de ángeles” 1608

El año 1541 Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco, nace en Candía (Creta), cuando la isla era territorio de la poderosa República de Venecia. El Greco se forma en Creta, en sus inicios fue uno de los grandes pintores de iconos, que mantenían las señas de identidad de la pintura griega ortodoxa, (a destacar su Adoración de los Magos)

Retrato de caballero anciano ca.1600

EL TALLER DEL GRECO:
El pintor organizó la producción de su taller a niveles distintos, los grandes encargos los realizaba en su totalidad él mismo, mientras que sus ayudantes realizaban lienzos más modestos con iconografías destinadas a la devoción popular. La organización de la producción contemplando obras totalmente autógrafas del maestro, otras con su intervención parcial y un último grupo realizado totalmente por sus ayudantes permitía trabajar con varios precios, pues el mercado de la época no siempre podía pagar los elevados precios del maestro. Por tanto hay múltiples obras del taller
En varios casos, el Greco y su taller pintaron varias versiones sobre un mismo tema, con variantes. Así sobre el Expolio, Wethey catalogó quince cuadros con este tema y otras cuatro copias de medio cuerpo. Sólo en cinco del artista y las otras diez las consideró del taller o copias posteriores. El tema que más se repitió es san Francisco, saliendo de su taller del orden del centenar de cuadros sobre este santo, de ellos veinticinco son autógrafos reconocidos, el resto son obras en colaboración con el taller o copias del maestro. Otros temas que repitió habitualmente son María Magdalena, los apóstoles, la purificación del templo, el bautismo de Jesús, el expolio de Cristo, Cristo con la cruz a cuestas, la Sagrada Familia y la Anunciación entre otros..

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Mapa de la isla de Creta (S.XVIII)

Domenico Theotokopoulos nació en la isla de Creta. Creta había sido la mítica isla de Zeus y Europa, del rey Minos, del laberinto y el Minotauro, para luego convertirse en parte del mundo griego y, más tarde, del mundo bizantino, ese mundo que pocos años antes había sido conquistado por los turcos.

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Knosos (Creta) frescos del Palacio de Minos

Fué el más importante de los palacios minoicos de Creta (Grecia). Fue construido hacia el 2000 a. C.

Domenico unió un gran interés por el color. La luz intensa de esta isla, en torno a la cual el sol hace brillar el Mediterráneo, hace que los colores se perciban de una manera especial, algo ya apreciable en las pinturas murales del palacio de Cnossos. Es habitual que las ciudades luminosas alumbren a pintores con una percepción especial de la luz y el color. Es así como surge un Sorolla en Valencia. Un Andrea Vaccaro en Nápoles. O un Tiziano en Venecia.


PERÍODO CRETENSE

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DOMENICO THEOTOCOPULI “EL GRECO”


Supuesto autorretrato año 1595-1600  Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) perIodo toledano de madurez

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La Dormición de la Virgen


Presenta la dualidad existente en la Escuela cretense del siglo XVI: la fidelidad a la Escuela bizantina tradicional y el eclecticismo inspirado en la Escuela italiana del Renacimiento, conocida gracias a estampas y algunos cuadros llegados de Venecia.
De un acertado eclecticismo que le lleva a incorporar novedades a un icono clásico: el tratamiento del grupo del cielo, la aparición del Espíritu Santo en forma de paloma, la inclinación de la figura de Cristo… Sin embargo, continúan los fondos dorados, el empleo de rostros estereotipados para las figuras o la ausencia de color y perspectiva

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San Lucas pintando a la Virgen

El Periodo cretense: Doménikos estudió pintura en su isla natal, Creta, y se convirtió en pintor de iconos en el estilo postbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años ya desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.

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San Lucas pintando a la Virgen detalle

 El estilo postbizantino era una continuación de la pintura tradicional, ortodoxa y griega, de iconos desde la Edad Media. Eran cuadros de devoción que seguían reglas fijas. Sus personajes se copiaban de modelos artificiales muy establecidos, que no eran en absoluto naturales ni penetraban en análisis sicológicos, con el oro como fondo de los cuadros.

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Adoración de los Reyes


Se trata de unas obras de la primera etapa de El Greco donde se puede apreciar claramente su formación como pintor de iconos en el taller de Georgios Klontzas.

PERÍODO VENECIANO:

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El muelle del Bacino de San Marcos en el día de la Ascensión, 1733-34, de Canaletto.
The Royal Collection, London.

En ese postbizantino, según Venturi, está el origen abstracto de las originales formas de la pintura del Greco. Logra el título de Maestro de la pintura y se traslada a Venecia en 1567. Venecia, capital de las artes y de la política cretense, donde conoce a los grandes maestros del Cinquecento veneciano como Tiziano y Tintoretto que convierten a El Greco en uno de los “madonneri” que, con una formación bizantina, trabajaron en Venecia.

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La curación del ciego , Gemäldegalerie (Dresde)

Realizada en 1567. Es la primera obra de su período veneciano.
Cristo y el ciego presiden el principal grupo a la izquierda, los discípulos a la derecha y un pequeño contingente en el centro. Todos se encuentra en movimiento, de acuerdo al eclecticismo de la época.

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Tríptico de Módena

La Galería Estense es el gran museo de bellas artes de Módena (Italia), heredero de las colecciones de los antiguos duques de la Casa de Este, que gobernaron durante el Renacimiento los ducados de Ferrara y Módena. Este museo tuvo su primera sede en el Palacio Ducal y fue trasladado en el siglo XIX a un sector del llamado Palacio de los Museos de la misma ciudad. Entre sus tesoros se cuenta el Tríptico de Módena, obra clave juvenil de El Greco
La tabla central tiene en su lado anterior esta imagen de la Alegoría del caballero cristiano y le acompañan en los laterales la Adoración de los pastores y el Bautismo de Cristo

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Tríptico de Módena reverso

Este pequeño altar portátil que se conserva en la ciudad italiana de Módena es una obra fundamental para entender la evolución del Greco durante sus primeros momentos de estancia en Italia. En su parte posterior una Vista del Monte Sinaí, la expulsión de Adán y Eva del Paraiso y la Anunciación.
 

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Anunciación de la Virgen

Perteneciente al Tríptico de Módena (Galería Estense), es una obra titubeante del inicio de su estancia veneciana.(ver foto anterior del tríptico completo)

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La anunciación, Museo del Prado.


Es una de las imágenes mejor logradas del período veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto, sobre todo en la arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un cuadro de ángeles
En estas obras estilísticamente distintas, se aprecia cómo asumió el lenguaje del Renacimiento veneciano.

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Tríptico de Ferrara La Oración en el huerto
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

El Tríptico de Ferrara, cuyas cuatro tablitas, de claro origen cretense, fueron las laterales del cierre del retablillo.

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Tríptico de Ferrara  La Crucifixión
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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Tríptico de Ferrara  El Lavatorio
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara  

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Tríptico de Ferrara Cristo ante Pilatos
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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La última cena , Pinacoteca Nazionale, Bolonia, Italia

Obra de El Greco, realizada en 1568. Representa a Cristo en la Última Cena con sus apóstoles, antes de sufrir su Pasión. El espacio pictórico, representado en perspectiva, tiene poco volumen corporal y parecer estar suspendido sobre el aire

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El entierro de Cristo año 1569-70 Museo Alexandros Soutzos (Atenas)

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La Adoración del nombre de Jesús (finales de la década de 1570)

También llamado como La Liga Santa o bien El Sueño de Felipe II o La Gloria. Parece que este fue uno de los primeros encargos que recibió El Greco de Felipe II. El cuadro original se encuentra en el Monasterio de El Escorial (Madrid) y esta pequeña obra no parece ponerse de acuerdo si se trata de un boceto del pintor antes de componer  la gran obra o bien es una copia que hizo a posteriori para tenerla en su estudio (práctica habitual de El Greco).El cuadro representa un momento histórico en la vida de Felipe II y es que tras la victoria de la batalla naval de Lepanto (1571), formado por la Liga Santa de los países de España, Venecia, Nápoles y Roma, se frenó el avance de los turcos por el Mediterráneo

EL PERÍODO ROMANO:

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Miguel Ángel – “La tentación de Adán y Eva y la expulsión del Paraíso” (1508-1512, fresco, Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma)

Resultaba muy difícil conseguir un exito decisivo en Venecia, la metrópoli de la pintura renacentista. La competencia parecía demasiado genial y sobre todo muy firmemente establecida en el gran mercado del arte: Tiziano, Tintoretto, Veronese, Bassano. Quizás era ésa una de las razones que motivaron El Greco a abandonar “La Serenissima” en 1569 e intentar su suerte en Roma, donde, no obstante, la situación resultó parecida.
Allí permaneció desde noviembre de 1570 hasta 1577. Cuando El Greco vivió en Roma, Miguel Ángel y Rafael habían muerto, pero su enorme influencia seguía vigente. La herencia de estos grandes maestros dominaba el escenario artístico de Roma. Allí aprendió una forma de pintar que los pintores romanos habían establecido, un estilo llamado manierismo pleno o maniera basado en las obras de Rafael y Miguel Ángel, donde las figuras se fueron exagerando y complicando hasta convertirse en artificiales.

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La purificación del templo o La expulsión de los mercaderes

Realizada en 1571 durante su periodo romano. Se exhibe en el Instituto de Arte de Minneapolis.

Esta obra es una de las primeras muestras de la madurez de El Greco. El pintor mantuvo las líneas básicas de su primera versión y consigue crear dos grupos contrapuestos

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La Piedad año 1571-76 29 x 20 cm Museo de Arte (Filadelfia)

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional de Capodimonte Nápoles

  o El soplón es una obra de El Greco, realizada en 1571 durante la estancia del artista cretense en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque no se conoce a ciencia cierta su origen.
El pintor repetirá este tema varias veces a lo largo de su carrera. El cuadro está inspirado en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.
Tradicionalmente se ha considerado esta imagen como producto de la influencia de Jacopo Bassano, aunque recientes estudios han determinado que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido.

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Fábula  1572 

 Otra versión del anterior

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional (Capodimonte)

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Retrato de Vincenzo Anastagi año 1571-76 Colección Frick (Nueva York)

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Retrato de Carlos de Guisa año 1572 Kunsthaus (Zúrich)

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Retrato de un hombre (Andrea Palladio?) año 1575 Museo de Arte (Copenague)

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La Anunciación El Greco, 1575 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Es una obra de El Greco, realizada en 1575-1576 y conservada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Es una de las primeras obras de esta temática realizadas por El Greco, que repetirá este asunto varias veces más a lo largo de su dilatada producción artística.

La Virgen María, sentada en un reclinatorio, gira para recibir la visita del Arcángel Gabriel y la paloma que representa al Espíritu Santo. La escena se enmarca dentro de un fondo arquitectónico sencillo y bien trazado, acentuado por un cortinaje rojo y un piso embaldosado. Al fondo se distingue un grupo de querubines.
Aquí se refleja la impronta de Tiziano y Tintoretto, sobre todo en la luz y el color.

El Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana

  Fue encargado en 1580 por Felipe II para decorar una de las capillas laterales de la Basílica del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, concretamente la capilla consagrada al santo.
 Doménico tardó casi tres años en pintar esta soberbia obra en su taller de Toledo, entregándola personalmente a finales de 1582, lo que demuestra que el pintor quería conseguir el favor de Felipe II y la oportunidad de poder trabajar en la decoración de El Escorial.  A su regreso de Portugal en 1583, el rey pudo ver la obra pero no resultó de su agrado, aunque su calidad artística le fue reconocida al tasarse la obra en 800 ducados.

ESCULTURA
La dimensión escultórica de El Greco recobró cierto auge, que hizo volver la mirada sobre su producción .

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Así, excluyendo este Ecce Homo cuya peculiaridad con respecto a otras obras es que es la única que supuestamente está firmada [con las iniciales griegas delta y theta] por El Greco

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Es dudosa la concepción por parte de El Greco del Cristo Resucitado que está en el museo toledano del Hospital de Tavera (restaurado tras la guerra civil)

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Y mas seguro el conjunto escultórico de la Imposición de la casulla de San Ildefonso en la Catedral de Toledo

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  Y, con algunas reservas de conocedores de la obra del cretense, las estatuas de Epimeteo y Pandora del Museo del Prado. Son trabajos indocumentados pero la atribución al artista suele ser generalmente aceptada.

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Está basada en el testimonio de Pacheco, que vio en el estudio de El Greco una serie de estatuillas de cera, estuco, y madera, pero pueden haber sido simplemente modelos, como los que se usaban en los talleres italianos donde El Greco fue entrenado.

La atribución se basaría en algunos desnudos en las pinturas de El Greco, en sus dimensiones alargadas,( evidentemente desproporcionadas) sus posturas flexibles y su oposición en contrapposto.

MITOLOGIA Pandora fue una hermosa creación de barro realizada por Hefesto por instigación de Zeus, quien pretendía vengars...
Epimeteo y Pandora

La identificación de las figurillas es también problemática. Al principio se pensó que representaban a Adán y Eva o incluso a Vulcano y Venus, pero fueron correctamente identificados como Epimeteo y Pandora en el año 1961.

Pudieron ser un encargo concreto o ser una creación para uso del propio artista, sirviendo tanto para su uso en el taller, como modelos para composiciones pictóricas, se interpretó que estas figuras eran representaciones de viendo en ellas una reinterpretación del David de Miguel Ángel con ligeras variaciones: figuras más alargadas, distinta posición de la cabeza y las piernas menos abiertas. Salas también señaló que Pandora corresponde a una inversión de la figura de Epimeteo, aspecto característico del manierismo. se consideró que fueron modelos para determinar la posición más acertada de las figuras de la derecha de la pintura del Laocoonte.

 PERÍODO TOLEDANO INICIAL:

En Roma, El Greco no destacó exactamente por una falta de orgullo: propuso remplazar los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina por nuevas obras suyas que serían más “decentes”. Aquella propuesta, como era de esperar, provocó el rechazo indignado de muchos pintores romanos y contribuyó a su convicción que tampoco en Roma iba a encontrar la suerte deseada. 

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Monasterio de El Escorial

Por lo tanto, cuando en el año de su muerte 1576 el gran Tiziano le dió una carta de recomendación al Greco, dirigida al Rey Felipe II, el que estaba buscando muchos artistas para decorar las más de mil habitaciones de su nueva residencia, el Palacio del Escorial (antaño la obra más grande de Europa), el pintor de Creta decidió intentar a su edad de 35 años un nuevo comienzo en España.

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Vista y plano de Toledo 1610-1614

   Con esta obra el Greco contribuye a la difusión de la nueva imagen de la ciudad de Toledo al representar las principales construcciones modernas de aquel momento -el Alcázar, la Puerta de Bisagra y, sobre todo, el Hospital Tavera, que domina claramente la escena, al tiempo que oculta las emblemáticas construcciones medievales: la Catedral y el Monasterio de San Juan de los Reyes. Así mismo representa alegóricamente la gloriosa historia de la ciudad, enfatizando su pasado romano mediante la representación de un dios fluvial, que derrama el agua y simboliza al río Tajo. Además, muestra su carácter de lugar favorecido por la divinidad, con la representación del milagro de la aparición de la Virgen para imponer la casulla a San Ildefonso, obispo visigodo de Toledo.

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La Trinidad (1577-79)

Desde 1577 residió en Toledo. En estos primeros años toledanos aparece el estilo personal del pintor pero el planteamiento es plenamente italiano. El oleo, que formaba parte de El retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo, su primer gran encargo en Toledo. Es notoria la influencia de Miguel Ángel.
 

PERÍODO TOLEDANO DE MADUREZ: 

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El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo)

Su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.
En este periodo se han incluido las obras desde 1586 en que le contrataron el entierro del Conde de Orgaz hasta 1596 en que le confiaron el retablo de doña María de Aragón. Muestra ya su característica elongación longitudinal de las figuras, así como el horror vacui (miedo al vacío), aspectos que se harían cada vez más acusados.

PERÍODO TOLEDANO TARDÍO:

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Cristo expulsando a los mercaderes del Templo (hacia 1600)

A partir de 1600 evolucionó a un estilo muy dramático, propio y original, intensificando sistemáticamente los elementos artificiales e irreales: cabezas pequeñas descansando en cuerpos cada vez más largos, la luz cada vez más fuerte y estridente.
El Greco se basó en el pasaje del Evangelio de San Juan, 22 (13-17) para realizar esta obra. El Greco realizó 5 pinturas con esta misma temática, la conservada en la Galería Nacional de Arte de Washington (1568), el Instituto de Arte de Mineápolis (1571), la presente de la National Gallery (1600), otra de la Colección Frick de Nueva York (1600) y por último la conservada en la iglesia de San Ginés de Madrid (1610).

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La expulsión de los mercaderes del templo

. Este óleo sobre tela mide 106 centímetros de alto y 130 cm de ancho, y fue ejecutado hacia el año 1600. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean

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La expulsión de los mercaderes del templo

Realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en la Iglesia de San Ginés de Madrid.
Tres versiones pintadas en Venecia (1570), Roma (1571-1576) y Toledo (1610-1614) donde se observa su evolución. La primera incorpora el colorido cálido veneciano y las mujeres de Tintoretto. En la segunda, los grupos de figuras han adquirido jerarquía y la arquitectura más romana está más integrada gracias a la luz. En la última, las figuras son típicas grequianas, el cuadro es más estrecho y dividido en una zona inferior con figuras y una superior de arquitectura etérea.  Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano

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Inmaculada Concepción

  A finales de 1607, el Greco se ofreció a terminar la capilla de Isabel de Oballe, que había quedado inconclusa por el fallecimiento del pintor Alessandro Semini. El artista, ya con 66 años, se comprometió sin gastos complementarios a corregir las proporciones del retablo y a sustituir una Visitación. La Inmaculada Concepción para esta capilla es una de sus grandes obras tardías, los alargamientos y los retorcimientos nunca antes habían sido tan exagerados o tan violentos

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San Jerónimo como cardenal (1590-1600)

La imagen de San Jerónimo fue un tema muy recurrido por el Greco. San Jerónimo es uno de los Padres de la Iglesia Latinos al traducir la Biblia del griego y el hebreo al latín.
Esta obra, realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en una de las salas del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

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Adoración de los pastores (1612-1614)


Una de sus últimas composiciones destinada a su capilla funeraria. Su estilo final es dramático y antinaturalista, intensificando los elementos artificiales e irreales: cuerpos muy largos en cabezas pequeñas iluminados con luces fuertes y estridentes.

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Firma de El Greco

Fuentes:

http://pedro-mundodebabel.blogspot.com.es/…/personajes-sing…

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/1418198

http://jmnavarron.blogspot.com.es/…/el-greco-y-el-museo-del…

http://materiaconstruida.blogspot.com.es/2014_03_01_archive…

http://www.academia.edu/…/Monogr%C3%A1fico_A%C3%B1o_Greco

Romerías, fiestas y verbenas de Madrid

La palabra romería viene de romero, nombre que designa a los peregrinos que se dirigen a Roma, y por extensión, a cualquier santuario.
Entre las antiguas romerías en la capital están la romería de San Blas, que acudía a la ermita de San Blas (ya desaparecida).
La romería del Santo Ángel de la Guarda que cada 1 de marzo acudía a venerar la imagen del Santo Ángel de la Guarda, venerada por porteros.
La desaparecida romería del Cristo de la Oliva que desapareció ya en el siglo XVIII, y cuya celebración se establecía el 3 de mayo, coincidente con la romería de Santiago el Verde que se dirigía a la ermita de San Felipe y Santiago a orillas del río Manzanares.
La más significativa de todas es la romería de San Isidro el 15 de mayo cuyo destino es la ermita de San Isidro.
La romería de la Virgen del Puerto (que con el tiempo se convirtieron en las fiestas de la Melonera) y que se dirigía a comienzos de septiembre la ermita de la Virgen del Puerto.
Y la romería de San Eugenio (denominada “Bellotera”) celebrada cada 15 de noviembre cierra el año
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Baile a orillas del Manzanares Francisco de Goya, durante la celebración de una de sus romerías.

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Licorería El Madroño, Lavapiés
La celebración de las verbenas más tradicionales son ocho, que comienza el 13 de junio con la de San Antonio en la Ermita de San Antonio de la Florida, el 24 de junio se celebra la de San Juan Bautista en el Prado, el 27 de junio la de San Pedro Apóstol y San Juan en el Prado, el 16 de julio la de la Virgen del Carmen en Chamberí, el 25 de julio la de Santiago en la plaza de Oriente, el 7 de agosto la de San Cayetano en Lavapiés (zona de Cascorro), el 10 de agosto la de San Lorenzo en el mismo Barrio (en el eje de Argumosa y plaza de Lavapiés), y el 15 de agosto la de la Verbena de la Paloma. De ellas comentaré solo las mas conocidas,y que aún se celebran con grandes festejos.

Se acostumbra a bailar el chotis al son del organillo, se bebe la típica limonada y se tomaban azucarillos con agua y aguardiente. Hoy dia, algunas de estas costumbres ya no se hacen.

LAS VUELTAS DE SAN ANTÓN

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Iglesia de San Antón
Las Vueltas de San Antón es una festividad popular en Madrid, celebrada el día 17 de enero en honor a San Antonio Abad. El espacio de la celebración se centra en los alrededores de la parroquia de San Antón en las madrileñas calles de Hortaleza y Fuencarral

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San Antón por Zurbarán

La celebración ha ido cambiando de forma y orientación a lo largo de los últimos siglos, desde una celebración de origen medieval (mundo rural), pasando por una romería y algarada con caballos (sociedad pre-industrial), hasta que a comienzos del siglo XXI se celebra como una bendición de animales de compañía

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La celebración de San Antón en Madrid ha pasado por varias etapas a lo largo de su historia, en la primera se celebraba el denominado cerdo del Concejo como fiesta de origen medieva El cerdo del Concejo (denominado también rey de los cochinos) fue una tradición popular del mundo rural, mediante la cual se cuidaba colectivamente un cerdo que se ponía a disposición del concejo. La celebración pronto se asoció a San Antonio Abad (protector de las bestias útiles al hombre).motivo por el que las imágenes de este Santo, siempre van acompañadas por este animal.

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Fiesta de San Antón, los animales aguardando para que los bendigan.

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Desde por la mañana, después de las misas programadas, el sacerdote bendice en la calle a los animales, que han estado haciendo rigurosa cola con sus orgullosos amos.

Bendiciendo a una mascota felina

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Los panecillos de San Antón

Que forman parte de la repostería santoral de las celebraciones madrileñas, en este caso en una de las primeras fiestas del año: San Antón.
LA ROMERÍA DE SAN BLAS
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Observatorio Astronómico.
La ermita de San Blas fue un templo con dedicación a San Blas ubicado en Atocha (Madrid). La ermita fue inaugurada el 3 de abril de 1588 por el arzobispo de Toledo, don Gaspar de Quiroga en los extremos de los Jardines del Buen Retiro. La romería que se celebraba el 3 de febrero era muy popular en el siglo XVI, siendo junto las vueltas de San Antón una de las primeras en ser celebradas al año. Se denominaba verbena de San Blas
En la actualidad en el Cerrillo de San Blas, esta el Observatorio Astronómico.

La ermita de San Blas en el cerrillo del Retiro
La verbena de San Blas que se celebraba el 3 de febrero con romería a la ermita de San Blas.

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Procesión de San Blas bajando hacia el Cerrillo por la calle Atocha.

La romería al santo se celebraba a comienzos de febrero y era anterior justamente al carnaval. Una de las misiones era que el santo les protegiese de las enfermedades de garganta, de las que el santo era considerado popularmente como su protector

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Esta tradición se mantuvo hasta que se comenzó a popularizar las fiestas de Santiago el Verde en los sotos del Manzanares.

En la actualidad se ha vuelto a rescatar y los romeros van al cerrillo con sus meriendas.a celebrarla
LOS CARNAVALES

Son una celebración que tiene lugar inmediatamente antes del inicio de la Cuaresma cristiana, que se inicia a su vez con el Miércoles de Ceniza, que tiene fecha variable (entre febrero y marzo según el año). El carnaval combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. un período de permisividad y cierto descontrol.

“Carnaval en el barrio de Tetuán” de José Gutierrez Solana
En uno de sus paseos por el barrio, Solana describe minuciosamente cada disfraz que va encontrando: “Se ven en Tetuán muchos mascarones vestidos de mujer (…), a algunos se les ve el bigote a través de las rotas caretas”; hay otro “vestido de moro, con una toalla arrollada a la cabeza y la cara tiznada de corcho quemado”, y pasa también “un hombre jovial, con un levitón, un orinal y una escoba entre las piernas, como si fuera montado en un caballo”.

En sus inicios, probablemente con un cierto sentido del pudor propio de la religión, el Carnaval era un desfile en que los participantes vestían disfraces y usaban máscaras.
Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia) y las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales).

EL ENTIERRO DE LA SARDINA
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El Entierro de la Sardina por Francisco de Goya

Refleja una tradición carnavalesca que celebra el último día de estas fiestas. Es el final del periodo de mundo al revés que supone el carnaval, con su transgresión de los valores vigentes, su interés por los instintos primarios, el protagonismo del pueblo llano frente a las instituciones y el predominio del caos frente al orden.
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La Alegre Cofradía del Entierro de la Sardina dirigiendose hasta la Fuente de los Pajaritos de la Casa de Campo para quemar los malos actos y pensamientos en una gran fogata.

Se dice que en época de Carlos III, un cargamento de sardinas, que no tuvo salida, hubo que enterrarlas por su putrefacción, coincidiendo que era un miércoles de ceniza. De ahí surgió el ritual que nos acompaña hasta la fecha.
LAS MAYAS
Alegoría del mes de mayo
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Es una festividad que se celebra uno de los primeros domingos del mes de mayo principalmente en el barrio de Lavapiés (Madrid), en la plaza de su nombre y en las calles aledañas del Barrio y de Salitre, en torno a la iglesia de San Lorenzo
El origen de la fiesta puede remontarse a épocas del imperio romano, que recrea a Maya (en griego Μαία) que es la mayor de las siete pléyades (hijas de Atlas)
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Era costumbre antigua que a la llegada del mes de las flores se plantase en las plazas el 1º de mayo un árbol frondoso, que solía ser un álamo, y se lo adornara con cintas, flores y colgaduras de colores vivos.
Debajo de él se sentaba a la joven más bella, y alrededor bailaban mozas y mozos, con tal bullicio y frenesí que llegó a prohibirse y recibir la censura de la iglesia.
Con el tiempo aquella vieja costumbre derivó en las Mayas, que era la soltera más hermosa del barrio, elegida de común acuerdo, y cuya casa por la noche era engalanada en puerta y ventanas con flores recién cortadas.

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Joven engalanada de Reina Maya
Este día, y por la mañana, cada casa del barrio adorna y engalana a una vecina joven que, con mantos de seda y de flores, se exhibe en el portal con el objeto de ser elegida: “reina maya”. Las mujeres se colocan en altares y capillas floridos, vestidas con los mejores trajes y rodeadas de ofrendas
FIESTA DE SANTIAGO EL VERDE

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(En algunas ocasiones denominado también día del sotillo) es una celebración realizada en Madrid el día uno de mayo. Se denomina así por ser romería que se realizaba con dirección a la Ermita de San Felipe y Santiago (conocida popularmente como Ermita de Santiago el Verde) que se encontraba ubicada en una de las pequeñas islas del río Manzanares

La florista de Goya representa a una muchacha que estaría en la romería que fue muy popular en el Madrid del XVI y XVII, decayendo su afluencia en el XVIII. El dramaturgo Lope de Vega popularizó la romería y sus costumbres en unas de sus obras

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Puente de Segovia: donde la gente se reunia en el llamado “Bajar al sotillo”:
Era costumbre mencionar entre los madrileños del siglo XVI la frase “bajar al sotillo” para indicar la asistencia a la romería que el primer día se mayo se ralizaba a las alamedas y sotos de la ribera del rio Manzanares (en la actualidad Madrid Río)
La romería de Santiago el Verde cayó poco a poco en el olvido durante el siglo XVIII, cediendo protagonismo a la Fiesta de San Isidro celebrada el 15 de mayo, en la pradera del mismo nombre.

LAS FIESTAS DE SAN ISIDRO

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Son unas fiestas anuales celebradas en Madrid a mediados del mes de mayo Tradicionalmente se suelen instalar en el barrio de San Isidro en Carabanchel. Se celebran durante un periodo de varios días en torno al 15 de mayo.

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Imágenes de San Isidro y su esposa Santa María de la Cabeza en la fachada de la Colegiata de San Isidro en la calle Toledo de Madrid

San Isidro nació en Madrid, es de suponer que fuese el 4 de abril de 1082. Según era mencionado en su época San Isidro poseía el don de serle fácil encontrar agua (zahorí). Algunos de los manantiales fueron marcados posteriormente como lugares mágicos, incluso algunos de ellos fue entendido como lugar de milagro.

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La celebración de esta festividad tiene lugar en la Pradera de San Isidro y en las calles aledañas. Existen cuadros de Francisco de Goya representando la popularidad de esta fiesta a finales del siglo XVIII.

La pradera de San Isidro, José del Castillo

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Madrileños almorzando en la pradera durante las Fiestas de San Isidro.

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Las vendedoras de rosquillas

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Surtido de las rosquillas de San Isidro. En orden de izquierda a derecha: listas, tontas, francesas y de Santa Clara.

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Fuente de San Isidro
Es costumbre ir en romería el 15 de mayo a beber el “agua del santo” que brota en un manantial anexo a la Ermita de San Isidro y que se considera milagrosa.

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Esta celebración se mezcla con la costumbre de merendar en las praderas de San Isidro si el tiempo lo permite.

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Un plato muy madrileño que nunca falta en las verbenas: Los entresijos y las gallinejas realizados con tripas y otras partes de casquería del cordero.
Los “gallinejeros-as” las preparan fritas en grandes sartenes.

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Los “Pitos” de San Isidro son silbatos de barro que se llenan con un poco de agua para que suenen.

VERBENA DE SAN ANTONIO DE LA FLORIDA

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Ermita de San Antonio de la Florida
La verbena es una festividad popular celebrada anualmente cada 13 de junio en honor a San Antonio en la ciudad de Madrid. El lugar de congregación de la romería por el paseo de la Florida hacia la ermita de San Antonio de la Florida.

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Milagro de San Antonio en los frescos del interior de la ermita.

En su interior Francisco de Goya pintó unos frescos sobre este edificio en los que representó uno de los milagros más famosos del santo. Cabe destacar la representación de los hombres y mujeres ataviados de majos, chisperos y chulapos.

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La ermita de Sabatini fue desmontada en el año 1792 durante el reinado de Carlos IV con motivo de una nueva remodelación urbanística de la zona
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Verbena de San Antonio de la Florida, dibujada por Francisco Pradilla y publicada en las páginas de La Ilustración Española y Americana el 16 de junio de 1873

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Según la tradición popular la fiesta nace con la costumbre de unas modistillas madrileñas del siglo XIX que vertían trece alfileres en agua bendita de la pila bautismal de la ermita, simulando el acto de las arras matrimoniales. El objeto de esta tradición popular es la de invocar a San Antonio como casamentero (procurador de novios)

Ritual de introducir la mano en la pila llena de alfileres: a mas alfileres adheridos…mas novios!

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Casa Mingo sidrería del Paseo de la Florida.
Parada obligatoria tras visitar la Ermita.
La verbena tambien se llenaba en sus días de diferentes vendedores callejeros: aguajoleros, buñoleros, barquilleros, reposteros, avellaneros, naranjeros, etc. En periodos más cercanos al siglo XXI se incluyeron puestos que ofrecían especialidades típicas de la cocina madrileña.

FIESTAS DE SAN CAYETANO

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Iglesia de San Cayetano
Se celebra el 7 de agosto (fecha del fallecimiento de San Cayetano en Nápoles), pero suele haber celebraciones parciales en los días cercanos, a lo largo de las calles del barrio. Una de las más populares es el engalanamiento de calles y balcones periféricos a la Iglesia.

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San Cayetano en la portada de su iglesia.

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Estas celebraciones forman parte del Madrid más castizo. Durante la primera quincena de agosto las calles que rodean el barrio de Lavapiés y La Latina entorno a las iglesias de San Cayetano y San Lorenzo así como desde la plaza de la Paja y calle Toledo hasta la plaza de las Vistillas se engalanan para conquistar a los viandantes con sus sabores y sonidos típicos.
FIESTAS DE SAN LORENZO

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Iglesia de San Lorenzo
La celebración de las Fiestas de San Lorenzo, desde finales del siglo XX se encadenan y solapan con las de Cayetano (7 de agosto) y las de la Paloma (15 de Agosto)

Las Fiestas de San Lorenzo son la celebración más popular y antigua del barrio de Lavapiés (Madrid) y se celebran cada 10 de agosto en honor a San Lorenzo, dentro de una ‘trilogía’ que completan las Fiestas de la Paloma y las Fiestas de San Cayetano. Desde finales del siglo XX se instala una verbena en la plaza de Lavapiés y las calles vecinas con castizos concursos de trajes y de bailes como el chotis.
LA VERBENA DE LA PALOMA

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Es una celebración veraniega localizada en su origen en el antiguo barrio de Calatrava, en las inmediaciones de la calle de Toledo y la plaza de la Cebada, administrativamente barrio de La Latina del distrito centro. Se celebran en honor a la virgen de la Paloma, en torno al 15 de agosto
La vertiente religiosa de las fiestas queda representada por la procesión que sale de Iglesia de la Paloma, junto a la Puerta de Toledo, después de que un representante del cuerpo de bomberos de la ciudad haya tenido el honor de bajar el cuadro de su retablo

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La Virgen de la Paloma en su trono procesional
Ha quedado documentación de la solicitud al ayuntamiento por Isabel Tintero, una vecina del barrio que vivía en la calle de la Paloma, para exponer la imagen en el portal de su casa durante algún tiempo. La popularidad del icono fue creciendo y atrayendo a vecinos y paseantes del barrio. Al parecer, esa popularidad hizo que se le mudara el nombre a la imagen que pasó de Virgen de la Soledad a Virgen de la Paloma (por la calle en la que se exhibía

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El recorrido suele mostrar balcones engalanados con mantones, imágenes de la virgen en diferentes fachadas. Algunos de los asistentes suelen vestirse con trajes de diferentes épocas, imitando en ocasiones la indumentaria tradicional de manolos, chisperos y goyescos

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La popularidad de esta verbena en el último cuarto del siglo XIX, dio lugar a una zarzuela, La verbena de la Paloma de Ricardo de la Vega y el maestro Tomás Bretón

ROMERÍA DE LA VIRGEN DEL PUERTO (LA MELONERA)

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La Ermita de la Virgen del Puerto
Está situada en el paseo de la Virgen del Puerto (antiguo Paseo Nuevo de la Corte), en las inmediaciones del Palacio Real. Es obra de Pedro de Ribera, fue construida entre 1716 y 1718

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Durante siglos fue el destino de la romería madrileña en adoración de la imagen de la virgen del Puerto que hay en su interior, costumbre que dio lugar a la verbena de la Melonera

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Baile en la Virgen del Puerto, del pintor barroco Manuel Rodríguez de Guzmán, describe la romería a la Virgen del Puerto. Este cuadro se encuentra en el Museo Romántico de Madrid. En el siglo XIX la romería se transformó en verbena. A mediados y comienzos del siglo XIX las verbenas se celebraron en las praderas de las Vistillas

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La Ermita de la Virgen del Puerto en las Fiestas de la Melonera.
El 8 de septiembre se acostumbraba acudir a la misa celebrada en la ermita y posteriormente se sacaba adornada en flores, y en procesión, una imagen muy venerada de la Virgen del Puerto.

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La denominación popular de la melonera se debe a la existencia de puestos de venta callejeros de melones y sandías cercanos al río, sobre todo al puente de Segovia (uno de los principales puntos de acceso a la capital), a mediados de septiembre.

ROMERIA DE SAN EUGENIO (LA BELLOTERA)
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San Eugenio Copia anónima de el Greco
La Romería de San Eugenio (denominada también como romería de la Bellota) es una celebración festiva en Madrid cada 15 de noviembre. El centro es la ermita de El Cristo de El Pardo (ubicado en las cercanías del actual convento del Cristo).
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La tradición romera nace de el día que se dio permiso real para recolectar bellotas de las numerosas encinas existentes en los alrededores del Real Sitio del Pardo.

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Esta costumbre dio lugar a la romería, que tiene sus orígenes a mediados del siglo XVII. Es la última romería madrileña campestre del año (la primera es la de San Blas).

FUENTES:
Bibliografía:
“Curiosidades y anécdotas de Madrid”, Isabel Gea.Ediciones La Librería
“El Madrid romero y devoto” Francisco Azorín Edic. La Librería 2006

Museo del Traje (Madrid)

El Museo del Traje es un museo español, ubicado en la Ciudad Universitaria de Madrid. Su objetivo básico es promover el conocimiento de la evolución histórica de la indumentaria.
El germen de este Museo fue la exposición que se celebró en Madrid en 1925, siendo
su director técnico Luis de Hoyos Sainz y para su ambientación se contó con el trabajo de varios artistas como Daniel Vázquez Díaz, Mariano Benlliure, Fernando Álvarez de Sotomayor, José Planes, Manuel Benedito y Mariano Fortuny y Madrazo
Una vez finalizada la exposición, los materiales recibidos en donación se trasladaron al palacio de exposiciones situado en los Altos del Hipódromo, donde actualmente se encuentra el Museo Nacional de Ciencias Naturales.
En 1928 tuvo que abandonar el Hipódromo, instalándose en el antiguo Hospicio, donde también se ubicaba el Museo Municipal de Madrid, y en 1930 se trasladó al Palacio del Marqués de Grimaldi.
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En la actualidad los terrenos en los que se erige el edificio fueron cedidos en 1967 por la Universidad Complutense de Madrid al Ministerio de Cultura y se encuentran en la Avenida de Juan de Herrera nº 3 en la Ciudad Universitaria
En el Museo se exponen indumentaria histórica (pocas piezas), moderna con la aportación de grandes modistos, joyeria y orfebreria y trajes tradicionales españoles que son los que voy a presentar y que son los mas interesantes, ya que forman parte de nuestra cultura y costumbres.

Traje de Vistas (La Alberca, Salamanca)
El traje carece de una iconografia directa, hasta comienzos del S.XX que nos permita reconstruir su historia y orígenes, pero piezas de indumentaria y organización de joyas parecidas aparecen en modelos de mujeres maragatas y charras desde mediados del S. XVIII.
Por el tipo de silueta que hace el traje de vistas, con su forma de reloj de arena que recuerda a la silueta que generaban los trajes denominados a la española en los siglos XVI y XVII y que han quedado en la indumentaria de las imágenes de la virgenes vestideras.

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Traje de Vistas de La Alberca (Salamanca)

Camisa con las mangas bordadas en negro, al igual que los puños que además están rematados en ganchillo del mismo color. Sobre ella, jubón que se ajusta al cuerpo con un cordón atadero. En la parte inferior lleva un manteo sin decoración, sobre el que se pone otro de paño morado, rematado con cuatro falsos bajos de varios colores, y decorado con tiras de terciopelo negro y cinta rosa sobre la que se aplica un encaje metálico. Encima, un mandil decorado de la misma forma, encuadra la joyería. La cabeza se adorna con una toca de algodón con cintas de colores. El traje de vistas de La Alberca es el que se adorna con mayor cantidad de joyería. Se utiliza sólo para las grandes ocasiones. Actualmente los pocos ejemplares que se conservan se pueden contemplar en los días 15 y 16 de agosto, denominado “Diagosto”, en los que se celebra la Virgen de la Asunción. El traje realza la joyería, con este fin se decora el bernio o mandil con vuelta que enmarca la caída de los grandes collares. El conjunto esta cargado de elementos simbólicos y protectores, no sólo en la joyería, sino en la ropa y en su disposición.

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Peliqueiro de Laza (Orense)

Camisa blanca, chaquetilla con aplicaciones de terciopelo granate, pasamanería y charreteras militares, calzón decorado con flecos de colores intercalados entre tiras de ganchillo, cinturón con dos grandes cencerros, y máscara de madera con una piel de gato en la parte posterior y un frontal de hojalata pintada.En Laza, los carnavales rurales españoles están cargados de simbolismo y llenos de personajes singulares. Los peliqueiros o cigarrones forman parte del grupo de las mascaras fustigadoras, personajes que protagonizan la fiesta y tienen el privilegio, entre otros, de perseguir y golpear con la “pellica” o látigo a la gente sin que ésta pueda replicar.

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Traje del Ramo Lagartera (Toledo)

El traje lagarterano es muy antiguo y de ello da testimonio  la riqueza de vocabulario que se utiliza para hacer referencia a sus prendas: “ruedo”, “vistas”, “cuendas”, ”crucetas”, ”andilgue”, “senojil”, “alforda”, “jugón” y la “Gorguera” que es una pieza rectangular con una abertura circular en el centro que se prolonga verticalmente por la pechera. Es una especie de cobertor con gran profusión de bordados,  normalmente en negro,un largo etcétera que, en muchos casos proceden de la época medieval.  Fuera de la iglesia, se sustituyen las piezas del ritual: la basquiña, el pañuelo y la mantilla, por los aderezos de fiesta. Vuelve a quedar a la vista el guardapiés azul y se coloca sobre el justillo el jubón negro con las cintas de espalda. Se descosen las cintas de la basquiña negra y se colocan sobre la azul. En la cabeza, las cintas del moño y la espumilla. Los zapatos  son “entrepetaos” con galón en la puntera, cintas y hebilla de plata.El conjunto se completa con el resto de la joyería y en el pecho, un ramo de flores artificiales da nombre al conjunto.

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“Tipos lagarteranos” Joaquín Sorolla. Museo Sorolla

Se puede observar todos los aditamentos, anteriormente descritos.

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Traje de la Vega de Almería
Jubón de terciopelo negro con mantoncillo de seda decorado con bordados de colores, falda de lana azul tableada y decorada con cintas aplicadas de seda azul y lazos en dos hileras en el delantero y mandil decorado con encaje blanco.Traje de fiesta de una mujer joven que recurre a todas las posibilidades de enriquecer un traje, por un lado los géneros son de calidad, dentro de las posibilidades de la propietaria, terciopelo y seda y por otro decora con el fruto del trabajo de su propietaria, los numerosos plisados de la falda, las cintas de coloniales con las que se adorna, el mandil blanco y la rica puntilla que lo decora y como remate el mantoncillo de Manila, prenda que desde mediados del s XIX pasa a ser el símbolo de la fiesta en la indumentaria femenina española.10 navarra

Danzante de Valcarlos (Navarra)

Conjunto de camisa y pantalón de algodón, decorado con pasamanerías doradas, bisutería, cintas rojas y amarillas y cascabeles. En la espalda, un conjunto de cintas que llegan hasta las rodillas, en la cabeza una boina y en los pies, alpargatas de esparto con cinta roja y cascabeles. En Valcarlos se les llama volantes. Este traje se encuentra en un estado evolutivo muy avanzado. Aunque se mantiene el color blanco propio de los danzantes y la simbología de la decoración, el conjunto está formado por piezas modernas, como el pantalón largo, la camisa y la boina. En algunas ocasiones utiliza la casca, gorro troncocónico similar a las mitras que los danzantes llevan habitualmente
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Mujer segoviana

Camisa bordada en negro en la pechera y en los puños, jubona de paño rojo con faldeta decorada con pasamanería plateada, saya también de paño pero más grueso decorada con tiras de terciopelo negro, mandil de terciopelo picado encañonado en la cintura y pañuelo de gasa blanca sobre el que pone la montera. Segovia conserva piezas que perviven desde el s. XVII, como la jubona, y otras como la camisa que por sus motivos decorativos recuerdan a los bordados mudéjares. Aunque actualmente conforma el arquetipo de Águeda de Zamarramala, fue un traje de fiesta muy difundido en el centro de la Península.
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Coroza (Galicia)
Conjunto realizado en junco, compuesto por la caparucha (capa con capucha), bajo la cual se pone la coroza, que está confeccionada en tres partes, la exterior a modo de capote que cubre los hombros y llega hasta la cintura, y dos interiores que comienzan desde los hombros a modo de tirantes y que llegan hasta los pies. En la parte inferior de las piernas se ponen las polainas y para los pies unas botas de cuero con suela de madera. Es una prenda que sirve para protegerse de la lluvia. Las fibras exteriores se dejan libres, sin tejer, para aumentar dicha protección. Para su confección el junco ha de ser previamente majado.
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Traje de pastor extremeño
Camisa sobre la que se pone, un peto de cuero decorado con bordados hechos de lana y una chaqueta de paño que se refuerza y decora con aplicaciones de estezado. En las piernas, calzón de paño negro y faja, que quedan tapados por los zajones, confeccionados con cuero y piel con pelo. Sobre todo el conjunto el peto adornado con un picado en el delantero y con dos cintas en los extremos del delantero para adaptar éste al tamaño del cuerpo. Los oficios desarrollados al aire libre necesitan una indumentaria especial. Se emplean materiales que protegen de las durezas del clima, y se usan diseños funcionales adaptados a la necesidad del trabajo, como es el caso del peto, con bolsillos delanteros para guardar aperos de trabajo y del zajón que sirve de mandil para manipular el ganado y para proteger el calzón.
07 valencia
Mujer de Valencia

Camisa con manga rematada con encaje, justillo, armado con ballenas, con dos pequeñas aberturas en pecho para dar de mamar al niño y falda de seda sobre enagua de lino confeccionada con numerosas lorzas para darle mayor cuerpo. Su referente histórico es la moda culta del s. XVIII. Destaca la riqueza de las telas con las que están confeccionadas las piezas y la pervivencia del jubón, que es similar a las cotillas que armaban los cuerpos de esa época.
Medias: de tejidos como seda o algodón y con bordados y los zapatos: normalmente forrados con la misma tela del traje. Además hay una “joya”, que se coloca en la parte superior del corpiño junto al escote, el collar y las agujas que se clavan en el moño trasero y sirven de sujeción de éste  y de los rodetes.
02 ibizaPayesa ibicenca ( Ibiza )

Camisa de algodón bordada, basquiña de paño negro encañonada sobre su vuelo, cerrando al pecho con cordón y con tirantes que ajustan con cintas ataderas, mandil muy decorado en la parte superior, manguitos y un sombrero de ala muy amplia decorado con flores.El conjunto tiene su precedente histórico en el s. XV, en concreto este tipo de basquiña de cintura alta fue muy popular entre las criadas de ese periodo
14 murciaHuertano murciano

Camisa con gran cuello que cierra con cintas. Sobre ésta el chaleco, con los delanteros de terciopelo. En la cintura una faja y para las piernas unos zaragüelles, calzones con perneras de gran vuelo que llegan a la rodilla. En la cabeza llevaría la montera, de terciopelo negro. Los tejidos utilizados y el corte, indican su uso en zonas de clima cálido como son Levante y Andalucía oriental. Eran prendas habituales entre huertanos o labradores y con ellas se les identificaba como horchateros y naranjeros en los mercados españoles Es creencia extendida que los zaragüelles tienen un origen árabe, pero probablemente sean una variante de calzoncillos de amplio vuelo, encontrándose modelos similares en otras regiones.

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Traje de campesino
Camisa de algodón blanca muy decorada con bordados del mismo color y lorzas, faja en tafetán de lana roja y chaleco, chaquetilla y calzón en pana de algodón marrón, decorados en los cuellos, solapas, puños y aberturas de las perneras con, pespuntes, bordados, botones con el centro de seda roja y con festón amarillo en los ojales. Gerona Este traje es la adaptación al gusto y a los recursos de las clases populares de la indumentaria culta de finales del s XVIII. Es similar a un traje masculino a la inglesa, pero sin los faldones del frac, y adaptado al gusto popular español con una generosa decoración de bordado en las pecheras, las solapas y cierres de las perneras, que abrochan con machos, y con la adición de una rica botonadura metálica en la chaquetilla y en el chaleco. Este traje esta a mitad de camino entre el traje a la inglesa y el traje bolero.04 granada

Hombre de Granada
Chaqueta y chaleco de terciopelo azul decorado con cordoncillo negro y botones de filigrana, calzón de punto con aberturas laterales que cierran con botones y para ajustarlos a la rodilla cordoncillo rematado con borlas. Destaca el color rosa de la faja. El conjunto representa al estereotipo de lo español en la primera mitad del s. XIX, encarnado, de forma escénica, en la escuela bolera. Puede verse también, en éste, a un antepasado del actual traje de luces, tanto por la decoración como por lo ajustado del calzón. La chaqueta corta, ceñida, muy decorada y sin botones, se denomina marsellés.
06 maragatoHombre maragato (León)

Camisa de algodón, chaleco de paño rojo bordado a colores, faja roja y sobre estas piezas, sayuelo de paño negro que cierra con cordoncillo pasado por ojetes, calzones de gran vuelo ceñidos en las rodillas quedando así abombados, y tabaquera, cinturón de cuero bordado, que lleva bolsillos para guardar los útiles para fumar.
Bordado en la tabaqueraERES DUEÑO DE MI AMOR. Los precedentes de alguna de las piezas que componen este traje se podrían remontar al s. XVI; de este momento es la pervivencia del cordón atadero para cerrar el sayuelo y el tipo de calzón de amplio vuelo utilizado por los militares europeos en este momento histórico. Este traje durante varios siglos fue el uniforme que identifico a los arrieros maragatos.

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Traje de novia de Fraga (Huesca)

Mantón de seda color crudo, con flecos del mismo material, decorado con figuras orientales y flores bordadas, y saya con ligamento de faya francesa de seda con decoración espolinada floral polícroma. Es el traje vestido por las novias fragatinas después de la ceremonia, acompañado para enriquecerlo con joyas y lazos. Las grandes dimensiones y la riqueza del mantón crean un vestido con una falda realizada en una rica tela siguiendo modelos decorativos del s XVIII.
11 alistaCapa del Aliste (Zamora)

Capa de paño pardo muy pesada compuesta por la capa, de gran vuelo, la esclavina, el capillo con amplia vuelta, y la chiva, pieza que cuelga por la espalda del borde del capillo. Se adorna con grecas aplicadas de paño negro recortado y picado. Utilizada tanto por los pastores para trabajar, como en ceremonias, de boda o de luto
Tipos de Salamanca por Joaquín Sorolla
15 mallorcaTraje de payés (Mallorca)

Camisa de lino decorada con bordados en el mismo color, chaleco con el delantero en brocatel azul y amarillo, calzón bombacho a rayas de colores en algodón, faja verde en sarga de algodón y alpargatas de esparto que atan con cinta de algodón negra. Las islas son territorios que por su aislamiento facilitan la pervivencia de tradiciones e indumentaria. Este traje estuvo muy ampliamente difundido entre los campesinos mallorquines hasta comienzos del s. XX. Con las adiciones de prendas del momento mantuvo como pieza emblemática los largos calzones de amplio vuelo, similares a los maragatos, muy populares en el s XVI.
13 ama pasiegaTraje de Ama Pasiega (Cantabria)

Camisa con cuello y puños rematados con puntilla de ganchillo. La chaqueta, el mandil y la saya son de paño y terciopelo morado. La chaqueta se une al peto del mandil con botones, dejando ver parte de la camisa. La saya y el mandil están decoradas con tiras de terciopelo negro y pasamanería dorada y la parte trasera de la chaqueta con un gran lazo.Este conjunto, pese a ser rico no es de uso festivo, sino un uniforme de trabajo, utilizado por las amas se cría de Santander.
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Traje de Maga de La Palma (Canarias)
Camisa de lino bordada, justillo con el delantero brocado que ajusta con cordoncillo, enagua de lino decorada con bordados negros de lana, falda de paño negro con el bajo ribeteado en rojo,toca de lino con forma rectangular y montera de paño negro ribeteada con vivo blanco. Uno de los factores que más marca a un traje es la climatología de la zona donde se va a utilizar. Este traje de uso diario esta adaptado al particular clima de las islas. Confeccionado con géneros ligeros que permiten aliviar el intenso calor, también abriga por las mañanas mediante la superposición de sayas y enaguas. Lleva una amplia toca sujeta por la montera que protege la cabeza y el rostro del sol y del efecto del fuerte viento de las islas.
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Mujer de Ansó (Huesca)
Camisa con amplio cuello plisado, basquiña de talle alto de paño verde plisada y con tirantes, manguitos unidos entre si con cintas llamadas cuerdas sujetas a la espalda de la basquiña, escarapela en el pecho con la imagen del Sagrado corazón y mantilla de paño fino blanco decorada con cinta adamascada y borla (cotufa) que cuelga en el centro de la parte frontal y que le da nombre a la pieza. Perviven piezas utilizadas ya en el siglo XV como la basquiña y el peinado llamado churros, similar al trenzado, usado por las mujeres de la época, conservando incluso la denominación de la cinta que lo recoge “trenzadera”. Además se incorporan del s. XVII el cuello de la camisa, similar a los cuellos de lechuguilla españoles del momento.
Tipos del Valle de Ansó de Joaquín Sorolla
Tipos del Roncal por Joaquín Sorolla

Los lienzos de la Hispanic Society of America

En 1911 The Hispanic Society of America encargó a Joaquín Sorolla pintar Visión de España, una obra colosal que ocupó los últimos años de su vida activa. Son 14 lienzos de gran formato en los que están reflejados la vida y tradiciones rurales de once regiones de España.
Según la experta en Sorolla, Blanca Pons-Sorolla, el artista, con el objetivo de adquirir una “mayor visión real in situ de la gente y los variados paisajes”, viajó por España pintando evocadoras instantáneas de las provincias, después de haber llevado a cabo meticulosos estudios de los trajes regionales, buscando los “trajes y joyas más auténticos, que en algún caso fueron incluso adquiridos por el propio artista”.
De dichos oleos os he puesto algunos ejemplos que se encuentran en el Museo de Sorolla de Madrid

Las casas a la malicia

Empezaremos por las viviendas de Madrid y concretamente por un tipo de ellas, que proliferaron desde el S. XVI, debido a las necesidades creadas, al instalarse la Corte de Felipe II en la ciudad
Me refiero a las “casas a la malicia”que  fueron el fruto de un delito inmobiliario en el Madrid de los siglos XVI al XVIII, provocado por los privilegios otorgados a los funcionarios de la Corte Real por la ley denominada «Regalía de aposento».
La «Regalía de aposento» obligaba a todo vecino de la villa de Madrid no exento, a “alojar a un funcionario del rey en la mitad de la superficie útil”. La medida había sido provocada por la afluencia de familias al servicio de la Corte de Felipe II al instalarse la nueva capital española en 1561. La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación
El origen de las “casas a la malicia” de Madrid está íntimamente relacionado con la picaresca del pueblo español, una “cualidad” que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII. Pero para comprender mejor cuales fueron los motivos que propiciaron la aparición de este tipo de viviendas, lo mejor es retroceder en el tiempo hasta los días en que Madrid aun no era la capital de España

“Casa a la Malicia” que se puede ver todavía en Noviciado

Felipe II por Sofonisba Anguissola 1564  Museo del Prado Madrid

“El Rey Católico, juzgando incapaz la habitación de la ciudad de Toledo, ejecutando el deseo que tuvo el emperador su padre de poner su Corte en la Villa de Madrid, determinó poner en Madrid su real asiento y gobierno de su monarquía”. (Luis Cabrera de Córdoba, 1559-1623)

Entrada de Felipe II en Madrid

Hasta mayo de 1561, la capital de la nación más poderosa del mundo era la ciudad Imperial de Toledo, pero el lunes 19 de mayo de 1561, Felipe II hizo llegar al Concejo de Madrid una Cédula Real en la que se le hacía saber del inminente traslado de la Corte desde la ciudad del Tajo a Madrid, donde debería hallarse instalada al mes siguiente, a tiempo para la celebración del Consejo Real que debería celebrarse en la nueva capital. El día 21 de mayo, el monarca partió de Toledo hacia Aranjuez para inspeccionar las obras del palacio y jardines que allí se estaban construyendo y desde el Real Sitio se dirigiría directamente a Madrid, que a partir de ese momento se convertiría en la capital del España

Maqueta con una de las casas a la malicia

Tengamos en cuenta que Madrid en el siglo XVI no era una ciudad propiamente dicha como lo eran Toledo, Barcelona, Valladolid o Sevilla, era más bien un pueblo grande y amurallado, un “poblachón manchego”, como han escrito algunos, situado en un lugar relativamente privilegiado sobre un altozano, con un río de escaso caudal a sus pies, nuestro entrañable Manzanares.

Juan Bautista de Toledo

Se elaboró un ambicioso plan urbanístico al frente del cual Felipe II, tras hacerle venir desde Italia, puso al arquitecto Juan Bautista de Toledo, que percibiría un salario de 220 ducados anuales. Sin duda otro dato que avala la teoría de la capital renacentista deseada por el monarca.
Pero el ambicioso plan pronto comenzó a encontrase con serias dificultades. Si el plan se hubiese llevado a cabo rápidamente, sin duda la transformación de la Villa de Madrid en una gran capital europea habría sido coherente y homogénea, pero toda clase de dificultades, urbanas, sociales y económicas, hicieron que los trabajos se llevaran a cabo con gran lentitud, y muchas de las reformas acabaron convertidas en “agua de borrajas”

Probable retrato de Juan Bautista de Toledo de el Greco

Aunque según otras opiniones es de su hijo Juan Manuel Theotocopuli.(Lo añado aqui, por si alguien tiene conocimiento de su identidad y lo puede aclarar, yo no lo he conseguido, aunque apuesto por su hijo…)

Maqueta de una de las casas del Museo de la Ciudad

Ante esta grave situación, Felipe II se vio obligado a promulgar un edicto llamado “Regalía de aposento” mediante el cual, todas las casas de Madrid que tuviesen más de una planta, deberían ceder la planta superior mismas a aquellos que se considerase oportuno, habitualmente  al séquito o servicio real, muy exigido de alojamientos en una ciudad que acababa de ser escogida como capital del reino. 
Las “casas a la malicia”, fueron un recurso arquitectónico de los constructores del siglo XVII a requerimiento de los propietarios de las nuevas casas, para engañar a las autoridades municipales.

Plano de casa de “Muy incómoda” repartición

La picaresca inmobiliaria puesta en escena presentaba características exteriores que hacían suponer falsos interiores estrechos, incómodos y en definitiva no aptos para ser incluidos dentro del grupo de edificios que tenían que cumplir con la ley de Regalía de aposento, es decir: ceder la mitad de la casa a un funcionario de la Corte sin que tuviera que pagar alojamiento.

Ejemplo de Casa de Malicia
La casa esconde una fachada de dos alturas en su patio interior

La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación, inconveniente que se intentó solucionar años mas tarde, con la llamada Visita General de 1749, medida cuya aplicación quedaba registrada en un azulejo con la clave Visita Casa / Manzana nº (x) (azulejos que pueden verse todavía visible en muchas fachadas de edificios del casco histórico de Madrid)

Libro de los nombres y calles de Madrid

Sobre que se paga incómodas y tercias partes, manuscrito conservado en la Biblioteca Nacional con el nº 5918.

Casa señorial, junto al Convento de San Ildefonso, Trinitarias Descalzas

Los primeros en eludir la imposición real de la Regalía de aposento fueron los propietarios de las clases adineradas dueños de inmuebles en el Madrid convertido en Corte , en que casas de dos pisos e incluso tres alturas se camuflaban destinando de forma aparente  la planta baja a los establos para los animales, la primera a viviendas y la segunda a desván, aunque en realidad  todas las estancias se utilizaran como vivienda

Casa en la calle del Rollo

El Edicto Real establecía que el primer piso pertenecía al Rey, que podía disponer de él e incluso venderlo a quien decidiera. Eso sí, todo se hizo con el acuerdo del Consistorio, que lo aceptaba para que Felipe II no diera marcha atrás en su decisión de trasladar la capital a Madrid.

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Para encontrar estas casas, nos tenemos que adentrar en el barrio de la Latina, en la zona más antigua de Madrid, donde el trazado medieval se intuye en las calles angostas y las curvas improvisadas entre la Plaza de Carros, la Plaza de la Morería, el Jardín de las Vistillas, el Mercado de la Cebada, y la Plaza de la Paja

Rótulo de la casa en la calle del Rollo

Las “casas a la malicia” estaban construidas de tal forma, que vistas desde el exterior parecía que sólo tenían una planta a base de distribuciones imposibles y caóticas del interior de las viviendas con sótanos que no pudiesen verse desde fuera, con lo que aun siendo una casa de dos plantas, parecía que solo lo fuera de una, y por tanto no debía acoger a los miembros de la corte, tejados muy inclinados donde se habilitaban buhardillas, medias alturas y patios

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calle de los  de los Mancebos, esquina Redondilla.

El madrileño de entonces, incómodo con aquella ley, y deseoso de esquivarla, ideó este truco de sacar con caos las ventanas de fachada. También se practicó el truco de añadir buhardillas disimuladas, como puede comprobar el paseante de hoy mismo en esta

Azulejo con la clave para identificar las casa, que aun quedan en Madrid

Casa-Museo de Lope de Vega

Un buen ejemplo es la Casa Museo de Lope de Vega en la calle Cervantes)

Vista de una de las casa en la esquina de la calle del Agua con la de Tabernillas

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Casa en la Plaza del Alamillo

Hoy solo quedan algunos ejemplos de “casas a la malicia” en el Madrid de los Austrias y en los barrios de La Morería, Las Letras y Universidad, que os aseguro merece la pena intentar localizar mientras paseáis por las calles del viejo Madrid, rememorando un curioso capitulo de la picaresca española y madrileña que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII, durante la monarquía de la Casa de Austria.

Casa en las calles San Andrés con San Vicente, por supuesto muy modificada con reformas

Suele proponerse como ejemplo superviviente de “casa a la malicia” el edificio, bastante reformado, que en el barrio de la Morería ocupa la esquina que forman la calle de Mancebos con la de Redondilla, antes mencionada, cuya construcción original se ha datado entre 1565 y 1590.

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Casas en la Ribera de Curtidores

Pudieron ser a la malicia, muy reformadas también.

La ‘casas a malicia’ o el misterio de las ventanas asimétricas
Fachada en la calle Conde, poco antes de llegar a la plaza de la Cruz Verde

Ejemplo de las ventanas asimétricas, con resultados catastróficos para el urbanismo madrileño ya que los arquitectos recurrieron a argucias poco aconsejables como ocultar las habitaciones superiores mediante escaleras interiores o dejar casi sin luz amplias estancias, apenas iluminadas por pequeños ventanucos.

Fuentes :

https://www.pasionpormadrid.com/2010/06/

https://vramon1958.wordpress.com/2014/09/07/el-real-decreto-de-regalia-de-aposento-y-las-casas-a-la-malicia/

https://es.wikipedia.org/wiki/Casas_a_la_malicia

https://www.lavanguardia.com/local/madrid/20180505/443244808392/casas-a-malicia-ventanas-asimetricas-madrid-secreto.html

y fotos: internet. 

Los reyes del cine

El Cine Histórico, siempre resultó atractivo para casi todos, porque en los films se representaban las vidas de reyes, reinas y los personajes que los rodeaban, mas o menos noveladas o reales, con lo que conocíamos, no solo sus biografías llenas de pasiones, mezquindad, crueldad o bondad y justicia sino el entorno histórico en el que se desarrollaba, con sus paisajes, personajes, episodios etc y al menos así, aprendíamos las nociones de lo que en el pasado ocurrió y que pese a carencias o tergiversaciones, nos introdujeron, posteriormente al conocimiento mas profundo del acontecer humano, para que luego pudiéramos completar con su estudio en textos mas serios y rigurosos.
Algunos pueden tacharlas de pesadas, otros de cursis o demasiado increibles, pero todas nos moveran a la curiosidad de saber mas sobre estos reales personajes y a conocer mejor sus historias.
En esta selección, no he incluido a personajes ficticios, aunque algunas historias si lo sean. Al Rey Arturo, lo incluyo entre ellos, porque muy bien pudo existir.y al Rey de Siam, por las mismas razones.
En general son mayoría, las películas inglesas donde aparecen sus reyes, en especial Isabel I, .y he procurado ponerlos en orden cronológico, teniendo en cuenta las fechas en que reinaron.
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Troya  Año: 2004
Dirigida por Wolfgang Petersen
Reparto Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom
Personajes: la película opta por una aproximación más o menos realista a la guerra de Troya con los personajes del rey Agamenón, Helena, Páris , Ulises, Hector y Aquiles
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Cleopatra año: 1963 Países: EE.UU., Reino Unido, Suiza
Dirección: Joseph L. Mankiewicz
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton,
personajes: Cleopatra y su relación con Julio Cesar y Marco Antonio
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Los Caballeros del Rey Arturo  Año: 1953 País: Reino Unido
Dirección: Richard Thorpe
Intérpretes: Robert Taylor, Ava Gardner, Mel Ferrer
Personajes: El mítico Rey Arturo,  su esposa Ginebra y el caballero Lancelot.
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El león en invierno  Año: 1968  País: Reino Unido

Dirección: Anthony Harvey

Intérpretes: Peter O’Toole, Katharine Hepburn, John Castle, Nigel Terry, Timothy Dalton, Anthony Hopkins

Personajes. Enrique II Plantagenet y Leonor de Aquitania, reyes de Inglaterra y sus hijos

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El primer caballero Año: 1995 País: EE.UU.
Dirección: Jerry Zucker
Intérpretes: Sean Connery, Richard Gere, Julia Ormond
Personajes: El Rey Ricardo Corazón de León, la Reina Ginebra y Sir Lancelot
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Becket  Año: 1964  Países: EE.UU., Reino Unido
Dirección: Peter Glenville
Intérpretes: Richard Burton, Peter O’Toole, John Gielgud
Personajes: El Rey Enrique II Plantagenet, rey de Inglaterra, y Thomas Becket, Arzobispo de Canterbury
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Ricardo III. Año: 1944 País: Reino Unido 

Dirección: Laurence Olivier

Intérpretes: Laurence Olivier, Robert Newton,

Personaje: Ricardo III de Inglaterra: Último monarca de la Casa de York y su derrota y muerte en la batalla de Bosworth, basada en el drama de Shakespeare.

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Enrique V Año: 1989 País: Reino Unido
Dirección: Kenneth Branagh
Intérpretes: Kenneth Branagh, Derek Jacobi
Personaje: El Rey Enrique V de Inglaterra basada en la obra de Shakespeare
12592486_560360407464538_2435751216668454891_nLa Reina Cristina de Suecia. Año: 1933 País: EE.UU.

Dirección: Rouben Mamoulian

Intérpretes: Greta Garbo, John Gilbert

Personajes: La Reina Cristina de Suecia y su amante el Conde de Pimentel , embajador del rey de España en Suecia

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La Reina Santa Año: 1947 País: España

Dirección: Rafael Gil, Aníbal Contreiras, Henrique Campos

Intérpretes: Maruchi Fresno, Antonio Vilar

Personajes: Don Dionis e Isabel de Portugal, de cuyo matrimonio surge la alianza entre Portugal y Aragón. aunque en medio de las intrigas de los cortesanos.
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La vida privada de Enrique VIII Año: 1933 País: Reino Unido
Dirección: Alexander Korda
Intérpretes: Charles Laughton, Robert Donat
Personajes: Enrique VII y sus esposas
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Las hermanas Bolena año: 2008 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Justin Chadwick

Intérpretes: Natalie Portman, Scarlett Johansson

Personaje: La Reina Ana Bolena, segunda esposa de Enrique VIII y su hermana, antes de su boda.

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Un hombre para la eternidad Año: 1966 País: Reino Unido

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Paul Scofield, Wendy Hiller

Personajes: El Rey Enrique VIII de Inglaterra y su canciller, Sir Thomas Moro y su ejecución.

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María Estuardo Año: 1936 País: EE.UU.
Dirección: John Ford
Intérpretes: Katharine Hepburn, Fredric March
Personaje: María Estuardo Reina de Escocia, mandada decapitar por traición por la reina Isabel
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El favorito de la Reina Año: 1955 País: EE.UU.
Dirección: Henry Koster
Intérpretes: Bette Davis, Richard Todd
Personajes: Isabel I de Inglaterra y su amante
(Una Reina, frecuentemente representada en el cine)
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La vida privada de Elizabeth y Essex  Año: 1939 País: EE.UU.
Dirección: Michael Curtiz
Intérpretes: Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland
Personaje: Isabel I de Inglaterra y su amante el conde de Essex
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Elizabeth Año:1998 País Reino Unido
Director Shekhar Kapur
Reparto: Cate Blanchett, Geoffrey Rush
Personaje: Isabel I de Inglaterra
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Elizabeth I Año: 2005  país: Reino Unido
Dirección: Tom Hooper
Intérpretes: Helen Mirren, Jeremy Irons
Personaje : Isabel I de Inglaterra
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El hombre de la mascara de hierro Año: 1998 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Randall Wallace

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Gabriel Byrne, John Malkovich, Jeremy Irons y Gérard Depardieu,

Personajes: El Rey Luis XIV y los Mosqueteros (a través de la novela de Alejandro Dumas)

Vatel  Año: 2000  Países: Bélgica, Francia, Reino Unido

Dirección: Roland Joffé

Intérpretes: Gérard Depardieu, Uma Thurman, Tim Roth

Personajes: El Rey Luis XIV de Francia y el cocinero Vatel, que le organiza un banquete por orden de su jefe el Príncipe de Conde, para ganarse la confianza del Rey.

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El Rey pasmado   Año: 1991 Países: España, Francia, Portugal

Dirección: Imanol Uribe

Intérpretes: María Barranco, Joaquim de Almeida, Laura del Sol, Gabino Diego, Juan Diego, Fernando Fernán Gómez, Javier Gurruchaga, Eusebio Poncela

Personaje: El Rey Felipe IV de España (
Se inspira en una novela del escritor Gonzalo Torrente Ballester. )
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Cromwell  año 1970

Director Ken Hughes

Intérpretes: Richard Harris, Alec  Guinness, Robert Morley

Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra y  Cromwell

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Matar a un Rey Año: año 2003
Dirección: Mike Barker
Intérpretes: Tim Roth, Dougray Scott, Rupert Everett
Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra, y Oliverio Cronwell, que instauró la república tras decapitar al rey
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La Favorita  año 2018
director: Giorgios Lanthimos

Interpretes : Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz

Personaje: El padre de Ana, Jacobo II y VII de Escocia, fue rey durante 3 años antes de ser depuesto en la Revolución Gloriosa de 1688. En un momento de crisis”, Ana vio la unificación de Escocia e Inglaterra, lo que la convirtió en la primera reina de Gran Bretaña de la historia.

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María Antonieta   Año: 2006  Países: EE.UU., Francia, Japón
Dirección: Sofia Coppola
Intérpretes: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman

Personajes: La Reina Mª Antonieta de Francia y Louis XVI
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La locura del Rey Jorge Año: 1994 País: Reino Unido
Dirección: Nicholas Hytner
Intérpretes: Nigel Hawthorne, Helen Mirren, Ian Holm
Personaje: Jorge III de Hannover , rey de Inglaterra y la enfermedad que padeció.

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El Rey y yo Año: 1956 País: EE.UU.

Dirección: Walter Lang

Intérpretes: Yul Brynner, Deborah Kerr

Personaje: El Rey de Siam y la institutriz de sus hijos (basado en la novela de Margaret Landon, donde se muestra la vida en una corte oriental)

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Su Majestad Mrs.Brown Año: 1997 Países: EE.UU., Irlanda, Reino Unido
Dirección: John Madden
Intérpretes: Judi Dench, Billy Connolly
Personajes: La Reina Victoria de Inglaterra y su amigo James Brown, tras la muerte del esposo de la reina
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Sissí Año: 1955

dirección: Ernst Marischka

Intérpretes: Romy Schneider, Karlheinz Böhm, Magda Schneider

Personajes: La Emperatriz Isabel y el Emperador Francisco José de Austria
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Donde vas Alfonso XII? Año: 1958

Dirección: Luis César Amadori

Intérpretes: Vicente Parra, Paquita Rico

Personajes: El Rey Alfonso XII y su esposa Mª de la Mercedes Montpensier en su breve matrimonio
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Nicolás y Alejandra Año: 1971
Dirección: Franklin J. Schaffner
Intérpretes: Michael Jayston, Janet Suzman
Personajes: El Zar Nicolas y la Zarina Alejandra de Rusia, en los años previos a la revolución bolchevique.de 1917
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El último emperador  Año: 1987

Dirección: Bernardo Bertolucci

Intérpretes: John Lone, Joan Chen, Peter O’Toole

Personaje: Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, último emperador de China
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El discurso del Rey  Año: 2010  Países: Australia, Reino Unido

Dirección: Tom Hooper

Intérpretes: Helena Bonham Carter, Colin Firth,Geoffrey Rush Guy Pearce, Michael Gambon,
Personajes: El Rey Jorge VI , su familia y su logopeda (Jorge era tartamudo y tuvo que reinar tras la abdicación de su hermano Eduardo)

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The Queen  Año: 2006

Dirección: Stephen Frears

Intérpretes: Helen Mirren, James Cromwell

Personaje: Isabel II de Inglaterra, en los dias posteriores a la muerte de Diana

Las pinturas de castas

La pintura de castas fue un fenómeno artístico que existió principalmente en la Nueva España en el siglo XVIII, existiendo también ejemplares en Perú.

Las pinturas eran, en parte, producto de la Ilustración e intentaban representar las muchas castas, el producto de la mezcla de razas, que existían en el Nuevo Mundo.
Asi que durante el siglo XVIII en los virreinatos de Nueva España y Perú se desarrolló un género de pintura ahora llamado los “cuadros de casta”.

Por documentos, sabemos que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre , duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.
Distinto del concepto de “raza”, típicamente representado en la sociedad contemporánea, la casta en Hispanoamérica integraba representaciones culturales más que las biológicas.

El Imperio Español clasificó a las personas, según “razas” y “cruzas” étnicas, para organizar un sistema social estratificado en sus posesiones de América.

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El diccionario de la Real Academia Española de 1780 define “casta” como “generación o linaje.”

Definiciones de la RAE (actual):

  1. Ascendencia y descendencia de una persona o de un animal.
  2. Variedad de una especie animal que reúne ciertos caracteres hereditarios.
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    El sistema de castas, no solo se dió en las posesiones española, en otros países también aparecieron, asi en: Sudafrica (apartheid), Estados Unidos, la India (llamados yati o ‘clan), el Imperio británico (separación entre blancos e indígenas), el Imperio alemán, y también separación entre blancos y negros en Ruanda-Burundi y entre negros hutus y tutsis…)

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El diccionario indica el sentido de que también existen las castas en ciertos animales, como los caballos, perros, etc y en esta imagen se muestra la diferencia de tamaños, colores, pelajes, etc entre algunas de las más de 300 razas de perros, que han sido criados selectivamente para conseguir características específicas durante miles de años. Se trata de juntar, a propósito el macho y la hembra de cada especie para que de su procreación salga determinada casta.”
Las castas se desarrollaron de un proceso de intercambio cultural, y las raíces étnicas que forjaron la identidad mestiza en Nueva España: fueron los indígenas, los españoles, los negros y escasas veces los asiáticos.

<img src=”https://image.slidesharecdn.com/lascastasdelanuevaespaa-091109164351-phpapp02/95/las-castas-de-la-nueva-espaa-5-1024.jpg?cb=1257785063&#8243; alt=”Las actividades en la Nueva España estaban estrechamente ligadas a este complicado sistema de clasificación:

  • Gobie…”>
    Las listas que se presentan aquí probablemente son las que el artista conocía o prefería, la que el cliente pidió, o una combinación de ambos. Es importante aclarar que estos cuadros tenían como objetivo ser apreciados por un público europeo, ávido de conocer los detalles exóticos de las nuevas tierras. Por ello, en los cuadros no sólo aparecen personas, sino también sus alimentos, carácter y manera de ganarse la vida etc, siendo una rica fuente de información para el estudio de todo ello.

    Muchos autores, al referirse a la población de la Nueva España consideran primero a los grupos mayoritarios y su importanc...
    Un “mestizo” era producto de la mezcla de un español más un indígena. Por ello, algunos mestizos fueron educados como caballeros y damas españoles porque la Corona consideraba humillante que un hijo de español fuera educado entre los indígenas. Otros eran negados y discriminados y a veces se les tomaba por españoles o indígenas, pero sin ser aceptados totalmente por ninguno de los dos grupos.

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    Castas mexicanas (Fragmentos de los óleos de Cabrera)

    Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

    LOS VIRREINATOS
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    Los Virreinatos de Nueva España en 1819

    El virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del norte por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX, etapa conocida como período colonial mexicano. Fue creada tras la caída de México-Tenochtitlán, evento principal de la Conquista la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues el territorio de Nueva España siguió creciendo hacia el norte, a costa de los territorios de pueblos indígenas del desierto.
    La mayoría de las imágenes de castas, salen de Nueva España (lo que principalmente es México hoy en día) durante los años 1780. Los cuadros de castas también se pintaron en el Perú y otras partes de los virreinatos.peru
    El Virreinato del Perú fue una entidad territorial situada en América del Sur, integrante del Imperio español y que fue creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX.
    El inmenso virreinato abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Quedó fuera de él, también como bien realengo, Venezuela y Brasil, que sobre el océano Atlántico, pertenecía a Portugal.
    Sin embargo, durante el transcurso del siglo XVIII su superficie sufrió tres importantes mermas al crearse -con parte de su territorio- dos nuevos virreinatos de la corona española: el Virreinato de Nueva Granada y posteriormente el Virreinato del Río de la Plata. Al mismo tiempo el Brasil lusitano extendía sus fronteras hacia la Amazonia.

    LAS CASTAS Y SUS REPRESENTACIONES:

    Con este abundante racismo, se llegaría a intentar definir las tantas «mezclas» como personas había, aplicando para ello decenas de nombres para todo tipo de «resultados» surgidos.

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    Los nombres de las castas varían de región en región y cambiaban a través del tiempo y en cualquier caso, los genetistas e historiadores modernos no aceptan que existan las llamadas razas puras, siendo quizá la totalidad de la población mundial el producto de diversas mezclas, algunas de más compatibilidad fenotípica dando apariencia racial.

    Muchas de las series de pinturas de castas, se encuentran incompletas y sin autoría, mientras que hay otras de pintores como: Ignacio de Castro, José Joaquín de Magón, Andrés de Islas, y por supuesto, Miguel Cabrera.

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    Indios gentiles de Andrés de Islas, (1774)
    Cartela: Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles”, ca. 1750.

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    Sor Juana Inés de la Cruz por Andrés de la Islas, (una de sus obras mas conocidas).
    Al margen de sus pinturas de castas, este artista pintó a una de las pocas figuras de la cultura mexicana durante el período colonial, que fueron más populares y despertaron más interés que, la que tras entrar en religión, tomó el nombre de Sor Juana Inés de la Cruz. Mujer de gran cultura, literata de renombre y protegida de virreyes, desde muy temprana edad dedicó la mayor parte de su vida a la lectura y el estudio, pasando pronto a realizar sus propias composiciones en diferentes géneros

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    Pintura de castas de Luis de Mena (C. 1750). Museo de América, Madrid.

    Otra serie muy interesante, porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. anónimo.
    Los cuadros de castas se presentaron con mayor frecuencia en series de dieciséis lienzos individuales agrupados a modo de mural en dieciséis compartimentos. Cada serie suele representar por lo general a un hombre, mujer y niño
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    Pintura de castas anónimo del S.XVIII. Museo Nacional del Virreinato (Tepotzotlán)
    Lista anónima:
    1. Español con India, Mestizo
    2. Mestizo con Española, Castizo
    3. Castiza con Español, Española
    4. Español con Negra, Mulato
    5. Mulato con Española, Morisca
    6. Morisco con Española, Chino
    7. Chino con India, Salta atrás
    8. Salta atrás con Mulata, Lobo
    9. Lobo con China, Gíbaro (Jíbaro)
    10. Gíbaro con Mulata, Albarazado
    11. Albarazado con Negra, Cambujo
    12. Cambujo con India, Sambiaga (Zambiaga)
    13. Sambiago con Loba, Calpamulato
    14. Calpamulto con Cambuja, Tente en el aire
    15. Tente en el aire con Mulata, No te entiendo
    16. No te entiendo con India, Torna atrás
    (Transcripción literal de la lista)

    Obras del pintor novohispano Miguel Cabrera (1695-1768)

    En México resalta el arte novohispano de Miguel Cabrera, quien realizó una serie de obras inspiradas en las castas del México colonial.

    Esta serie de pinturas data del año 1763, en ellas se representan a las familias (padre madre y prole) de diferentes castas y estrato socio económico, en situación cotidiana (mercado, hogar o calle) en las que se puede apreciar claramente la diferencia entre los estratos sociales y la relación que tiene dicho estrato con la casta a la que pertenecía el individuo. Actualmente esta colección se encuentra en el Museo de América, en Madrid
    Resultado de imagen de LA ILUSTRACION EN NUEVA ESPAÑA

    El problema en torno a las razas y al mestizaje como consecuencia de la unión entre los tres grupos raciales de la colonia: españoles, indios y negros, contó en el siglo XVIII con un gran auge entre los estudiosos que en el marco de las reformas Borbónica y la Ilustración, realizaban por todo el nuevo continente un exhaustivo trabajo de observación y clasificación de la naturaleza, su flora, su fauna, los recursos naturales y entre esta naturaleza, los seres humanos.
    P04778

    “Mulatos de Esmeraldas” de Andrés Sánchez Gallque (1599) Museo de América, Madrid.
    Antes del siglo XVIII, la mayoría de los mestizos era considerada “gente vil” y se les negaba el derecho de ocupar cargos reales, eclesiásticos o municipales. Por ello, el papel de los mestizos en la Colonia fué desde un principio un factor de inestabilidad, pues no tenía un lugar definido en la sociedad de su tiempo. Los mestizos fueron rechazados tanto por los indígenas como por los españoles

    Castas de origen Casta resultante
    español indígena mestizo
    indio negro zambo
    negro zambo zambo—prieto
    español negro mulato
    mulata español morisco
    español morisca albino
    albino español saltatrás
    indio mestizo coyote
    español coyote harnizo
    coyote indio chamizo
    chino india cambujo
    cambujo india tente en el aire
    mulato tente en el aire albarazado
    La imagen puede contener: 3 personas
    Indios gentiles (Cabrera)

    Se denomina indios o indígenas a los descendientes de los habitantes nativos de América –a quienes los descubridores españoles, por creer que habían llegado a las Indias, llamaron indios. El adjetivo gentil, se refiere a una persona, que no es cristiana ni pertenece a alguna religión y no esta bautizada

    Aquí se presentan dos listas de castas de diferentes conjuntos de retratos de castas. que solo están de acuerdo en los nombres de las primeras cinco combinaciones, en su mayoría las que son entre blancos e indígenas. No hay acuerdo en los nombres, ni definiciones, de las mezclas con negros.
    A continuación pongo la serie de Miguel Cabrera y las que llevan la cartela que corresponden a Mexico (Álbum del mestizaje)
    Comprobareis que aunque muchos coinciden en los nombres asignados, en otras difieren totalmente, según el autor.
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    De español e india nace mestizo

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    De español e india nace mestizo (Cabrera)
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    De español y mestiza nace castizo
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    De español y mestiza nace castizo (Cabrera)

    Los castizos surgieron entre la mezcla de europeos con mestizos, su aparición comenzó después del mestizaje entre europeos (españoles en su mayoría) y amerindios junto con la continua llegada de otros europeos al continente americano una vez establecido el colonialismo.

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    De español y negra nace mulata (Cabrera)
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    De español y negra nace mulata
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    De español y mulata nace morisca (Cabrera)
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    De español y mulata nace morisca

    De español y morisca, nace albino (Cabrera)
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    De español y morisca nace albino

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    De español y albina nace torna atrás (Cabrera)
    En este punto, hay que precisar que el blanqueamiento no se aceptaba para la «raza» negra. Por ejemplo, un torna atrás era una persona nacida de la unión sexual de dos «blancos», pero que tenía características fenotípicas de «negro». Esto era porque la sociedad hispanoamericana colonial asociaba un atavismo ( es decir, tendencia a reproducir tipos originales) a los negros. El miedo era que no importaba cuántas generaciones de «blancos» una persona podía tener: si finalmente un abuelo o bisabuelo había sido «negro» o «indio», los rasgos raciales negros o indígenas volvían a aflorar en sus descendientes en mayor o menor medida.
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    De español y albina nace torna atrás
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    De lobo e india nace albarazado (Cabrera)
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    De sambaigo e india nace albarazado

    El apelativo “lobo” cambia en esta serie a “Sambaigo”
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    De español y torna atrás nace Tente en el aire (Cabrera)
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    De lobo torna atrás e india nace tente en el aire
    Esta es otra acepción de “torna en el aire”
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    De castizo y mestiza sale Chamizo (Cabrera)
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    De albarrado e india nace cachimboreta

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    De albazarado y mestiza sale barcino
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    De indio y barcina nace zambaiga
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    De lobo e india sale sambaiga

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    De negro e india sale china cambuja

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    De chamizo e india nace cambujaLa imagen puede contener: 4 personas

    De mestizo e india nace coyote

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    De mestizo e india sale Coyote

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    De chino cambujo e india nace Loba

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    De negro e india nace lobo

    jerarquias castas

    La sociedad americana se organizó como una pirámide jerárquica que ubicaba en la cúspide a los “españoles” (peninsulares y criollos), y bajo ellos, a la mayoría de la población integrada por “indios” o “naturales” (pueblos originarios), “negros” (traídos como esclavos de África) y “castas” (descendientes de relaciones sexuales entre las tres grandes ramas étnicas anteriores)
    El primer estrato de esta sociedad discriminatoria por la piel está ocupado, por el sector blanco de la población. Lo constituye una minoría de españoles peninsulares ricos y muy influyentes (los llamados “gachupines” en Nueva España y “chapetones” en Perú) y de criollos que les siguen por prestigio socioeconómico.

    Resultado de imagen de piramide castas

    Los negros y mulatos suelen representarse como cocheros, los indios como vendedores de comida, y los mestizos como sastres o zapateros. Las mulatas y mestizas, como cocineras o costureras.
    A medida que la sociedad colonial se había ido estructurando durante la anterior centuria, se fue dando mayor importancia a la pureza de sangre, derivando en un sentido jerárquico y aristocrático, perfectamente conformado a principios del siglo XVIII.
    Tal fue la importancia atribuida a la limpieza de sangre (que en muchos casos no era limpieza absoluta de sangre blanca) que con frecuencia los individuos de este sector recurrieron en este período a la Audiencia para certificarla
    Fuentes:

    http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?
    http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1852-96152012000200009
    https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas
    https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/
    http://genealogiaegusquiza.blogspot.com.es/2010/12/las-pinturas-de-las-castas-en-america.html
    http://ablaevariteprobatum.blogspot.com.es/2013/04/miguel-cabrera-y-la-pintura-de-castas.html

Santa Teresa de Ávila

Santa Teresa nació en Ávila (España) el 28 de marzo de 1515. A los 18 años ingresó en el Carmelo y a los 45 años, buscando responder a las gracias extraordinarias que recibía del Señor, emprendió una misión renovadora. Por ello, junto a San Juan de la Cruz introdujo la gran reforma carmelitana.

“La educación de Santa Teresa”

Desde sus primeros años mostró una imaginación vehemente y apasionada. Su padre, aficionado a la lectura, tenía algunos romanceros.

Teresa con seis o siete años de edad. era muy aficionada a la lectura de libros de caballerías pero también le gustaban las vidas de santos.

Jardín de la casa de Teresa, con su hermano Rodrigo

Desde niña, meditaba mucho sobre que el infierno y del paraíso fuesen para toda la eternidad. Con su hermano Rodrigo, dos años mayor que ella, repetía las palabras “Para siempre, siempre, siempre”

José de Espinoza de los Monteros: Escapada de Santa Teresa y su hermano

Incluso llegó a planear una escapada infantil por lo que a los 7 años convenció a su hermano Rodrigo para que se fugase con ella de casa y se fueran “a tierra de moros”, buscando el martirio.

Convento de agustinas de Nuestra Señora de Gracia, Ávila

Teresa entró como alumna en julio de 1531 en el convento de las monjas de la Orden de San Agustín que estaba junto al Alcázar. Este convento tenía una pensión donde se enseñaba a las jóvenes, labores de bordado y prácticas religiosas.

Reproducción de la alcoba de Santa Teresa en su casa.

Al poco tiempo, afectada por una enfermedad de la que se tienen escasas referencias, Teresa volvió a su casa y tras permanecer en su casa tres años y a pesar de la oposición de su padre, el 2 de noviembre de 1535, Teresa quiso entrar como postulanta en el Convento de la Encarnación, de carmelitas, en Ávila.

Monasterio de la Encarnación de Ávila

El Carmelo, es una orden religiosa de vida contemplativa, fué fundada a mediados del siglo XII por ermitaños en la Capilla de Santa María del Monte Carmelo, en Tierra Santa.

El Profeta Elías

Donde el profeta Elías demostró el poder del Señor ante los sacerdotes de Baal en el siglo IX a. C.

Teresa de Jesús por José de Ribera 1630


En 1538 cae de nuevo enferma, tras entrar al convento su estado de salud empeoró. y, ante el fracaso de los médicos, su padre le lleva a una curandera cuyo tratamiento «deja a la enferma medio muerta» El 15 de agosto de 1539 (solemnidad de la Asunción de María) sufrió un ataque repentino y violento (que ella llamó paroxismo) de su enfermedad, una serie de convulsiones seguidas de pérdida de conocimiento.

Llegaron a darle la extremaunción, pues creyeron que estaba muerta. Oficiaron una misa de difuntos en su honor, y también cavaron su tumba. Un par de días después, cuando su hermano Lorenzo estaba junto al lecho de Teresa, esta recuperó el conocimiento: Se había tratado de un coma profundo que duró cuatro días.

Imagen de San José y el Niño- Luis Salvador Carmona. Iglesia de San José, Madrid

Al cabo de un mes de estar muy postrada, pidió volver al convento, pero allí, tuvo que permanecer tres años mas en reposo, hasta que logra retomar la vida conventual en abril de 1542.​ Teresa atribuyó esta mejoría a la intercesión de San José.
Aunque no abandonó la lectura, sí iba dedicando menos tiempo a la oración y pasaba muchas horas en el locutorio del convento con visitas, ya que las costumbres del convento eran relajadas.

Aparición de Cristo Salvador a santa Teresa de Jesús, Alonso Cano

Según su testimonio, hacia 1543 se le apareció Jesucristo, reprendiéndola para que dejase de ver a una persona con la que se reunía a charlar habitualmente de cosas mundanas en el locutorio.​

La Santa con Cristo atado a la columna. Copia del original destruido de Gregorio Fernandez
Museo de Ávila

En 1554, cuando rondaba los 40 años, tuvo lugar su conversión definitiva ante un Cristo llagado. «Ese día nace Teresa de Jesús y comienza la segunda etapa de su vida. La de su fecundidad espiritual, mística y literaria.

“El éxtasis de Santa Teresa” de Bernini Éxtasis de Santa Teresa, por Gian Lorenzo Bernini, (Barroco Italiano), Capilla Cornaro, Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma, Italia, 1644—1652

El Éxtasis de Santa Teresa es también conocida como la Transverberación de Santa Teresa. El 29 de junio de 1559, mientras estaba rezando, tuvo la sensación de que Cristo estaba a su derecha y le hablaba y en abril de 1560, cuando estaba en casa de Guiomar de Ulloa, se produjo la Transverberación o éxtasis:

Santa Teresa recibió la aparición de un ángel muy hermoso que identificó como un querubín. Dicho ángel llevaba en la mano una larga espada de oro cuya punta parecía encendida. Le religiosa sintió que el ángel le hundía la espada en su corazón y le traspasaba las entrañas.

Descripción del Éxtasis
Bernini, autorretrato

Su autor, Bernini fue el mejor escultor de su época, no solo en Italia sino en toda Europa, ademas de gran arquitecto y pintor. Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII.

En la escultura, Santa Teresa aparece acostada, flotando suspendida en una nube que se funde con su ropaje de extraordinarios pliegues. Dichos pliegues transmiten el desmayo y el cuerpo sensual que se oculta debajo, a pesar que solo podemos ver la cara, las manos y los pies descalzos de Teresa.

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Con la boca entreabierta y los ojos entrecerrados dan una expresión de sumisión y entrega total.

El ángel, que esta flotando sobre el cuerpo de la santa, esta a punto de clavar el dardo amoroso en su corazón y la contempla con la cabeza ladeada con una expresión de dicha y ternura. De esta manera el artista tenía que hacer visible lo que él sabia del éxtasis corporal. El rostro de una mujer en la cima de la euforia sexual.

El conjunto de la Capilla Cornaro

La Reforma del Carmelo

Convento de San José , Ávila

Su ideal de reforma de la orden se concretó en 1562 con la fundación del convento de San José. Se inicia entonces una nueva etapa en su vida, en la que la dedicación a la contemplación y la oración es compartida con una actividad extraordinaria para conseguir el triunfo de la reforma carmelitana.


Empezó entonces a ser favorecida con visiones «imaginarias» e «intelectuales», visiones que habrían de sucederse a lo largo de su vida y que determinaron sus crisis para averiguar si aquello era «espíritu de Dios» o del «demonio».

San Pedro de Alcántara confesando a Santa Teresa
Autor: ¿Taller napolitano?

Su encuentro en 1560 con el santo franciscano Pedro de Alcántara resultó providencial para alcanzar la paz.

Poco antes había tenido oportunidad de conocer a Francisco de Borja


Tras estos encuentros, a pesar de haber sido incomprendida, perseguida y hasta acusada en la Inquisición, fundó nuevos conventos, optando por una vida más austera, sin vanidades, ni lujos.

Convento de Santa Teresa (Casa natal)

Los Conventos :
El lugar por excelencia para conocer obras carmelitanas es Ávila, ciudad que vio nacer a la religiosa. Siete son los enclaves que hay que ver allí: Convento de Santa Teresa, Iglesia de San Juan Bautista, Los cuatro postes, Convento de Nuestra Señora de Gracia, Monasterio de la Encarnación, Monasterio de San José (Las Madres) y el Real Monasterio de Santo Tomás.

Plano de Ávila
Fachada del convento de Santa Teresa

En primer lugar, su casa natal, donde hoy se ubica la iglesia de la Santa. Una imponente talla de Teresa de Jesús escritora labrada saluda desde la fachada.

La Merced del collar de Gregorio Fernandez

El presbiterio del templo alberga uno de los grandes temas de la iconografía teresiana: «La Merced del Collar», grupo tallado por Gregorio Fernández con la Santa entre la Virgen y San José.

Convento de San José o de las Madres

Otro destino abulense es el Convento de San José, su primera fundación (1562). Un artista destaca en él: Alonso Cano, responsable de varias imágenes que siguen los modelos de Gregorio Fernández.

“La Santa en la cocina” cuadro del pintor Francisco Rizi, que se guarda en el Convento de San José.

«La Santa en la cocina», hace referencia al tema «entre pucheros anda el Señor».

Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora de Carmelitas Descalzas de Alba de Tormes

Rizi, coetáneo de Velázquez o Zurbarán, es también el artista más destacado de la iglesia del Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora de Carmelitas Descalzas de Alba de Tormes (Salamanca) ya que fue allí donde murió la Santa.

La Sagrada Familia con la Santa , Francisco Rizi (Alba de Tormes)
Monasterio de la Encarnación de Peñaranda de Bracamonte (Salamanca)

En Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), el convento, fundado por Gaspar de Bracamonte y Guzmán, alberga una excelente colección de pintura barroca italiana.

La Transverberación

Seis de las obras pertenecen al napolitano Luca Giordano, entre ellas, una referente a «La Transverberación».

Fundaciones:
Hay nueve de fundaciones en Castilla y León (Ávila, Alba de Tormes, Salamanca, Segovia, Palencia, Soria, Segovia y Burgos). y otras muchas en el resto de España.

Apoyada por el general de la Orden del Carmen, recorrió todos los caminos de España fundando conventos. Fueron 16 en apenas 20 años: Ávila, Medina del Campo, Malagón, Valladolid, Toledo, Pastrana, Salamanca, Alba de Tormes, Segovia, Beas de Segura, Sevilla, Caravaca, Villanueva de la Jara, Palencia, Soria, Granada y Burgos. Pero no pudo cumplir su deseo de fundar un convento en Madrid.

Palacio Ducal de Pastrana

Una fundación destacada, por sus peculiaridades, fué en Pastrana:
En 1569, los Príncipes de Éboli mandan llamar a Santa Teresa de Jesús con el fin de fundar un convento de Carmelitas Descalzas, creando el de San José para mujeres y el de San Pedro (hoy del Carmen) para hombres.

Convento de San José de Pastrana

El Convento de San José es una reunión de casas, realizándose en el S.XVII la hermosa y sencilla iglesia actual. Perteneció a la Reforma del Carmelo, hasta que, tras los problemas con la Éboli, fue ocupado por monjas Franciscanas Concepcionistas.

Convento de San Pedro, hoy día del Carmen (Masculino)
Iglesia de San José, Madrid

Esta iglesia de San José fue el primer convento de carmelitas (reformados) que hubo en Madrid. Teresa no llegó a fundarlo personalmente y fué iniciada su construcción por fray Nicolás de Jesús y María en 1586

Iconografía de la Santa

Se acepte o no la denominación de santa, es innegable que el carisma de Teresa ha servido de inspiración a prestigiosos artistas.

Teresa de Jesús de P.P.Rubens

En ella se fijaron pintores como Zurbarán, Velázquez o Rubens, y escultores de la talla de Gregorio Fernández o Bernini.

Se trata de obras pertenecientes fundamentalmente al arte barroco, periodo en el que «se desarrolla la vida, los hechos y la herencia de Santa Teresa»

Santa Teresa de Gregorio Fernandez Museo de Escultura de Valladolid

Determinados artistas que trabajan para los conventos carmelitas». Así ocurre en Castilla con el imaginero Gregorio Fernández, que crea un modelo repetido hasta la saciedad.

Teresa de Jesús por Fray Juan de la Miseria

La difusión de la imagen de Teresa de Jesús partió del convento de San José de Sevilla a partir de copias del retrato realizado por fray Juan de la Miseria
La obra precursora corresponde a una pintura realizada por Fray Juan de la Miseria en 1576, cuando la religiosa tenía 61 años. «Es un rostro de una mujer mayor, nada idealizado» Esta pintura determinó toda la iconografía de Santa Teresa «durante 40 ó 50 años».

La Santa como escritora, pintada por José de Ribera, Museo del Prado

Con motivo de su beatificación y siglos antes de que Pablo VI la declarara Doctora de la Iglesia (1970), aparece un segundo tipo iconográfico: la Santa escritora, «con su hábito y su capa, Teresa de Jesús sostiene una pluma con su mano derecha y un libro con la izquierda, mientras recibe la inspiración del Espíritu Santo»

La consolidación de esta iconografía se puede ver en las primeras tallas procesionales que se hicieron en Salamanca y Alba de Tormes. Será también el modelo más utilizado en la escultura del siglo XVII, donde uno de sus mejores intérpretes fue Gregorio Fernández, quien trabajó para los Carmelitas Calzados y los Descalzos.

Convento de la Concepción del Carmen de Valladolid

Gregorio Fernández firma también las imágenes del Retablo Mayor de la Iglesia del Convento de la Concepción del Carmen de Valladolid
El monasterio, que cumple los principios de austeridad de la «arquitectura teresiana», reúne también obras de Alejo de Vahía y Juan de Juni, además de cartas autógrafas y un manuscrito original del «Camino de Perfección»

Monasterio de San José del Carmen, en Medina del Campo

Otro importante destino vallisoletano para descubrir arte relacionado con la Santa es el Monasterio de San José del Carmen, en Medina del Campo, su segunda fundación.

Pinturas :

Primer milagro de Santa Teresa de Jesús. Luis Madrazo

En 1561, Gonzalo de Ovalle sobrino de la santa, niño de corta edad, apareció muerto en su casa de Ávila, que se estaba adecuando para convento carmelita. El niño volvió a la vida tras las oraciones de la Santa. En la pintura de Luis de Madrazo

Santa Teresa por Francisco de Zurbarán

Una de las pinturas de Santa Teresa más significativas en la Archidiócesis de Sevilla está en la Sacristía Mayor de la Catedral: la realizada por Francisco de Zurbarán, fechable hacia 1650.

Santa Teresa por François Gerard

Hay una tierna y sobrecogedora imagen idealizada de Santa Teresa de Jesús a través de Madame Juliette Recamier, por François Gerard, (Romanticismo), 1827, París

La Obra literaria:

obras

Algunas de sus obras mayores:

Libro de la Vida (escrito entre 1562 y 1565),
Las Relaciones espirituales
El Libro de las fundaciones (iniciado en 1573 y publicado en 1610)

y sus cerca de quinientas Cartas.


Para ayudar a sus religiosas a la realización de su ideal de vida religiosa compuso :

Camino de perfección (escrito entre 1562 y 1564 y publicado en 1583)

Las moradas o Castillo interior (1578).

Y muchos otros como:«Meditaciones sobre los Cantares», «Exclamaciones», «Fundaciones», «Visita de Descalzas», las «Constituciones» para sus monjas, poesías y medio millar de cartas además de 66 «Cuentas de conciencia» para sus confesores.

Beatificación y santidad.
En 1614 fue declarada beata, y en 1622 fue canonizada por Gregorio XV. (Santa Teresa había muerto 30 años antes)

Este lienzo representa a los nuevos santos. Es una obra de Guy François de Le Puy-en-Velay, (siglo XVII).

En este célebre acto de la canonización se incluyó en el libro de los santos, junto con esta santa carmelita, a Ignacio de Loyola, Francisco Javier, Isidro Labrador,

La Santa Doctora
Obstat sexus “el sexo lo impide”. Con esta lapidaria respuesta, anunciaba el Papa Pío XI, por boca de Monseñor Aurelio Galli, su negativa a que Teresa de Jesús fuese declarada Doctora de la Iglesia, allá por el año 1923.

Pero por fin, fue votada su admisión por unanimidad y el Papa Pablo VI, aprueba el doctorado el 2 de julio de 1969, y el 2 de marzo de 1970 la Orden Carmelitana Descalza recibe de la Santa Sede la comunicación oficial» siendo la primera mujer que recibía esta distinción.

Teresa como doctora. Carmelitas Descalzas de Antequera

Junto con san Juan de la Cruz, se la considera la cumbre de la mística experimental cristiana

San Juan de la Cruz, a los 25 años el 1567, es ordenado sacerdote y se traslada a Medina para cantar su primera misa; allí se encuentra casualmente con Santa Teresa que tenía entonces 52 años y ya es fundadora.
La intuición de la Madre fue certera y nunca quedó desmentida. Desde entonces los dos grandes autores místicos de la Cristiandad caminan juntos en la historia del Carmelo

LA VIRGEN Y LOS SANTOS CARMELITAS

Nuestra Señora del Monte Carmelo con Santa Teresa de Jesús, Santa María Magdalena de Pazzi, San Ángel de Sicilia y San Simón Stock, óleo de Pietro Novelli conservado en el Museo Diocesano de Palermo.

Escudo de la Orden

FUENTES:

Libro de la Vida


https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_de_Jesús


file:///C:/Users/ch/Downloads/TESIS448-140205.pdf Iconografía de Santa Teresa


https://www.abc.es/local-castilla-leon/20140818/abci-tras-arte-santa-201408181050.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Orden_de_los_Carmelitas_Descalzos

La Virgen del Pilar

La Virgen del Pilar es una advocación mariana patrona de la ciudad de Zaragoza, cuyo origen es un campamento romano de nombre Cesaraugusta en cuya base los romanos se asentaron en lo que era conocido como Iberia Citerior en la cuenca mediterránea, en contraposición a Iberia Ulterior, como eran conocidas las tierras interiores de la península ibérica. Con la invasión musulmana, la ciudad creció y pasó a llamarse Saraqusta; un derivado árabe de Cesar Augusta, y de ahí con la reconquista cristiana empezó a conocerse como Zaragoza.

Aparición de la Virgen al apostol Santiago, de Goya , parroquial de Fuendetodos (Zaragoza)

La leyenda sobre sus orígenes se remonta al año 40, cuando, de acuerdo con la tradición cristiana, el 2 de enero la Virgen María se apareció a Santiago Apóstol en Caesaraugusta.

El pilar Foto: Heraldo de Aragón

María llegó a Zaragoza «en carne mortal» —antes de su Asunción— y como testimonio de su visita habría dejado una columna de jaspe conocida popularmente como «el Pilar». La Santa Columna con su funda de plata de caña alta, cubre completamente la parte visible del Pilar

Adoración a la Virgen por Santiago y sus discípulos , Francisco de Goya. Museo de Zaragoza

Se cuenta que Santiago y los siete primeros convertidos de la ciudad edificaron una primitiva capilla de adobe a orillas del Ebro. La primera vez que se menciona la Virgen del Pilar a orillas del Ebro es en una bula papal en el siglo XIII, del Papa Bonifacio VIII, donde todavía no tiene el nombre de Pilar sino el de Nuestra Señora María, una virgen de culto mozárabe

la ciudad romana de Cesaraugusta

La comunidad cristiana de Cesaraugusta se remonta a hace siglos. Ya en el siglo cuarto después de cristo se documenta su existencia en el epistolario de San Cipriano.

Concilio de Toledo

Probablemente sus fieles seguían la corriente arrianista, que después se transformó en el cristianismo de la Edad Media.( Con la llegada de los visigodos a Hispania se suscitaron numerosos conflictos religiosos entre las dos principales doctrinas de la época: el arrianismo y el catolicismo romano. Gracias a los Concilios de Toledo, a la conversión del rey Recaredo y a mártires como San Hermenegildo, paulatinamente el reino visigodo experimentó una transición unificadora hacia el catolicismo.)

Ermita de Gañarul, Campo de Borja, Zaragoza
Ejemplo de como pudo ser la primitiva ermita de la Virgen

Fue entonces cuando la ermita fue sustituida por un templo mudéjar tipo colegiata que ya incluía todos los elementos de una construcción religiosa importante y, a mediados del siglo XVI.

Esta colegiata se transformó en la basílica que conocemos hoy día, de estilo gótico- mudéjar: El arzobispo Alonso de Aragón, hijo de Fernando el Católico, fue el responsable de transformar la iglesia en estilo gótico

Tímpano románico recolocado en la fachada

Actualmente el único vestigio conservado del templo románico del Pilar es el tímpano de la iglesia, que ha sido colocado en la fachada sur de la basílica barroca.

Fachada sur
Vista de las cúpulas y torres

Presbiterio con el retablo

La basílica consta de una base de tres naves de igual altura cubiertas por bóvedas que descansan sobre robustos pilares. El exterior es de ladrillo aragonés y el interior está revocado en estuco. con crujías en forma de columnas o pilares que ayudan a distribuir el peso de los arbotantes y de las cúpulas centrales

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el magnífico retablo tallado por Damián Forment (1512-1518)

El altar está presidido por el retablo mayor de la Asunción, de marmol y fue realizado por Damian Forment en el siglo XVI.

Capilla de la Virgen del Pilar

Bajo las dos cúpulas elípticas de la nave central se dispuso la capilla dedicada a la Virgen del Pilar, que alberga también su talla o imagen, en una columna o pilar de mármol.

La talla actual de la virgen del Pilar es una escultura del estilo gótico tardío franco- borgoñón atribuido a Juan de la Huerta, imaginero de Daroca y está colocada encima de una columna de jaspe forrada de bronce y plata de 1, 77 metros de altura

Está hecha de madera dorada de 36 cm de altura cubierta por un manto desde los pies de la imagen de la Virgen hasta la base vista de la columna o pilar. Los días 2, 12 y 20 de cada mes a la Virgen se le quita dicho manto y es visible en toda su superficie.

La estatua de la Virgen del Pilar lleva una túnica gótica abotonada ceñida en la cintura con un cinturón con hebilla que llega hasta sus pies.

La imagen en la actualidad

En la mano derecha lleva una pequeña estatua de un niño con un pajarito y su cabeza de pelo ondulado se cubre con un paño o túnica. A sus pies lleva una estatua de dos ángeles de plata esculpidos por Diego Arnal.
Se cree que la pieza actual sustituye a la Virgen original, quizá de la época en la que se sitúa “la Venida”, que presumiblemente ardió en el incendió que sufrió el templo en 1434-1435, que también destruyó el retablo de la capilla en la que se veneraba.

Además, en su interior, tiene un coro, un órgano y un retablo de marmol con un relieve barroco que representa a la Virgen, en el trasaltar.

Humilladero

En la zona posterior de la basílica se abre el humilladero donde los fieles pueden venerar la Santa columna a través de un óculo abierto.

Óculo por donde se visualiza la columna
Cúpula central

La Basílica, también custodia varias capillas dedicadas a santos y la cúpula Regina Martirum, pintada al fresco por el aragonés Francisco de Goya.

Durante la Guerra Civil en 1936, cayeron tres bombas, de 50 kilogramos cada una, sobre las torres de la Basílica del Pilar. Una de ellas quedó clavada en la Basílica del Pilar, otra atravesó el techo y la última llegó a penetrar la bóveda del coreto de la Virgen y causar serios daños en el marco dorado de La adoración del nombre de Dios, de Goya. Ninguna de ellas llegó a estallar ni causar daños de consideración, hecho que fue atribuido a un milagro de la Virgen.

Festividad de la Virgen del Pilar en Zaragoza

El veinte de mayo de 1642 Zaragoza proclamó a la Virgen del Pilar patrona de la ciudad, patronazgo que se extendió a todo el reino de Aragón en 1678 y en 1916 se la nombró patrona del cuerpo de la guardia civil y del cuerpo de correos y telégrafos.

Grabado de Goya de la serie de “Los desastres de la Guerra” Agustina de Aragón

En el siglo XIX durante la ocupación francesa, el pueblo incrementó su devoción hacia la Virgen, ya que el sitio de Zaragoza por parte de los franceses fue particularmente cruento y duro y los zaragozanos se encomendaron a su Virgen para que les defendiese de las tropas francesas.


Frescos de Francisco de Goya en la Basílica del Pilar

“La adoración del Nombre de Dios”

Dos grandes frescos suponen la huella de D. Francisco de Goya y Lucientes en el Santo Templo del Pilar. El primero de ellos es el titulado “La adoración del Nombre de Dios”, con un estilo clasicista, una composición muy cuidada y unos tonos muy suaves que encajan, visualmente, a la perfección con el entorno. El lugar es la bóveda del coreto que hay enfrente de la Capilla de la Virgen del Pilar (extremo Oeste de la Basílica) y que, algo arqueada, simula ser casi un plano. El año de su finalización es 1772 y en ella plasma la influencia que dejó en él el conocimiento de la pintura italiana, sobre todo en sus formas y tonalidades.

“Regina Martirum” (Reina de los Mártires)

El segundo de los frescos es una composición colorista, imaginativa e innovadora, nada que ver en estilo con la primera hasta el punto de que se podría dudar que ambas hubieran salido de las mismas manos. Su título es “Regina Martirum” (Reina de los Mártires) y el espacio que ocupa es media esfera completa (una cúpula) con un espacio vacío en su centro (el espacio que ocupa su linterna), en el lado Norte del templo, casi en línea con la Columna de la Virgen y a casi cincuenta metros de altura. Este dato será determinante para la genialidad que el autor plasmó en lo que muchos consideran los inicios del estilo impresionista

Regina Martirum detalle

Era el año de 1781. Pero aquí Goya se pondrá a innovar. El genial pintor tiene en cuenta que su obra sólo podrá contemplarse a casi 50 metros de altura, y crea unas figuras prácticamente desdibujadas, pintadas con brochazos largos y a veces únicos, pinceladas gruesas, etc. aunque en una composición muy bella y colorista. Visto a distancia, el resultado es perfecto, pero desde el andamio se descubre otra cosa. Lo que era realmente una genialidad, que iba a marcar un antes y un después en el genio de Fuendetodos y cuya técnica iba a influir definitivamente en el paso hacia el impresionismo.

FUENTES:

Advocaciones Marianas: Virgen del Pilar


http://www.basilicadelpilar.es/espacioGoya.htm


https://www.guiarepsol.com/es/viajar/nos-gusta/basilica-del-pilar-de-zaragoza/


https://www.zaragozago.com/iglesias-zaragoza/basilica-pilar/

El infierno en el arte

El infierno, proviene del latín infernum o inferus que significa “subterráneo” o “inferior”.
Según muchas religiones, el infierno viene de la palabra hebrea (Sheol) y griega hades y según muchas religiones es el lugar donde después de la muerte son torturadas eternamente las almas de los pecadores.

Es equivalente al Gehena del judaísmo, al Tártaro de la mitología griega, al Helheim según la mitología nórdica y al Inframundo de otras religiones.
Sin embargo, de acuerdo a las investigaciones , su origen viene de civilizaciones muy antiguas de Medio Oriente como las sumerias, babilónicas, egipcias y otras.

El infierno de otras civilizaciones

El averno no siempre había sido considerado un lugar de sufrimiento, antes podía ser simplemente un lugar de tránsito indefinido, así lo veían los hebreos con el Sheol, el Arallu babilonio o el Hades de los griegos.

Arallu

Babilonia
Se le daba el nombre de Arallu y hay un personaje destacado en su cultura:

La ramera de Babilonia cabalgando sobre la bestia de siete cabezas (grabado ruso del siglo XIX).

La ramera de Babilonia que aparece en el libro bíblico del Apocalipsis, concretamente en los capítulos 17 y 18.

Beato de Facundo, El Dragón da su poder a la Bestia

Se asocia con el Anticristo y la Bestia del Apocalipsis por su conexión con el reino de las siete cabezas y diez cuernos.

Avici (Infierno del budismo) Reino de los Narakas, uno de los seis reinos del samsara

Budismo
Reino de los Narakas, nombre dado a uno de los seis reinos del samsara de mayor sufrimiento de toda la cosmología budista.

El alma del difunto es llevada por Anubis, que tras el pesaje, lo presenta a Osiris

Egipto
Para los egipcios, su paraiso se llamaba Aaru y para llegar a él, el alma debía atravesar las 12 tierras del infierno, conocido como Duat, donde el espíritu del muerto debía ir y venir de un lado a otro, esquivando seres malignos.

El Duat

Este lugar incluso estaba «cartografiado» y mostraba una tierra dividida por dos caminos, estos estaban separados por un río de fuego
El Libro del Amduat o “Libro de lo que hay en el otro mundo” es una composición religiosa, surgida en el Reino Nuevo, que describe el viaje nocturno del Sol (Ra) por el mundo del Más Allá

Finalmente, al atravesar el Duat, el alma se encontraba con Osiris, el señor del inframundo, frente a quien debía jurar que no había violado las leyes divinas, y era aquí cuando su corazón era pesado en una balanza por Anubis; si era inocente, entraría al paraíso, si no, seria arrojada a la bestia Ammitt.

Valle de Hinom

Judios
Entre los judíos, los fariseos y los esenios admitieron la creencia de un infierno a su modo. Este dogma lo habían transmitido ya los griegos a los romanos, y lo adoptaron los cristianos. Lo llamaron Gehena y estaba en el Valle de Hinom. El valle estaba fuera de la muralla sur de la antigua Jerusalén, y se extiende desde el pie del Monte Sion hasta el valle de Cedrón. Los muertos no pecadores iban al Sheol.

Islam
En cuanto a la estructura del Infierno islámico, el Yahannam, el libro más descriptivo es el de Las mil y una noches. En la Noche 493, este libro habla de un edificio de siete pisos, separados uno de otro por «una distancia de mil años».

Según el Corán, solo Alá sabe quién irá al Yahannam y quién al Paraíso, la Yanna.

El Zaqum  es un árbol que crece en el Yahannam. Los condenados se ven obligados a comer su amarga fruta

Malik es el ángel que guarda el Yahannam, asistido por 19 zabaniya

Cultura grecorromana

Hades y Perséfone con el Can Cerbero


Grecia
Cerca del siglo V a.C. los griegos comenzaron a creer en una parte reservada del Hades como un lugar de castigo. Según la mitología, tras la muerte las almas de los hombres iban a parar a un lúgubre reino subterráneo, gobernado por el terrible dios Hades y su esposa Perséfone.

Orfeo y Eurídice en el infierno, Peter Paul Rubens

Héroes como Orfeo, Heracles o Ulises se atrevieron a visitarlo; el primero de ellos, Orfeo, lo hizo para rescatar a su amada Eurídice, pero no pudo culminarlo.

Hermes guiando a los difuntos Adolf Hirémy-Hirschl (1898) Galería Belvedere, Viena.

Hermes, mensajero de los dioses y guía de las almas hacia el inframundo, aparece rodeado de los espíritus de los difuntos que esperan a orillas del Estigio para ser transportados por Caronte al reino de Hades.

La barca de Caronte, Sueño, Noche y Morfeo, por Luca Giordano
La “geografía” del infierno

Tras entrar por cualquiera de las bocas del infierno existentes, el difunto se dirigía a la orilla del Estigia, el río que rodea el inframundo y que cruzaba a bordo de la barca de Caronte.

El volcán Hekla en el sur de Islandia , ha producido unas 20 grandes erupciones desde el siglo IX. y durante la edad media se le describía como “la prisión de Judas” y una de las entradas al infierno. 
Rubens, “Hércules y el Cancerbero”, 1636]

En la otra ribera del Estigia, el alma se encontraba con el guardián Cerbero y con los tres jueces del inframundo

Óbolo de Caronte

Era costumbre colocar en la boca o en los ojos del difunto una moneda (óbolo) para pagar el viaje a Caronte.

Caronte y Psyché de John Roddam Spencer Stanhope

Si el alma no disponía de moneda, se veía obligada a vagar durante cien años por las orillas del rio Estigia

Roma

La llamada Plutonium o Puerta del Infierno en Hierápolis

En los siglos I y II. Hierápolis, una antigua ciudad perteneciente a este imperio, se encontraba en su mejor momento después de haber sido reconstruida tras un terremoto durante el año 17. En este lugar se encontraba el Plutonio, también conocido como “la puerta del infierno”

 Gian Lorenzo Bernini, recrea el rapto de Perséfone por el dios Hades (Plutón), soberano del inframundo, contemplado por el can Cerbero. 1622. Galería Borghese, Roma.

La cueva, que se creía que marcaba el paso hacia el inframundo, estaba gobernada por el dios Plutón, el llamado Hades por los griegos . Fue esposo de Proserpina, a quien raptó para casarse con él. La madre de Proserpina, Ceres, se afligió tanto que provocó el invierno.

Plutón, de Agostino Carracci (1592).

El palacio de Plutón, se ubica en mitad del Tártaro y de los dioses del panteón romano, soberanos que controlan el mundo, él es el único que nunca ha de temer la insubordinación o la desobediencia

En Roma, los primeros que se burlaron de los infiernos fueron los poetas. Virgilio unas veces se ocupa de ellos hablando seriamente en la Eneida, y otras veces se burlaba de ellos en las Geórgicas. Lo mismo hicieron Lucrecio, Horacio, Cicerón y Séneca

El Cristianismo

Las Catacumbas de San Calixto en Roma

El cristianismo es la religión que se ha dado el lujo de añadir características cada vez más temibles a ese lugar de desdicha y sufrimiento, siendo la Edad Media la época en la que se llegó a un punto máximo de miedo por el averno.

Orígenes

Ya en el siglo III, Orígenes sostuvo la hipótesis que lleva por nombre Apocatástasis o Restauración, que implicaba la idea de que, al final de los tiempos y luego de sufrir diversas penalidades, todos los condenados al Infierno -incluyendo a Satanás y a los restantes ángeles caídos serían liberados.

Tormentos a los condenados en el Infierno. Fresco italiano del siglo XIV.
Sainte Foi de Conques, tímpano

Veremos que el tímpano de Conques es un sorprendente presagio de lo que se llamará pronto el Purgatorio, un concepto formalizado en el Concilio de Lyon en 1275 , que aparece además del infierno.

El angel caído”, por Gustave Doré ilustración para “El paraiso perdido”de John Milton

El infierno, de acuerdo con la doctrina católica, designa no solo el estado de los condenados, sino también el lugar donde son eternamente castigados los ángeles rebeldes y los hombres que murieron en pecado mortal.

Los ángeles, fueron enviados a la tierra capitaneados por Azael y Shemhazai a enseñar a los hombres, pero al revestirse de carne, se impregnaron de sus pasiones y perdieron las alas. Son los Nefilim o “Caídos”

Bartolomé Esteban Murillo – La escalera de Jacob durante su sueño

A los que los arcángeles Rafael y Miguel hubieron de encerrar en una cueva por sesenta generaciones, tras regresar al cielo por la escalera de Jacob.

Relación con los Santos

Michel Parcher , los padres de la iglesia latina: San Jerónimo de Estridón, San Agustín de Hipona,  
San Gregorio Magno y San Ambrosio de Milán

Muchos Padres de la Iglesia no creyeron en la eternidad de las penas, mientras que otros, creían no solo en la doctrina de la inmortalidad del alma, sino en la condenación eterna de los pecadores

San Agustín de Hipona

Pero fue el filosofo y teólogo San Agustin, quien estableció permanentemente la idea de que si no seguías el reglamento cristiano, tu alma estaría condenada al eterno sufrimiento hasta el fin de los tiempos.

El diablo ofrece el Libro de los Vicios de San Agustín, Michael Pacher, 1483

Fue en su obra “Ciudad de Dios” en la que justificó el infierno como “reparación infinita del pecado.

San Francisco de Asís durante la practica un exorcismo contra los demonios de Arezzo
fresco de Giotto. Basílica de San Francisco en Asís

San Francisco, durante la guerra civil de Arezzo, exhortó al hermano Silvestre a que expulsara los demonios que habitaban en la ciudad. Mientras que el santo se presenta concentrado en sus rezos y oraciones, Silvestre ejecuta la acción propuesta

El tormento o tentaciones de San Antonio abad

El tormento de San Antonio
Es la pintura más antigua conocida de Miguel Ángel, pintada como una copia cercana del famoso grabado de Martin Schongauer cuando solo tenía 12 o 13 años. Ahora se encuentra en el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth, Texas

San Millán luchando con un demonio. Arqueta de marfíl
Monasterio de Yuso (La Rioja)

San Millán

La arqueta de San Millán es de pleno siglo XI, cuando las reliquias del santo son trasladadas de Suso a Yuso

San Miguel mata al dragón, Josse Lieferinxe (1493-1508)

San Miguel

Ha sido el mas representado, venciendo al demonio a sus pies, ya que desde principios de la edad media se pensó que Miguel y sus ángeles arrojaron del Paraíso a Satán y sus secuaces

Iglesia de San Pietro al Monte, Pedale cerca de Civate (Lecco) donde se representa el capítulo XII del Apocalipsis

“Después hubo una gran batalla en el cielo: Miguel y sus ángeles luchaban contra el dragón (diablo); pero no prevalecieron, ni se halló ya lugar para ellos en el cielo. Y fue lanzado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero; fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él.”( Apo. 12,7-8.) (El dragón que aparece en el Apocalipsis, del apóstol Juan, y en otras tradiciones posteriores, en el arte cristiano del Medievo simboliza el pecado y suele aparecer bajo los pies de los santos y mártires)

San Miguel de Valdés Leal, Convento del Carmen Calzado de Córdoba
San Miguel Arcángel peleando y venciendo al Diablo, en la Basílica de la Merced (Barcelona).

El infierno en los Códices
A comienzos del siglo V, esta doctrina se enseñó en todo el cristianismo occidental y fue reafirmada oficialmente por los papas y los concilios a lo largo de la Edad Media.
La edad media abunda en descripciones de los infiernos y en relatos de viajes infernales, y en su difusión colaboraron entre otros, los codex.

La navegación de San Brandán

Auténtico best seller de la Edad Media, La navegación de san Brendán. relata el viaje oceánico realizado por un monje irlandés en el siglo VI junto con diecisiete compañeros en busca del Paraíso

“La Visión de Tundal”

La Visión de Tundal
Es un interesantísimo y bellísimo texto medieval que tuvo una enorme popularidad en la Edad Media durante al menos tres siglos, escrito en latín en el siglo XII por un monje benedictino irlandés llamado Marcus
En 1484 se imprime en la ciudad de Den Bosch (Países Bajos), y en ella se describe el viaje iniciático de Tondalus, un caballero del siglo XII de origen irlandés, que visita durante tres días el más allá y a su vuelta opta por la vida monacal.

La Babilonia Infernal, de Giacomino de Verona

Giacomino da Verona fue un poeta italiano de la segunda mitad del siglo XIII. Fraile menor, escribió dos poemas en vernáculo veneciano, De Babilonia civitate infernali y De Jerusalem celesti.

El Libro de las tres escrituras, de Bonvesin de la Riva

Dividido en tres partes: “La escritura negra” ilustra la vida del hombre y su caída al infierno, “La escritura roja” ilustra una recreación de la pasión de Cristo y la “Escritura dorada” ilustra las alegrías del cielo

Pseudomonarchia Daemonum 1583, del médico holandés Johann Weyer

También conocido como la Falsa Jerarquía de Demonios, es un gran compendio del siglo XVI que enumera los nombres de sesenta y nueve demonios. Esta lista apareció inicialmente como apéndice del primer libro de Johann Weyer sobre demonología

Otras representaciones infernales:

Beato de Santo Domingo de Silos
Codex De Predis. El´juicio final. el círculo del infierno, el agua fría. 1476. Cristoforo de Predis
Le trés riches heures du Duc de Berry”
Es un libro de horas profusamente iluminado, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410 por encargo del duque Juan I de Berry, Museo Condé en Chantilly, 
Códice alemán


En todos estos, en Virgilio y probablemente también en la tradición árabe se inspirará Dante para escribir su Infierno, de la Divina Comedia.

El demonio

El libro de Enoch, textos antiguos descubiertos en Etiopía en 1768

La historia de Lucifer, según los Libros de Enoch y del arameo Targum, de donde, la tradición cristiana tomaría la creencia sobre el origen del diablo.

Platón y Aristóteles en “La Escuela de Atenas” de Rafael, Vaticano

Será, sin embargo, el neoplatonismo quien aporte las claves fundamentales sobre la naturaleza y creencia de los “ daimones ” o demonios (hábil, conocedor) y de los ángeles guardianes.

El Juicio Final por Giotto di Bondone

En muchas imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Capilla Sixtina: Tentación del diablo y expulsión de Adán y Eva Miguel Angel Buonarroti

El pecado de Satán
Según el cristianismo, el Diablo también conocido como Lucifer o Luzbell, es un ser sobrenatural maligno y tentador de los hombres (un demonio). En el Nuevo Testamento se le identifica con el Satán hebreo del Libro de Job (1:6-8), con el Diablo del Evangelio de Mateo (4:8-10), con la serpiente del Génesis (3:1-5) y con el gran dragón del Apocalipsis (12:9)

“Apartate de mi Satanás!” Duccio Bounisegna.

Tras la aparición del Cristianismo y los Evangelios se le otorga a este ser a ese término un carácter personal como enemigo de Cristo y también como un “anticristo


Sinónimos de Satanás:

Lucifer, Luzbel. Belcebú, Leviatán, Diablo , Demonio, Satán, Maligno, Mefistófeles, Anticristo , ángel Caído, Pedro Botero y hasta Demontre! y Diantre! que se usan (o se usaban) como exclamaciones

“El Angel Caido” de Ricardo Bellver, Parque de el Buen Retiro de Madrid 1885

La imagen del Diablo, dentro de la cultura cristiana ha sido representado en ocasiones con la imagen de un ángel caído del cielo, un ejemplo de ellos es en el monumento de la Fuente del Ángel Caído en Madrid

En otras culturas, incluida la demonología y las ciencias ocultas, se le denominó y representó de diferentes maneras:

En demonologíaBuer es un demonio, presidente de la 2ª orden de los infiernos. Tiene cabeza de león y cinco patas de cabra dispuestas en una rueda y moviéndose como tal.

El Dragón rojo por William Blake

Belcebú es el “Señor de las Moscas”, porque en los rituales de adoración con sacrificios, la carne de los sacrificados se corrompía y siempre sus templos estaban infestados de moscas. es en cierto modo otra versión del Diablo.

Satán de William Blake (1757-1827) para “El paraiso perdido”

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: “el Paraíso perdido” de Milton , fué uno de sus favoritos

Relieve Burney, Babilonia (1800 a. C. – 1750 a. C.).

A Lilith, se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva. Según la leyenda, abandonó a Adán para irse del edén.

Asmodeo

Luego se instaló junto al mar Rojo, junto a sus hijos, y allí se unió con Asmodeo  ( demonio mazdeista, mencionado en el Talmud y en el Libro de Tobias), convirtiendose en demonio también. 

Algunos expertos, como por ejemplo Emil Kraeling, han identificado a la figura femenina del relieve como Lilith, antiguo demonio sumerio, basándose en una interpretación errónea de una traducción obsoleta del Poema de Gilgamesh


Adramelec es un dios de la mitología fenicia, es el demonio del orgullo excesivo, y se aparece bajo la forma de un burro con las plumas de un pavo real.

Baal

Baal cananeo que fue adorado por los fenicios, cartagineses y sirios.

Moloch o Moloch Baal fue un dios de origen canaanita. Era considerado el símbolo del fuego purificante. Griegos y romanos lo identificaban con Cronos y Saturno, respectivamente.

Mara

En el budismo, se le conoce como Mara, quien intentó evitar que el Buda Siddharta Gautama alcanzara la iluminación

El Tío de las minas

Una representación de la imagen del Diablo en la región andina conocido como El Tío de las minas de los Departamentos de Oruro y Potosí, Bolivia.

Descripción de un exorcismo asirio

El exorcismo
Es la práctica religiosa o espiritual realizada contra una fuerza maligna, utilizando diversos métodos cuyo fin es expulsar, sacar o apartar a dicho ente de la persona, objeto o área que se encuentra poseída por el maligno

André_Brouillet: “El Exorcismo” Museo Bellas Artes de Reims
Ritual en el mundo islámico
San Francisco de Borja realizando un exorcismo con un crucifijo, de Francisco de Goya

Iconografía

En el románico

Satanás induciendo a Herodes a la matanza de los inocentes
detalle de una dovela de Santo Domingo de Soria (foto:Javier Gago)

La figura del diablo ha estado presente en la cultura popular desde tiempo inmemorial y su abundante representación en el arte románico da buena muestra del interés o preocupación que su horripilante imagen despertaba en las gentes del medievo.

Portada de las Platerías Santiago de Compostela

Los maestros del románico, lo reflejaron de forma recurrente en grandes pórticos de monasterios o iglesias, «la mayor propaganda que se podía hacer en esa época»y su importancia fué muy grande.

Calahorra de Boedo, pila bautismal románica de la Iglesia de la Purificación de Nuestra Señora

Lo vemos representado en portadas, en claustros, incluso en pilas bautismales

Iglesia de Arenillas de San Pelayo. (Foto: Garcia Omedes)

Por supuesto tanto en la escultura de las iglesias románicas como en sus pinturas y frescos, se interpretaron escenas infernales, seres demoníacos y representaciones de distintos pecados y sus correspondientes castigos

Sainte Foi de Conques , tímpano de la portada principal.

En casi todas las imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Ermita de Santa Eulalia. Barrio de Santa María (Palencia)

Las pinturas del presbiterio sur muestran en dos registros superpuestos los tormentos que sufren los condenados. En el superior varios demonios los arrojan de cabeza a una caldera suspendida con cadena sobre el fuego que atizan con fuelle otros dos personajes diabólicos. En el registro inferior, otro esbirro de Lucifer flagela con látigo de bolas a dos condenados

San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
(Estas dos fotos han sido aportadas por Javier Gago
)

Iglesia de San Julián y Santa Basilisa de Rebolledo de la Torre, Burgos
(foto: Javier Gago)

Donde se ve a un demonio con aspecto de basilísco, amenazando a un pecador: el avaro.

Y otras dos, también de Javier Gago de la portada de la catedral de Tudela (Navarra)
Capitel románico Colegiata Saint Pierre Chauvigny. SXII Francia

Gótico:

Quimeras neogóticas de Notre Dame de París recreadas por Viollet-le-Duc

Durante el periodo gótico, la fantasia en la iconografía demoniaca, se desató, siendo las gárgolas sus ejemplos mas característicos:

Gárgola de la Catedral de Segovia

En la arquitectura de la Edad Media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que representan además de hombres y animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores

Friso de la Catedral de León
Frescos de Santa Eulalia de La Loma, Cantabria. foto de Javier gago
Satanas en el infierno Giotto di Bondone Capilla de los Scrovegni (Florencia)

El Renacimiento
La intención que tuvieron muchos artistas medievales y renacentistas al representar el reino satánico llenándolo de escenas grotescas fue extraordinariamente piadosa, por ejemplo, en el siglo XVII muchos pensaron que El Bosco era atéo.

Cristo desciende a los infiernos, El Bosco

El Bosco
Y es que el mundo de los sentidos está muy presente en las causas que le llevan a uno al Averno, pero no lo estaba menos en las sátiras de Hyeronimus Bosch, un artista especialmente preocupado por la música que opinaba que todo lo que fuesen movimientos descoyuntados, equilibrismos raros, caprichos musculares, era diabólico por necesidad.

El tríptico abierto de Las tentaciones de San Antonio (El Bosco, c. 1501) Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Varios de sus cuadros también contienen alusiones a creencias demoníacas y brujeriles con seres imaginarios y movimientos insólitos (así, en una de Las Tentaciones de San Antonio, podemos ver la imagen clásica de la pareja que se traslada por los aires al Sabbat montada en un pez volador).

Pero El Bosco, que era sin duda un místico, pintaba para censurar; y por eso al piadoso Felipe II le dio por coleccionar su obra, de ahí que hoy tengamos en El Prado lo mejorcito de él.

El jardín de las delicias de El Bosco, Museo del Prado

En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

Óleo de Dante Alighieri con una imagen de ‘El Infierno’

La divina comedia, de Dante Alighieri

No podemos dejar de mencionar a Dante el primero que describió un viaje al Infierno.
En la obra de Dante, La Divina Comedia, Virgilio aparece como su guía a través del Infierno y del Purgatorio. Además de la admiración de Dante por Virgilio, está el antecedente del descenso de Eneas al infierno para recibir los consejos de su padre Anquises, en el Canto VI de la Eneida de Virgilio.


Dante describe el Infierno en forma de embudo incrustado como un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior y en cada uno de ellos los condenados son sometidos a distintas penas, según la gravedad y el tipo de pecado.

El Mapa del Infierno de Botticelli

Llamado habitualmente El Abismo del Infierno o La vorágine del Infierno, es uno de los pergaminos que el famoso pintor italiano diseñó para ilustrar una edición de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Fue pintado entre 1480 y 1490, con la técnica de la “punta de plata”( Material duro y rígido, también llamado stilum o punta metálica, con la que se puede dibujar).

Priamo della Quercia: Dante y Virgilio en el Canto XXXII del Infierno

Virgilio, el más célebre de los poetas latinos, conduce a Dante Alighieri, a través del Infierno, donde las almas pecadoras del mundo son atormentadas sin cesar.

Dante y Virgilio en la entrada del infierno de Edgar Degas

Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes, sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo.

El rey Minos, Gustave Doré

Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos, y entre ellos se encuentran Francesca da Rimini y Paolo Malatesta, por lujuriosos

Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula.

los avaros acarreando piedras como castigo. Gustave Doré

Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros

Eugène Delacroix: Dante y Virgilio en el Infierno (1822)

Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, y enfangados en ella, luchando eternamente unos contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la ira

Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética.

Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro, en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos: violentos, suicidas y blasfemos

Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte y a este anillo se accede descendiendo un gran acantilado custodiado por Gerión.

Un gigante, dibujo de William Blake

Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo.

Gustave Doré

En él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo y ya en el mismo centro de la Tierra, donde está Lucifer, se encuentran quienes traicionaron a sus benefactores

Lucifer

Dante, queda sorprendido por la presencia de Lucifer, al ver que su cabeza tiene tres rostros, uno por delante, y los otros dos se unen a éste por medio de los hombros y se juntan por detrás en lo alto de la coronilla. Judas Iscariote aparece con su cabeza metida dentro de la boca de Lucifer y agita fuertemente las piernas fuera de ella. De las otras dos fauces salen las extremidades de Bruto y Casio, que provocaron la muerte a Julio César.

En el barroco

Estatua de Asmodeo en Rennes- le- Château, Francia

Ademas de este terrible demonio, que antes mencioné, en general en el barroco. existe abundante representación escultórica de tradición cristiana, suficientemente conocida y en el campo de la mitología, un tema en particular:

Orestes acosado por las Erinias o Furias, de William Adolphe Bouguereau.

Las furias:
Se refiere originalmente a las diosas infernales de la venganza en la mitología griega, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. Las Furias eran, pues, los cuatro moradores del Hades grecolatino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses

Pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces este término para designar esta temática.

(El Museo del Prado expuso ‘Las Furias. De Tiziano a Ribera’ en 2014)

Carlos V en la batalla de Mülhberg . Tiziano Vecellio

Las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg.

Colección de Las Furias de José Ribera

Ticio, de Tiziano

Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus.

Tántalo, de Ribera

Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses

Sísifo de Tiziano

Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus.

Ixión por José de Ribera

Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera

Ticio de Miguel Angel

La exposición, incluyó un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, nunca antes expuesto en España


Siglos XVIII al XIX

Oleo de Bouguereau

No sabemos qué pasa en ese círculo del infierno, pero todos se pelean al fondo. Arriba, un demonio sobrevuela la escena con los brazos cruzados y una blanca sonrisa.

Divina Comedia: Muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta, Alexandre Cabanel, 1871

En definitiva, principalmente encontramos representación pictórica (existe también representación escultórica) de los siglos XVIII-XIX, sobre todo de Gustave Doré, Giovanni Stradano, Bouguereau, William Blake y por supuesto de nuestro gran Goya

El aquelarre o el gran cabrón” de Francisco de Goya. (Pinturas negras) Museo del Prado
Goya con otro oleo representando el aquelarre, que se guarda en al Museo Lázaro Galdeano

Se cree que Goya realizó estas pinturas sobre brujas y el demonio, influenciado por su amigo el escritor Leandro Fernandez de Moratín, que rescató del olvido el escrito del Auto de Fe del Juicio contra las brujas de Zugarramurdi de 1610.

FUENTES:


https://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-museo-prado-expone-furias-tiziano-ribera-20140120144733.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/viaje-las-almas-mas-alla-el-infierno-de-los-griegos_11314/3


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Fotos: de románico y gótico: Javier Gago y de la web.

BIBLIOGRAFÍA:


Dante Alighieri: La Divina Comedia.


Pedro Luís Huerta “A propósito de Satán”. Fundación de Santa María la Real de Aguilar de Campoó

San Francisco: “El pobrecillo de Asís”

Andrea Vanni, San Francisco de Asís S.XIV


San Francisco (Giovanni di Pietro Bernardone; Asís, 1182 – id., 1226) conocido también como “il poverello d’Assisi”, es decir, “el pobrecillo de Asís”.

Fué un religioso y místico de Umbría, fundador de la orden franciscana, que lideró un movimiento de renovación cristiana, centrado en el amor a Dios, la pobreza y la alegre fraternidad, llegando a ser una venerada personalidad en la edad media.
Hijo de un rico mercader llamado Pietro di Bernardone, que trabajó en Francia. y se encontraba en dicho país cuando nació su hijo, por lo que la gente le apodó “Francesco” (el francés).

Francisco prisionero en Perugia Juan Zapata Inca, Convento de San Francisco, Santiago de Chile

Francisco de Asís era un joven mundano de cierto renombre en su ciudad como comerciante de paños y se caracterizó por su vida despreocupada: no tenía reparos en hacer gastos cuando andaba en compañía de sus amigos, en sus correrías periódicas. Incluso en cierta ocasión, fue encarcelado a causa de su participación en un altercado entre las ciudades de Asís y Perugia.

Tras este episodio en la carcel, se arrepintió de aquella vida , llegando a tener una visión en 1206, en la pequeña iglesia de San Damián, en la que Jesucristo le dijo: “Ve Francisco y repara mi iglesia”. Tras esto, le cogió a su padre unos rollos de paño, y se los entregó al párroco de San Damián, para que restaurara la iglesia, cosa que no gustó nada a su padre.

 (Las Historias de la vida de San Francisco, obra, en la que se comprometieron los mayores artistas de Italia central, como Cimabue y Giotto, se realizó en los últimos veinte años del siglo XIII. en la Basílica de San Francisco de Asís.)

Giotto : Renuncia de sus bienes materiales

Muy disgustado, Pietro llevó a su hijo ante el obispo de Asís y la respuesta de Francisco, fue despojarse de todas sus vestiduras y renunciar a sus bienes materiales.

Iglesia de San Damián con el crucifijo de Francisco

Tras su renuncia, Francisco, salió de Asís hacia Gubbio, donde atendió a leprosos para regresar despues a su pueblo, donde ayudó a restaurar las iglesias de San Damián, San Pietro y sobre todo Santa María de los Angeles en la Porciúncula.

Cristo de San Damián

El gran Crucifijo de 1,90 metros, que aparece en san Damián en Asís, es mundialmente famoso porque desde esa Cruz, Jesús habló a san Francisco. Cuando murió santa Clara, las clarisas se llevaron el Crucifijo a la actual iglesia de Santa Clara y, en 2016, después de 800 años, volvió solo por 5 días a la iglesita de San Damián, del 15 al 19 de junio.

San Francisco de Asís Luis Salvador Carmona, (Estepa, Convento de San Francisco). 1743


En realidad, la decisión tanto de Francisco como de otros movimientos religiosos surgieron en rechazo a la creciente opulencia de la jerarquía eclesiástica en esa época, y se dedicaron a vivir más de acuerdo con los postulados de una vida pobre y evangélica

Château de Quéribus, la última fortaleza cátara

Algunos vivieron a su manera y fueron condenados hasta el punto de considerarlos herejes, como el caso de los cátaros que predicaban entre otras cosas el rechazo al mundo material, a los sacramentos, a las imágenes y a la cruz.

Santo Domingo (perdón por la leyenda en portugués)

​ En cambio, otras organizaciones (como las creadas por san Francisco de Asís y santo Domingo de Guzmán) nacieron bajo sumisión a la autoridad católica y sus miembros fueron conocidos con el nombre genérico de “monjes mendicantes”

San Francisco de Asís por Francisco de Zurbarán

En 1209 , mientras escuchaba la lectura del Evangelio, Francisco oyó una llamada que le indicaba que saliera al mundo a hacer el bien: como en las palabras del Evangelio, le dijo “No lleven monedero, ni bolsón, ni sandalias, ni se detengan a visitar a conocidos…”

Hábito de San Francisco ( Iglesia de San Francisco Gubbio, Umbria )

El eremita se convirtió en apóstol y, descalzo y sin más atavío que una túnica ceñida con una cuerda, empezó a hacer todo lo que Jesús dijo, y enseguida atrajo a su alrededor a otros compañeros.

La escena representada por Giotto

Hacia 1210, tras recibir a Francisco y a un grupo de once compañeros suyos, el papa Inocencio III aprobó oralmente su modelo de vida religiosa, le concedió permiso para predicar y lo ordenó diácono. Francisco comenzó a formar una orden religiosa, llamada actualmente Franciscana o de los franciscanos.

San Antonio y San Francisco Friedrich Pacher  1477 – (Szépmûvészeti Múzeum (Budapest, Hungary)

Pronto se integraría en ella, San Antonio de Padua, llamado por Francisco «mi obispo». De gran erudición y facilidad de palabra. Fue proclamado Doctor de la Iglesia en 1245.

Gentile da Fabriano,_Madonna con San Francisco y Santa Clara

Además, con la colaboración de Santa Clara, fundó la rama femenina de la orden, las Damas Pobres, más conocidas como las Clarisas o Segunda Orden Franciscana

En una ocasión, sus compañeros le vieron orar de noche, con los brazos extendidos en forma de cruz, mientras todo su cuerpo se elevaba sobre la tierra y quedaba envuelto en una nubecilla luminosa

Giotto di Bondone, la visión del carro de fuego

El carro de fuego
Se recogió con sus compañeros en un tugurio abandonado, Rivo Torto, cerca de la ciudad de Asís y estando alli, una noche, sucedió de pronto que, estando Francisco corporalmente ausente de sus hijos, algunos de los cuales descansaban y otros perseveraban en oración, penetró por la puerta de la casucha de los hermanos un carro de fuego de admirable resplandor que dio tres vueltas a lo largo de la estancia; sobre el mismo carro se alzaba un globo luminoso, que, ostentando el aspecto del sol, iluminaba la oscuridad de la noche.

Todos comprendieron que había sido el mismo Santo, ausente en el cuerpo, pero presente en el espíritu y transfigurado en aquella imagen, el que les había sido mostrado por el Señor, en el luminoso carro, como Elías.

icono con San Francisco y al-Malik al-Kamil

Evangelizó en diversos países, entre los que destacaron Siria y Egipto. En este país. el santo, no consiguió ninguna conversión, pero el sultán de Egipto, al-Malik al-Kami , le recibió muy bien.

La ordalía o prueba de fuego ante el sultán

En aquella ocasión, el Santo le hizo esta proposición: «Si en tu nombre y en el de tu pueblo me quieres prometer que os convertiréis al culto de Cristo si salgo ileso del fuego, entraré yo solo a la hoguera, pero el sultán respondió que no se atrevía a aceptar dicha opción y le colmo de regalos.

El sultán, agradecido, entregó a Francisco un cuerno de marfil finamente tallado que habría actuado de pasaporte en tierras musulmanas y que se conserva en la Basílica de Asís

Monasterio de la Rábida, Huelva
Ruinas del Monasterio de San Francisco en Burgos

Antes de 1215 el número de frailes se había incrementado, no sólo en Italia sino en el sur de Francia y en los reinos de España. (Os he puesto imágenes de dos de ellos)

Imagen relacionada

Viajaban los franciscanos de dos en dos y convivían con la gente común; además, establecían ermitas en las afueras de las ciudades.

Al su regreso de sus viajes y a petición del papa Honorio III, compiló por escrito la regla franciscana y en 1216, ( en realidad, hubo otra en 1221 y otra definitiva en 1223) y este promovió la indulgencia plenaria a favor de todo aquel que visitara la iglesia de Santa María de los Ángeles de Porciúncula.

La Porciúncula

La Porciúncula es una pequeña capilla que actualmente se encuentra dentro de la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles, en Asís (Italia). Obtuvo Francisco esa gracia del papa para que la peregrinación se realizara una vez al año.

Natividad de Caravaggio

El Belén
Durante la Navidad de 1223, Francisco quiso celebrarla de forma especial , pretendiendo que se pareciera lo mas posible a la Natividad de Jesús.

El Belén de Greccio

Para ello convidó a un noble de la ciudad de Greccio, de nombre Juan, a festejar el nacimiento de Jesucristo en una loma rodeada de árboles y llena de cuevas de un terreno de su propiedad, montando un pesebre con animales y heno; pobladores y frailes de los alrededores. Se le considera el iniciador de la costumbre de los Pesebres.

San Francisco estigmatizado, P.P.Rubens. Museo de Bellas Artes de Lille (Francia)

La estigmatización

San Francisco de Asís, oró para recibir dos gracias antes de morir: sentir la Pasión de Jesús, y una enfermedad larga con una muerte dolorosa. Así, recibió los estigmas (las heridas de Cristo en su propio cuerpo), según testimonio del mismo santo. Ello ocurrió en septiembre de 1224, tras un largo periodo de ayuno y oración, en un peñasco junto a los ríos Tíber y Arno, llamado Monte Alvernia, a unos 160 kilómetros al norte de Asís.

Este episodio ha sido muy representados por pintores de diversas épocas:

Cimabué

El Greco
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Van Eyck
Caravaggio
Zurbarán

Murillo

Juan Valdés Leal: San Francisco recibiendo la ampolla de agua. Museo Bellas Artes de Sevilla.

Valdés Leal refleja en esta composición, cuando San Francisco es sorprendido por un angelito que le muestra una ampolla de cristal contiendo agua transparente, simbolizando la pureza de la condición sacerdotal que san Francisco esperaba conseguir. 

Giotto

La predicación a las aves

En una ocasión, en Bevagna, llegó a un lugar donde se había reunido una gran multitud de aves de toda especie. Al verlas , corrió presuroso a aquel sitio y saludó a las aves como si estuvieran dotadas de razón.

Y, dirigiéndose a ellas, las exhortó a escuchar la palabra de Dios, y les dijo: «Mis hermanas avecillas, mucho debéis alabar a vuestro Creador, que os ha revestido de plumas y os ha dado alas para volar, os ha otorgado el aire puro y os sustenta y gobierna, sin preocupación alguna de vuestra parte».

El canto de las criaturas
Hacia 1225, compuso el maravilloso poema “Cántico de las criaturas o Cántico del hermano sol“, que influyó en buena parte de la poesía ascética y mística española posterior (Fray Luis de León, Santa Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz).
“El Cántico de las criaturas” (llamado también Laudes creaturarum o Cántico del hermano Sol), redactado probablemente un año antes de su muerte. Según refiere la leyenda, la escritura de este poema fue un don y el remedio para su avanzada ceguera. Su estilo, recuerda la métrica de “El Cantar de los Cantares”

Resultado de imagen de el canto de las criaturas francisco

Os pongo un fragmento:

Altísimo y omnipotente buen Señor,
tuyas son las alabanzas,
la gloria y el honor y toda bendición.

A ti solo, Altísimo, te convienen
y ningún hombre es digno de nombrarte.

Alabado seas, mi Señor,
en todas tus criaturas,
especialmente en el Señor hermano sol,
por quien nos das el día y nos iluminas.

Y es bello y radiante con gran esplendor,
de ti, Altísimo, lleva significación.

Alabado seas, mi Señor,
por la hermana luna y las estrellas,
en el cielo las formaste claras y preciosas y bellas.

Alabado seas, mi Señor, por el hermano viento
y por el aire y la nube y el cielo sereno y todo tiempo,
por todos ellos a tus criaturas das sustento.

Alabado seas, mi Señor, por el hermano fuego,
por el cual iluminas la noche,
y es bello y alegre y vigoroso y fuerte.

Alabado seas, mi Señor,
por la hermana nuestra madre tierra,
la cual nos sostiene y gobierna
y produce diversos frutos con coloridas flores y hierbas.

Alabado seas, mi Señor,
por aquellos que perdonan por tu amor,
y sufren enfermedad y tribulación;
bienaventurados los que las sufran en paz,
porque de ti, Altísimo, coronados serán.

Alabado seas, mi Señor,
por nuestra hermana muerte corporal,
de la cual ningún hombre viviente puede escapar.
Ay de aquellos que mueran
en pecado mortal.

Bienaventurados a los que encontrará
en tu santísima voluntad
porque la muerte segunda no les hará mal.

Alaben y bendigan a mi Señor
y denle gracias y sírvanle con gran humildad.

Otras obras literarias son “Las florecillas” o Fioretti, de autor anónimo, son una recopilación de hechos de Francisco, de algunos de los frailes que lo acompañaban y de San Antonio de Padua. Escritas en la segunda mitad del siglo XIV no constituyen una biografía sino una exaltación de las virtudes del “poverello” y de su vida simple para edificación del lector. Tradicionalmente contiene 53 capítulos y a través del tiempo se agregaron otros relatos

San Francisco y el lobo de Gubbio

Hermano lobo

Por ejemplo, en la historia de “Cómo Francisco libró de un lobo feroz a la ciudad de Gubbio”.

Una vez en Gubbio, toda la gente comentaba con pavor todos los desastres que hacia un lobo y le rogaban a Francisco que no se le acercara. Este no les hizo caso y se dirigió hacia el animal que se le abalanzó con sus fauces abiertas. Pero Francisco hizo la señal de la cruz deteniéndole y haciéndole cerrar su boca y le dijo: “Ven aquí hermano lobo. En nombre de Cristo te prohíbo que en adelante hagas daño a nadie” El lobo fue a echarse a los pies de Francisco y bajo la cabeza. 

Giotto

Muerte
San Francisco de Asís falleció el 3 de octubre de 1226.

“Última comunión de San Francisco” de Abraham Van Diepenbeeck

La muerte de San Francisco por Giotto (detalle)

En 1228, apenas dos años después, fue canonizado por el papa Gregorio IX, que colocó la primera piedra de la iglesia de Asís dedicada al santo. La festividad de San Francisco de Asís se celebra el 4 de octubre.

La Basílica

La Basílica de Asís

Su nombre está relacionado con la figura de San Francisco, proclamado santo en 1228, que hizo de la ciudad un lugar de culto y de fuerte difusión del movimiento franciscano, y ayudó en el desarrollo del arte y la arquitectura de Asís.

La Basílica de Asis, rosetón

La estructura que se quería dar, como lugar de sepultura de Francisco, , era en un principio bastante simple, pero fue rápidamente modificada según líneas más majestuosas, inspirándose en parte en la arquitectura románica lombarda. El complejo, formado por dos iglesias superpuestas e independientes de nave única con transepto saliente y ábside, se terminó en 1239.

Portada principal
Tumba de San Francisco

El 25 de mayo de 1230 se habían transferido los restos mortales de Francisco desde la iglesia de San Jorge (futura iglesia de Santa Clara) a la basílica construida en su honor. Enterrado bajo el altar mayor en un lugar inaccesible, durante siglos se perdió la memoria del punto exacto donde se encontraba su cuerpo , hasta 1818 en que se decubrió.

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Frescos de la Basílica Baja de San Francisco“, Asis (desde 1300).

En la Basílica Baja, Giotto, comparte trabajo con Cimabue, Simone Martini y Lorenzetti. El transepto norte nos muestra escenas del nacimiento de Cristo, niñez y crucifixión junto con la “Madonna Entronizada” de Cimabue.

San Buenaventura por Bartolomé Esteban Murillo Museo Bellas Artes de Sevilla

El Capítulo general de los franciscanos, celebrado el año 1260, encargó a San Buenaventura, entonces Ministro general de la Orden, que escribiera una nueva y definitiva vida de San Francisco: es la que conocemos bajo el nombre de «Leyenda Mayor».

Giotto atribuido a Paolo Uccello

Giotto se inspiró precisamente en esta obra para pintar, a finales del siglo XIII, la galería de frescos de la basílica superior de Asís, que relata veintiocho episodios de la vida de San Francisco.

El gran maestro Giotto de Bondone considerándose, este autor del Trecento uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia), dejó sus trazos de colores vivos y estilo innovador en estos frescos de la basílica, narrando la Vida de San Francisco. ( ya os he puesto algunas escenas, en el relato de su vida)

Derrumbe de las bóvedas

Desgraciadamente en 1997 el terremoto que asoló la zona hizo añicos la obra maestra del pintor italiano.Tras un laborioso proceso de restauración se ha conseguido reconstruir parcialmente todo el arte mural que decoraba la iglesia, aunque el daño es irreparable.

La Basílica de San Francisco de Asís

FUENTES:

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/francisco_asis.htm

https://arteinternacional.blogspot.com/2010/01/pintura-gotica-italiana-del-treccento_04.html

http://www.franciscanos.org/buenaventura/menu.html

http://www.franciscanos.org/buenaventura/buenaventura2.html

https://elpoderdelarte1.blogspot.com/2017/10/basilica-de-san-francisco-de-asis-italia.html

http://franciscanos.org/sfa/gratien1.htm

Bibliografía: