Tronos reales

Foto de cabecera: Salón del Trono del Palacio Real de Madrid

Se define trono, como el asiento oficial sobre el que se sienta un monarca en ocasiones ceremoniosas. El trono tradicionalmente consiste en un asiento grande y lujosamente decorado que se sitúa sobre unas gradas y en los palacios, se situaba en la llamada sala del trono o salón del trono. Cuando el trono está bajo dosel se le llama solio, como por ejemplo el solio pontificio.  
El trono en un sentido abstracto puede también referirse a la monarquía o a la corona, es un caso de metonimia, también se utiliza en muchos términos tales como “el poder detrás del trono”. Los tronos fueron asociados siempre directamente al poder real
.En algunos países que conservan una monarquía en la actualidad, los tronos todavía se utilizan y tienen un significado simbólico y ceremonial importante, sin embargo muchas monarquías modernas de hoy en día han reservado su uso al simbolismo, como el de las coronas y coronaciones.

Voy a tratar, en esta entrada, de auténticos tronos que fueron en su día ocupados por Reyes, Emperadores, Papas y algún que otro mandatario.

CRETA
Sala del trono del palacio de Cnossos.
Cnosos fué asociada a la leyenda del rey Minos y de su palacio, el yacimiento, con ocupación humana desde el 7000 a. C., fue la ciudad más importante de Creta durante la civilización minoica
Se aprecia que el trono es ciertamente modesto. Es de alabastro. Y el salón del trono tampoco tiene la magnificencia ni las dimensiones de los salones del trono egipcios o persas. Tal vez porque la isla no daba para mucho. Y aquí es donde vamos a tomarnos la libertad de asomarnos a las ventanas y admirar el paisaje que admiraba el rey de Creta cuando se cansaba de reflexionar sobre cuestiones de Estado. El salón del trono estaba bien situado en el palacio y la vista desde él era, como es lógico, relajante. Aún lo es hoy en día.

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 EGIPTO
Trono de Tuthankamon
En el antiguo Egipto la silla era un símbolo de estatus, prestigio y autoridad. Este magnífico trono de oro es quizás el mejor de todos los tronos que todavía se encuentran de cualquier civilización antigua.
Fue descubierto debajo del sofá hipopótamo en la antecámara, cubierto con un manto de lino ennegrecido. Construido en madera elaborado tallado en forma de un sillón, su esplendor se logra a partir de su cubierta de hojas de oro y plata con incrustaciones en piedras semipreciosas, cerámica, y de cristal color oro 

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Trono de Tuthankamon
La escena representada en el panel principal es el del joven Tutankamon de perfil sentado de manera informal en el trono frente a su reina Ankhesenamun, que está ungiendo sus hombros con aceite perfumado. La composición en la tradición de Amarna es uno de los más encantadora en el arte egipcio. El rey y la reina se representan con realismo y la coloración es exquisita. La figura de niña de la reina está muy bien representada con los muchos pliegues de la bata que acentúan el contorno de su cuerpo. Toda la escena esta llena de vida, y los colores del vidrio,cerámica piedras de cornalina y otros se mezclan para crear un efecto vivo, cuando se combina con el oro y la plata.

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 GRECIA
Los griegos (según Homero) se sabía que colocaban tronos adicionales, vacíos, en los palacios reales y los templos de modo que los dioses pudieran estar presentes donde quisieran estar. El más famoso de estos tronos era el trono de Apolo en Amiclas
Habían también sillas de diferentes modelos:”difros” o taburetes, el “klismos” sillas de patas curvas, respaldo ligeramente inclinado y muy cómodas, será la silla mas imitada durante el siglo XVIII por su comodidad y elegancia.

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 ROMA
Los romanos también tenían dos tronos uno para el emperador y otro para la diosa Roma cuyas estatuas fueron asentadas sobre los tronos, que se convirtieron en centros de adoración.

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 ROMA
El solium, una especie de cathedra más lujosa. Era el asiento de honor del señor de la casa, cuya posesión pasaba de padres a hijos, así como el trono de los gobernantes y de los dioses, aunque no el sillón usado por los magistrados de la República. El solium estaba en el atrio de la casa, cubierto con un tapiz de lana de colores vivos que se retiraba sólo cuando iba a ser usado el asiento. Allí se sentaba el pater familias durante las recepciones. Este mueble también podía encontrarse en los teatros, destinados a la autoridad, y posteriormente, ya durante el cristianismo, para el obispo.

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 ROMA
La silla curul era plegable, con patas curvadas en forma de cruz. Al principio se hacía de marfil, después de metal, y se remonta a la época de los reyes. En aquel tiempo era un asiento sobre ruedas desde el que los reyes ejercían sus funciones legales. Después perdió las ruedas, pero se mantuvo como atributo de ciertos magistrados. Desde ella dictaban sentencia los jueces, pero también se permitía su uso a los cónsules, pretores y propetores y a los ediles curules; también al dictador, al general de caballería, a los decenviros y, en un periodo posterior, al cuestor

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 MEROVINGIOS
El denominado trono de Dagoberto I (c.600, Biblioteca Nacional, París), un taburete plegable de bronce, tiene patas de animales, semejantes a las de los muebles romanos, pero con una forma más audaz.

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Trono del Rey Dagoberto I

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  BIZANCIO
Museo Episcopal de Rávena
La Cátedra de Maximiano es una de las piezas más grandes realizadas en marfil que ha llegado hasta nuestros días. Se trata de una silla episcopal realizada para el obispo de Rávena Maximiano y es una de las piezas de arte bizantino más destacables de la época. Se trata de una pieza única que en la actualidad se encuentra en el Museo de Arzobispal de Rávena, y que fue realizada en madera y decorada con veintiséis placas talladas en marfil. la cátedra debe datar del año 545 o 547, han surgido diversas teoría respecto al mecenas y a la escuela que la diseñó, au se pueden distinguir al menos cuatro manos diferentes que trabajaron los diferentes paneles que decoran la cátedra  

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CAROLÍNGIOS
Trono de Carlomagno
De la Edad Media se conservan contadísimas sillas regias o tronos que también se ven figurados en los sellos reales y en las miniaturas de los códices. En dichos tronos especialmente en la época románica, abundan las figuras de los grifos o dragones formando los pies o brazos y es frecuente la forma de silla curul o de tijera. Tales son el trono llamado de Dagoberto (que se atribuye al siglo VII pero puede ser del XI ó XII) y la silla de San Ramón de la antigua catedral de Roda (Huesca) de finales del siglo XI. También es algo frecuente para tronos y sillas de respeto en la Edad Media, hasta el siglo XVI inclusive, la forma de silla curul pero con respaldo y brazos como la llamada de los Jueces en el Museo provincial de Burgos, atribuida al siglo XIII y otra de Carlos V en El Escorial.    

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CAROLINGIOS
El trono de Carlomagno
En la Capilla Palatina del desaparecido Palacio de Aquisgran representaba el otro aspecto del poder de Carlomagno, el poder religioso. El papa León III consagró el edificio en el año 805,9 consagrándolo a la Virgen María. Carlomagno había querido una suntuosa decoración para adornar su capilla: había hecho fundir en una fundición cercana a Aquisgrán puertas macizas de bronce. Los muros se hallaban revestidos de mármol, así como de piedras policromadas.26 Las columnas, aún visibles hoy en día, fueron arrancadas de edificios de las ciudades italianas de Rávena y de Roma para su reutilización en el edificio, con la autorización del papa Adriano
El monarca se sentaba en un trono formado por placas de mármol blanco, en la primera planta, al oeste; donde estaba acompañado por los más próximos de la corte.

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CAROLINGIOS
Trono de Carlomagno
El monarca se sentaba en un trono formado por placas de mármol blanco, en la primera planta, al oeste; donde estaba acompañado por los más próximos de la corte. 

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ITALIA
La silla de Elías en la basílica de San Nicolás de Bari.
El abad Elia (primera mitad del siglo XI – Bari , 23 de de mayo de, 1105 ) fue un arzobispo católico italiano , arzobispo de Bari y Canosa a partir 1089 a la 1105
La silla del Abad, es considerada como una de los artefactos más significativos de las obras esculturales mas importantes de Apulia románica .se caracteriza por la ornamentación cuidada, hecha en parte de marfil:, tiene el asiento elegantemente perforado y en los altos apoyabrazos, hay figuras expresivas en alto relievea En la parte posterior hay dos leonas intención de desgarrar a dos hombres. 

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Cátedra del obispo Maximiano (Rávena, h. 547).

Los 26 paneles abordan tres ciclos distintos: la vida de Cristo (16 del respaldo); el ciclo de José (reposabrazos). En la parte delantera, los mejor tallados muestran a los Evangelistas, el Bautista en el centro y un medallón con el cordero místico.

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ITALIA
La Cátedra de San Pedro (en latín: Cathedra Petri) es un trono de madera que la leyenda medieval identifica con la cátedra de obispo perteneciente a San Pedro como primer obispo de Roma y Papa.
Su estructura es cúbica, el respaldo con arquerías coronadas por un frontón y con anillas laterales para su traslado. El frente del trono está cubierto por 18 tablillas de marfil con tallas inspiradas sobre un tema pagano.la madera original de acacia de la primitiva sede ha sido embutida en otra estructura de roble. Con el tiempo se le fueron añadiendo refuerzos de hierro y unas argollas para facilitar su transporte, porque estuvo en uso durante siglos, como un elemento del mobiliario litúrgico para las ceremonias papales más solemnes

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Cátedra de San Pedro en el Vaticano, de Bernini

Durante las obras de enriquecimiento y decoración del interior de San Pedro encargadas por Urbano VIII al maestro Gian Lorenzo Bernini, el papa decidió reservar definitivamente la reliquia para su sóla exposición-veneración, y el gran genio del barroco idea el Altar de la Cátedra, una imponente estructura de bronces, mármol y estuco que centra el ábside de la Basílica Vaticana.  

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  ITALIA
Ciudad del Vaticano Trono de Inocencio X 

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ITALIA
Trono del Dux en Venecia
El dux (latín dux, «líder») o dogo (del italiano doge, adaptación del veneciano doxe, y este a su vez del latín dux) era el magistrado supremo y máximo dirigente de la República de Venecia durante más de mil años, entre los siglos VIII y XVIII.
Este título comenzó a utilizarse cuando la ciudad de Venecia estaba sujeta a la soberanía del Imperio bizantino, haciéndose permanente luego de que la ciudad alcanzara su independencia de Constantinopla.

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 ITALIA
Palacio Real de Nápoles Salón del Trono
Con unas dimensiones muy notables, el Palacio Real de Nápoles fue una de las principales residencias reales en el reino Borbón de las Dos Sicilias. El palacio da a la Piazza del Plebiscito majestuosa y, desde 1919, es la sede del Museo Histórico y la Biblioteca Nacional en la parte trasera del edificio, entre otras cosas, presenta raros manuscritos medievales, así como el famoso papiro de Herculano. El Palacio Real de Nápoles, así como muchos tours histórico de Nápoles, es una necesidad para los amantes del arte, historia y cultura.

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  ESPAÑA
De la época gótica es notabilísimo el trono de plata del Rey Don Martín El Humano, de tipo recto y sin figuras pero con hermosos calados.La silla de Martín el Humano, custodiada en la Catedral de Barcelona, es transportable. Tiene dos bisagras para plegarla para poder ser transportada en el pasado por las ciudades catalano-aragonesas . La butaca es una obra de finales del siglo XIV. El ostensorio, con viril de pedrería, representa una catedral gótica. Tiene el armazón de madera, recubierta por láminas de plata dorada de estilo gótico flamígero 

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    ESPAÑA
El único sillón conocido de Carlos I, es el que se encuentra en el Monasterio de Yuste, que utilizaba tanto para leer, para sus audiencias y para descansar, ya que esba articulado con objeto de aliviar sus crisis de gota  

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ESPAÑA
Carlos III:
Este sillón era el trono que el monarca Carlos III utilizaba en el Salón de los Reinos del Palacio Real de Madrid. En este lugar era donde el soberano recibía las audiencias de ceremonia.
Se trata de una silla grande dispuesta debajo del dosel del Salón de Reinos, con maderas talladas y doradas, cubierta de terciopelo carmesí con sobrepuesto de oro y en cuyo copete está tallado el busto del rey.
El asiento de manufactura napolitana y tejido de terciopelo genovés de seda, bordado a realce con hilo entorchado de plata sobredorada y recamado con pámpanos, hojas entrelazadas y una guirnalda en la parte superior del respaldo, responde estilísticamente al barochetto italiano (Nápoles, 1763-1773).

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ESPAÑA
Salón del Trono en el Palacio de Aranjuez
Aranjuez Felipe II encarga en 1561 a Juan Bautista de Toledo la construcción sobre los terrenos de una antigua residencia de la Orden de Santiago el Palacio Real, como lugar de recreo para residir en primavera; obras que posteriormente continuaría Juan de Herrera.
Tras un incendió acontecido en 1748, Felipe V inicia su reconstrucción y es culminada por Fernando VI de la mano del arquitecto italiano Bonavia. Finalmente, Sabatini, para acoger a la extensa familia de Carlos III, 

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    ESPAÑA
Palacio de Pedralbes (Barcelona)
Durante 1919-1931 fue la residencia de la Familia Real Española en sus visitas a la ciudad. 

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    ESPAÑA
Palacio Real de Madrid
Los sillones del Salón del Trono son copias de los originales realizados durante el reinado de Carlos III y, en la parte superior, figuran las efigies de los Reyes don Juan Carlos I y doña Sofía. A la izquierda, detalle de los cuatro leones de bronce que flanquean el escenario del trono y que fueron traídos por Antonio González Velázquez desde Roma. Cada uno tiene apoyada una garra sobre una bola de caliza rojiza 

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    EUROPA
Sillones-tronos de distintas épocas     

PORTUGAL
El Palacio de Ajuda se ubica en un espacio en el que anteriormente se encontraba emplazada una barraca de madera hecha construir por el rey José I de Portugal en el seno del vecindario de Ajuda de Lisboa. Fue mandada construir tras la destrucción del Palacio de Ribeira en el terremoto de 1755.
No fue hasta el reinado del rey Luis I de Portugal, hijo de la reina María II, que el Palacio de Ajuda se convirtió en centro de la vida privada de la familia real y de la corte portuguesa. Después de la muerte del rey Luis en 1889, se transformó en la residencia de la reina viuda María Pía.
Con la proclamación de la República Portuguesa en 1910, el Palacio de Ajuda se convirtió en un museo histórico que permanece abierto al público, y en el cual se puede observar el estilo de vida de la familia real portuguesa a finales del siglo XIX.
El Salón del Trono en el segundo piso del Palacio, con dos tronos reservados para el rey Luís y la reina María Pía.

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  REINO UNIDO
Un mueble muy conocido es el llamado Trono de la Coronación de la abadía de Westminster, que conserva bajo el asiento una gran piedra llamada “la piedra del destino”.       

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REINO UNIDO
Aún en uso, es el trono del rey Eduardo, en la cual coronan al monarca británico.En la foto se aprecia la piedra En el siglo XIII la Piedra fue capturada por el rey Eduardo I de Inglaterra y llevada a la Abadía de Westminster en Londres, para emplearla en la coronación de los reyes ingleses. En 1996, el Gobierno Británico decidió devolver la Piedra a Escocia, con la condición de que volviera a Londres para su uso en futuras coronaciones, por lo que ahora puede ser vista en el Castillo de Edimburgo, junto con las joyas de la corona escocesa hasta que se corone a un nuevo rey inglés, entonces volverá al trono de San Eduardo momentáneamente     

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REINO UNIDO
Palacio de Buckingham Salón de Trono     

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REINO UNIDO
Robing Room
La sala Robing es donde la Reina se prepara para la apertura del Parlamento. Se pone el traje de ceremonia y la Corona del Estado Imperial. La sala Robing está situado en el extremo sur del palacio de Westminster.   

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FRANCIA
Palacio de Versalles Trono Real.
Luis XIV dejó París y decidió construir Versalles como una pequeña ciudad alejada de los problemas. Tendría varias etapas constructivas, marcadas por las amantes de Luis XIV.

Primera etapa (1661-1668): Sería un palacete de caza al que se añadieron dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas.
Segunda etapa (1668-1678): Luis XIV pretende trasladar definitivamente la corte a Versalles. Se añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín
a doble altura y con acceso directo a cota cero desde el exterior, estando la Tribuna Real situada en el piso principal, desde donde el rey y su familia atendían a la misa.
Versalles vivió el apogeo de la Francia de los Borbones, pero también su destrucción: En Versalles se establecieron los Estados Generales desde 1789 hasta el 6 de octubre. En esta fecha, el palacio fue tomado por el pueblo y el rey y su familia obligados a trasladarse e instalarse en París.
En él se refugiaron, durante la Comuna, Adolphe Thiers y su gobierno.

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FRANCIA
Palacio de Fontaineblau Trono de Napoleón
A partir de una estructura inicial de Francisco I.
Este palacio introdujo en Francia el manierismo italiano, en la decoración de interiores y en los jardines..
El manierismo francés en la decoración de interiores del siglo XVI es conocido como «estilo Fontainebleau»: combina escultura, forja, pintura, estuco y carpintería. En jardinería supuso la introducción del parterre.

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FRANCIA
Palacio de Fontaineblau Trono de Napoleón
el emperador Napoleón Bonaparte comenzó a transformar el Château de Fontainebleau en un símbolo de su grandeza, como una alternativa al Palacio de Versalles que tenía connotaciones borbónicas. En Fontainebleau, Napoleón I de Francia firmó su abdicación, con el Tratado de Fontainebleau. Se despidió de su Vieja Guardia y partió al exilio.

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FRANCIA
Trono de Napoleón al Senado
Este trono, para el Senado, se inspiró en un asiento de mármol de época romana, llamado el “trono de una sacerdotisa de Ceres” llegó a Francia en 1796, seduciendo a David que hizo un buen estudio del mismo. El asiento está decorado con bordados en hilo de oro donde se encuentra la abeja, símbolo imperial y la figura del emperador en el respaldo. Los brazos son dos esfinges aladas. Un dosel sostenido por seis victorias de yeso dorado, coronada ese trono. Este sistema vino de la Galerie du Trone instalado en el Palacio de Luxemburgo bajo Napoleón III, a la Sala de Conferencias del actual Senado. 

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MÓNACO

El Palacio de Mónaco es la residencia oficial del Príncipe de Mónaco desde 1297. Se encuentra en la parte superior de la roca de Mónaco, con vistas al Mediterráneo a 60 metros. Es a la vez el corazón y el alma del Principado.
Construido en 1191, originalmente para convertirse en una fortaleza para la República de Génova, el edificio ha experimentado a lo largo de su historia, los bombardeos y los asientos de muchas fuerzas extranjeras. Desde finales del siglo XIII, es el hogar de la Casa de Grimaldi, que conquistó el lugar en 1297. Los Grimaldi gobernaron el Principado como señores feudales y, desde el siglo XVII, como príncipes soberanos.

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RUSIA
Trono de marfíl de Iván el Terrible
Fué el primero en llevar el título de zar (desde 1547) y es considerado como uno de los creadores del Estado ruso. Sus mayores aportes a su país fueron la conquista de Siberia llevada a cabo por Yermak, la creación de un nuevo código legal, el Sudébnik, la centralización del poder en la capital, la creación del Zemski Sobor y la Opríchnina, la conquista de los janatos tártaros de Kazán y Astracán

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RUSIA
Salón del Trono de Catalina la Grande
Fue emperatriz de Rusia durante 34 años, desde el 28 de junio de 1762 hasta su muerte, a sus 67 años.
Catalina, aunque no descendía de emperadores rusos, sucedió a su marido, tras el precedente establecido cuando Catalina I de Rusia sucedió a Pedro I en 1725. Su manifiesto de acceso al trono justifica su sucesión citando la “elección unánime” de la nación. Sin embargo, una gran parte de la nobleza lo consideró como una usurpación, tolerable solo durante la minoría de su hijo, el gran duque Pablo.

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RUSIA
El primer monarca de la Dinastía Románov, Miguel I de Rusia, subió al trono hace 400 años. La coronación de los zares y más tarde emperadores rusos culminaba con la entrega de los símbolos del poder soberano, la corona, el cetro y el orbe
El Trono doble. Pedro I e Ivan V fueron proclamados conjuntamente, zares de Rusia. al morir Fiódor Alekséievich sin descendencia a la edad de 20 años, surgió una disputa por el trono. Iván era oficialmente el siguiente en la línea de sucesión, pero no tenía las dotes para asumir el cargo. El Consejo de los boyardos (nobles rusos) eligió a Pedro, que tenía en ese momento 10 años de edad, para convertirse en zar y con su madre viuda ejerciendo la regencia. Sin embargo, la zarevna Sofía Alekséievna, dirigió una rebelión de los Streltsí (cuerpo militar de élite ruso). En el conflicto fueron asesinados muchos de los familiares y amigos de Pedro. El levantamiento permitió a Sofía, hermana de Iván y medio hermana de Pedro, y a sus aliados insistir en que Pedro e Iván fuesen proclamados zares conjuntamente, siendo Iván el zar mayor de entre los dos.  

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RUSIA
Trono de los Romanov
Fue una dinastía rusa establecida en Moscú desde el siglo XVII, que accedió al trono en 1613 con la coronación de Miguel I, hijo del patriarca Filareto (primo de Teodoro I de Rusia) y rigió el país hasta que la Revolución de Febrero de 1917 obligó al zar Nicolás II a abdicar.     

 RUSIA
Trono de los Romanov
Nicolás fue el último Zar de Rusia, siendo destronado por la Revolución de febrero, producida en el marco de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución de Octubre, los bolcheviques fusilaron a la familia imperial en Ekaterinburgo (Urales) en 1918.

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 IMPERIO AUSTRO-HÚNGARO
Sala del trono en Miramar, mostrando el trono al final de la sala, con las cortinas rojas, suelos de entarimado, una chimenea con una pintura gigante por encima de ella, sillas en el lado de las habitaciones y de los candelabros gigantes tipo arañas colgando del techo

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HOLANDA
Trono de los Orange
La Casa de Orange- Nassau, casa reinante en los Paises Bajos, tiene su origen en el conde Hendrick III de Nassau, quien en el siglo XVI fué nombrado Stadholder de los Paises Bajos. El título venía a ser como gobernador de los Paises Bajos y tenía caracter hereditario.

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SUECIA
Trono de Plata
El Trono de Plata, confeccionado por Abraham Drentwett para la Reina Cristina en 1650
Suecia ha sido gobernada por reinas reinantes en tres ocasiones distintas: Margarita I de Dinamarca (1389-1412), Cristina de Suecia (1632-1654) y Ulrika Eleonora de Suecia (1718-1720)

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SUECIA
Sala de audiencias de Lovisa Ulrike, reina de Suecia entre 1751 y 1771 por su matrimonio con Adolfo Federico de Suecia. Está presidida por un trono bajo palio y las paredes decoradas con tapices que hablan de la historia mitológica de “Amor y Psique”

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DINAMARCA
Castillo de Rosenborg
Salón con el Trono Real. Este castillo es uno de los más antiguos de la Realeza Danesa y se encuentra en el centro de la ciudad . Es un castillo pequeño , rodeado de hermosos jardines con un pintoresco puente , que lleva al interior del recinto . Sus salones son maravillosos , de tiempos medievales
El rey Federico III de Dinamarca, encargó un trono de cuerno de unicornio y oro, que se puede ver hoy en día en el salón del reino del castillo-palacio de Rosenborg, en Copenhague. Icono central de la monarquía absoluta en Dinamarca y Noruega se utilizó como silla de coronación durante casi dos siglos- Construido por artesanos durante nueve años entre 1662 y 1671, este trono era la envidia de todos los monarcas europeos de la época.

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  DINAMARCA
Castillo de Rosenborg
Trono del Unicornio: llamado así, por los dos pares de columnillas del respaldo, que en realidad pueden ser de narvales (mamífero marino)
Y al igual que el bíblico Trono del Rey Salomón en el que se inspira, esta custodiado por tres leones de plata y oro a tamaño natural, de 130 kilos cada uno.

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 PERSIA
Sah Jahan sentado en el Trono del Pavo Real.
El Trono del Pavo real, llamado Tajt-e-Tâvús es el nombre de un trono originalmente del Imperio Mogol de la India, luego usado para describir los tronos de los emperadores persas desde Nader Shah Afsharí hasta Mohammad Reza Shah Pahlaví. El trono de los mogoles es llamado Trono del Pavo real en su traducción al hindi. Fue creado para el emperador mogol de la India Badshah Shah Jahanen el siglo XVII

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PERSIA
Trono del Pavo Real
En este caso ocupado por el último Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi, quien se nombró Shahansha (Rey de Reyes). A su lado aparece su esposa Farah Diba y su hijo.
Fue Sha de Irán desde el 16 de septiembre de 1941 hasta la Revolución islámica del 11 de febrero de 1979.
Tambien estuvo casado con la carismática Princesa Soraya.

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TURQUIA
El Palacio de Topkapi fue la residencia oficial del Sultan durante tres siglos.Topkapi significa la puerta redonda (“kapi”, puerta y “top”, redondo).Después de la caída de Constantinopla, en 1453, Mehmet II, el conquistador, construyó este magnífico palacio.
Hoy en día el complejo del Palacio es un gran museo con muchas habitaciones en exposición. donde se puede apreciar objetos en oro decorados con piedras preciosas (tronos, tazas de té, cuchillos, tenedores y cucharas, cunas, objetos de joyería y otros objetos trabajados en oro), objetos en plata, cerámicas, miniaturas, paños y objetos sagrados de Islam, entre ellos, la barba y la impresión del pie del profeta Mohammed.
El trono de Mural III que pesa 250 kg de oro puro. A cada lado dos candelabros de oro pesan cada uno 48 kg y albergan 6.666 diamantes

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 ETIOPÍA
Trono en Adis Abeba del Emperador Haile Selassie I (Ejersa Goro, 23 de julio de 1892-Addis Abeba, 27 de agosto de 1975), fue el último monarca en ocupar el trono imperial de Etiopía.
En 1936 se exilió en Bath (Inglaterra) a causa de la invasión de tropas italianas ordenada por el dictador fascista Benito Mussolini. Volvería a su tierra natal en 1941 tras la expulsión de los italianos con ayuda de tropas del Imperio Británico.
En 1974 resigna formalmente su trono frente a la Junta Militar de la revolución marxista. El Consejo de la Corona de Etiopía asegura que el emperador fue encarcelado por el Derg y luego asfixiado hasta la muerte por sus captores el 27 de agosto de 1975   

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TUNEZ
Trono del Bey
Bey o beg es un título de origen turco adoptado por diferentes tipos de gobernantes dentro del territorio del antiguo Imperio otomano. Fue también el título de los monarcas de Túnez. Se pospone al nombre.
Originalmente es un título que las tribus turcomanas usaban para designar a su jefe. Lo utilizó el monarca otomano hasta 1394, cuando Bayaceto I adoptó el título de sultán.     

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CHINA
Trono de las Dinastias Ming y Qing
Desde su finalización 1420 a 1644, cuando una revuelta campesina dirigida por Li Zicheng invadió, la Ciudad Prohibida sirvió como sede de la dinastía Ming. La siguiente dinastía Qing también ocupó la Ciudad Prohibida. En 1860, durante la Segunda Guerra del Opio, las fuerzas británicas lograron penetrar en el corazón de la Ciudad Prohibida y la ocuparon hasta el final de la guerra.
Después de ser el hogar de 24 emperadores-catorce de la dinastía Ming y diez de la dinastía de la Ciudad Prohibida-Qing dejado de ser el centro político de China en 1912 con la abdicación de Puyi, el último emperador de China. En virtud de un acuerdo firmado entre la casa imperial Qing y el nuevo gobierno de la República de China,
A Puyi, sin embargo, se le permite vivir dentro de los muros de la Ciudad Prohibida.    
Puyi y su familia conservan el uso del atrio interior, mientras que el exterior fue entregado a las autoridades republicanas. Un museo fue establecido en el atrio exterior en 1914. 

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 INDIA
Trono de Oro de Mysore
Mysore, es la segunda ciudad más grande en el estado de Karnataka, en la India.
La leyenda dice pertenecía a los Pandavas.
El trono de oro en el palacio de Mysore, es el blanco de todas las miradas durante las celebraciones de Dasara
El trono es una parte integral de las festividades de la familia real de Mysore. Maharajás se sentaba en el trono y llevar a cabo Durbar durante los días de la monarquía.
Pero desde la abolición de principados, el acto simbólico de ascender al trono y sosteniendo el Durbar fue continuada por Srikantadutta Narasimharaja Wadiyar, descendiente de la familia real, hasta su muerte en diciembre pasado.

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 TIBET
Dharamsala (o técnicamente, es la gemela de la ciudad de McLeodganj. es la ciudad del Himalaya que es el hogar del Gobierno tibetano en el exilio del Dalai Lama.El complejo es donde vive el Dalai Lama (su área de viviendas esta, obviamente, cerrado al público incluyendo la catedra Tsuglagkhang. 

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SILLAS PORTÁTILES
Esta silla portátil conocida también como silla de manos, tiene su origen en la lectica o “sella” romana que se usaba para transportar a los nobles patricios. Derivó con el paso de los años en la silla de manos cubierta (sedán) a partir del siglo XVI y está emparentada con los palanquines orientales. Un ejemplo que se puede ver en directo es la silla de manos de Felipe II en el monasterio del Escorial.     

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  De estos asientos, el más extravagante,quizá sea la portantina del papa León XIII adornada de ninfas desnudas en madera dorada, regalo de Grassi de Venecia  

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 “OTROS TRONOS”
Por último uno de los “tronos” mas apreciados por los monarcas, en este caso Luis XIV, el Rey Sol:
Réplica de un trono real con un inodoro camuflado desde el que el monarca Luis XIV de Francia atendía sus audiencias al tiempo que podía relajar tensiones corporales, que puede verse en el Museo Internacional del Retrete de Nueva Delhi.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Trono

Fotos y textos: tomados de la red de distintas páginas relacionadas con al tema.

El Greco

Imagen de cabecera: “Concierto de ángeles” 1608

El año 1541 Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco, nace en Candía (Creta), cuando la isla era territorio de la poderosa República de Venecia. El Greco se forma en Creta, en sus inicios fue uno de los grandes pintores de iconos, que mantenían las señas de identidad de la pintura griega ortodoxa, (a destacar su Adoración de los Magos)

Retrato de caballero anciano ca.1600

EL TALLER DEL GRECO:
El pintor organizó la producción de su taller a niveles distintos, los grandes encargos los realizaba en su totalidad él mismo, mientras que sus ayudantes realizaban lienzos más modestos con iconografías destinadas a la devoción popular. La organización de la producción contemplando obras totalmente autógrafas del maestro, otras con su intervención parcial y un último grupo realizado totalmente por sus ayudantes permitía trabajar con varios precios, pues el mercado de la época no siempre podía pagar los elevados precios del maestro. Por tanto hay múltiples obras del taller
En varios casos, el Greco y su taller pintaron varias versiones sobre un mismo tema, con variantes. Así sobre el Expolio, Wethey catalogó quince cuadros con este tema y otras cuatro copias de medio cuerpo. Sólo en cinco del artista y las otras diez las consideró del taller o copias posteriores. El tema que más se repitió es san Francisco, saliendo de su taller del orden del centenar de cuadros sobre este santo, de ellos veinticinco son autógrafos reconocidos, el resto son obras en colaboración con el taller o copias del maestro. Otros temas que repitió habitualmente son María Magdalena, los apóstoles, la purificación del templo, el bautismo de Jesús, el expolio de Cristo, Cristo con la cruz a cuestas, la Sagrada Familia y la Anunciación entre otros..

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Mapa de la isla de Creta (S.XVIII)

Domenico Theotokopoulos nació en la isla de Creta. Creta había sido la mítica isla de Zeus y Europa, del rey Minos, del laberinto y el Minotauro, para luego convertirse en parte del mundo griego y, más tarde, del mundo bizantino, ese mundo que pocos años antes había sido conquistado por los turcos.

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Knosos (Creta) frescos del Palacio de Minos

Fué el más importante de los palacios minoicos de Creta (Grecia). Fue construido hacia el 2000 a. C.

Domenico unió un gran interés por el color. La luz intensa de esta isla, en torno a la cual el sol hace brillar el Mediterráneo, hace que los colores se perciban de una manera especial, algo ya apreciable en las pinturas murales del palacio de Cnossos. Es habitual que las ciudades luminosas alumbren a pintores con una percepción especial de la luz y el color. Es así como surge un Sorolla en Valencia. Un Andrea Vaccaro en Nápoles. O un Tiziano en Venecia.


PERÍODO CRETENSE

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DOMENICO THEOTOCOPULI “EL GRECO”


Supuesto autorretrato año 1595-1600  Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) perIodo toledano de madurez

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La Dormición de la Virgen


Presenta la dualidad existente en la Escuela cretense del siglo XVI: la fidelidad a la Escuela bizantina tradicional y el eclecticismo inspirado en la Escuela italiana del Renacimiento, conocida gracias a estampas y algunos cuadros llegados de Venecia.
De un acertado eclecticismo que le lleva a incorporar novedades a un icono clásico: el tratamiento del grupo del cielo, la aparición del Espíritu Santo en forma de paloma, la inclinación de la figura de Cristo… Sin embargo, continúan los fondos dorados, el empleo de rostros estereotipados para las figuras o la ausencia de color y perspectiva

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San Lucas pintando a la Virgen

El Periodo cretense: Doménikos estudió pintura en su isla natal, Creta, y se convirtió en pintor de iconos en el estilo postbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años ya desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.

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San Lucas pintando a la Virgen detalle

 El estilo postbizantino era una continuación de la pintura tradicional, ortodoxa y griega, de iconos desde la Edad Media. Eran cuadros de devoción que seguían reglas fijas. Sus personajes se copiaban de modelos artificiales muy establecidos, que no eran en absoluto naturales ni penetraban en análisis sicológicos, con el oro como fondo de los cuadros.

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Adoración de los Reyes


Se trata de unas obras de la primera etapa de El Greco donde se puede apreciar claramente su formación como pintor de iconos en el taller de Georgios Klontzas.

PERÍODO VENECIANO:

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El muelle del Bacino de San Marcos en el día de la Ascensión, 1733-34, de Canaletto.
The Royal Collection, London.

En ese postbizantino, según Venturi, está el origen abstracto de las originales formas de la pintura del Greco. Logra el título de Maestro de la pintura y se traslada a Venecia en 1567. Venecia, capital de las artes y de la política cretense, donde conoce a los grandes maestros del Cinquecento veneciano como Tiziano y Tintoretto que convierten a El Greco en uno de los “madonneri” que, con una formación bizantina, trabajaron en Venecia.

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La curación del ciego , Gemäldegalerie (Dresde)

Realizada en 1567. Es la primera obra de su período veneciano.
Cristo y el ciego presiden el principal grupo a la izquierda, los discípulos a la derecha y un pequeño contingente en el centro. Todos se encuentra en movimiento, de acuerdo al eclecticismo de la época.

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Tríptico de Módena

La Galería Estense es el gran museo de bellas artes de Módena (Italia), heredero de las colecciones de los antiguos duques de la Casa de Este, que gobernaron durante el Renacimiento los ducados de Ferrara y Módena. Este museo tuvo su primera sede en el Palacio Ducal y fue trasladado en el siglo XIX a un sector del llamado Palacio de los Museos de la misma ciudad. Entre sus tesoros se cuenta el Tríptico de Módena, obra clave juvenil de El Greco
La tabla central tiene en su lado anterior esta imagen de la Alegoría del caballero cristiano y le acompañan en los laterales la Adoración de los pastores y el Bautismo de Cristo

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Tríptico de Módena reverso

Este pequeño altar portátil que se conserva en la ciudad italiana de Módena es una obra fundamental para entender la evolución del Greco durante sus primeros momentos de estancia en Italia. En su parte posterior una Vista del Monte Sinaí, la expulsión de Adán y Eva del Paraiso y la Anunciación.
 

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Anunciación de la Virgen

Perteneciente al Tríptico de Módena (Galería Estense), es una obra titubeante del inicio de su estancia veneciana.(ver foto anterior del tríptico completo)

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La anunciación, Museo del Prado.


Es una de las imágenes mejor logradas del período veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto, sobre todo en la arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un cuadro de ángeles
En estas obras estilísticamente distintas, se aprecia cómo asumió el lenguaje del Renacimiento veneciano.

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Tríptico de Ferrara La Oración en el huerto
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

El Tríptico de Ferrara, cuyas cuatro tablitas, de claro origen cretense, fueron las laterales del cierre del retablillo.

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Tríptico de Ferrara  La Crucifixión
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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Tríptico de Ferrara  El Lavatorio
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara  

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Tríptico de Ferrara Cristo ante Pilatos
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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La última cena , Pinacoteca Nazionale, Bolonia, Italia

Obra de El Greco, realizada en 1568. Representa a Cristo en la Última Cena con sus apóstoles, antes de sufrir su Pasión. El espacio pictórico, representado en perspectiva, tiene poco volumen corporal y parecer estar suspendido sobre el aire

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El entierro de Cristo año 1569-70 Museo Alexandros Soutzos (Atenas)

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La Adoración del nombre de Jesús (finales de la década de 1570)

También llamado como La Liga Santa o bien El Sueño de Felipe II o La Gloria. Parece que este fue uno de los primeros encargos que recibió El Greco de Felipe II. El cuadro original se encuentra en el Monasterio de El Escorial (Madrid) y esta pequeña obra no parece ponerse de acuerdo si se trata de un boceto del pintor antes de componer  la gran obra o bien es una copia que hizo a posteriori para tenerla en su estudio (práctica habitual de El Greco).El cuadro representa un momento histórico en la vida de Felipe II y es que tras la victoria de la batalla naval de Lepanto (1571), formado por la Liga Santa de los países de España, Venecia, Nápoles y Roma, se frenó el avance de los turcos por el Mediterráneo

EL PERÍODO ROMANO:

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Miguel Ángel – “La tentación de Adán y Eva y la expulsión del Paraíso” (1508-1512, fresco, Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma)

Resultaba muy difícil conseguir un exito decisivo en Venecia, la metrópoli de la pintura renacentista. La competencia parecía demasiado genial y sobre todo muy firmemente establecida en el gran mercado del arte: Tiziano, Tintoretto, Veronese, Bassano. Quizás era ésa una de las razones que motivaron El Greco a abandonar “La Serenissima” en 1569 e intentar su suerte en Roma, donde, no obstante, la situación resultó parecida.
Allí permaneció desde noviembre de 1570 hasta 1577. Cuando El Greco vivió en Roma, Miguel Ángel y Rafael habían muerto, pero su enorme influencia seguía vigente. La herencia de estos grandes maestros dominaba el escenario artístico de Roma. Allí aprendió una forma de pintar que los pintores romanos habían establecido, un estilo llamado manierismo pleno o maniera basado en las obras de Rafael y Miguel Ángel, donde las figuras se fueron exagerando y complicando hasta convertirse en artificiales.

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La purificación del templo o La expulsión de los mercaderes

Realizada en 1571 durante su periodo romano. Se exhibe en el Instituto de Arte de Minneapolis.

Esta obra es una de las primeras muestras de la madurez de El Greco. El pintor mantuvo las líneas básicas de su primera versión y consigue crear dos grupos contrapuestos

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La Piedad año 1571-76 29 x 20 cm Museo de Arte (Filadelfia)

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional de Capodimonte Nápoles

  o El soplón es una obra de El Greco, realizada en 1571 durante la estancia del artista cretense en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque no se conoce a ciencia cierta su origen.
El pintor repetirá este tema varias veces a lo largo de su carrera. El cuadro está inspirado en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.
Tradicionalmente se ha considerado esta imagen como producto de la influencia de Jacopo Bassano, aunque recientes estudios han determinado que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido.

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Fábula  1572 

 Otra versión del anterior

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional (Capodimonte)

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Retrato de Vincenzo Anastagi año 1571-76 Colección Frick (Nueva York)

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Retrato de Carlos de Guisa año 1572 Kunsthaus (Zúrich)

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Retrato de un hombre (Andrea Palladio?) año 1575 Museo de Arte (Copenague)

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La Anunciación El Greco, 1575 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Es una obra de El Greco, realizada en 1575-1576 y conservada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Es una de las primeras obras de esta temática realizadas por El Greco, que repetirá este asunto varias veces más a lo largo de su dilatada producción artística.

La Virgen María, sentada en un reclinatorio, gira para recibir la visita del Arcángel Gabriel y la paloma que representa al Espíritu Santo. La escena se enmarca dentro de un fondo arquitectónico sencillo y bien trazado, acentuado por un cortinaje rojo y un piso embaldosado. Al fondo se distingue un grupo de querubines.
Aquí se refleja la impronta de Tiziano y Tintoretto, sobre todo en la luz y el color.

El Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana

  Fue encargado en 1580 por Felipe II para decorar una de las capillas laterales de la Basílica del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, concretamente la capilla consagrada al santo.
 Doménico tardó casi tres años en pintar esta soberbia obra en su taller de Toledo, entregándola personalmente a finales de 1582, lo que demuestra que el pintor quería conseguir el favor de Felipe II y la oportunidad de poder trabajar en la decoración de El Escorial.  A su regreso de Portugal en 1583, el rey pudo ver la obra pero no resultó de su agrado, aunque su calidad artística le fue reconocida al tasarse la obra en 800 ducados.

ESCULTURA
La dimensión escultórica de El Greco recobró cierto auge, que hizo volver la mirada sobre su producción .

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Así, excluyendo este Ecce Homo cuya peculiaridad con respecto a otras obras es que es la única que supuestamente está firmada [con las iniciales griegas delta y theta] por El Greco

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Es dudosa la concepción por parte de El Greco del Cristo Resucitado que está en el museo toledano del Hospital de Tavera (restaurado tras la guerra civil)

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Y mas seguro el conjunto escultórico de la Imposición de la casulla de San Ildefonso en la Catedral de Toledo

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  Y, con algunas reservas de conocedores de la obra del cretense, las estatuas de Epimeteo y Pandora del Museo del Prado. Son trabajos indocumentados pero la atribución al artista suele ser generalmente aceptada.

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Está basada en el testimonio de Pacheco, que vio en el estudio de El Greco una serie de estatuillas de cera, estuco, y madera, pero pueden haber sido simplemente modelos, como los que se usaban en los talleres italianos donde El Greco fue entrenado.

La atribución se basaría en algunos desnudos en las pinturas de El Greco, en sus dimensiones alargadas,( evidentemente desproporcionadas) sus posturas flexibles y su oposición en contrapposto.

MITOLOGIA Pandora fue una hermosa creación de barro realizada por Hefesto por instigación de Zeus, quien pretendía vengars...
Epimeteo y Pandora

La identificación de las figurillas es también problemática. Al principio se pensó que representaban a Adán y Eva o incluso a Vulcano y Venus, pero fueron correctamente identificados como Epimeteo y Pandora en el año 1961.

Pudieron ser un encargo concreto o ser una creación para uso del propio artista, sirviendo tanto para su uso en el taller, como modelos para composiciones pictóricas, se interpretó que estas figuras eran representaciones de viendo en ellas una reinterpretación del David de Miguel Ángel con ligeras variaciones: figuras más alargadas, distinta posición de la cabeza y las piernas menos abiertas. Salas también señaló que Pandora corresponde a una inversión de la figura de Epimeteo, aspecto característico del manierismo. se consideró que fueron modelos para determinar la posición más acertada de las figuras de la derecha de la pintura del Laocoonte.

 PERÍODO TOLEDANO INICIAL:

En Roma, El Greco no destacó exactamente por una falta de orgullo: propuso remplazar los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina por nuevas obras suyas que serían más “decentes”. Aquella propuesta, como era de esperar, provocó el rechazo indignado de muchos pintores romanos y contribuyó a su convicción que tampoco en Roma iba a encontrar la suerte deseada. 

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Monasterio de El Escorial

Por lo tanto, cuando en el año de su muerte 1576 el gran Tiziano le dió una carta de recomendación al Greco, dirigida al Rey Felipe II, el que estaba buscando muchos artistas para decorar las más de mil habitaciones de su nueva residencia, el Palacio del Escorial (antaño la obra más grande de Europa), el pintor de Creta decidió intentar a su edad de 35 años un nuevo comienzo en España.

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Vista y plano de Toledo 1610-1614

   Con esta obra el Greco contribuye a la difusión de la nueva imagen de la ciudad de Toledo al representar las principales construcciones modernas de aquel momento -el Alcázar, la Puerta de Bisagra y, sobre todo, el Hospital Tavera, que domina claramente la escena, al tiempo que oculta las emblemáticas construcciones medievales: la Catedral y el Monasterio de San Juan de los Reyes. Así mismo representa alegóricamente la gloriosa historia de la ciudad, enfatizando su pasado romano mediante la representación de un dios fluvial, que derrama el agua y simboliza al río Tajo. Además, muestra su carácter de lugar favorecido por la divinidad, con la representación del milagro de la aparición de la Virgen para imponer la casulla a San Ildefonso, obispo visigodo de Toledo.

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La Trinidad (1577-79)

Desde 1577 residió en Toledo. En estos primeros años toledanos aparece el estilo personal del pintor pero el planteamiento es plenamente italiano. El oleo, que formaba parte de El retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo, su primer gran encargo en Toledo. Es notoria la influencia de Miguel Ángel.
 

PERÍODO TOLEDANO DE MADUREZ: 

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El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo)

Su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.
En este periodo se han incluido las obras desde 1586 en que le contrataron el entierro del Conde de Orgaz hasta 1596 en que le confiaron el retablo de doña María de Aragón. Muestra ya su característica elongación longitudinal de las figuras, así como el horror vacui (miedo al vacío), aspectos que se harían cada vez más acusados.

PERÍODO TOLEDANO TARDÍO:

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Cristo expulsando a los mercaderes del Templo (hacia 1600)

A partir de 1600 evolucionó a un estilo muy dramático, propio y original, intensificando sistemáticamente los elementos artificiales e irreales: cabezas pequeñas descansando en cuerpos cada vez más largos, la luz cada vez más fuerte y estridente.
El Greco se basó en el pasaje del Evangelio de San Juan, 22 (13-17) para realizar esta obra. El Greco realizó 5 pinturas con esta misma temática, la conservada en la Galería Nacional de Arte de Washington (1568), el Instituto de Arte de Mineápolis (1571), la presente de la National Gallery (1600), otra de la Colección Frick de Nueva York (1600) y por último la conservada en la iglesia de San Ginés de Madrid (1610).

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La expulsión de los mercaderes del templo

. Este óleo sobre tela mide 106 centímetros de alto y 130 cm de ancho, y fue ejecutado hacia el año 1600. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean

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La expulsión de los mercaderes del templo

Realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en la Iglesia de San Ginés de Madrid.
Tres versiones pintadas en Venecia (1570), Roma (1571-1576) y Toledo (1610-1614) donde se observa su evolución. La primera incorpora el colorido cálido veneciano y las mujeres de Tintoretto. En la segunda, los grupos de figuras han adquirido jerarquía y la arquitectura más romana está más integrada gracias a la luz. En la última, las figuras son típicas grequianas, el cuadro es más estrecho y dividido en una zona inferior con figuras y una superior de arquitectura etérea.  Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano

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Inmaculada Concepción

  A finales de 1607, el Greco se ofreció a terminar la capilla de Isabel de Oballe, que había quedado inconclusa por el fallecimiento del pintor Alessandro Semini. El artista, ya con 66 años, se comprometió sin gastos complementarios a corregir las proporciones del retablo y a sustituir una Visitación. La Inmaculada Concepción para esta capilla es una de sus grandes obras tardías, los alargamientos y los retorcimientos nunca antes habían sido tan exagerados o tan violentos

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San Jerónimo como cardenal (1590-1600)

La imagen de San Jerónimo fue un tema muy recurrido por el Greco. San Jerónimo es uno de los Padres de la Iglesia Latinos al traducir la Biblia del griego y el hebreo al latín.
Esta obra, realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en una de las salas del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

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Adoración de los pastores (1612-1614)


Una de sus últimas composiciones destinada a su capilla funeraria. Su estilo final es dramático y antinaturalista, intensificando los elementos artificiales e irreales: cuerpos muy largos en cabezas pequeñas iluminados con luces fuertes y estridentes.

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Firma de El Greco

Fuentes:

http://pedro-mundodebabel.blogspot.com.es/…/personajes-sing…

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/1418198

http://jmnavarron.blogspot.com.es/…/el-greco-y-el-museo-del…

http://materiaconstruida.blogspot.com.es/2014_03_01_archive…

http://www.academia.edu/…/Monogr%C3%A1fico_A%C3%B1o_Greco

Romerías, fiestas y verbenas de Madrid

La palabra romería viene de romero, nombre que designa a los peregrinos que se dirigen a Roma, y por extensión, a cualquier santuario.
Entre las antiguas romerías en la capital están la romería de San Blas, que acudía a la ermita de San Blas (ya desaparecida).
La romería del Santo Ángel de la Guarda que cada 1 de marzo acudía a venerar la imagen del Santo Ángel de la Guarda, venerada por porteros.
La desaparecida romería del Cristo de la Oliva que desapareció ya en el siglo XVIII, y cuya celebración se establecía el 3 de mayo, coincidente con la romería de Santiago el Verde que se dirigía a la ermita de San Felipe y Santiago a orillas del río Manzanares.
La más significativa de todas es la romería de San Isidro el 15 de mayo cuyo destino es la ermita de San Isidro.
La romería de la Virgen del Puerto (que con el tiempo se convirtieron en las fiestas de la Melonera) y que se dirigía a comienzos de septiembre la ermita de la Virgen del Puerto.
Y la romería de San Eugenio (denominada “Bellotera”) celebrada cada 15 de noviembre cierra el año
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Baile a orillas del Manzanares Francisco de Goya, durante la celebración de una de sus romerías.

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Licorería El Madroño, Lavapiés
La celebración de las verbenas más tradicionales son ocho, que comienza el 13 de junio con la de San Antonio en la Ermita de San Antonio de la Florida, el 24 de junio se celebra la de San Juan Bautista en el Prado, el 27 de junio la de San Pedro Apóstol y San Juan en el Prado, el 16 de julio la de la Virgen del Carmen en Chamberí, el 25 de julio la de Santiago en la plaza de Oriente, el 7 de agosto la de San Cayetano en Lavapiés (zona de Cascorro), el 10 de agosto la de San Lorenzo en el mismo Barrio (en el eje de Argumosa y plaza de Lavapiés), y el 15 de agosto la de la Verbena de la Paloma. De ellas comentaré solo las mas conocidas,y que aún se celebran con grandes festejos.

Se acostumbra a bailar el chotis al son del organillo, se bebe la típica limonada y se tomaban azucarillos con agua y aguardiente. Hoy dia, algunas de estas costumbres ya no se hacen.

LAS VUELTAS DE SAN ANTÓN

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Iglesia de San Antón
Las Vueltas de San Antón es una festividad popular en Madrid, celebrada el día 17 de enero en honor a San Antonio Abad. El espacio de la celebración se centra en los alrededores de la parroquia de San Antón en las madrileñas calles de Hortaleza y Fuencarral

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San Antón por Zurbarán

La celebración ha ido cambiando de forma y orientación a lo largo de los últimos siglos, desde una celebración de origen medieval (mundo rural), pasando por una romería y algarada con caballos (sociedad pre-industrial), hasta que a comienzos del siglo XXI se celebra como una bendición de animales de compañía

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La celebración de San Antón en Madrid ha pasado por varias etapas a lo largo de su historia, en la primera se celebraba el denominado cerdo del Concejo como fiesta de origen medieva El cerdo del Concejo (denominado también rey de los cochinos) fue una tradición popular del mundo rural, mediante la cual se cuidaba colectivamente un cerdo que se ponía a disposición del concejo. La celebración pronto se asoció a San Antonio Abad (protector de las bestias útiles al hombre).motivo por el que las imágenes de este Santo, siempre van acompañadas por este animal.

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Fiesta de San Antón, los animales aguardando para que los bendigan.

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Desde por la mañana, después de las misas programadas, el sacerdote bendice en la calle a los animales, que han estado haciendo rigurosa cola con sus orgullosos amos.

Bendiciendo a una mascota felina

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Los panecillos de San Antón

Que forman parte de la repostería santoral de las celebraciones madrileñas, en este caso en una de las primeras fiestas del año: San Antón.
LA ROMERÍA DE SAN BLAS
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Observatorio Astronómico.
La ermita de San Blas fue un templo con dedicación a San Blas ubicado en Atocha (Madrid). La ermita fue inaugurada el 3 de abril de 1588 por el arzobispo de Toledo, don Gaspar de Quiroga en los extremos de los Jardines del Buen Retiro. La romería que se celebraba el 3 de febrero era muy popular en el siglo XVI, siendo junto las vueltas de San Antón una de las primeras en ser celebradas al año. Se denominaba verbena de San Blas
En la actualidad en el Cerrillo de San Blas, esta el Observatorio Astronómico.

La ermita de San Blas en el cerrillo del Retiro
La verbena de San Blas que se celebraba el 3 de febrero con romería a la ermita de San Blas.

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Procesión de San Blas bajando hacia el Cerrillo por la calle Atocha.

La romería al santo se celebraba a comienzos de febrero y era anterior justamente al carnaval. Una de las misiones era que el santo les protegiese de las enfermedades de garganta, de las que el santo era considerado popularmente como su protector

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Esta tradición se mantuvo hasta que se comenzó a popularizar las fiestas de Santiago el Verde en los sotos del Manzanares.

En la actualidad se ha vuelto a rescatar y los romeros van al cerrillo con sus meriendas.a celebrarla
LOS CARNAVALES

Son una celebración que tiene lugar inmediatamente antes del inicio de la Cuaresma cristiana, que se inicia a su vez con el Miércoles de Ceniza, que tiene fecha variable (entre febrero y marzo según el año). El carnaval combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. un período de permisividad y cierto descontrol.

“Carnaval en el barrio de Tetuán” de José Gutierrez Solana
En uno de sus paseos por el barrio, Solana describe minuciosamente cada disfraz que va encontrando: “Se ven en Tetuán muchos mascarones vestidos de mujer (…), a algunos se les ve el bigote a través de las rotas caretas”; hay otro “vestido de moro, con una toalla arrollada a la cabeza y la cara tiznada de corcho quemado”, y pasa también “un hombre jovial, con un levitón, un orinal y una escoba entre las piernas, como si fuera montado en un caballo”.

En sus inicios, probablemente con un cierto sentido del pudor propio de la religión, el Carnaval era un desfile en que los participantes vestían disfraces y usaban máscaras.
Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia) y las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales).

EL ENTIERRO DE LA SARDINA
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El Entierro de la Sardina por Francisco de Goya

Refleja una tradición carnavalesca que celebra el último día de estas fiestas. Es el final del periodo de mundo al revés que supone el carnaval, con su transgresión de los valores vigentes, su interés por los instintos primarios, el protagonismo del pueblo llano frente a las instituciones y el predominio del caos frente al orden.
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La Alegre Cofradía del Entierro de la Sardina dirigiendose hasta la Fuente de los Pajaritos de la Casa de Campo para quemar los malos actos y pensamientos en una gran fogata.

Se dice que en época de Carlos III, un cargamento de sardinas, que no tuvo salida, hubo que enterrarlas por su putrefacción, coincidiendo que era un miércoles de ceniza. De ahí surgió el ritual que nos acompaña hasta la fecha.
LAS MAYAS
Alegoría del mes de mayo
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Es una festividad que se celebra uno de los primeros domingos del mes de mayo principalmente en el barrio de Lavapiés (Madrid), en la plaza de su nombre y en las calles aledañas del Barrio y de Salitre, en torno a la iglesia de San Lorenzo
El origen de la fiesta puede remontarse a épocas del imperio romano, que recrea a Maya (en griego Μαία) que es la mayor de las siete pléyades (hijas de Atlas)
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Era costumbre antigua que a la llegada del mes de las flores se plantase en las plazas el 1º de mayo un árbol frondoso, que solía ser un álamo, y se lo adornara con cintas, flores y colgaduras de colores vivos.
Debajo de él se sentaba a la joven más bella, y alrededor bailaban mozas y mozos, con tal bullicio y frenesí que llegó a prohibirse y recibir la censura de la iglesia.
Con el tiempo aquella vieja costumbre derivó en las Mayas, que era la soltera más hermosa del barrio, elegida de común acuerdo, y cuya casa por la noche era engalanada en puerta y ventanas con flores recién cortadas.

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Joven engalanada de Reina Maya
Este día, y por la mañana, cada casa del barrio adorna y engalana a una vecina joven que, con mantos de seda y de flores, se exhibe en el portal con el objeto de ser elegida: “reina maya”. Las mujeres se colocan en altares y capillas floridos, vestidas con los mejores trajes y rodeadas de ofrendas
FIESTA DE SANTIAGO EL VERDE

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(En algunas ocasiones denominado también día del sotillo) es una celebración realizada en Madrid el día uno de mayo. Se denomina así por ser romería que se realizaba con dirección a la Ermita de San Felipe y Santiago (conocida popularmente como Ermita de Santiago el Verde) que se encontraba ubicada en una de las pequeñas islas del río Manzanares

La florista de Goya representa a una muchacha que estaría en la romería que fue muy popular en el Madrid del XVI y XVII, decayendo su afluencia en el XVIII. El dramaturgo Lope de Vega popularizó la romería y sus costumbres en unas de sus obras

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Puente de Segovia: donde la gente se reunia en el llamado “Bajar al sotillo”:
Era costumbre mencionar entre los madrileños del siglo XVI la frase “bajar al sotillo” para indicar la asistencia a la romería que el primer día se mayo se ralizaba a las alamedas y sotos de la ribera del rio Manzanares (en la actualidad Madrid Río)
La romería de Santiago el Verde cayó poco a poco en el olvido durante el siglo XVIII, cediendo protagonismo a la Fiesta de San Isidro celebrada el 15 de mayo, en la pradera del mismo nombre.

LAS FIESTAS DE SAN ISIDRO

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Son unas fiestas anuales celebradas en Madrid a mediados del mes de mayo Tradicionalmente se suelen instalar en el barrio de San Isidro en Carabanchel. Se celebran durante un periodo de varios días en torno al 15 de mayo.

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Imágenes de San Isidro y su esposa Santa María de la Cabeza en la fachada de la Colegiata de San Isidro en la calle Toledo de Madrid

San Isidro nació en Madrid, es de suponer que fuese el 4 de abril de 1082. Según era mencionado en su época San Isidro poseía el don de serle fácil encontrar agua (zahorí). Algunos de los manantiales fueron marcados posteriormente como lugares mágicos, incluso algunos de ellos fue entendido como lugar de milagro.

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La celebración de esta festividad tiene lugar en la Pradera de San Isidro y en las calles aledañas. Existen cuadros de Francisco de Goya representando la popularidad de esta fiesta a finales del siglo XVIII.

La pradera de San Isidro, José del Castillo

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Madrileños almorzando en la pradera durante las Fiestas de San Isidro.

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Las vendedoras de rosquillas

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Surtido de las rosquillas de San Isidro. En orden de izquierda a derecha: listas, tontas, francesas y de Santa Clara.

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Fuente de San Isidro
Es costumbre ir en romería el 15 de mayo a beber el “agua del santo” que brota en un manantial anexo a la Ermita de San Isidro y que se considera milagrosa.

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Esta celebración se mezcla con la costumbre de merendar en las praderas de San Isidro si el tiempo lo permite.

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Un plato muy madrileño que nunca falta en las verbenas: Los entresijos y las gallinejas realizados con tripas y otras partes de casquería del cordero.
Los “gallinejeros-as” las preparan fritas en grandes sartenes.

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Los “Pitos” de San Isidro son silbatos de barro que se llenan con un poco de agua para que suenen.

VERBENA DE SAN ANTONIO DE LA FLORIDA

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Ermita de San Antonio de la Florida
La verbena es una festividad popular celebrada anualmente cada 13 de junio en honor a San Antonio en la ciudad de Madrid. El lugar de congregación de la romería por el paseo de la Florida hacia la ermita de San Antonio de la Florida.

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Milagro de San Antonio en los frescos del interior de la ermita.

En su interior Francisco de Goya pintó unos frescos sobre este edificio en los que representó uno de los milagros más famosos del santo. Cabe destacar la representación de los hombres y mujeres ataviados de majos, chisperos y chulapos.

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La ermita de Sabatini fue desmontada en el año 1792 durante el reinado de Carlos IV con motivo de una nueva remodelación urbanística de la zona
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Verbena de San Antonio de la Florida, dibujada por Francisco Pradilla y publicada en las páginas de La Ilustración Española y Americana el 16 de junio de 1873

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Según la tradición popular la fiesta nace con la costumbre de unas modistillas madrileñas del siglo XIX que vertían trece alfileres en agua bendita de la pila bautismal de la ermita, simulando el acto de las arras matrimoniales. El objeto de esta tradición popular es la de invocar a San Antonio como casamentero (procurador de novios)

Ritual de introducir la mano en la pila llena de alfileres: a mas alfileres adheridos…mas novios!

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Casa Mingo sidrería del Paseo de la Florida.
Parada obligatoria tras visitar la Ermita.
La verbena tambien se llenaba en sus días de diferentes vendedores callejeros: aguajoleros, buñoleros, barquilleros, reposteros, avellaneros, naranjeros, etc. En periodos más cercanos al siglo XXI se incluyeron puestos que ofrecían especialidades típicas de la cocina madrileña.

FIESTAS DE SAN CAYETANO

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Iglesia de San Cayetano
Se celebra el 7 de agosto (fecha del fallecimiento de San Cayetano en Nápoles), pero suele haber celebraciones parciales en los días cercanos, a lo largo de las calles del barrio. Una de las más populares es el engalanamiento de calles y balcones periféricos a la Iglesia.

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San Cayetano en la portada de su iglesia.

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Estas celebraciones forman parte del Madrid más castizo. Durante la primera quincena de agosto las calles que rodean el barrio de Lavapiés y La Latina entorno a las iglesias de San Cayetano y San Lorenzo así como desde la plaza de la Paja y calle Toledo hasta la plaza de las Vistillas se engalanan para conquistar a los viandantes con sus sabores y sonidos típicos.
FIESTAS DE SAN LORENZO

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Iglesia de San Lorenzo
La celebración de las Fiestas de San Lorenzo, desde finales del siglo XX se encadenan y solapan con las de Cayetano (7 de agosto) y las de la Paloma (15 de Agosto)

Las Fiestas de San Lorenzo son la celebración más popular y antigua del barrio de Lavapiés (Madrid) y se celebran cada 10 de agosto en honor a San Lorenzo, dentro de una ‘trilogía’ que completan las Fiestas de la Paloma y las Fiestas de San Cayetano. Desde finales del siglo XX se instala una verbena en la plaza de Lavapiés y las calles vecinas con castizos concursos de trajes y de bailes como el chotis.
LA VERBENA DE LA PALOMA

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Es una celebración veraniega localizada en su origen en el antiguo barrio de Calatrava, en las inmediaciones de la calle de Toledo y la plaza de la Cebada, administrativamente barrio de La Latina del distrito centro. Se celebran en honor a la virgen de la Paloma, en torno al 15 de agosto
La vertiente religiosa de las fiestas queda representada por la procesión que sale de Iglesia de la Paloma, junto a la Puerta de Toledo, después de que un representante del cuerpo de bomberos de la ciudad haya tenido el honor de bajar el cuadro de su retablo

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La Virgen de la Paloma en su trono procesional
Ha quedado documentación de la solicitud al ayuntamiento por Isabel Tintero, una vecina del barrio que vivía en la calle de la Paloma, para exponer la imagen en el portal de su casa durante algún tiempo. La popularidad del icono fue creciendo y atrayendo a vecinos y paseantes del barrio. Al parecer, esa popularidad hizo que se le mudara el nombre a la imagen que pasó de Virgen de la Soledad a Virgen de la Paloma (por la calle en la que se exhibía

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El recorrido suele mostrar balcones engalanados con mantones, imágenes de la virgen en diferentes fachadas. Algunos de los asistentes suelen vestirse con trajes de diferentes épocas, imitando en ocasiones la indumentaria tradicional de manolos, chisperos y goyescos

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La popularidad de esta verbena en el último cuarto del siglo XIX, dio lugar a una zarzuela, La verbena de la Paloma de Ricardo de la Vega y el maestro Tomás Bretón

ROMERÍA DE LA VIRGEN DEL PUERTO (LA MELONERA)

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La Ermita de la Virgen del Puerto
Está situada en el paseo de la Virgen del Puerto (antiguo Paseo Nuevo de la Corte), en las inmediaciones del Palacio Real. Es obra de Pedro de Ribera, fue construida entre 1716 y 1718

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Durante siglos fue el destino de la romería madrileña en adoración de la imagen de la virgen del Puerto que hay en su interior, costumbre que dio lugar a la verbena de la Melonera

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Baile en la Virgen del Puerto, del pintor barroco Manuel Rodríguez de Guzmán, describe la romería a la Virgen del Puerto. Este cuadro se encuentra en el Museo Romántico de Madrid. En el siglo XIX la romería se transformó en verbena. A mediados y comienzos del siglo XIX las verbenas se celebraron en las praderas de las Vistillas

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La Ermita de la Virgen del Puerto en las Fiestas de la Melonera.
El 8 de septiembre se acostumbraba acudir a la misa celebrada en la ermita y posteriormente se sacaba adornada en flores, y en procesión, una imagen muy venerada de la Virgen del Puerto.

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La denominación popular de la melonera se debe a la existencia de puestos de venta callejeros de melones y sandías cercanos al río, sobre todo al puente de Segovia (uno de los principales puntos de acceso a la capital), a mediados de septiembre.

ROMERIA DE SAN EUGENIO (LA BELLOTERA)
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San Eugenio Copia anónima de el Greco
La Romería de San Eugenio (denominada también como romería de la Bellota) es una celebración festiva en Madrid cada 15 de noviembre. El centro es la ermita de El Cristo de El Pardo (ubicado en las cercanías del actual convento del Cristo).
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La tradición romera nace de el día que se dio permiso real para recolectar bellotas de las numerosas encinas existentes en los alrededores del Real Sitio del Pardo.

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Esta costumbre dio lugar a la romería, que tiene sus orígenes a mediados del siglo XVII. Es la última romería madrileña campestre del año (la primera es la de San Blas).

FUENTES:
Bibliografía:
“Curiosidades y anécdotas de Madrid”, Isabel Gea.Ediciones La Librería
“El Madrid romero y devoto” Francisco Azorín Edic. La Librería 2006

Museo del Traje (Madrid)

El Museo del Traje es un museo español, ubicado en la Ciudad Universitaria de Madrid. Su objetivo básico es promover el conocimiento de la evolución histórica de la indumentaria.
El germen de este Museo fue la exposición que se celebró en Madrid en 1925, siendo
su director técnico Luis de Hoyos Sainz y para su ambientación se contó con el trabajo de varios artistas como Daniel Vázquez Díaz, Mariano Benlliure, Fernando Álvarez de Sotomayor, José Planes, Manuel Benedito y Mariano Fortuny y Madrazo
Una vez finalizada la exposición, los materiales recibidos en donación se trasladaron al palacio de exposiciones situado en los Altos del Hipódromo, donde actualmente se encuentra el Museo Nacional de Ciencias Naturales.
En 1928 tuvo que abandonar el Hipódromo, instalándose en el antiguo Hospicio, donde también se ubicaba el Museo Municipal de Madrid, y en 1930 se trasladó al Palacio del Marqués de Grimaldi.
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En la actualidad los terrenos en los que se erige el edificio fueron cedidos en 1967 por la Universidad Complutense de Madrid al Ministerio de Cultura y se encuentran en la Avenida de Juan de Herrera nº 3 en la Ciudad Universitaria
En el Museo se exponen indumentaria histórica (pocas piezas), moderna con la aportación de grandes modistos, joyeria y orfebreria y trajes tradicionales españoles que son los que voy a presentar y que son los mas interesantes, ya que forman parte de nuestra cultura y costumbres.

Traje de Vistas (La Alberca, Salamanca)
El traje carece de una iconografia directa, hasta comienzos del S.XX que nos permita reconstruir su historia y orígenes, pero piezas de indumentaria y organización de joyas parecidas aparecen en modelos de mujeres maragatas y charras desde mediados del S. XVIII.
Por el tipo de silueta que hace el traje de vistas, con su forma de reloj de arena que recuerda a la silueta que generaban los trajes denominados a la española en los siglos XVI y XVII y que han quedado en la indumentaria de las imágenes de la virgenes vestideras.

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Traje de Vistas de La Alberca (Salamanca)

Camisa con las mangas bordadas en negro, al igual que los puños que además están rematados en ganchillo del mismo color. Sobre ella, jubón que se ajusta al cuerpo con un cordón atadero. En la parte inferior lleva un manteo sin decoración, sobre el que se pone otro de paño morado, rematado con cuatro falsos bajos de varios colores, y decorado con tiras de terciopelo negro y cinta rosa sobre la que se aplica un encaje metálico. Encima, un mandil decorado de la misma forma, encuadra la joyería. La cabeza se adorna con una toca de algodón con cintas de colores. El traje de vistas de La Alberca es el que se adorna con mayor cantidad de joyería. Se utiliza sólo para las grandes ocasiones. Actualmente los pocos ejemplares que se conservan se pueden contemplar en los días 15 y 16 de agosto, denominado “Diagosto”, en los que se celebra la Virgen de la Asunción. El traje realza la joyería, con este fin se decora el bernio o mandil con vuelta que enmarca la caída de los grandes collares. El conjunto esta cargado de elementos simbólicos y protectores, no sólo en la joyería, sino en la ropa y en su disposición.

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Peliqueiro de Laza (Orense)

Camisa blanca, chaquetilla con aplicaciones de terciopelo granate, pasamanería y charreteras militares, calzón decorado con flecos de colores intercalados entre tiras de ganchillo, cinturón con dos grandes cencerros, y máscara de madera con una piel de gato en la parte posterior y un frontal de hojalata pintada.En Laza, los carnavales rurales españoles están cargados de simbolismo y llenos de personajes singulares. Los peliqueiros o cigarrones forman parte del grupo de las mascaras fustigadoras, personajes que protagonizan la fiesta y tienen el privilegio, entre otros, de perseguir y golpear con la “pellica” o látigo a la gente sin que ésta pueda replicar.

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Traje del Ramo Lagartera (Toledo)

El traje lagarterano es muy antiguo y de ello da testimonio  la riqueza de vocabulario que se utiliza para hacer referencia a sus prendas: “ruedo”, “vistas”, “cuendas”, ”crucetas”, ”andilgue”, “senojil”, “alforda”, “jugón” y la “Gorguera” que es una pieza rectangular con una abertura circular en el centro que se prolonga verticalmente por la pechera. Es una especie de cobertor con gran profusión de bordados,  normalmente en negro,un largo etcétera que, en muchos casos proceden de la época medieval.  Fuera de la iglesia, se sustituyen las piezas del ritual: la basquiña, el pañuelo y la mantilla, por los aderezos de fiesta. Vuelve a quedar a la vista el guardapiés azul y se coloca sobre el justillo el jubón negro con las cintas de espalda. Se descosen las cintas de la basquiña negra y se colocan sobre la azul. En la cabeza, las cintas del moño y la espumilla. Los zapatos  son “entrepetaos” con galón en la puntera, cintas y hebilla de plata.El conjunto se completa con el resto de la joyería y en el pecho, un ramo de flores artificiales da nombre al conjunto.

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“Tipos lagarteranos” Joaquín Sorolla. Museo Sorolla

Se puede observar todos los aditamentos, anteriormente descritos.

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Traje de la Vega de Almería
Jubón de terciopelo negro con mantoncillo de seda decorado con bordados de colores, falda de lana azul tableada y decorada con cintas aplicadas de seda azul y lazos en dos hileras en el delantero y mandil decorado con encaje blanco.Traje de fiesta de una mujer joven que recurre a todas las posibilidades de enriquecer un traje, por un lado los géneros son de calidad, dentro de las posibilidades de la propietaria, terciopelo y seda y por otro decora con el fruto del trabajo de su propietaria, los numerosos plisados de la falda, las cintas de coloniales con las que se adorna, el mandil blanco y la rica puntilla que lo decora y como remate el mantoncillo de Manila, prenda que desde mediados del s XIX pasa a ser el símbolo de la fiesta en la indumentaria femenina española.10 navarra

Danzante de Valcarlos (Navarra)

Conjunto de camisa y pantalón de algodón, decorado con pasamanerías doradas, bisutería, cintas rojas y amarillas y cascabeles. En la espalda, un conjunto de cintas que llegan hasta las rodillas, en la cabeza una boina y en los pies, alpargatas de esparto con cinta roja y cascabeles. En Valcarlos se les llama volantes. Este traje se encuentra en un estado evolutivo muy avanzado. Aunque se mantiene el color blanco propio de los danzantes y la simbología de la decoración, el conjunto está formado por piezas modernas, como el pantalón largo, la camisa y la boina. En algunas ocasiones utiliza la casca, gorro troncocónico similar a las mitras que los danzantes llevan habitualmente
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Mujer segoviana

Camisa bordada en negro en la pechera y en los puños, jubona de paño rojo con faldeta decorada con pasamanería plateada, saya también de paño pero más grueso decorada con tiras de terciopelo negro, mandil de terciopelo picado encañonado en la cintura y pañuelo de gasa blanca sobre el que pone la montera. Segovia conserva piezas que perviven desde el s. XVII, como la jubona, y otras como la camisa que por sus motivos decorativos recuerdan a los bordados mudéjares. Aunque actualmente conforma el arquetipo de Águeda de Zamarramala, fue un traje de fiesta muy difundido en el centro de la Península.
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Coroza (Galicia)
Conjunto realizado en junco, compuesto por la caparucha (capa con capucha), bajo la cual se pone la coroza, que está confeccionada en tres partes, la exterior a modo de capote que cubre los hombros y llega hasta la cintura, y dos interiores que comienzan desde los hombros a modo de tirantes y que llegan hasta los pies. En la parte inferior de las piernas se ponen las polainas y para los pies unas botas de cuero con suela de madera. Es una prenda que sirve para protegerse de la lluvia. Las fibras exteriores se dejan libres, sin tejer, para aumentar dicha protección. Para su confección el junco ha de ser previamente majado.
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Traje de pastor extremeño
Camisa sobre la que se pone, un peto de cuero decorado con bordados hechos de lana y una chaqueta de paño que se refuerza y decora con aplicaciones de estezado. En las piernas, calzón de paño negro y faja, que quedan tapados por los zajones, confeccionados con cuero y piel con pelo. Sobre todo el conjunto el peto adornado con un picado en el delantero y con dos cintas en los extremos del delantero para adaptar éste al tamaño del cuerpo. Los oficios desarrollados al aire libre necesitan una indumentaria especial. Se emplean materiales que protegen de las durezas del clima, y se usan diseños funcionales adaptados a la necesidad del trabajo, como es el caso del peto, con bolsillos delanteros para guardar aperos de trabajo y del zajón que sirve de mandil para manipular el ganado y para proteger el calzón.
07 valencia
Mujer de Valencia

Camisa con manga rematada con encaje, justillo, armado con ballenas, con dos pequeñas aberturas en pecho para dar de mamar al niño y falda de seda sobre enagua de lino confeccionada con numerosas lorzas para darle mayor cuerpo. Su referente histórico es la moda culta del s. XVIII. Destaca la riqueza de las telas con las que están confeccionadas las piezas y la pervivencia del jubón, que es similar a las cotillas que armaban los cuerpos de esa época.
Medias: de tejidos como seda o algodón y con bordados y los zapatos: normalmente forrados con la misma tela del traje. Además hay una “joya”, que se coloca en la parte superior del corpiño junto al escote, el collar y las agujas que se clavan en el moño trasero y sirven de sujeción de éste  y de los rodetes.
02 ibizaPayesa ibicenca ( Ibiza )

Camisa de algodón bordada, basquiña de paño negro encañonada sobre su vuelo, cerrando al pecho con cordón y con tirantes que ajustan con cintas ataderas, mandil muy decorado en la parte superior, manguitos y un sombrero de ala muy amplia decorado con flores.El conjunto tiene su precedente histórico en el s. XV, en concreto este tipo de basquiña de cintura alta fue muy popular entre las criadas de ese periodo
14 murciaHuertano murciano

Camisa con gran cuello que cierra con cintas. Sobre ésta el chaleco, con los delanteros de terciopelo. En la cintura una faja y para las piernas unos zaragüelles, calzones con perneras de gran vuelo que llegan a la rodilla. En la cabeza llevaría la montera, de terciopelo negro. Los tejidos utilizados y el corte, indican su uso en zonas de clima cálido como son Levante y Andalucía oriental. Eran prendas habituales entre huertanos o labradores y con ellas se les identificaba como horchateros y naranjeros en los mercados españoles Es creencia extendida que los zaragüelles tienen un origen árabe, pero probablemente sean una variante de calzoncillos de amplio vuelo, encontrándose modelos similares en otras regiones.

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Traje de campesino
Camisa de algodón blanca muy decorada con bordados del mismo color y lorzas, faja en tafetán de lana roja y chaleco, chaquetilla y calzón en pana de algodón marrón, decorados en los cuellos, solapas, puños y aberturas de las perneras con, pespuntes, bordados, botones con el centro de seda roja y con festón amarillo en los ojales. Gerona Este traje es la adaptación al gusto y a los recursos de las clases populares de la indumentaria culta de finales del s XVIII. Es similar a un traje masculino a la inglesa, pero sin los faldones del frac, y adaptado al gusto popular español con una generosa decoración de bordado en las pecheras, las solapas y cierres de las perneras, que abrochan con machos, y con la adición de una rica botonadura metálica en la chaquetilla y en el chaleco. Este traje esta a mitad de camino entre el traje a la inglesa y el traje bolero.04 granada

Hombre de Granada
Chaqueta y chaleco de terciopelo azul decorado con cordoncillo negro y botones de filigrana, calzón de punto con aberturas laterales que cierran con botones y para ajustarlos a la rodilla cordoncillo rematado con borlas. Destaca el color rosa de la faja. El conjunto representa al estereotipo de lo español en la primera mitad del s. XIX, encarnado, de forma escénica, en la escuela bolera. Puede verse también, en éste, a un antepasado del actual traje de luces, tanto por la decoración como por lo ajustado del calzón. La chaqueta corta, ceñida, muy decorada y sin botones, se denomina marsellés.
06 maragatoHombre maragato (León)

Camisa de algodón, chaleco de paño rojo bordado a colores, faja roja y sobre estas piezas, sayuelo de paño negro que cierra con cordoncillo pasado por ojetes, calzones de gran vuelo ceñidos en las rodillas quedando así abombados, y tabaquera, cinturón de cuero bordado, que lleva bolsillos para guardar los útiles para fumar.
Bordado en la tabaqueraERES DUEÑO DE MI AMOR. Los precedentes de alguna de las piezas que componen este traje se podrían remontar al s. XVI; de este momento es la pervivencia del cordón atadero para cerrar el sayuelo y el tipo de calzón de amplio vuelo utilizado por los militares europeos en este momento histórico. Este traje durante varios siglos fue el uniforme que identifico a los arrieros maragatos.

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Traje de novia de Fraga (Huesca)

Mantón de seda color crudo, con flecos del mismo material, decorado con figuras orientales y flores bordadas, y saya con ligamento de faya francesa de seda con decoración espolinada floral polícroma. Es el traje vestido por las novias fragatinas después de la ceremonia, acompañado para enriquecerlo con joyas y lazos. Las grandes dimensiones y la riqueza del mantón crean un vestido con una falda realizada en una rica tela siguiendo modelos decorativos del s XVIII.
11 alistaCapa del Aliste (Zamora)

Capa de paño pardo muy pesada compuesta por la capa, de gran vuelo, la esclavina, el capillo con amplia vuelta, y la chiva, pieza que cuelga por la espalda del borde del capillo. Se adorna con grecas aplicadas de paño negro recortado y picado. Utilizada tanto por los pastores para trabajar, como en ceremonias, de boda o de luto
Tipos de Salamanca por Joaquín Sorolla
15 mallorcaTraje de payés (Mallorca)

Camisa de lino decorada con bordados en el mismo color, chaleco con el delantero en brocatel azul y amarillo, calzón bombacho a rayas de colores en algodón, faja verde en sarga de algodón y alpargatas de esparto que atan con cinta de algodón negra. Las islas son territorios que por su aislamiento facilitan la pervivencia de tradiciones e indumentaria. Este traje estuvo muy ampliamente difundido entre los campesinos mallorquines hasta comienzos del s. XX. Con las adiciones de prendas del momento mantuvo como pieza emblemática los largos calzones de amplio vuelo, similares a los maragatos, muy populares en el s XVI.
13 ama pasiegaTraje de Ama Pasiega (Cantabria)

Camisa con cuello y puños rematados con puntilla de ganchillo. La chaqueta, el mandil y la saya son de paño y terciopelo morado. La chaqueta se une al peto del mandil con botones, dejando ver parte de la camisa. La saya y el mandil están decoradas con tiras de terciopelo negro y pasamanería dorada y la parte trasera de la chaqueta con un gran lazo.Este conjunto, pese a ser rico no es de uso festivo, sino un uniforme de trabajo, utilizado por las amas se cría de Santander.
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Traje de Maga de La Palma (Canarias)
Camisa de lino bordada, justillo con el delantero brocado que ajusta con cordoncillo, enagua de lino decorada con bordados negros de lana, falda de paño negro con el bajo ribeteado en rojo,toca de lino con forma rectangular y montera de paño negro ribeteada con vivo blanco. Uno de los factores que más marca a un traje es la climatología de la zona donde se va a utilizar. Este traje de uso diario esta adaptado al particular clima de las islas. Confeccionado con géneros ligeros que permiten aliviar el intenso calor, también abriga por las mañanas mediante la superposición de sayas y enaguas. Lleva una amplia toca sujeta por la montera que protege la cabeza y el rostro del sol y del efecto del fuerte viento de las islas.
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Mujer de Ansó (Huesca)
Camisa con amplio cuello plisado, basquiña de talle alto de paño verde plisada y con tirantes, manguitos unidos entre si con cintas llamadas cuerdas sujetas a la espalda de la basquiña, escarapela en el pecho con la imagen del Sagrado corazón y mantilla de paño fino blanco decorada con cinta adamascada y borla (cotufa) que cuelga en el centro de la parte frontal y que le da nombre a la pieza. Perviven piezas utilizadas ya en el siglo XV como la basquiña y el peinado llamado churros, similar al trenzado, usado por las mujeres de la época, conservando incluso la denominación de la cinta que lo recoge “trenzadera”. Además se incorporan del s. XVII el cuello de la camisa, similar a los cuellos de lechuguilla españoles del momento.
Tipos del Valle de Ansó de Joaquín Sorolla
Tipos del Roncal por Joaquín Sorolla

Los lienzos de la Hispanic Society of America

En 1911 The Hispanic Society of America encargó a Joaquín Sorolla pintar Visión de España, una obra colosal que ocupó los últimos años de su vida activa. Son 14 lienzos de gran formato en los que están reflejados la vida y tradiciones rurales de once regiones de España.
Según la experta en Sorolla, Blanca Pons-Sorolla, el artista, con el objetivo de adquirir una “mayor visión real in situ de la gente y los variados paisajes”, viajó por España pintando evocadoras instantáneas de las provincias, después de haber llevado a cabo meticulosos estudios de los trajes regionales, buscando los “trajes y joyas más auténticos, que en algún caso fueron incluso adquiridos por el propio artista”.
De dichos oleos os he puesto algunos ejemplos que se encuentran en el Museo de Sorolla de Madrid

La moda del S.XVIII

Durante el siglo XVIII, la todopoderosa Corte de Versalles marcó la pauta con respecto a la manera de vestir en toda Europa. Hacia 1707 la implantación de la nueva moda en España era un hecho. El vestido de la mujer podía ser entero o constar básicamente de dos piezas: casaca y basquiña. La primera era una chaqueta entallada que llegaba hasta las caderas, por cuyas mangas asomaban los encajes de la camisa; bajo la casaca se usaba el “monillo”, un cuerpo sin mangas. El “petillo” era una pieza de adorno rígida y en forma de triángulo que se cosía delante del pecho. El escote, que era pronunciado, podía ir cubierto por una especie de pañuelo llamado bobillo que solía ser de seda.

La basquiña o saya era la falda y habitualmente se confeccionaba a juego con la casaca. El guardapiés o tapapiés era una falda larga, por cuyo nombre sabemos su función. En España estaba muy mal visto que los pies de las mujeres quedaran al descubierto, se entendía como algo pecaminoso. Sin duda, esta era la pieza más costosa ya que para su confección se destinaban los materiales y adornos más lujosos como seda, raso, encajes o guarniciones de plata entre otros. A partir de mediados del siglo XVIII las faldas subieron un poco por lo que los pies ya quedaron a la vista

Algunos ejemplos:

Traje de corte en Inglaterra 1775-1780
Victoria & Albert Museum (Londres)

Traje de boda 1775 En el traje femenino se dio el «estilo Watteau», con faldas muy voluminosas sobre crinolina, con grandes drapeados en forma de pliegues y cola hasta el suelo.

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La Reina María Antonieta en traje de corte 1778 por Elisabeth Vigée-Lebrun

 En este vestido, también se ve la tendencia a los enormes drapeados

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La Reina María Luisa de Parma de España pintada por Goya.

    En este vestido, para ahuecar la falda se usaba una especie de miriñaque, llamado “tontillo” en España, este era un artefacto que comenzaba en las caderas, formado por cinco hileras de aros de caña o acero unidos entre sí por cuerdas. Esta pieza pasó de ser redondeada a tener forma mas bien rectangular como podemos apreciar en el retrato de la reina María Luisa de Parma, adoptando así la tendencia francesa llamada vestido “a paniers” (según la aclaración realizada por Beatriz Guerrero).
Como resultado cada dama ocupaba mucho espacio lo que incluso provocó la transformación de los asientos, retranqueando los brazos para su mejor acomodo. En ocasiones las faldas eran tan anchas que solo podían cruzar las puertas o espacios estrechos de una en una.

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Traje de boda 1775

  En el traje femenino se dio el «estilo Watteau», con faldas muy voluminosas sobre crinolina, con grandes drapeados en forma de pliegues y cola hasta el suelo.

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Vestido a la francesa de 1766
Victoria & Albert Museum (Londres)
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Traje de la boda de la Reina Sofía Magdalena de Dinamarca 1766 con Gustavo III de Suecia

El impresionante vestido de la novia estaba hecho siguiendo la última moda de Francia. Era un modelo heredero de los trajes de corte españoles del siglo XVII, y se introdujo como traje de ceremonia en Francia en tiempos de Luis XIV. Se usó en todas las cortes europeas hasta la Revolución Francesa.

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Vestido de la época de George III de Inglaterra 1770

La cotilla y el tontillo daban lugar a una silueta muy peculiar de la época de la moda barroca y la de transición al Neoclásico.

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Vestido del S.XVIII con exagerado tontillo

Esta prenda interior recibe este nombre porque según se decía servía para ocultar el embarazo, sobre todo en su primitiva forma redonda, aunque equivocadamente se siguió llamando guardainfante, a pesar de que este aplanaba el vientre. Esta moda estaba destinada a la nobleza y a las damas de la Corte…cuanto más importante era la dama, más grande era el tamaño de su guardainfante en los actos de la Corte. El guardainfante se conocía también como caderilla.

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Catalina II la Grande de Rusia

Importante personaje de la época, que fue emperatriz de Rusia durante 34 años, desde el 28 de junio de 1762 hasta su muerte, a sus 67 años

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Delantal inglés primera mitad S.XVIII

Ademas de los vestidos, el delantal, era otro elemento cotidiano que no sólo se utilizaba para las labores caseras, sino que formaba parte del atuendo tal y como puede verse reflejado en las pinturas de la época. Las damas los lucían de telas livianas como seda o muselina, a veces guarnecidos de encajes.

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Basquiña de seda negra

La basquiña la define el Diccionario de Autoridades como una saya larga que acompañaba a la casaca femenina. Pero el Diccionario de 1791 añade: “Pónese encima de toda la demás ropa y sirve comúnmente para salir a la calle.”

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Francisco de Goya, Doña Narcisa Baranana de Goicoechea

Asi, a finales del siglo XVIII, la española comenzó a “uniformarse” para salir a la calle, usando una basquiña negra y larga sobre el resto de la ropa, que una vez llegaban a casa se quitaba. Esta prenda era algo consustancial a todas las clases sociales, cada mujer tenía al menos una; por lo que en los paseos de las ciudades se apreciaba cierto parecido en el vestir ya que todas usaban basquiña negra y mantilla.

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Capotillo de finales del S.XVIII

Para abrigarse se cubrían con mantos o capotillos, cuyos materiales variaban según la estación del año, siendo el más común el paño, pero también eran corrientes la llamada piel de liebre (mezcla de lana y pelo de cabra) y la de camello, incluso para la confección de vestidos. Los mantos iban desde la cabeza al ruedo de la falda y se ataban a la cintura con una cinta; Los más elegantes se confeccionaban con telas ligeras, el manto de “humo” era negro en señal de luto, el “de lustre” brillante y el “de soplillo” muy fino, de ahí su nombre

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Maria Teresa de Borbón y Villabriga, futura Condesa de Chinchón por Goya 1783
National Gallery. Washington

La bella niña que aquí observamos es la hija menor del infante don Luis y doña Maria Teresa de Vallabriga, también llamada Maria Teresa. Con unos dos años y medio luciendo una delicada mantilla de encaje blanco, prenda tambien muy usada en el S.XVIII.    

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La reina María Antonieta, esposa de Luis XVI

En cuanto a los colores, conforme avanzaba el siglo se iban suavizando tendiendo a tonos pastel en tonalidades como el rosa, el celeste o el amarillo. Este último le encantaba a María Antonieta.

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Maria Carolina de Llorena reina de Nápoles 1768- Antonio Rafael Mengs Museo del Prado Madrid

Princesa austriaca, y hermana de la reina de Francia María Antonieta. Fue conocida como Reina María Carolina al ser reina consorte y gobernante de facto de Nápoles desde 1768 hasta 1799 al casarse con Fernando I de las Dos Sicilias, hijo de Carlos III de España.

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La Reina Carlota esposa de George III de Inglaterra 1789
por Sir Thomas Lawrence.
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Las Princesas Charlotte, Augusta y Elizabeth hijas de los anteriores Reyes
pintadas por Gainsbourgh.

Las tres van vestidas con colores pastel y peinadas al gusto de la época.

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En este oleo, queda reflejada la moda infantil en las clases nobles, que como apreciareis eran fotocopias reducidas de sus mayores.  

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Aqui se aprecia las diferencias, en tres países, de la parte posterior de los vestidos femeninos

 

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Vestido a la francesa de 1770-79

Muy caracteristicas las bandas que, a manera de cola, pendian de los hombros.

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Vestidos a la Francesa

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Casaca


En España era muy común el traje femenino compuesto por dos piezas: casaca y basquiña. La casaca se inspiraba en la masculina, era entallada y ceñida a la cintura. Su escote despejado y las mangas llegaban por debajo del codo

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Casaca siglo XVIII Museo del Traje de Madrid

Estaba entallado al torso y con gran escote de formas variadas en el delantero. Las mangas eran estrechas y largas con forma en el codo. La espalda acaba en una pequeña cola. Fue conocido en España con este nombre en el siglo XVIII y en Francia con el nombre de “pirrot”.

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Casaca

Llega hasta la cadera, con corte en la cintura y pliegues en los lados. La manga tiene forma triangular. El tejido es de la época de 1730 – 1740. Se usaban en la primera mitad del siglo XVIII.

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Petillo bordado

A veces iba acompañada del llamado peto o petillo, una pieza rígida en forma de triángulo invertido que normalmente se confeccionaba con la misma tela que la casaca. El peto cerraba la casaca e iba cosido o cerrado mediante alfileres, por lo que una dama precisaba de ayuda para vestirse

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Petillo de 1730

Tambien llamado “Stomacher”, identifica a una pieza en forma triangular que cubría el frente de los vestidos femeninos de finales del siglo XVII y todo el XVIII. 
Denominado en español, “pieza de estómago” su función era esencialmente decorativa, aunque contribuía a brindar rigidez y generar el efecto de afinar y alargar la cintura.
Estaban bordados en sedas de colores e hilos metálicos que dibujan motivos florales decorado con un encaje de punto de España. Cerraban por delante los vestidos del siglo XVIII.

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Camisa y guardainfante

Las mujeres llevaban una camisa hasta las rodillas y pegada al cuerpo, encima las enaguas de cintura para abajo y debajo no llevaban nada… Camisas y enaguas raramente estaban adornadas con encajes, la muselina estaba más de moda para este menester

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Cotilla o corsé

Las mujeres ricas tenían todas cotilla, cuerpo interior armado de ballenas y con aletas en la cintura

 La Revolución Francesa de 1789 origina profundos cambios entre los que destaca la desaparición de cualquier elemento y símbolo vinculado a la monarquía y la antigua aristocracia. La nueva mentalidad burguesa impulsa la eliminación de las cotillas y corsés, proyectados como símbolos de opresión, a favor de una moda de inspiración rural en la que destaca el gusto por la moda de las clases populares. Destaca especialmente la adopción por parte de las mujeres burguesas del uso de un pequeño corsé colocado encima de la camisa siguiendo la moda de las doncellas.
Los pantalones íntimos, o como se llamaban en España, pololos aparecieron mas tarde ya en el S.XIX

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Bolso francés del S.XVIII

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Faldriquera

Sobre las enaguas se llevaban atadas a la cintura las faldriqueras, donde las mujeres guardaban sus cosas, y a las que se y a las que se accedía a través de unas aberturas practicadas en las faldas, no había bolsillos en esta época.

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Manguito de la época de Carlos III Museo del Traje (Madrid)

A veces los conjuntos se acompañaban de manguitos, es decir, casaca, basquiña, peto y manguitos a juego; lo que hoy las revistas de moda llaman el “total look”.

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Zapatos del S.XVIII

Se caracterizan por su elevado tacón, situados en la combadura del pie para dar una mayor estabilidad. Durante el siglo XVIII no había diferencia en la horma entre el pie derecho y el izquierdo. Además del vestido, en el siglo XVIII se dedicó especial atención entre las capas altas de la sociedad a los complementos y adornos
En las piernas usaban medias, de seda o de algodón, con calcetas de hilo debajo, sujetas por una liga por encima de la rodilla

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Zapatos 1730 Museo del Traje (Madrid)

Caballeros y damas usaban zapatos de tacón, el cual levantaba el talón y empujaba el pie hacia delante, siendo la punta estrecha, el empeine se cerraba por medio de una lengüeta con hebilla. Las personas adineradas usaban hebillas de plata u oro, a veces salpicadas de piedras semipreciosas.

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Zapato inglés de 1720

El calzado se fabricaba con telas o pieles como el becerrillo, el cordobán o la badana.

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Un complemento absolutamente imprescindible fué el abanico, que no solo servía para refrescarse, pues con el ademas, se mantenia un lenguaje peculiar y muy elocuente.
Abanico de la boda de Luis Fernando delfín de Francia y Mª Teresa Rafaela infanta de España, Era hija de Felipe V de España, Rey de España y de su segunda esposa, Isabel de Farnesio.(1726-1746)

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Abanico francés “El festín de Baltasar” hacia 1760 Varillaje de nácar Museo Lázaro Galdiano
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Abanico inglés “El baile” hacia 1760. Varillaje de marfil y país de piel Museo Lázaro Galdiano
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Abanico francés “El columpio” hacia 1755 Estilo Luis XVI Museo Lázaro Galdiano

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Abanico italiano “Jano la renovación del tiempo” Atribuido a Joan Werner 1730 Museo Lázaro Galdiano

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Pañuelo con centro redondo, de batista de algodón, tipo organdí, y guarnición ancha de encaje de Bruselas con cestas y ramos, pasados sobre tul a máquina.S.XVIII

A continuación os pongo esta interesante página de la National Geographic, donde se completan datos sobre el tema de la moda en tiempos de María Antonieta:

https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/la-pasion-por-la-moda-en-la-era-de-maria-antonieta_7192/3

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Los peinados
Nunca las formas de vestir y los estilos de peinado de la gente fueron tan suntuosos, tan elaborados y artificiales.

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El cabello se puso a tono con el estilo “rococó”, que fue el estilo preponderante hasta casi el final del siglo

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Peinados de la época en damas y caballeros

Lo que no pudo lograrse con el cabello natural, fue aumentado con pelucas. Esta época fue una explosión de exhibición de peinados a cual más extravagante, una reacción totalmente contraria al pudor y recato de los siglos anteriores

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Peinados de 1770

En el S. XVIII las pelucas se llevaban empolvadas, para darles su color blanco caractéristico. Las que usaban las damas de la corte solían ser tan recargadas y voluminosas que se veían obligadas a viajar con la cabeza gacha en sus carruajes para no estropear el efecto de sus aparatosos tocados

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La vestimenta del hombre

Los hombres tenían todos camisa y calzoncillos, medias de seda, lana o algodón, y, los ricos, camisola que se ponía sobre la camisa y de la que se veía bajo el vestido la chorrera o guirindola en el escote y las vueltas de las mangas, en ambos casos de encaje en el caso de los muy ricos. También los pudientes tenían una bata, vestidura holgada para estar en casa; era una prenda usada por los hombres que trabajaban en el interior, como escritores y pintores.

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Casacas

La casaca, que es una prenda exterior semilarga, cuyos delanteros no cerraban) con el cuello de tirilla, que progresivamente va ganando altura durante el reinado de Carlos IV, hasta alcanzar el máximo con Fernando VII.
La chupa, que es la prenda que siempre acompañaba a la casaca, es una especie de chaqueta sin mangas y antecesora del chaleco.
El calzón, un pantalón a media pierna estrecho, que se ajustaba en la pantorrilla con hebillas o cordones y que dejaba lucir en el hombre la pantorrilla.

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Traje de corte masculino

Se trata de una casaca de gala para el día de paño batanado con botones de plata sobredorada.
El “Traje a la Francesa” es el atuendo de todas las aristocracias europeas, y durante principios del siglo XIX se sigue usando para los eventos en la Corte.

La imagen puede contener: personas de pie
Casaca masculina del S.XVII detalle

En esta imagen podemos ver en detalle uno de los pliegues laterales del faldón de la casaca, a través del cual se podía sacar la espada sin dañar la prenda

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Zapatos de hombre

Y ahora tres películas,donde quedaron reflejados perfectamente el ambiente, costumbres y vestuario de aquella época:

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“Amadeus” 1984

Director: Milos Forman

Interpretes: Tom Hulce, F. Murray Abraham y Elizabeth Berridge    

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“Las Amistades peligrosas” 1988

Director: Stephen Frears
Interpretes: Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman.

La imagen puede contener: 13 personas, personas de pie y boda
Marie Antoinette 2006

Escrita y dirigida por Sofia Coppola.

Protagonizada por Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Judy Davis, Rip Torn, Rose Byrne y Asia Argento en los papeles principales.

 

La imagen puede contener: una persona, primer plano

Para terminar me permito una pequeña broma: como sería Mr Bean en el S,XVIII? auténtico verdad…

FUENTES:

http://museodeltraje.mcu.es/…/2007-i…/Indumenta00-09-ALS.pdf

https://barbararosillo.com/…/el-vestido-femenino-en-el-sig…/

http://www.vam.ac.uk/collections

http://www.flg.es/agenda-de-actividades/exposiciones-temporales/abanicos-siglo-xviii-coleccion-lazaro-galdiano#.WPuaGNwlHbg

Las casas a la malicia

Empezaremos por las viviendas de Madrid y concretamente por un tipo de ellas, que proliferaron desde el S. XVI, debido a las necesidades creadas, al instalarse la Corte de Felipe II en la ciudad
Me refiero a las “casas a la malicia”que  fueron el fruto de un delito inmobiliario en el Madrid de los siglos XVI al XVIII, provocado por los privilegios otorgados a los funcionarios de la Corte Real por la ley denominada «Regalía de aposento».
La «Regalía de aposento» obligaba a todo vecino de la villa de Madrid no exento, a “alojar a un funcionario del rey en la mitad de la superficie útil”. La medida había sido provocada por la afluencia de familias al servicio de la Corte de Felipe II al instalarse la nueva capital española en 1561. La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación
El origen de las “casas a la malicia” de Madrid está íntimamente relacionado con la picaresca del pueblo español, una “cualidad” que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII. Pero para comprender mejor cuales fueron los motivos que propiciaron la aparición de este tipo de viviendas, lo mejor es retroceder en el tiempo hasta los días en que Madrid aun no era la capital de España

“Casa a la Malicia” que se puede ver todavía en Noviciado

Felipe II por Sofonisba Anguissola 1564  Museo del Prado Madrid

“El Rey Católico, juzgando incapaz la habitación de la ciudad de Toledo, ejecutando el deseo que tuvo el emperador su padre de poner su Corte en la Villa de Madrid, determinó poner en Madrid su real asiento y gobierno de su monarquía”. (Luis Cabrera de Córdoba, 1559-1623)

Entrada de Felipe II en Madrid

Hasta mayo de 1561, la capital de la nación más poderosa del mundo era la ciudad Imperial de Toledo, pero el lunes 19 de mayo de 1561, Felipe II hizo llegar al Concejo de Madrid una Cédula Real en la que se le hacía saber del inminente traslado de la Corte desde la ciudad del Tajo a Madrid, donde debería hallarse instalada al mes siguiente, a tiempo para la celebración del Consejo Real que debería celebrarse en la nueva capital. El día 21 de mayo, el monarca partió de Toledo hacia Aranjuez para inspeccionar las obras del palacio y jardines que allí se estaban construyendo y desde el Real Sitio se dirigiría directamente a Madrid, que a partir de ese momento se convertiría en la capital del España

Maqueta con una de las casas a la malicia

Tengamos en cuenta que Madrid en el siglo XVI no era una ciudad propiamente dicha como lo eran Toledo, Barcelona, Valladolid o Sevilla, era más bien un pueblo grande y amurallado, un “poblachón manchego”, como han escrito algunos, situado en un lugar relativamente privilegiado sobre un altozano, con un río de escaso caudal a sus pies, nuestro entrañable Manzanares.

Juan Bautista de Toledo

Se elaboró un ambicioso plan urbanístico al frente del cual Felipe II, tras hacerle venir desde Italia, puso al arquitecto Juan Bautista de Toledo, que percibiría un salario de 220 ducados anuales. Sin duda otro dato que avala la teoría de la capital renacentista deseada por el monarca.
Pero el ambicioso plan pronto comenzó a encontrase con serias dificultades. Si el plan se hubiese llevado a cabo rápidamente, sin duda la transformación de la Villa de Madrid en una gran capital europea habría sido coherente y homogénea, pero toda clase de dificultades, urbanas, sociales y económicas, hicieron que los trabajos se llevaran a cabo con gran lentitud, y muchas de las reformas acabaron convertidas en “agua de borrajas”

Probable retrato de Juan Bautista de Toledo de el Greco

Aunque según otras opiniones es de su hijo Juan Manuel Theotocopuli.(Lo añado aqui, por si alguien tiene conocimiento de su identidad y lo puede aclarar, yo no lo he conseguido, aunque apuesto por su hijo…)

Maqueta de una de las casas del Museo de la Ciudad

Ante esta grave situación, Felipe II se vio obligado a promulgar un edicto llamado “Regalía de aposento” mediante el cual, todas las casas de Madrid que tuviesen más de una planta, deberían ceder la planta superior mismas a aquellos que se considerase oportuno, habitualmente  al séquito o servicio real, muy exigido de alojamientos en una ciudad que acababa de ser escogida como capital del reino. 
Las “casas a la malicia”, fueron un recurso arquitectónico de los constructores del siglo XVII a requerimiento de los propietarios de las nuevas casas, para engañar a las autoridades municipales.

Plano de casa de “Muy incómoda” repartición

La picaresca inmobiliaria puesta en escena presentaba características exteriores que hacían suponer falsos interiores estrechos, incómodos y en definitiva no aptos para ser incluidos dentro del grupo de edificios que tenían que cumplir con la ley de Regalía de aposento, es decir: ceder la mitad de la casa a un funcionario de la Corte sin que tuviera que pagar alojamiento.

Ejemplo de Casa de Malicia
La casa esconde una fachada de dos alturas en su patio interior

La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación, inconveniente que se intentó solucionar años mas tarde, con la llamada Visita General de 1749, medida cuya aplicación quedaba registrada en un azulejo con la clave Visita Casa / Manzana nº (x) (azulejos que pueden verse todavía visible en muchas fachadas de edificios del casco histórico de Madrid)

Libro de los nombres y calles de Madrid

Sobre que se paga incómodas y tercias partes, manuscrito conservado en la Biblioteca Nacional con el nº 5918.

Casa señorial, junto al Convento de San Ildefonso, Trinitarias Descalzas

Los primeros en eludir la imposición real de la Regalía de aposento fueron los propietarios de las clases adineradas dueños de inmuebles en el Madrid convertido en Corte , en que casas de dos pisos e incluso tres alturas se camuflaban destinando de forma aparente  la planta baja a los establos para los animales, la primera a viviendas y la segunda a desván, aunque en realidad  todas las estancias se utilizaran como vivienda

Casa en la calle del Rollo

El Edicto Real establecía que el primer piso pertenecía al Rey, que podía disponer de él e incluso venderlo a quien decidiera. Eso sí, todo se hizo con el acuerdo del Consistorio, que lo aceptaba para que Felipe II no diera marcha atrás en su decisión de trasladar la capital a Madrid.

Imagen relacionada

Para encontrar estas casas, nos tenemos que adentrar en el barrio de la Latina, en la zona más antigua de Madrid, donde el trazado medieval se intuye en las calles angostas y las curvas improvisadas entre la Plaza de Carros, la Plaza de la Morería, el Jardín de las Vistillas, el Mercado de la Cebada, y la Plaza de la Paja

Rótulo de la casa en la calle del Rollo

Las “casas a la malicia” estaban construidas de tal forma, que vistas desde el exterior parecía que sólo tenían una planta a base de distribuciones imposibles y caóticas del interior de las viviendas con sótanos que no pudiesen verse desde fuera, con lo que aun siendo una casa de dos plantas, parecía que solo lo fuera de una, y por tanto no debía acoger a los miembros de la corte, tejados muy inclinados donde se habilitaban buhardillas, medias alturas y patios

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calle de los  de los Mancebos, esquina Redondilla.

El madrileño de entonces, incómodo con aquella ley, y deseoso de esquivarla, ideó este truco de sacar con caos las ventanas de fachada. También se practicó el truco de añadir buhardillas disimuladas, como puede comprobar el paseante de hoy mismo en esta

Azulejo con la clave para identificar las casa, que aun quedan en Madrid

Casa-Museo de Lope de Vega

Un buen ejemplo es la Casa Museo de Lope de Vega en la calle Cervantes)

Vista de una de las casa en la esquina de la calle del Agua con la de Tabernillas

Imagen relacionada
Casa en la Plaza del Alamillo

Hoy solo quedan algunos ejemplos de “casas a la malicia” en el Madrid de los Austrias y en los barrios de La Morería, Las Letras y Universidad, que os aseguro merece la pena intentar localizar mientras paseáis por las calles del viejo Madrid, rememorando un curioso capitulo de la picaresca española y madrileña que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII, durante la monarquía de la Casa de Austria.

Casa en las calles San Andrés con San Vicente, por supuesto muy modificada con reformas

Suele proponerse como ejemplo superviviente de “casa a la malicia” el edificio, bastante reformado, que en el barrio de la Morería ocupa la esquina que forman la calle de Mancebos con la de Redondilla, antes mencionada, cuya construcción original se ha datado entre 1565 y 1590.

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Casas en la Ribera de Curtidores

Pudieron ser a la malicia, muy reformadas también.

La ‘casas a malicia’ o el misterio de las ventanas asimétricas
Fachada en la calle Conde, poco antes de llegar a la plaza de la Cruz Verde

Ejemplo de las ventanas asimétricas, con resultados catastróficos para el urbanismo madrileño ya que los arquitectos recurrieron a argucias poco aconsejables como ocultar las habitaciones superiores mediante escaleras interiores o dejar casi sin luz amplias estancias, apenas iluminadas por pequeños ventanucos.

Fuentes :

https://www.pasionpormadrid.com/2010/06/

https://vramon1958.wordpress.com/2014/09/07/el-real-decreto-de-regalia-de-aposento-y-las-casas-a-la-malicia/

https://es.wikipedia.org/wiki/Casas_a_la_malicia

https://www.lavanguardia.com/local/madrid/20180505/443244808392/casas-a-malicia-ventanas-asimetricas-madrid-secreto.html

y fotos: internet. 

Los reyes del cine

El Cine Histórico, siempre resultó atractivo para casi todos, porque en los films se representaban las vidas de reyes, reinas y los personajes que los rodeaban, mas o menos noveladas o reales, con lo que conocíamos, no solo sus biografías llenas de pasiones, mezquindad, crueldad o bondad y justicia sino el entorno histórico en el que se desarrollaba, con sus paisajes, personajes, episodios etc y al menos así, aprendíamos las nociones de lo que en el pasado ocurrió y que pese a carencias o tergiversaciones, nos introdujeron, posteriormente al conocimiento mas profundo del acontecer humano, para que luego pudiéramos completar con su estudio en textos mas serios y rigurosos.
Algunos pueden tacharlas de pesadas, otros de cursis o demasiado increibles, pero todas nos moveran a la curiosidad de saber mas sobre estos reales personajes y a conocer mejor sus historias.
En esta selección, no he incluido a personajes ficticios, aunque algunas historias si lo sean. Al Rey Arturo, lo incluyo entre ellos, porque muy bien pudo existir.y al Rey de Siam, por las mismas razones.
En general son mayoría, las películas inglesas donde aparecen sus reyes, en especial Isabel I, .y he procurado ponerlos en orden cronológico, teniendo en cuenta las fechas en que reinaron.
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Troya  Año: 2004
Dirigida por Wolfgang Petersen
Reparto Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom
Personajes: la película opta por una aproximación más o menos realista a la guerra de Troya con los personajes del rey Agamenón, Helena, Páris , Ulises, Hector y Aquiles
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Cleopatra año: 1963 Países: EE.UU., Reino Unido, Suiza
Dirección: Joseph L. Mankiewicz
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton,
personajes: Cleopatra y su relación con Julio Cesar y Marco Antonio
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Los Caballeros del Rey Arturo  Año: 1953 País: Reino Unido
Dirección: Richard Thorpe
Intérpretes: Robert Taylor, Ava Gardner, Mel Ferrer
Personajes: El mítico Rey Arturo,  su esposa Ginebra y el caballero Lancelot.
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El león en invierno  Año: 1968  País: Reino Unido

Dirección: Anthony Harvey

Intérpretes: Peter O’Toole, Katharine Hepburn, John Castle, Nigel Terry, Timothy Dalton, Anthony Hopkins

Personajes. Enrique II Plantagenet y Leonor de Aquitania, reyes de Inglaterra y sus hijos

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El primer caballero Año: 1995 País: EE.UU.
Dirección: Jerry Zucker
Intérpretes: Sean Connery, Richard Gere, Julia Ormond
Personajes: El Rey Ricardo Corazón de León, la Reina Ginebra y Sir Lancelot
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Becket  Año: 1964  Países: EE.UU., Reino Unido
Dirección: Peter Glenville
Intérpretes: Richard Burton, Peter O’Toole, John Gielgud
Personajes: El Rey Enrique II Plantagenet, rey de Inglaterra, y Thomas Becket, Arzobispo de Canterbury
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Ricardo III. Año: 1944 País: Reino Unido 

Dirección: Laurence Olivier

Intérpretes: Laurence Olivier, Robert Newton,

Personaje: Ricardo III de Inglaterra: Último monarca de la Casa de York y su derrota y muerte en la batalla de Bosworth, basada en el drama de Shakespeare.

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Enrique V Año: 1989 País: Reino Unido
Dirección: Kenneth Branagh
Intérpretes: Kenneth Branagh, Derek Jacobi
Personaje: El Rey Enrique V de Inglaterra basada en la obra de Shakespeare
12592486_560360407464538_2435751216668454891_nLa Reina Cristina de Suecia. Año: 1933 País: EE.UU.

Dirección: Rouben Mamoulian

Intérpretes: Greta Garbo, John Gilbert

Personajes: La Reina Cristina de Suecia y su amante el Conde de Pimentel , embajador del rey de España en Suecia

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La Reina Santa Año: 1947 País: España

Dirección: Rafael Gil, Aníbal Contreiras, Henrique Campos

Intérpretes: Maruchi Fresno, Antonio Vilar

Personajes: Don Dionis e Isabel de Portugal, de cuyo matrimonio surge la alianza entre Portugal y Aragón. aunque en medio de las intrigas de los cortesanos.
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La vida privada de Enrique VIII Año: 1933 País: Reino Unido
Dirección: Alexander Korda
Intérpretes: Charles Laughton, Robert Donat
Personajes: Enrique VII y sus esposas
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Las hermanas Bolena año: 2008 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Justin Chadwick

Intérpretes: Natalie Portman, Scarlett Johansson

Personaje: La Reina Ana Bolena, segunda esposa de Enrique VIII y su hermana, antes de su boda.

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Un hombre para la eternidad Año: 1966 País: Reino Unido

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Paul Scofield, Wendy Hiller

Personajes: El Rey Enrique VIII de Inglaterra y su canciller, Sir Thomas Moro y su ejecución.

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María Estuardo Año: 1936 País: EE.UU.
Dirección: John Ford
Intérpretes: Katharine Hepburn, Fredric March
Personaje: María Estuardo Reina de Escocia, mandada decapitar por traición por la reina Isabel
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El favorito de la Reina Año: 1955 País: EE.UU.
Dirección: Henry Koster
Intérpretes: Bette Davis, Richard Todd
Personajes: Isabel I de Inglaterra y su amante
(Una Reina, frecuentemente representada en el cine)
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La vida privada de Elizabeth y Essex  Año: 1939 País: EE.UU.
Dirección: Michael Curtiz
Intérpretes: Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland
Personaje: Isabel I de Inglaterra y su amante el conde de Essex
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Elizabeth Año:1998 País Reino Unido
Director Shekhar Kapur
Reparto: Cate Blanchett, Geoffrey Rush
Personaje: Isabel I de Inglaterra
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Elizabeth I Año: 2005  país: Reino Unido
Dirección: Tom Hooper
Intérpretes: Helen Mirren, Jeremy Irons
Personaje : Isabel I de Inglaterra
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El hombre de la mascara de hierro Año: 1998 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Randall Wallace

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Gabriel Byrne, John Malkovich, Jeremy Irons y Gérard Depardieu,

Personajes: El Rey Luis XIV y los Mosqueteros (a través de la novela de Alejandro Dumas)

Vatel  Año: 2000  Países: Bélgica, Francia, Reino Unido

Dirección: Roland Joffé

Intérpretes: Gérard Depardieu, Uma Thurman, Tim Roth

Personajes: El Rey Luis XIV de Francia y el cocinero Vatel, que le organiza un banquete por orden de su jefe el Príncipe de Conde, para ganarse la confianza del Rey.

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El Rey pasmado   Año: 1991 Países: España, Francia, Portugal

Dirección: Imanol Uribe

Intérpretes: María Barranco, Joaquim de Almeida, Laura del Sol, Gabino Diego, Juan Diego, Fernando Fernán Gómez, Javier Gurruchaga, Eusebio Poncela

Personaje: El Rey Felipe IV de España (
Se inspira en una novela del escritor Gonzalo Torrente Ballester. )
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Cromwell  año 1970

Director Ken Hughes

Intérpretes: Richard Harris, Alec  Guinness, Robert Morley

Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra y  Cromwell

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Matar a un Rey Año: año 2003
Dirección: Mike Barker
Intérpretes: Tim Roth, Dougray Scott, Rupert Everett
Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra, y Oliverio Cronwell, que instauró la república tras decapitar al rey
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La Favorita  año 2018
director: Giorgios Lanthimos

Interpretes : Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz

Personaje: El padre de Ana, Jacobo II y VII de Escocia, fue rey durante 3 años antes de ser depuesto en la Revolución Gloriosa de 1688. En un momento de crisis”, Ana vio la unificación de Escocia e Inglaterra, lo que la convirtió en la primera reina de Gran Bretaña de la historia.

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María Antonieta   Año: 2006  Países: EE.UU., Francia, Japón
Dirección: Sofia Coppola
Intérpretes: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman

Personajes: La Reina Mª Antonieta de Francia y Louis XVI
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La locura del Rey Jorge Año: 1994 País: Reino Unido
Dirección: Nicholas Hytner
Intérpretes: Nigel Hawthorne, Helen Mirren, Ian Holm
Personaje: Jorge III de Hannover , rey de Inglaterra y la enfermedad que padeció.

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El Rey y yo Año: 1956 País: EE.UU.

Dirección: Walter Lang

Intérpretes: Yul Brynner, Deborah Kerr

Personaje: El Rey de Siam y la institutriz de sus hijos (basado en la novela de Margaret Landon, donde se muestra la vida en una corte oriental)

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Su Majestad Mrs.Brown Año: 1997 Países: EE.UU., Irlanda, Reino Unido
Dirección: John Madden
Intérpretes: Judi Dench, Billy Connolly
Personajes: La Reina Victoria de Inglaterra y su amigo James Brown, tras la muerte del esposo de la reina
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Sissí Año: 1955

dirección: Ernst Marischka

Intérpretes: Romy Schneider, Karlheinz Böhm, Magda Schneider

Personajes: La Emperatriz Isabel y el Emperador Francisco José de Austria
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Donde vas Alfonso XII? Año: 1958

Dirección: Luis César Amadori

Intérpretes: Vicente Parra, Paquita Rico

Personajes: El Rey Alfonso XII y su esposa Mª de la Mercedes Montpensier en su breve matrimonio
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Nicolás y Alejandra Año: 1971
Dirección: Franklin J. Schaffner
Intérpretes: Michael Jayston, Janet Suzman
Personajes: El Zar Nicolas y la Zarina Alejandra de Rusia, en los años previos a la revolución bolchevique.de 1917
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El último emperador  Año: 1987

Dirección: Bernardo Bertolucci

Intérpretes: John Lone, Joan Chen, Peter O’Toole

Personaje: Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, último emperador de China
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El discurso del Rey  Año: 2010  Países: Australia, Reino Unido

Dirección: Tom Hooper

Intérpretes: Helena Bonham Carter, Colin Firth,Geoffrey Rush Guy Pearce, Michael Gambon,
Personajes: El Rey Jorge VI , su familia y su logopeda (Jorge era tartamudo y tuvo que reinar tras la abdicación de su hermano Eduardo)

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The Queen  Año: 2006

Dirección: Stephen Frears

Intérpretes: Helen Mirren, James Cromwell

Personaje: Isabel II de Inglaterra, en los dias posteriores a la muerte de Diana

Las pinturas de castas

La pintura de castas fue un fenómeno artístico que existió principalmente en la Nueva España en el siglo XVIII, existiendo también ejemplares en Perú.

Las pinturas eran, en parte, producto de la Ilustración e intentaban representar las muchas castas, el producto de la mezcla de razas, que existían en el Nuevo Mundo.
Asi que durante el siglo XVIII en los virreinatos de Nueva España y Perú se desarrolló un género de pintura ahora llamado los “cuadros de casta”.

Por documentos, sabemos que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre , duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.
Distinto del concepto de “raza”, típicamente representado en la sociedad contemporánea, la casta en Hispanoamérica integraba representaciones culturales más que las biológicas.

El Imperio Español clasificó a las personas, según “razas” y “cruzas” étnicas, para organizar un sistema social estratificado en sus posesiones de América.

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El diccionario de la Real Academia Española de 1780 define “casta” como “generación o linaje.”

Definiciones de la RAE (actual):

  1. Ascendencia y descendencia de una persona o de un animal.
  2. Variedad de una especie animal que reúne ciertos caracteres hereditarios.
    Resultado de imagen de EL RACISMO

    El sistema de castas, no solo se dió en las posesiones española, en otros países también aparecieron, asi en: Sudafrica (apartheid), Estados Unidos, la India (llamados yati o ‘clan), el Imperio británico (separación entre blancos e indígenas), el Imperio alemán, y también separación entre blancos y negros en Ruanda-Burundi y entre negros hutus y tutsis…)

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El diccionario indica el sentido de que también existen las castas en ciertos animales, como los caballos, perros, etc y en esta imagen se muestra la diferencia de tamaños, colores, pelajes, etc entre algunas de las más de 300 razas de perros, que han sido criados selectivamente para conseguir características específicas durante miles de años. Se trata de juntar, a propósito el macho y la hembra de cada especie para que de su procreación salga determinada casta.”
Las castas se desarrollaron de un proceso de intercambio cultural, y las raíces étnicas que forjaron la identidad mestiza en Nueva España: fueron los indígenas, los españoles, los negros y escasas veces los asiáticos.

<img src=”https://image.slidesharecdn.com/lascastasdelanuevaespaa-091109164351-phpapp02/95/las-castas-de-la-nueva-espaa-5-1024.jpg?cb=1257785063&#8243; alt=”Las actividades en la Nueva España estaban estrechamente ligadas a este complicado sistema de clasificación:

  • Gobie…”>
    Las listas que se presentan aquí probablemente son las que el artista conocía o prefería, la que el cliente pidió, o una combinación de ambos. Es importante aclarar que estos cuadros tenían como objetivo ser apreciados por un público europeo, ávido de conocer los detalles exóticos de las nuevas tierras. Por ello, en los cuadros no sólo aparecen personas, sino también sus alimentos, carácter y manera de ganarse la vida etc, siendo una rica fuente de información para el estudio de todo ello.

    Muchos autores, al referirse a la población de la Nueva España consideran primero a los grupos mayoritarios y su importanc...
    Un “mestizo” era producto de la mezcla de un español más un indígena. Por ello, algunos mestizos fueron educados como caballeros y damas españoles porque la Corona consideraba humillante que un hijo de español fuera educado entre los indígenas. Otros eran negados y discriminados y a veces se les tomaba por españoles o indígenas, pero sin ser aceptados totalmente por ninguno de los dos grupos.

    castas mexicanas

    Castas mexicanas (Fragmentos de los óleos de Cabrera)

    Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

    LOS VIRREINATOS
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    Los Virreinatos de Nueva España en 1819

    El virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del norte por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX, etapa conocida como período colonial mexicano. Fue creada tras la caída de México-Tenochtitlán, evento principal de la Conquista la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues el territorio de Nueva España siguió creciendo hacia el norte, a costa de los territorios de pueblos indígenas del desierto.
    La mayoría de las imágenes de castas, salen de Nueva España (lo que principalmente es México hoy en día) durante los años 1780. Los cuadros de castas también se pintaron en el Perú y otras partes de los virreinatos.peru
    El Virreinato del Perú fue una entidad territorial situada en América del Sur, integrante del Imperio español y que fue creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX.
    El inmenso virreinato abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Quedó fuera de él, también como bien realengo, Venezuela y Brasil, que sobre el océano Atlántico, pertenecía a Portugal.
    Sin embargo, durante el transcurso del siglo XVIII su superficie sufrió tres importantes mermas al crearse -con parte de su territorio- dos nuevos virreinatos de la corona española: el Virreinato de Nueva Granada y posteriormente el Virreinato del Río de la Plata. Al mismo tiempo el Brasil lusitano extendía sus fronteras hacia la Amazonia.

    LAS CASTAS Y SUS REPRESENTACIONES:

    Con este abundante racismo, se llegaría a intentar definir las tantas «mezclas» como personas había, aplicando para ello decenas de nombres para todo tipo de «resultados» surgidos.

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    Los nombres de las castas varían de región en región y cambiaban a través del tiempo y en cualquier caso, los genetistas e historiadores modernos no aceptan que existan las llamadas razas puras, siendo quizá la totalidad de la población mundial el producto de diversas mezclas, algunas de más compatibilidad fenotípica dando apariencia racial.

    Muchas de las series de pinturas de castas, se encuentran incompletas y sin autoría, mientras que hay otras de pintores como: Ignacio de Castro, José Joaquín de Magón, Andrés de Islas, y por supuesto, Miguel Cabrera.

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    Indios gentiles de Andrés de Islas, (1774)
    Cartela: Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles”, ca. 1750.

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    Sor Juana Inés de la Cruz por Andrés de la Islas, (una de sus obras mas conocidas).
    Al margen de sus pinturas de castas, este artista pintó a una de las pocas figuras de la cultura mexicana durante el período colonial, que fueron más populares y despertaron más interés que, la que tras entrar en religión, tomó el nombre de Sor Juana Inés de la Cruz. Mujer de gran cultura, literata de renombre y protegida de virreyes, desde muy temprana edad dedicó la mayor parte de su vida a la lectura y el estudio, pasando pronto a realizar sus propias composiciones en diferentes géneros

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    Pintura de castas de Luis de Mena (C. 1750). Museo de América, Madrid.

    Otra serie muy interesante, porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. anónimo.
    Los cuadros de castas se presentaron con mayor frecuencia en series de dieciséis lienzos individuales agrupados a modo de mural en dieciséis compartimentos. Cada serie suele representar por lo general a un hombre, mujer y niño
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    Pintura de castas anónimo del S.XVIII. Museo Nacional del Virreinato (Tepotzotlán)
    Lista anónima:
    1. Español con India, Mestizo
    2. Mestizo con Española, Castizo
    3. Castiza con Español, Española
    4. Español con Negra, Mulato
    5. Mulato con Española, Morisca
    6. Morisco con Española, Chino
    7. Chino con India, Salta atrás
    8. Salta atrás con Mulata, Lobo
    9. Lobo con China, Gíbaro (Jíbaro)
    10. Gíbaro con Mulata, Albarazado
    11. Albarazado con Negra, Cambujo
    12. Cambujo con India, Sambiaga (Zambiaga)
    13. Sambiago con Loba, Calpamulato
    14. Calpamulto con Cambuja, Tente en el aire
    15. Tente en el aire con Mulata, No te entiendo
    16. No te entiendo con India, Torna atrás
    (Transcripción literal de la lista)

    Obras del pintor novohispano Miguel Cabrera (1695-1768)

    En México resalta el arte novohispano de Miguel Cabrera, quien realizó una serie de obras inspiradas en las castas del México colonial.

    Esta serie de pinturas data del año 1763, en ellas se representan a las familias (padre madre y prole) de diferentes castas y estrato socio económico, en situación cotidiana (mercado, hogar o calle) en las que se puede apreciar claramente la diferencia entre los estratos sociales y la relación que tiene dicho estrato con la casta a la que pertenecía el individuo. Actualmente esta colección se encuentra en el Museo de América, en Madrid
    Resultado de imagen de LA ILUSTRACION EN NUEVA ESPAÑA

    El problema en torno a las razas y al mestizaje como consecuencia de la unión entre los tres grupos raciales de la colonia: españoles, indios y negros, contó en el siglo XVIII con un gran auge entre los estudiosos que en el marco de las reformas Borbónica y la Ilustración, realizaban por todo el nuevo continente un exhaustivo trabajo de observación y clasificación de la naturaleza, su flora, su fauna, los recursos naturales y entre esta naturaleza, los seres humanos.
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    “Mulatos de Esmeraldas” de Andrés Sánchez Gallque (1599) Museo de América, Madrid.
    Antes del siglo XVIII, la mayoría de los mestizos era considerada “gente vil” y se les negaba el derecho de ocupar cargos reales, eclesiásticos o municipales. Por ello, el papel de los mestizos en la Colonia fué desde un principio un factor de inestabilidad, pues no tenía un lugar definido en la sociedad de su tiempo. Los mestizos fueron rechazados tanto por los indígenas como por los españoles

    Castas de origen Casta resultante
    español indígena mestizo
    indio negro zambo
    negro zambo zambo—prieto
    español negro mulato
    mulata español morisco
    español morisca albino
    albino español saltatrás
    indio mestizo coyote
    español coyote harnizo
    coyote indio chamizo
    chino india cambujo
    cambujo india tente en el aire
    mulato tente en el aire albarazado
    La imagen puede contener: 3 personas
    Indios gentiles (Cabrera)

    Se denomina indios o indígenas a los descendientes de los habitantes nativos de América –a quienes los descubridores españoles, por creer que habían llegado a las Indias, llamaron indios. El adjetivo gentil, se refiere a una persona, que no es cristiana ni pertenece a alguna religión y no esta bautizada

    Aquí se presentan dos listas de castas de diferentes conjuntos de retratos de castas. que solo están de acuerdo en los nombres de las primeras cinco combinaciones, en su mayoría las que son entre blancos e indígenas. No hay acuerdo en los nombres, ni definiciones, de las mezclas con negros.
    A continuación pongo la serie de Miguel Cabrera y las que llevan la cartela que corresponden a Mexico (Álbum del mestizaje)
    Comprobareis que aunque muchos coinciden en los nombres asignados, en otras difieren totalmente, según el autor.
    La imagen puede contener: 4 personas

    De español e india nace mestizo

    La imagen puede contener: 2 personas

    De español e india nace mestizo (Cabrera)
    La imagen puede contener: 3 personas

    De español y mestiza nace castizo
    La imagen puede contener: 3 personas

    De español y mestiza nace castizo (Cabrera)

    Los castizos surgieron entre la mezcla de europeos con mestizos, su aparición comenzó después del mestizaje entre europeos (españoles en su mayoría) y amerindios junto con la continua llegada de otros europeos al continente americano una vez establecido el colonialismo.

    La imagen puede contener: 2 personas, sombrero

    De español y negra nace mulata (Cabrera)
    La imagen puede contener: una persona, exterior

    De español y negra nace mulata
    La imagen puede contener: 4 personas

    De español y mulata nace morisca (Cabrera)
    La imagen puede contener: 3 personas
    De español y mulata nace morisca

    De español y morisca, nace albino (Cabrera)
    La imagen puede contener: una persona, sentada, árbol y exterior

    De español y morisca nace albino

    La imagen puede contener: 3 personas, personas sentadas, niño(a) e interior

    De español y albina nace torna atrás (Cabrera)
    En este punto, hay que precisar que el blanqueamiento no se aceptaba para la «raza» negra. Por ejemplo, un torna atrás era una persona nacida de la unión sexual de dos «blancos», pero que tenía características fenotípicas de «negro». Esto era porque la sociedad hispanoamericana colonial asociaba un atavismo ( es decir, tendencia a reproducir tipos originales) a los negros. El miedo era que no importaba cuántas generaciones de «blancos» una persona podía tener: si finalmente un abuelo o bisabuelo había sido «negro» o «indio», los rasgos raciales negros o indígenas volvían a aflorar en sus descendientes en mayor o menor medida.
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    De español y albina nace torna atrás
    La imagen puede contener: 3 personas

    De lobo e india nace albarazado (Cabrera)
    La imagen puede contener: 2 personas, personas sentadas y exterior


    De sambaigo e india nace albarazado

    El apelativo “lobo” cambia en esta serie a “Sambaigo”
    La imagen puede contener: 4 personas, personas de pie
    De español y torna atrás nace Tente en el aire (Cabrera)
    La imagen puede contener: una persona, exterior

    De lobo torna atrás e india nace tente en el aire
    Esta es otra acepción de “torna en el aire”
    La imagen puede contener: 3 personas, personas sentadas e interior

    De castizo y mestiza sale Chamizo (Cabrera)
    La imagen puede contener: 2 personas, exterior


    De albarrado e india nace cachimboreta

    La imagen puede contener: 4 personas

    De albazarado y mestiza sale barcino
    La imagen puede contener: 3 personas, personas sentadas e interior

    De indio y barcina nace zambaiga
    La imagen puede contener: 2 personas

    De lobo e india sale sambaiga

    La imagen puede contener: 2 personas, interior

    De negro e india sale china cambuja

    La imagen puede contener: 2 personas
    De chamizo e india nace cambujaLa imagen puede contener: 4 personas

    De mestizo e india nace coyote

    La imagen puede contener: 4 personas, personas sentadas y exterior

    De mestizo e india sale Coyote

    La imagen puede contener: 3 personas

    De chino cambujo e india nace Loba

    La imagen puede contener: una persona

    De negro e india nace lobo

    jerarquias castas

    La sociedad americana se organizó como una pirámide jerárquica que ubicaba en la cúspide a los “españoles” (peninsulares y criollos), y bajo ellos, a la mayoría de la población integrada por “indios” o “naturales” (pueblos originarios), “negros” (traídos como esclavos de África) y “castas” (descendientes de relaciones sexuales entre las tres grandes ramas étnicas anteriores)
    El primer estrato de esta sociedad discriminatoria por la piel está ocupado, por el sector blanco de la población. Lo constituye una minoría de españoles peninsulares ricos y muy influyentes (los llamados “gachupines” en Nueva España y “chapetones” en Perú) y de criollos que les siguen por prestigio socioeconómico.

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    Los negros y mulatos suelen representarse como cocheros, los indios como vendedores de comida, y los mestizos como sastres o zapateros. Las mulatas y mestizas, como cocineras o costureras.
    A medida que la sociedad colonial se había ido estructurando durante la anterior centuria, se fue dando mayor importancia a la pureza de sangre, derivando en un sentido jerárquico y aristocrático, perfectamente conformado a principios del siglo XVIII.
    Tal fue la importancia atribuida a la limpieza de sangre (que en muchos casos no era limpieza absoluta de sangre blanca) que con frecuencia los individuos de este sector recurrieron en este período a la Audiencia para certificarla
    Fuentes:

    http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?
    http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1852-96152012000200009
    https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas
    https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/
    http://genealogiaegusquiza.blogspot.com.es/2010/12/las-pinturas-de-las-castas-en-america.html
    http://ablaevariteprobatum.blogspot.com.es/2013/04/miguel-cabrera-y-la-pintura-de-castas.html

Santa Teresa de Ávila

Santa Teresa nació en Ávila (España) el 28 de marzo de 1515. A los 18 años ingresó en el Carmelo y a los 45 años, buscando responder a las gracias extraordinarias que recibía del Señor, emprendió una misión renovadora. Por ello, junto a San Juan de la Cruz introdujo la gran reforma carmelitana.

“La educación de Santa Teresa”

Desde sus primeros años mostró una imaginación vehemente y apasionada. Su padre, aficionado a la lectura, tenía algunos romanceros.

Teresa con seis o siete años de edad. era muy aficionada a la lectura de libros de caballerías pero también le gustaban las vidas de santos.

Jardín de la casa de Teresa, con su hermano Rodrigo

Desde niña, meditaba mucho sobre que el infierno y del paraíso fuesen para toda la eternidad. Con su hermano Rodrigo, dos años mayor que ella, repetía las palabras “Para siempre, siempre, siempre”

José de Espinoza de los Monteros: Escapada de Santa Teresa y su hermano

Incluso llegó a planear una escapada infantil por lo que a los 7 años convenció a su hermano Rodrigo para que se fugase con ella de casa y se fueran “a tierra de moros”, buscando el martirio.

Convento de agustinas de Nuestra Señora de Gracia, Ávila

Teresa entró como alumna en julio de 1531 en el convento de las monjas de la Orden de San Agustín que estaba junto al Alcázar. Este convento tenía una pensión donde se enseñaba a las jóvenes, labores de bordado y prácticas religiosas.

Reproducción de la alcoba de Santa Teresa en su casa.

Al poco tiempo, afectada por una enfermedad de la que se tienen escasas referencias, Teresa volvió a su casa y tras permanecer en su casa tres años y a pesar de la oposición de su padre, el 2 de noviembre de 1535, Teresa quiso entrar como postulanta en el Convento de la Encarnación, de carmelitas, en Ávila.

Monasterio de la Encarnación de Ávila

El Carmelo, es una orden religiosa de vida contemplativa, fué fundada a mediados del siglo XII por ermitaños en la Capilla de Santa María del Monte Carmelo, en Tierra Santa.

El Profeta Elías

Donde el profeta Elías demostró el poder del Señor ante los sacerdotes de Baal en el siglo IX a. C.

Teresa de Jesús por José de Ribera 1630


En 1538 cae de nuevo enferma, tras entrar al convento su estado de salud empeoró. y, ante el fracaso de los médicos, su padre le lleva a una curandera cuyo tratamiento «deja a la enferma medio muerta» El 15 de agosto de 1539 (solemnidad de la Asunción de María) sufrió un ataque repentino y violento (que ella llamó paroxismo) de su enfermedad, una serie de convulsiones seguidas de pérdida de conocimiento.

Llegaron a darle la extremaunción, pues creyeron que estaba muerta. Oficiaron una misa de difuntos en su honor, y también cavaron su tumba. Un par de días después, cuando su hermano Lorenzo estaba junto al lecho de Teresa, esta recuperó el conocimiento: Se había tratado de un coma profundo que duró cuatro días.

Imagen de San José y el Niño- Luis Salvador Carmona. Iglesia de San José, Madrid

Al cabo de un mes de estar muy postrada, pidió volver al convento, pero allí, tuvo que permanecer tres años mas en reposo, hasta que logra retomar la vida conventual en abril de 1542.​ Teresa atribuyó esta mejoría a la intercesión de San José.
Aunque no abandonó la lectura, sí iba dedicando menos tiempo a la oración y pasaba muchas horas en el locutorio del convento con visitas, ya que las costumbres del convento eran relajadas.

Aparición de Cristo Salvador a santa Teresa de Jesús, Alonso Cano

Según su testimonio, hacia 1543 se le apareció Jesucristo, reprendiéndola para que dejase de ver a una persona con la que se reunía a charlar habitualmente de cosas mundanas en el locutorio.​

La Santa con Cristo atado a la columna. Copia del original destruido de Gregorio Fernandez
Museo de Ávila

En 1554, cuando rondaba los 40 años, tuvo lugar su conversión definitiva ante un Cristo llagado. «Ese día nace Teresa de Jesús y comienza la segunda etapa de su vida. La de su fecundidad espiritual, mística y literaria.

“El éxtasis de Santa Teresa” de Bernini Éxtasis de Santa Teresa, por Gian Lorenzo Bernini, (Barroco Italiano), Capilla Cornaro, Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma, Italia, 1644—1652

El Éxtasis de Santa Teresa es también conocida como la Transverberación de Santa Teresa. El 29 de junio de 1559, mientras estaba rezando, tuvo la sensación de que Cristo estaba a su derecha y le hablaba y en abril de 1560, cuando estaba en casa de Guiomar de Ulloa, se produjo la Transverberación o éxtasis:

Santa Teresa recibió la aparición de un ángel muy hermoso que identificó como un querubín. Dicho ángel llevaba en la mano una larga espada de oro cuya punta parecía encendida. Le religiosa sintió que el ángel le hundía la espada en su corazón y le traspasaba las entrañas.

Descripción del Éxtasis
Bernini, autorretrato

Su autor, Bernini fue el mejor escultor de su época, no solo en Italia sino en toda Europa, ademas de gran arquitecto y pintor. Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII.

En la escultura, Santa Teresa aparece acostada, flotando suspendida en una nube que se funde con su ropaje de extraordinarios pliegues. Dichos pliegues transmiten el desmayo y el cuerpo sensual que se oculta debajo, a pesar que solo podemos ver la cara, las manos y los pies descalzos de Teresa.

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Con la boca entreabierta y los ojos entrecerrados dan una expresión de sumisión y entrega total.

El ángel, que esta flotando sobre el cuerpo de la santa, esta a punto de clavar el dardo amoroso en su corazón y la contempla con la cabeza ladeada con una expresión de dicha y ternura. De esta manera el artista tenía que hacer visible lo que él sabia del éxtasis corporal. El rostro de una mujer en la cima de la euforia sexual.

El conjunto de la Capilla Cornaro

La Reforma del Carmelo

Convento de San José , Ávila

Su ideal de reforma de la orden se concretó en 1562 con la fundación del convento de San José. Se inicia entonces una nueva etapa en su vida, en la que la dedicación a la contemplación y la oración es compartida con una actividad extraordinaria para conseguir el triunfo de la reforma carmelitana.


Empezó entonces a ser favorecida con visiones «imaginarias» e «intelectuales», visiones que habrían de sucederse a lo largo de su vida y que determinaron sus crisis para averiguar si aquello era «espíritu de Dios» o del «demonio».

San Pedro de Alcántara confesando a Santa Teresa
Autor: ¿Taller napolitano?

Su encuentro en 1560 con el santo franciscano Pedro de Alcántara resultó providencial para alcanzar la paz.

Poco antes había tenido oportunidad de conocer a Francisco de Borja


Tras estos encuentros, a pesar de haber sido incomprendida, perseguida y hasta acusada en la Inquisición, fundó nuevos conventos, optando por una vida más austera, sin vanidades, ni lujos.

Convento de Santa Teresa (Casa natal)

Los Conventos :
El lugar por excelencia para conocer obras carmelitanas es Ávila, ciudad que vio nacer a la religiosa. Siete son los enclaves que hay que ver allí: Convento de Santa Teresa, Iglesia de San Juan Bautista, Los cuatro postes, Convento de Nuestra Señora de Gracia, Monasterio de la Encarnación, Monasterio de San José (Las Madres) y el Real Monasterio de Santo Tomás.

Plano de Ávila
Fachada del convento de Santa Teresa

En primer lugar, su casa natal, donde hoy se ubica la iglesia de la Santa. Una imponente talla de Teresa de Jesús escritora labrada saluda desde la fachada.

La Merced del collar de Gregorio Fernandez

El presbiterio del templo alberga uno de los grandes temas de la iconografía teresiana: «La Merced del Collar», grupo tallado por Gregorio Fernández con la Santa entre la Virgen y San José.

Convento de San José o de las Madres

Otro destino abulense es el Convento de San José, su primera fundación (1562). Un artista destaca en él: Alonso Cano, responsable de varias imágenes que siguen los modelos de Gregorio Fernández.

“La Santa en la cocina” cuadro del pintor Francisco Rizi, que se guarda en el Convento de San José.

«La Santa en la cocina», hace referencia al tema «entre pucheros anda el Señor».

Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora de Carmelitas Descalzas de Alba de Tormes

Rizi, coetáneo de Velázquez o Zurbarán, es también el artista más destacado de la iglesia del Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora de Carmelitas Descalzas de Alba de Tormes (Salamanca) ya que fue allí donde murió la Santa.

La Sagrada Familia con la Santa , Francisco Rizi (Alba de Tormes)
Monasterio de la Encarnación de Peñaranda de Bracamonte (Salamanca)

En Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), el convento, fundado por Gaspar de Bracamonte y Guzmán, alberga una excelente colección de pintura barroca italiana.

La Transverberación

Seis de las obras pertenecen al napolitano Luca Giordano, entre ellas, una referente a «La Transverberación».

Fundaciones:
Hay nueve de fundaciones en Castilla y León (Ávila, Alba de Tormes, Salamanca, Segovia, Palencia, Soria, Segovia y Burgos). y otras muchas en el resto de España.

Apoyada por el general de la Orden del Carmen, recorrió todos los caminos de España fundando conventos. Fueron 16 en apenas 20 años: Ávila, Medina del Campo, Malagón, Valladolid, Toledo, Pastrana, Salamanca, Alba de Tormes, Segovia, Beas de Segura, Sevilla, Caravaca, Villanueva de la Jara, Palencia, Soria, Granada y Burgos. Pero no pudo cumplir su deseo de fundar un convento en Madrid.

Palacio Ducal de Pastrana

Una fundación destacada, por sus peculiaridades, fué en Pastrana:
En 1569, los Príncipes de Éboli mandan llamar a Santa Teresa de Jesús con el fin de fundar un convento de Carmelitas Descalzas, creando el de San José para mujeres y el de San Pedro (hoy del Carmen) para hombres.

Convento de San José de Pastrana

El Convento de San José es una reunión de casas, realizándose en el S.XVII la hermosa y sencilla iglesia actual. Perteneció a la Reforma del Carmelo, hasta que, tras los problemas con la Éboli, fue ocupado por monjas Franciscanas Concepcionistas.

Convento de San Pedro, hoy día del Carmen (Masculino)
Iglesia de San José, Madrid

Esta iglesia de San José fue el primer convento de carmelitas (reformados) que hubo en Madrid. Teresa no llegó a fundarlo personalmente y fué iniciada su construcción por fray Nicolás de Jesús y María en 1586

Iconografía de la Santa

Se acepte o no la denominación de santa, es innegable que el carisma de Teresa ha servido de inspiración a prestigiosos artistas.

Teresa de Jesús de P.P.Rubens

En ella se fijaron pintores como Zurbarán, Velázquez o Rubens, y escultores de la talla de Gregorio Fernández o Bernini.

Se trata de obras pertenecientes fundamentalmente al arte barroco, periodo en el que «se desarrolla la vida, los hechos y la herencia de Santa Teresa»

Santa Teresa de Gregorio Fernandez Museo de Escultura de Valladolid

Determinados artistas que trabajan para los conventos carmelitas». Así ocurre en Castilla con el imaginero Gregorio Fernández, que crea un modelo repetido hasta la saciedad.

Teresa de Jesús por Fray Juan de la Miseria

La difusión de la imagen de Teresa de Jesús partió del convento de San José de Sevilla a partir de copias del retrato realizado por fray Juan de la Miseria
La obra precursora corresponde a una pintura realizada por Fray Juan de la Miseria en 1576, cuando la religiosa tenía 61 años. «Es un rostro de una mujer mayor, nada idealizado» Esta pintura determinó toda la iconografía de Santa Teresa «durante 40 ó 50 años».

La Santa como escritora, pintada por José de Ribera, Museo del Prado

Con motivo de su beatificación y siglos antes de que Pablo VI la declarara Doctora de la Iglesia (1970), aparece un segundo tipo iconográfico: la Santa escritora, «con su hábito y su capa, Teresa de Jesús sostiene una pluma con su mano derecha y un libro con la izquierda, mientras recibe la inspiración del Espíritu Santo»

La consolidación de esta iconografía se puede ver en las primeras tallas procesionales que se hicieron en Salamanca y Alba de Tormes. Será también el modelo más utilizado en la escultura del siglo XVII, donde uno de sus mejores intérpretes fue Gregorio Fernández, quien trabajó para los Carmelitas Calzados y los Descalzos.

Convento de la Concepción del Carmen de Valladolid

Gregorio Fernández firma también las imágenes del Retablo Mayor de la Iglesia del Convento de la Concepción del Carmen de Valladolid
El monasterio, que cumple los principios de austeridad de la «arquitectura teresiana», reúne también obras de Alejo de Vahía y Juan de Juni, además de cartas autógrafas y un manuscrito original del «Camino de Perfección»

Monasterio de San José del Carmen, en Medina del Campo

Otro importante destino vallisoletano para descubrir arte relacionado con la Santa es el Monasterio de San José del Carmen, en Medina del Campo, su segunda fundación.

Pinturas :

Primer milagro de Santa Teresa de Jesús. Luis Madrazo

En 1561, Gonzalo de Ovalle sobrino de la santa, niño de corta edad, apareció muerto en su casa de Ávila, que se estaba adecuando para convento carmelita. El niño volvió a la vida tras las oraciones de la Santa. En la pintura de Luis de Madrazo

Santa Teresa por Francisco de Zurbarán

Una de las pinturas de Santa Teresa más significativas en la Archidiócesis de Sevilla está en la Sacristía Mayor de la Catedral: la realizada por Francisco de Zurbarán, fechable hacia 1650.

Santa Teresa por François Gerard

Hay una tierna y sobrecogedora imagen idealizada de Santa Teresa de Jesús a través de Madame Juliette Recamier, por François Gerard, (Romanticismo), 1827, París

La Obra literaria:

obras

Algunas de sus obras mayores:

Libro de la Vida (escrito entre 1562 y 1565),
Las Relaciones espirituales
El Libro de las fundaciones (iniciado en 1573 y publicado en 1610)

y sus cerca de quinientas Cartas.


Para ayudar a sus religiosas a la realización de su ideal de vida religiosa compuso :

Camino de perfección (escrito entre 1562 y 1564 y publicado en 1583)

Las moradas o Castillo interior (1578).

Y muchos otros como:«Meditaciones sobre los Cantares», «Exclamaciones», «Fundaciones», «Visita de Descalzas», las «Constituciones» para sus monjas, poesías y medio millar de cartas además de 66 «Cuentas de conciencia» para sus confesores.

Beatificación y santidad.
En 1614 fue declarada beata, y en 1622 fue canonizada por Gregorio XV. (Santa Teresa había muerto 30 años antes)

Este lienzo representa a los nuevos santos. Es una obra de Guy François de Le Puy-en-Velay, (siglo XVII).

En este célebre acto de la canonización se incluyó en el libro de los santos, junto con esta santa carmelita, a Ignacio de Loyola, Francisco Javier, Isidro Labrador,

La Santa Doctora
Obstat sexus “el sexo lo impide”. Con esta lapidaria respuesta, anunciaba el Papa Pío XI, por boca de Monseñor Aurelio Galli, su negativa a que Teresa de Jesús fuese declarada Doctora de la Iglesia, allá por el año 1923.

Pero por fin, fue votada su admisión por unanimidad y el Papa Pablo VI, aprueba el doctorado el 2 de julio de 1969, y el 2 de marzo de 1970 la Orden Carmelitana Descalza recibe de la Santa Sede la comunicación oficial» siendo la primera mujer que recibía esta distinción.

Teresa como doctora. Carmelitas Descalzas de Antequera

Junto con san Juan de la Cruz, se la considera la cumbre de la mística experimental cristiana

San Juan de la Cruz, a los 25 años el 1567, es ordenado sacerdote y se traslada a Medina para cantar su primera misa; allí se encuentra casualmente con Santa Teresa que tenía entonces 52 años y ya es fundadora.
La intuición de la Madre fue certera y nunca quedó desmentida. Desde entonces los dos grandes autores místicos de la Cristiandad caminan juntos en la historia del Carmelo

LA VIRGEN Y LOS SANTOS CARMELITAS

Nuestra Señora del Monte Carmelo con Santa Teresa de Jesús, Santa María Magdalena de Pazzi, San Ángel de Sicilia y San Simón Stock, óleo de Pietro Novelli conservado en el Museo Diocesano de Palermo.

Escudo de la Orden

FUENTES:

Libro de la Vida


https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_de_Jesús


file:///C:/Users/ch/Downloads/TESIS448-140205.pdf Iconografía de Santa Teresa


https://www.abc.es/local-castilla-leon/20140818/abci-tras-arte-santa-201408181050.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Orden_de_los_Carmelitas_Descalzos

La Virgen del Pilar

La Virgen del Pilar es una advocación mariana patrona de la ciudad de Zaragoza, cuyo origen es un campamento romano de nombre Cesaraugusta en cuya base los romanos se asentaron en lo que era conocido como Iberia Citerior en la cuenca mediterránea, en contraposición a Iberia Ulterior, como eran conocidas las tierras interiores de la península ibérica. Con la invasión musulmana, la ciudad creció y pasó a llamarse Saraqusta; un derivado árabe de Cesar Augusta, y de ahí con la reconquista cristiana empezó a conocerse como Zaragoza.

Aparición de la Virgen al apostol Santiago, de Goya , parroquial de Fuendetodos (Zaragoza)

La leyenda sobre sus orígenes se remonta al año 40, cuando, de acuerdo con la tradición cristiana, el 2 de enero la Virgen María se apareció a Santiago Apóstol en Caesaraugusta.

El pilar Foto: Heraldo de Aragón

María llegó a Zaragoza «en carne mortal» —antes de su Asunción— y como testimonio de su visita habría dejado una columna de jaspe conocida popularmente como «el Pilar». La Santa Columna con su funda de plata de caña alta, cubre completamente la parte visible del Pilar

Adoración a la Virgen por Santiago y sus discípulos , Francisco de Goya. Museo de Zaragoza

Se cuenta que Santiago y los siete primeros convertidos de la ciudad edificaron una primitiva capilla de adobe a orillas del Ebro. La primera vez que se menciona la Virgen del Pilar a orillas del Ebro es en una bula papal en el siglo XIII, del Papa Bonifacio VIII, donde todavía no tiene el nombre de Pilar sino el de Nuestra Señora María, una virgen de culto mozárabe

la ciudad romana de Cesaraugusta

La comunidad cristiana de Cesaraugusta se remonta a hace siglos. Ya en el siglo cuarto después de cristo se documenta su existencia en el epistolario de San Cipriano.

Concilio de Toledo

Probablemente sus fieles seguían la corriente arrianista, que después se transformó en el cristianismo de la Edad Media.( Con la llegada de los visigodos a Hispania se suscitaron numerosos conflictos religiosos entre las dos principales doctrinas de la época: el arrianismo y el catolicismo romano. Gracias a los Concilios de Toledo, a la conversión del rey Recaredo y a mártires como San Hermenegildo, paulatinamente el reino visigodo experimentó una transición unificadora hacia el catolicismo.)

Ermita de Gañarul, Campo de Borja, Zaragoza
Ejemplo de como pudo ser la primitiva ermita de la Virgen

Fue entonces cuando la ermita fue sustituida por un templo mudéjar tipo colegiata que ya incluía todos los elementos de una construcción religiosa importante y, a mediados del siglo XVI.

Esta colegiata se transformó en la basílica que conocemos hoy día, de estilo gótico- mudéjar: El arzobispo Alonso de Aragón, hijo de Fernando el Católico, fue el responsable de transformar la iglesia en estilo gótico

Tímpano románico recolocado en la fachada

Actualmente el único vestigio conservado del templo románico del Pilar es el tímpano de la iglesia, que ha sido colocado en la fachada sur de la basílica barroca.

Fachada sur
Vista de las cúpulas y torres

Presbiterio con el retablo

La basílica consta de una base de tres naves de igual altura cubiertas por bóvedas que descansan sobre robustos pilares. El exterior es de ladrillo aragonés y el interior está revocado en estuco. con crujías en forma de columnas o pilares que ayudan a distribuir el peso de los arbotantes y de las cúpulas centrales

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el magnífico retablo tallado por Damián Forment (1512-1518)

El altar está presidido por el retablo mayor de la Asunción, de marmol y fue realizado por Damian Forment en el siglo XVI.

Capilla de la Virgen del Pilar

Bajo las dos cúpulas elípticas de la nave central se dispuso la capilla dedicada a la Virgen del Pilar, que alberga también su talla o imagen, en una columna o pilar de mármol.

La talla actual de la virgen del Pilar es una escultura del estilo gótico tardío franco- borgoñón atribuido a Juan de la Huerta, imaginero de Daroca y está colocada encima de una columna de jaspe forrada de bronce y plata de 1, 77 metros de altura

Está hecha de madera dorada de 36 cm de altura cubierta por un manto desde los pies de la imagen de la Virgen hasta la base vista de la columna o pilar. Los días 2, 12 y 20 de cada mes a la Virgen se le quita dicho manto y es visible en toda su superficie.

La estatua de la Virgen del Pilar lleva una túnica gótica abotonada ceñida en la cintura con un cinturón con hebilla que llega hasta sus pies.

La imagen en la actualidad

En la mano derecha lleva una pequeña estatua de un niño con un pajarito y su cabeza de pelo ondulado se cubre con un paño o túnica. A sus pies lleva una estatua de dos ángeles de plata esculpidos por Diego Arnal.
Se cree que la pieza actual sustituye a la Virgen original, quizá de la época en la que se sitúa “la Venida”, que presumiblemente ardió en el incendió que sufrió el templo en 1434-1435, que también destruyó el retablo de la capilla en la que se veneraba.

Además, en su interior, tiene un coro, un órgano y un retablo de marmol con un relieve barroco que representa a la Virgen, en el trasaltar.

Humilladero

En la zona posterior de la basílica se abre el humilladero donde los fieles pueden venerar la Santa columna a través de un óculo abierto.

Óculo por donde se visualiza la columna
Cúpula central

La Basílica, también custodia varias capillas dedicadas a santos y la cúpula Regina Martirum, pintada al fresco por el aragonés Francisco de Goya.

Durante la Guerra Civil en 1936, cayeron tres bombas, de 50 kilogramos cada una, sobre las torres de la Basílica del Pilar. Una de ellas quedó clavada en la Basílica del Pilar, otra atravesó el techo y la última llegó a penetrar la bóveda del coreto de la Virgen y causar serios daños en el marco dorado de La adoración del nombre de Dios, de Goya. Ninguna de ellas llegó a estallar ni causar daños de consideración, hecho que fue atribuido a un milagro de la Virgen.

Festividad de la Virgen del Pilar en Zaragoza

El veinte de mayo de 1642 Zaragoza proclamó a la Virgen del Pilar patrona de la ciudad, patronazgo que se extendió a todo el reino de Aragón en 1678 y en 1916 se la nombró patrona del cuerpo de la guardia civil y del cuerpo de correos y telégrafos.

Grabado de Goya de la serie de “Los desastres de la Guerra” Agustina de Aragón

En el siglo XIX durante la ocupación francesa, el pueblo incrementó su devoción hacia la Virgen, ya que el sitio de Zaragoza por parte de los franceses fue particularmente cruento y duro y los zaragozanos se encomendaron a su Virgen para que les defendiese de las tropas francesas.


Frescos de Francisco de Goya en la Basílica del Pilar

“La adoración del Nombre de Dios”

Dos grandes frescos suponen la huella de D. Francisco de Goya y Lucientes en el Santo Templo del Pilar. El primero de ellos es el titulado “La adoración del Nombre de Dios”, con un estilo clasicista, una composición muy cuidada y unos tonos muy suaves que encajan, visualmente, a la perfección con el entorno. El lugar es la bóveda del coreto que hay enfrente de la Capilla de la Virgen del Pilar (extremo Oeste de la Basílica) y que, algo arqueada, simula ser casi un plano. El año de su finalización es 1772 y en ella plasma la influencia que dejó en él el conocimiento de la pintura italiana, sobre todo en sus formas y tonalidades.

“Regina Martirum” (Reina de los Mártires)

El segundo de los frescos es una composición colorista, imaginativa e innovadora, nada que ver en estilo con la primera hasta el punto de que se podría dudar que ambas hubieran salido de las mismas manos. Su título es “Regina Martirum” (Reina de los Mártires) y el espacio que ocupa es media esfera completa (una cúpula) con un espacio vacío en su centro (el espacio que ocupa su linterna), en el lado Norte del templo, casi en línea con la Columna de la Virgen y a casi cincuenta metros de altura. Este dato será determinante para la genialidad que el autor plasmó en lo que muchos consideran los inicios del estilo impresionista

Regina Martirum detalle

Era el año de 1781. Pero aquí Goya se pondrá a innovar. El genial pintor tiene en cuenta que su obra sólo podrá contemplarse a casi 50 metros de altura, y crea unas figuras prácticamente desdibujadas, pintadas con brochazos largos y a veces únicos, pinceladas gruesas, etc. aunque en una composición muy bella y colorista. Visto a distancia, el resultado es perfecto, pero desde el andamio se descubre otra cosa. Lo que era realmente una genialidad, que iba a marcar un antes y un después en el genio de Fuendetodos y cuya técnica iba a influir definitivamente en el paso hacia el impresionismo.

FUENTES:

Advocaciones Marianas: Virgen del Pilar


http://www.basilicadelpilar.es/espacioGoya.htm


https://www.guiarepsol.com/es/viajar/nos-gusta/basilica-del-pilar-de-zaragoza/


https://www.zaragozago.com/iglesias-zaragoza/basilica-pilar/