Pequeña Historia de la Música II: del barroco al impresionismo

“The musiciens” Caravaggio (1595-1596) Metropolitan Museum of Art, Nueva York

BARROCO 1600-1750

 

La música en el período musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Se considera que nació en Italia y se extendió su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío.También se entiende en el período comprendido, musicalmente, entre la primera ópera de Monteverdi, “Orfeo” (1607), hasta la muerte de Juan Sebastián Bach ( 1750)

 

Escena de la representación de una ópera barroca en Praga

 

En esta época el poder reside en la aristocracia y en la Iglesia, del que harán ostentación  mediante la organización de grandes espectáculos en los que será importantísima la presencia de la música.

Se crean teatros y salas de conciertos de carácter público que irán fomentando el desarrollo de la música.

 

Jan Miense Molenaer (1610- 1668),”Retrato de la familia del pintor tocando música”c. 1636 (Museo Frans Hals, Haarlem).

 

Discípulo  Franz Hals y muy influenciado por Rembrandt, este pintor holandés, pintó escenas de género que a menudo representan músicos tales como “Los Músicos” (Museo de Bellas Artes de Budapest), “El Dúo” (Museo de Arte de Seattle), o “Retrato de la familia del pintor tocando música” (Museo Frans Hals). Tambien otras escenas populares, sobre todo desarrolladas en tabernas.

Además, en este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos además de mas cromatismo y expresividad,  la aparición del  bajo cifrado y el bajo continuo, como principales avances.

EL BAJO CONTINUO

 

 

El bajo continuo es una técnica de acompañamiento, que sirve para sostener la tonalidad y evitar que la línea melódica de la pieza sonara sola.

Se trata de un sistema de cifrado armónico que permitió simplificar la escritura instrumental y liberar a la voz principal de las servidumbres del contrapunto, reducido ahora a un simple acompañamiento.

Para su ejecución se requieren dos instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola da gamba, violoncelo, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín, órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías

Como consecuencia, aparece el bajo cifrado que consiste en un sistema de representación mixto en que bajo una línea convencional de bajo se escriben cifras que representan los acordes que deben realizarse simultáneamente con dicha línea grave. Es decir, es un lenguaje de abreviaturas armónicas.

GÉNEROS Y FORMAS

 

Aparecen nuevos géneros como la Ópera , el Oratorio,  el Ballet, la Sinfonía, la Sonata y el Concerto Grosso entre otros.

OPERA

 

 

La ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicalizada, en la que se suceden números de cuatro tipos: Recitativos (donde el diálogo entre interpretes va avanzando) Arias (nucleo principal, interpretadas por solistas), números instrumentales o bailados  y coros. Como ya  comentaré despues, su iniciador fué Monteverdi.

 

ORATORIO

 

 

Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era escenificado. Dos ejemplos importantes son “el Mesías” de Haëndel y “la Pasión según San Mateo” de Bach.

MOTETE

 

 

Philippe Jaroussky: “Ave Regina coelorum”motete de Andrea Mattioli

El término, se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto, pero que en el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia

 

TOCATAS

 

“Tocata y fuga en Re menor” J.S.Bach

 

Tambien llamadas preludios y fantasías, son piezas para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter improvisado, que solían ir seguidas de una “fuga o ricercare”(término que significa descubrir)

SONATAS

 

Es una composición, para uno o mas instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para la o las voces mas altas, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd…) Las había de “cámara”(civiles) u de “chiesa”eclesiásticas.

EL CONCERTO GROSSO

 

Es sinómino de la actual orquesta, que apareció a finales del S.XVII, en Italia, compuesta en partituras de tres o cuatro pentagramas, que podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos. Se alternaba pasajes para toda la masa orquestal  (el tutti)con otros para solistas (un concertino).

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Arcangelo Corelli

Nacidos en la Escuela de Bolonia, fueron difundidos por Europa por Arcangelo Corelli, ganando, mas tarde, los solitas con mas protagonismo con las formas: Allegro-Adagio-Presto fijadas por Vivaldi.

 

LA SUITE Y EL BALLET

 

 

Jean Baptiste Lully – “Idylle sur la paix” escena del film: “Le Roi danse”

 

(En este fragmento, vemos al rey interpretando una obra de Lully, rodeado de su corte y con una espectacular escenografía).

 

La suite se derivó de los “ballets de cour” de la corte francesa de Versalles y es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas

A partir de lo anterior, en 1661, Luis XIV estableció la escuela de ballet barroco: Academia Real de Danza.La ópera formó su propia compañía en 1669, siendo el ballet una extensión de ella. Señalar qué diferentes movimientos actuales del ballet fueron creados por Luis XIV quién era un asiduo bailarín y que tuvo por maestro de danza a Lully

En la década de 1670 se logró una ópera nacional francesa en la que los tipos de representaciones eran varios: ballet de cour, la comédie-ballet, pastorale, la tragédie lyrique, la opéra-ballet, la opéra comique.

 

Su secuencia mínima clásica incluía:

Obertura inicial

Allemande: danza alemana de compás cuaternario

Courante:  más rápido que el anterior, de compás ternario

Sarabande: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.

Giga: danza rápida en diversos compases, de origen irlandés.

Se podía añadir una  más otras danzas tras la giga, elegidas libremente, como por ejemplo:

Minuetto: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués

Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema

LOS INSTRUMENTOS

 

 

Evaristo Baschenis, Instrumentos musicales, Siglo XVII.

 

 

El Barroco realizó la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos más flexibles y vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término.

Nacida durante el siglo XVI en ambientes populares, la familia del violín (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el S.XVII

 

 

Herramientas de luthiers

Hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivarius y los Amati.

Paralelamente a ella sobrevivió  la fabricación de violas da gamba, extinguidas sin embargo hacia el final del periodo.

Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.

Por otra parte, se siguen utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa, ambos sin pistones.

 

“Boy playing the flute” Judith Leyster  (1609–1660) donde se puede ver una flauta travesera

Los precursores del piano:

Clavecín

 

Carl Philipp Emanuel Bach (hijo de Johann Sebastian Bach) fue un gran compositor de obras para clavicordio.

En cuanto al  clavecín o clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado del piano moderno

 

Dos oleos de Vermeer, donde aparecen los instrumentos, anteriormente descritos

 

“El tamborilero desobediente” Nicolaes Maes hacia 1655 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

 

 

 

“Tres músicos” de Diego Velazquez 1617  Gemäldegalerie de Berlin

La música barroca se clasifica en 3 fases: barroco primitivo medio y tardío teniendo sus propios matices en cada periodo.

BARROCO PRIMITIVO 1600-1650

 

El Renacimiento,daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera. El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental

 

“L´Orfeo” por Jordi Savall

 

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Fue un compositor italiano protagonista en la transición entre la música del Renacimiento al Barroco. A los quince años compuso su primera obra. Sus óperas más famosas llegarían años después, tales como: La fábula de Orfeo, L’Arianna, La coronación de Popea y El regreso de Ulises a la patria.

 

 

BARROCO MEDIO (1650-1700)

Jean-Baptiste Lully (1632-1687)

 

 Compositor, instrumentista y bailarín italiano, ligado a la figura y reinado de Luis XIV. Iniciador de la ópera en Francia y creador de la Tragedia Lírica

obras:

Ballet Royal d’Alcidiane, 1658

El burgués gentilhombre, 1670, basado en la obra de Moliére

Cadmus et Hermione, 1673 entre muchas otras

Escena de “Le Roi danse”

El peso de la batuta de este compositor francés pudo con él, literalmente. La pesada barra de hierro que portaba para marcar el compás en la orquesta se le cayó en el pie, y debido a las heridas que le produjo el accidente, murió por gangrena.

 

 

Dietrich Buxtehude (1637-1707)

 

compositor y organista germano-danés de música académica europea del barroco. Sus obras para órgano forman parte del repertorio habitual para este instrumento y frecuentemente se interpretan en recitales y misas

 

 

Johann Pachelbel (1653-1706)

 

Se encuentra entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo.

Entre sus numerosas composiciones hay que mencionar su célebre Canon en re mayor, escrito para tres violines y bajo continuo, obra que ha sido objeto de numerosas grabaciones. Además de componer una gran cantidad de obras sacras y seculares, contribuyó al desarrollo del preludio de coral y fuga.

 

Arcangelo Corelli (1653-1713)

compositor y violinista italiano, uno de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. Compuso también Sonatas tanto de cámara como de iglesia. Corelli fue uno de los primeros compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal.

 

 

Henry Purcell (1659-1695)

Considerado uno de los mejores compositores ingleses de todos los tiempos, incorporó a su música elementos estilísticos franceses e italianos. En 1683  fue nombrado organista de la Capilla Real y constructor de los Órganos Reales. Compuso “Dido y Eneas”, importante ópera inglesa.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

 

Jugó un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera, contribuyendo a perfeccionar las formas del “aria da capo” y de la obertura italiana de tres movimientos.

 

 

“Fandango” de Scarlatti

 

 

BARROCO TARDÍO (1700-1750)

 

El barroco en la música, al contrario de otras ramas del arte, pervive un poco más en el tiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII, cuando mueren los últimos grandes exponentes de la época barroca

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Fue un músico y compositor italiano, considerado por muchos como el creador del concierto. Compuso alrededor de 770 obras entre conciertos y óperas pero es especialmente conocido por ser el autor de “Las cuatro estaciones”, una serie de conciertos para violín y orquesta.

Además de la obra destacada, caben mencionar: Gloria, Bajazet, Motezuma, Credo, Orlando Furioso...

Concierto para dos mandolinas en Do mayor

 

 

 

Jean Philippe Rameau (1683-1764)

 

Es el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach estableció el sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Sus obras son la cumbre del Barroco francés.

 

Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia, 1669- 1751)

Escribió una cincuentena de óperas, de las cuales 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740, pero actualmente es más conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para oboe.

 

“Adagio en G minor”

 

Su fama se incrementó en gran medida con la publicación del conocido como “Adagio de Albinoni,” compuesto en 1945 por el musicólogo italiano Remo Giazotto, que se había basado en unos fragmentos de un movimiento lento de una sonata a trío para cuerdas y órgano de Tomaso Albinoni, presumiblemente encontrados en las ruinas de la Biblioteca de Dresde tras los bombardeos de la ciudad acaecidos en la Segunda Guerra Mundial.

 

 

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

 

El alemán Johann Sebastian Bach es considerado el gran maestro del contrapunto.

Los diez mejores fragmentos de obras de Bach

Su obra es considerada como la cumbre de la música barroca, y sus composiciones más importantes están entre las más destacadas de la historia de la música.

Entre ellas se encuentran: Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, El arte de la fuga, La Pasión según San Mateo, Ofrenda Musical...

Órgano de Joseph Gabler, Basilica de St. Martin. Weingarten, Germany

 

Gabler fue uno de los constructores de órganos más importantes del sur de Alemania durante el período barroco.

“Vox humana” tocada en el órgano de Weingarten, en una adaptación del “concerto en fa minor” de J.S. Bach (BWV 1056).

Toda clase de mitos rodean al Gran Órgano en Weingarten, como la leyenda de  “Vox-humana”, que tiene su razón en la pregunta de si es posible imitar la voz humana por medio de un registro de órgano, hecho relacionado con el mismo demonio.

Georg Friedrich Haëndel (1685-1759)

 

El alemán Georg Friedrich Haëndel es considerado uno de los compositores más influyentes de la música universal. Händel sintetiza en sus obras los principales estilos nacionales de su época de forma sencilla.

Rinaldo y Armida de Nicolás Poussin (1628)

Fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra, donde pronto se dio a conocer como autor de óperas italianas. El extraordinario triunfo de la segunda de su autoría, Rinaldo, le decidió a afincarse en Londres a partir de 1712.

 

“Sarabande”

 

 Hay numerosas obras destacadas en su enorme producción, por ejemplo: Aggripina, Rodelinda, Esther, Salomón, El Mesías, Judas Macabeo o Jephtha.

 

LOS CASTRATI

 

Farinelli y Caffarelli

Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano, Es la denominación que se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralto). De este modo se lograba aunar la aguda voz infantil, con las cualidades de un intérprete adulto que un niño difícilmente podía igualar: mayor potencia pulmonar, pleno dominio de la voz y la sabiduría propia de la edad.

Algnos de los castratis mas famosos fueron: Caffarelli, Senesino, Carestini y Farinelli, siendo el último castrato de la Capilla Sixtina,  Alessandro Moreschi, que se retiró oficialmente en marzo de 1913.

 

Farinelli, cuyo nombre era  Carlo Broschi, terminó viviendo casi 25 años en España. Su voz, empleada por la reina para curar al Rey Felipe V, el primer Borbón, de su depresión melancólica, le ganó tanta influencia con este, que éste no sólo acabaría dándole poder, sino el nombramiento oficial de primer ministro.

 

Lascia ch’io pianga – “Rinaldo” (1711) de Georg Friedrich Händel. del film “Farinelli”

 

En la escena aparece Farinelli cantando una pieza de Händel, asi como a este compositor escuchandole en un palco, tras lo cual,  parece que sufre un ataque. (Realmente el músico fué victima de un ictus, en la vida real.) También se visualiza la castración, cuando era un niño, práctica muy habitual en aquella época.

Música barroca

 

 

CLASISISMO (1750-1800)

 

Rudolf Alfred Hoger: “Das Hofkonzert”.

El Clasicismo comprende las fechas que van de la muerte de Bach (1750) a la muerte de Beethoven (1827). Este periodo vendrá marcado por la Ilustración. La burguesía adquiere poder económico y mostrará interés por la música pagando a los artistas y liberándolos de un mecenas aristocrático. Las actividades musicales se desarrollan en diferentes espacios de carácter público y casas de la nueva burguesía.

Las composiciones musicales se ven inspiradas por la búsqueda de la belleza y perfección armónica propia de la época clásica.

 

 

GÉNEROS MUSICALES

Sus principales representantes fueron:

Franz Joseph Haydn. (1732-1809)

 

Fué un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clásico, además de ser conocido como el “padre de la sinfonía” y el “padre del cuarteto de cuerda”

Su obra evolucionó, desde el estilo del barroco tardío, durante seis décadas, presentando cada vez mas complejidad.

Además de escribir sinfonías de estructura claramente clásica, escribió sonatas para pianoforte, el nuevo instrumento de teclado en plena fase de perfeccionamiento

De sus 106 sinfonías, entre las que destacan la número 45 o “Sinfonía de los adioses”, las doce “Sinfonías de Londres” -entre las que cabe destacar “La sorpresa”, y “la Militar”, asi como “El reloj” , además de 50 sonatas cuartetos y tríos de cámara. óperas, misas y oratorios, como “La Creación” y “Las Estaciones”y “El Himno del emperador”

 

 

 

Luigi Rodolfo Benito Boccherini ( 1743-1805)

Fue un compositor y violonchelista italiano afincado desde los veinticinco años en España, donde desarrolló la mayor parte de su carrera como compositor. Estéticamente pertenece al estilo galante. Su contribución a la historia de la música es muy importante, ya que fue el mentor del quinteto de cuerdas, en su caso con doble violonchelo

´Durante su estancia en España, en 1769, Boccherini es nombrado violoncelista y compositor de la capilla real del infante Luis Antonio (hermano de Carlos III). Con este nombramiento comienza la etapa de mayor creación musical del artista.

 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

 

Este compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, es considerado uno de los músicos más influyentes de la historia. Sus obras (unas 600 creaciones) abarcan todos los géneros musicales y son la mayoría reconocidas como obras maestras. Fue un niño prodigio y murió joven, con apenas 35, las extrañas circunstancias de su muerte la han elevado a la categoría de mito. Entre sus obras destacaremos: Réquiem, Don Giovanni, Sonata para piano nº 11, Lacrimosa, Concierto para clarinete, El rapto en el serrallo.

 

 

“La flauta mágica” Diana Damrau, en una increíble interpretación como la Reina de la Noche o “Der Höle Racht”

 

 

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

 

Nacido en Bonn, Alemania. Beethoven es uno de los más grandes y reconocidos compositores de la historia de la música y también es considerado el último gran representante del clasicismo vienés. Al igual que Mozart, expresa su arte en numerosos géneros, pero quizás el más destacado sea el de las sinfonías, de las que llegó a componer 9. He aqui una muestra:

“Sinfonía nº 6  Pastoral” “the storm”, dirigido por Herbert Von Karajan, con la Berliner Philharmoniker

Además de entre sus numerosísimas producciones musicales, destacan: Para Elisa, Himno a la Alegría de la Sinfonia nº 9, Sonata para piano nº 14, su única ópera: Fidelio, Sinfonía nº 3 “la Heroica”la Sinfonía nº 5 o del “Destino”, su obra mas popular y difundida.

 

 

 

Como comentábamos al principio, estos son solo algunos de los grandes compositores de la historia. Sin embargo, para un verdadero amante de la música existe una gran cantidad de nombres y obras que no deben pasar inadvertidas, entre ellos podemos citar a:

Los alemanes Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christoph Friedrich Bach y algunos otros hermanos -hijos del compositor barroco Johann Sebastian Bach-, Christoph Willibald Gluck y Georg Friedrich Fuchs; los italianos  Muzio Clementi, Niccolò Paganini -virtuoso violinista además- y Luigi Cherubini; así como el español Juan Crisóstomo de Arriaga, entre otros.

ROMANTICISMO

 

En este periodo desarrollado a lo largo del siglo XIX la música deberá tener el máximo carácter expresivo posible, capaz de dar rienda suelta a las emociones del público.

Piano Pleyel, en el Museo del Romanticismo de Madrid

El instrumento por excelencia para transmitir dichas cualidades será el piano, por su carácter intimista, capaz de crear atmósferas personales sin necesidad de otros instrumentos; una persona, un instrumento.

Las dos tipologías musicales que se crean son la sinfonía programática, desarrollada en función de un argumento literario y el poema sinfónico, pieza de breve duración que expresa musicalmente un tema en concreto.

Se establece una nueva ordenación de grandes orquestas con 60 -75 músicos de diferentes familias para componer grandes sinfonías

Sus figuras mas destacadas son:

Franz Schubert (1797-1828)

 

Este gran compositor austríaco es considerado el introductor del Romanticismo. Fue famoso por componer lieder (breves composiciones para voz y piano), música de cámara, piano y orquestal. Entre sus composiciones destacan: Sinfonías Nº 5, Nº 8 (“Inconclusa”) y Nº 9 (“La Grande”), los tres ciclos de canciones (“El viaje de invierno”, “La bella molinera”, y “El canto del cisne”) y las Sonatas para piano D.958, D.959 y D.960.

 

 

 

Félix Mendelssohn (1809-1847)

 

Compositor alemán, una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. A los 9 años debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición.

Compuso la obertura “Sueño de una noche de verano” cuando tenía 17 años y la obra completa que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después.

 

Mendelssohn: Piano Concerto No.1 in G Minor, Op.25 (1st mov)

 

 

Frédéric Chopin (1810-1849)

 

Pianista polaco, fue además uno de los compositores más influyentes del Romanticismo. Su técnica, su estilo y armonía han sido comparados innumerables veces con las de grandes maestros de la historia musical como son Beethoven o Mozart. Sus principales obras: Sonata para piano Nº 1 en do menor, Concierto Nº2 para piano, Concierto Nº1 Para piano, Tres Nocturnos, Sonata Nº2 para piano en si bemol menor, sonata Nº3 para piano en si menor…

Robert Schumann (1810-1856)

Pianista frustrado por una lesión en sus dedos, se dedicó a componer siendo sus composiciones para piano, expresiones musicales sobre estados de ánimo. Con excepción de la “Fantasía en do mayor” (1836) y los “Estudios sinfónicos” (1854), sus obras para piano son colecciones de piezas cortas. Además del “Carnaval”, compuso “Mariposas” (1829-1832), “Escenas de niños” (1838), “Kreisleriana” (1838) y “Álbum para la juventud” (1848). Entre sus obras largas destacan las Sinfonía nº 1 nº 2, nº 3 “Renana” y el Trío para piano (1847).

Franz Listz (1811-1886) 

 

Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

En París conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su “Sinfonía fantástica” y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini.

Tuvo una hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar; Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858

En 1865 le dominó un profundo sentimiento religioso, que le llevó a recibir las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios “La leyenda de santa Isabel de Hungría” y “Christus”

Además sobresalen las sinfonías “Fausto” y “Dante”, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los preludios, Mazeppa, Orfeo) asi como sus Rapsodias, la mas célebre, la”Rapsodia hungara Nº 2″

 

“La Campanella”

 

 

 

 

Johannes Brahams (1833-1897)

 

En una época en que la división entre partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Brahms encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la tradición clásica y de la primera generación romántica, opuesta a los excesos y las megalomanías wagnerianos.

La relación de Brahms con Clara Schumann se remonta a la primera etapa de su vida, si bien ella ya estaba casada con Robert Schumann. y cuando este fue ingresado en un psiquiátrico, Brahms se ocupó de Clara y sus hijos,

Brahms, que al principio de su carrera se había centrado casi exclusivamente en la producción pianística, abordó entonces las grandes formas instrumentales, como sinfonías, cuartetos y quintetos y donde se advierte más claramente su inspiración romántica es en sus numerosas colecciones de lieder y en las danzas húngaras (alemán: Ungarische Tänze) (WoO 1), es un grupo de 21 alegres danzas, basadas su mayoría en temas húngaros. Las danzas 11, 14 y 16, son originales

 

 

“Danza húngara nº 5 

 

 

 

Hector Berliotz (1803-1869)

 

   Su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria.

La orquesta, sobre todo, se convierte en la gran protagonista de la obra: una orquesta de una riqueza extrema, llena tanto de sorprendentes hallazgos tímbricos como de combinaciones sonoras novedosas

Fue tal el éxito conseguido por su “Sinfonía fantástica” que inmediatamente se consideró a su autor a la misma altura que Beethoven, (comparación bastante exagerada)

 

“Síinfona fantástica, 2º mov, dirigida por Leonard Bernstein

En la década de 1830, a pesar del fracaso de su ópera “Benvenuto Cellini”, otras sinfonías programáticas incrementaron la fama de Berlioz: “Harold en Italia”, basada en un texto de lord Byron, un monumental “Réquiem” y la sinfonía coral “Romeo y Julieta”, basada en el Romeo y Julieta de Shakespeare. Su ópera “Los Troyanos”, nunca llegó a verla representada, por lo que los últimos años de vida de Berlioz estuvieron marcados por el sentimiento de que había fracasado en su propio país.

 

 

 

Richard Wagner (1813-1883)

 

A destacar también al compositor alemán Wagner que además por sus otras muchas actividades: director de orquestas, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical. Wagner no solo compone sus óperas, sino que asume el libreto y la escenografía. Sus óperas principales son: La Valquiria Tannhäuser , El holandés errante, El anillo del nibelungo , Tristán e Isolda y Parsifal, siendo el compositor que llevó a su apogeo el género de la ópera

 

 

“El ocaso de los Dioses”, marcha fúnebre de Sigfrido

 

 

 

 

NACIONALISMO

El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia.

Mikhail Glinka

Famoso por su ópera “Una vida para el zar” alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como “El Grupo de los Cinco”

 

Brahms  Glinka Mahler Dvorak

El Grupo de los Cinco

De este grupo de cinco, solo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, ambos poco conocidos.

 

“Danzas polovtsianas del Príncipe Igor”

Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición “En las estepas de Asia Central” y por “Bailes polovtsianos de su ópera Príncipe Ígor”.

Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano “La noche en el Monte Pelado” y “Cuadros de una exposición”, que posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.

 

 

“Los cuadros de una exposición: la cabaña sobre patas de gallina (Baba Yaga)

 

 

 

El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más importantes fueron la ópera “El gallo de oro” y su famosa suite orquestal “Scheherezade”. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura “Gran Pascua rusa” e influencias de la música tradicional asturiana o andaluza en su “Capricho español”.

 

 

“El vuelo del moscardón”

 

 

Piotr Ilich Tchaikovski (1840-1893)

 

 

Fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color brillantes. Su sexta sinfonía “Pathetique” es muy conocida,y “El concierto piano nº 1” y realizó, también la música de tres famosos ballets: “El cascanueces”, “La Bella Durmiente” y “El lago de los cisnes”

 

 

“El Casaca nueces” Danza del Hada de Azucar por Nina Kaptsova, Bolshoi Ballet

En otros países destacaron:

Bedřich Smetana  (1824 –  1884)

“El Moldava”

Fue un compositor nacido en Bohemia, región que en vida del músico formó parte del Imperio austrohúngaro. Fue pionero en el desarrollo de un estilo musical que quedó íntimamente ligado al nacionalismo checo

Sus obras mas conocidas son:: “La novia vendida”, “Mi patria” y”El Moldava” entre muchas otras.

Antonín Dvořák 1841-1904  

 

 

Considerado el principal representante del nacionalismo checo en la música. sin duda, su obra más célebre es la “Sinfonía del Nuevo Mundo” de la que vemos y oímos un fragmento, dirigido por Claudio Abbado  y también “las danzas eslavas”

 

En los Paises Nórdicos surgieron:

Jan Sibelius (1865-1957)

Se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una identidad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia.

Sus composiciones más conocidas son Finlandia, la “Suite Karelia”, “Valse triste”, “el concierto para violín”, “la sinfonía coral Kullervo” “El cisne de Tuonela” y una curiosa música ritual masónica

 

 

“Vals triste”

 

 

Edvard Grieg (1843-1907)

 

 

 

“Peer Gynt”Amanecer

IMPRESIONISMO (1860-1910)

 

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa

se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones, dando mucha importancia  a los timbres

Claude Debussy

 

 

Fue el principal compositor de este movimiento.

Compuso “Preludio para la siesta de un fauno”, “el mar”

Maurice Ravel: (1985-1937)

 

 

Nacido en Francia, su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta, es reconocido como un maestro de la orquestación

 

 

“Bolero” Sylvie Guillem y The Tokio Silvester Concert

 

La célebre bailarina y coreógrafa Ida Rubinstein le había encargado en 1927 un «ballet de carácter español» para el cual el músico adoptó una antigua danza andaluza: el bolero. La obra, que apuesta por durar alrededor de un cuarto de hora tiene sólo dos temas y una cantinela incansablemente repetida

Johann Strauss II ( 1825 – 1899) 

Fue un compositor austriaco conocido especialmente por sus valses, como “El Danubio azul”. Hijo del compositor Johann Strauss I y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss, Johann II es el más famoso de la familia Strauss.

 

Selección de los principales valses de Johahn Strauss

Fue conocido en su vida como «el rey del vals» y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX

 

Isaac Albéniz 1860-1910

 

Compositor catalán, fué un niño prodigio, que debutó como concertista de piano, con gran éxito, a los cuatro años y tras muchas giras por América (viajes que constantemente interrumpían sus clases en el Conservatorio de Madrid), se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. en el Conservatorio de Bruselas, con una beca que recibió del rey Alfonso XII de España,  graduándose en 1879

“El Corpus en Sevilla”, por Lang Lang

Una de sus obras mas importantes fué la Suite ibérica, para piano, que consta de cuatro cuadernos con tres piezas cada uno, entre los que destacan: Evocación, el Puerto, Corpus en Sevilla, el Albaicín, el Polo y Lavapiés, con aires fundamentalmente andaluces, menos la última.

 

“Leyenda, (Asturias)” interpretada por Andrés Segovia

 

Suite Española nº 47, como muchas de las obras para piano de Albéniz, estas piezas son cuadros de diferentes regiones y músicas de España.

Los títulos son: Granada, Cataluña, Sevilla y Cuba. Las demás piezas, Cádiz, Asturias, Aragón y Castilla se publicaron en ediciones posteriores, tras su muerte prematura.

Enrique Granados 1867-1916

 

 

Nacido en Lérida, fué fundador del Orfeó Catalán,que fomentado por el movimiento de mediados de siglo conocido como Renaixença, había penetrado en la vida musical, y los compositores de Barcelona que expresaron estos sentimientos a través de nuevos arreglos de canciones populares tradicionales.

“Goyescas” intermezzo dirigido por Luciano di Martino (Sofía, Bulgaria)

Compositor vinculado a los movimientos modernistas. Es conocido principalmente por su obra pianística, especialmente por la suite Goyescas (1911), en la que basó también la ópera homónima.

Goyescas

Murió en el naufragio de la nave Sussex, en el canal de la Mancha, al ser torpedeada por la armada alemana en el transcurso de la Primera Guerra Mundial.

Manuel de Falla (1876-1946)

 

 

 Representante del nacionalismo musical, es uno de los compositores españoles más importantes de la primera mitad del siglo XX

Nacido en Cadiz, estudió en el Conservatorio de Madrid, trasladandose mas tarde a Paris y allí entró en relación con Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Isaac Albéniz, y Pablo Picasso entre otros. 

 

 

“El amor brujo” del film de Carlos Saura, interpretado por Cristina Hoyos y Antonio Gades

 

Allí compuso sus obras más célebres: la pantomima “El amor brujo”, el ballet “El sombrero de tres picos” (compuesto para cumplimentar un encargo de los célebres Ballets Rusos de Sergéi Diágilev)

 

 

“El retablo de Maese Pedro” escena del Quijote, en un grabado de Gustave Doré.

 

Su estilo fue evolucionando a través de estas composiciones desde el nacionalismo folclorista que revelan estas primeras partituras, inspiradas en temas, y giros andaluces o castellanos, hasta un nacionalismo que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español y al que responden la ópera para marionetas “El retablo de Maese Pedro”

Joaquín Rodrigo (1901-1999)

 

Joaquín Rodrigo nació en Sagunto (Valencia) el 22 de noviembre (día de la patrona de los músicos, Santa Cecilia) de 1901. A los tres años de edad se quedó prácticamente ciego a causa de la infección de difteria, por lo que desde el principio de su carrera, Rodrigo escribía sus trabajos en braille.

 

 

 

Paco de Lucía interpretando el adagio del Concierto de Aranjuez

 

En 1940 tiene lugar en Barcelona el estreno mundial del “Concierto de Aranjuez” para guitarra y orquesta, un ejemplo definitivo de su personalidad musical y una obra que le traería fama universal. Hay que destacar además la aportación definitiva de Joaquín Rodrigo al repertorio para guitarra, logrando su consagración internacional como instrumento de concierto, con una mención especial para su obra “Fantasía para un gentilhombre”

Joaquín Turina (1882-1949)

 

 

Destacado representante del nacionalismo musical en la primera mitad del siglo XX. Junto a Manuel de Falla e Isaac Albéniz produjo las obras más relevantes del impresionismo musical en España.

Turina se inició como profesional en la música mediante un quinteto con piano que había formado con un grupo de amigos.

 

“Danzas fantásticas” tercer movimiento”Orgía”

Tras sus estudios en Paris, Alemania y Madrid, en esta ciudad le contrataron como maestro concertador en el Teatro Real en las mismas fechas que, como compositor, estrenaba las “Danzas fantásticas”, la “Sinfonía sevillana”, “Sanlúcar de Barrameda”, “Jardín de Oriente”, “La oración del torero” y “La procesión del Rocio”

Tambien trabajó como director de orquesta, donde obtuvo grandes éxitos, llegando a dirigir las representaciones de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1918).

   Selección de las 100 obras más famosas de la música …

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_m%C3%BAsica

https://elpincelconlienzo.wordpress.com/2013/07/14/la-musica-en-la-pintura/

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Barroco

https://www.musicosclasicos.com/biografias.htm

https://inmamusic.wordpress.com/2011/02/01/biografias-de-grandes-musicos-de-la-h%C2%AA-clasica/

You Tube: 2 horas de música clásica: https://www.youtube.com/watch?v=Fe9LYCorfiE

Bibliografía:

“Los grandes compositores: sus biografías, su época y su entorno, obras e influencias”. Wendy Thompson. Editar. Omega

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