Pequeña Historia de la Música I: De la Antigüedad al Renacimiento

La música (del griego:  mousikē : «el arte de las musas») es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo

Mosaico de las Musas, casi en perfecto estado, encontrado en la ciudad de Zeugma, en Turquía (cerca de la frontera con Siria).

Procedentes de la mitología Griega, las musas ( mousai), eran aquellas divinidades inspiradoras de la música y el arte. Estas eran un número indefinido pero alrededor de los siglos VII- VIII a.c. fue que terminaron consolidándose como “las nueve musas”. Según la mitología Griega, estas nacieron de nueve noches de amor entre Zeus y Mnemósine. Son compañeras de Apolo, Dios de la música y patrón de las bellas artes

Sus nombres eran:

Calíope ( “La de la bella voz”) Musa de la elocuencia, belleza y poesía épica

Clío (“La que ofrece gloria”)Musa de la historia (epopeya)

Erató (“La amorosa”) Musa de la poesía lírica-amorosa.

Eurtepe (“La muy placentera”) Musa de la música, especialmente el arte de tocar la flauta

Melpómene (“La melodiosa”) Musa de la tragedia.

Pulimnia ( “La de muchos himnos”) Musa de los cantos sagrados y la poesía sacra.

Talía (“La festiva”) Musa de la comedia y la poesía bucólica.

Terpsícore (“La que deleita la danza”)Musa de la danza y la poesía coral

Urania (“La celestial”) La musa de la astronomía, poesía didáctica y las ciencias exactas

Hoy en día el termino musa esta más dirigido a cualquier fuente de inspiración.

“Música y creatividad en la antigua Grecia”

Existen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Se considera que la música además de ser parte de la cultura,promueve un mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios cerebrales. Así.  por ejemplo, el científico español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajál, descubrió que la única actividad que producía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, teoría justificada  por la utilización de ambas manos e incluso los pies en los  pedales

PREHISTORIA

Se sabe que existió música desde el 40.000 a C. La arqueología musical se ocupa, de intentar saber, a través de las pinturas rupestres, qué instrumentos  utilizaban en la Antigüedad

Analizando los restos arqueológicos, también, busca reconstruir (incluso extraer sus sonidos) flautas, silbatos y todo tipo de instrumentos que han aparecido en las excavaciones. y los aspectos musicales y sonoros de la Prehistoria.
El hombre manifestaba sus sentimientos con sonidos que se podrían calificar como canciones, o simplemente golpeando objetos o haciendo sonidos con las propias manos.

Músicos

Esta pintura fue creada en Tassili N’Ajjer, un área montañosa en pleno desierto del Sahara, en el sudeste argelino

Se cree que esta manifestación musical tan incipiente estaba ligada a expresiones que tenían que ver con primitivos ritos supersticiosos, religiosos o mágicos.

Recreación de instrumentos prehistóricos:

El hombre en la prehistoria, fabricó los primeros instrumentos musicales con lo que la naturaleza le ofrecía: cañas, huesos, cuernos, conchas o simples troncos. Se podían clasificar en:

a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos. Son instrumentos de percusión; por ejemplo, hueso contra piedra.

b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos de los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.

c) Cordófonos: son aquellos de cuerda; por ejemplo, el arpa.

d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos es la flauta, en un principio construida con un hueso con agujeros.

.

“La música en la Prehistoria”

MESOPOTAMIA

Estandarte de Ur, detalle III milenio AC. Brithis Museum, Londres

Hay constancia de que hacia el 3000 a. C. en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda

En Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca no sólo en los actos de culto, sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras.

La lira o Kitara se considera el instrumento nacional sumerio. Ya se le representaba a finales del IV aC.

Se hallaron preciosas liras, adornadas con oro, plata y placas de concha con profusión de ilustraciones, en las tumbas reales de Ur .

Las liras de Ur, también llamadas arpas de Ur, están consideradas como los instrumentos de cuerda más antiguos. Datan del año 2400 a. C.

. Estas primitivas liras sumerias son tan grandes que se apoyaban en el suelo (lira de pie sumerio). Su caja de resonancia se construía en forma de toro 

Detalle de la cabeza de toro que decora una de las liras, encontrada en la tumba de la reina Puabi en Ur.

Más tarde esa forma se estilizó, pero la cabeza de toro quedó como ornamento de la  barra delantera (columna)

El arpa o lira que aparece en la imagen, se llama “dorada” y era la mas bonita de las cuatro encontradas en las tumbas de Ur. Se trata de una recreación, ya que por desgracia el original, fué destruido en la guerra de Irak en 2003.

El laúd se denomina, en sumerio, pantur, y en griego pandura, es decir pequeño arco musical.

Llama la atención su largo cuello (laúd de cuello largo) con diapasón, sobre el cual corren de 2 a 3 cuerdas, y su pequeño cuerpo de resonancia, sobre el cual se halla tendido un parche, en forma de media calabaza (también de caparazón de tortuga).

Otros instrumentos utilizados, fueron:

Una peculiaridad la constituyen los grandes timbales de caldero de metal. También conocían el pequeño tambor cilíndrico, que se llevaba verticalmente delante del vientre, y también horizontalmente en caso de tener dos parches, en cuyo caso se golpeaba de ambos lados con las manos, el pequeño tambor de marco (pandereta) y un gran tambor de marco o bombo

EGIPTO

No es fácil conocer con detalle el arte de la música en el antiguo Egipto, puesto que no existen documentos escritos sobre el mismo, y las fuentes provienen de los hallazgos arqueológicos, como pueden ser los jeroglíficos.

Tumba de Nebamun

El testimonio más antiguo que se tiene de la música en el antiguo Egipto es la representación de una danzarina del año 4.800 a.C. Con esto podemos ver que la presencia de la música en el antiguo Egipto, se remonta al periodo neolítico.

Chicas tocando harpa, laúd, oboe y lira con una pequeña aprendiz en el centro. Reino de Tutmosis IV. Alrededor del 1400 – 1390 a.C. Tumba de Djeserkaraseneb (Tebas).

Hacia el año 3.500 a.C. encontramos la primera representación de un instrumento musical del antiguo Egipto, se trata del seba, un instrumento parecido a una flauta que tocaban dos danzarinas

Ostraca de Danzarina contorsionista, Piedra caliza pintada. 1292-1186 A.C. Museo de Turín

La música egipcia intervenía en todas la etapas de la vida, bailarinas y flautistas acompañaban a los trabajadores en el campo o en las fiestas de vendimia.

Particular relieve o desarrollo se daría en los templos y ceremonias religiosas. También se desarrolló la música en el ámbito militar

El arpa o baïnit aparece hacia el año 2.600 a.C. Éste será un instrumento realmente representativo de la música en el antiguo Egipto.

Los instrumentos musicales que destacan en Egipto son: el arpa, la lira, el laúd y el sistro.

Sistro S.VII aC

En el Imperio Antiguo, aparece un instrumento musical de percusión que tuvo una gran importancia, se trata del sistro (sakhm), consistía en una lámina de metal en forma de herradura. Entre los dos brazos de la herradura se insertaban unas varillas metálicas que eran las encargadas de producir el sonido al ser pulsadas.

Para las ceremonias religiosas se utilizaban los crótalos (maïnit), y en las campañas militares.  se tocaba una trompeta (sneb).
En sus luchas contra otros pueblos, como los sirios o nómadas hebreos, los egipcios incorporaron nuevos instrumentos como la lira (knr)
 

Aparecen las primeras siete notas en la notación musical

MUSICA HINDÚ EN LA ANTIGÜEDAD

El primer periodo importante en la música hindú en la antigüedad es la que corresponde al periodo veda. Transcurre entre el año 4000 y el siglo II a.C. Los vedas aportaron conocimientos en muchas materias, y una de ellas fue la música.

Aparecen multitud de himnos sagrados que se han reunido en el Rig Veda o el Sãma Veda. Estos cantos se interpretaban con una técnica tonal propia.

200 años antes de nuestra era, se escriben los primeros tratados de teorías musicales, entre ellos está el Bharatanâtyasâstra.

CHINA ANTIGUA

Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración. Todas las dinastías le dedican un apartado especial.

De la música china en la antigüedad no tenemos muchos testimonios hasta que no aparece la segunda dinastía histórica, la dinastía Zhou (1050 – 250 a.C.) y acompañaba, al igual que ocurría en otras civilizaciones, toda clase de ritos religiosos, tanto budistas como taoistas.

La dinastía Song (960 – 1279) se pudieron recuperar numerosos textos sagrados musicales, y lo más importante, se creó el género lírico de la poesía ci.

La pintura del templo Baoning en el pueblo Youyu,  muestra una escena que el grupo de teatro de la dinastía Yuan  con accesorios y intrumentos musicales.

Con la dinastía Yuan (1279 – 1368) aparecen las primeras formas operísticas, que estaban destinadas a ensalzar y recordar las dinastías pasadas y sus hazañas.

Con la dinastía Ming (1368 – 1644) entramos en la Edad Media china y aparece una figura que tendrá una gran importancia en el terreno de la música china en la antigüedad: en el príncipe Cay Yu, que fue el primero en el mundo en crear un sistema de organización musical . La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada
 

De esta época existen numerosas composiciones para cítara china o qin, uno de los instrumentos musicales más populares

GRECIA

Tocador de aulos

Los griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música. Por ello está muy relacionada con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo

Además de estos, vamos a llamarles cantores profesionales, también existía la música popular y la coral, interpretada por grupos de ciudadanos en sus actuaciones o manifestaciones artísticas o rituales.

Homero

Es el nombre dado al aedo o bardo, a quien tradicionalmente se le atribuye la autoría de las principales poesías épicas griegas, como La Ilíada y La Odisea, con las narraciones de las gestas de los héroes micénicos.

De estos textos sacaron la inspiración otros cantores para crear su repertorio, que seguían las melodías tradicionales o nomoi.

Los instrumentos musicales más populares eran la lira y la cítara, pero existía además el aulos (ver imagen). El aulos era un instrumento de viento formado por dos caños dobles en forma de ángulo. Este instrumento se dedicaba a la adoración de Dionisio.

La lira estaba asociada a Apolo, dios de la luz, la profecía, el aprendizaje y las artes, especialmente la música y la poesía

La cítara era una lira grande, utilizada en particular en procesiones y ceremonias sagradas y en el teatro

El aulos consistía en una especie de oboe que se solía tocar por partes. Cada tubo tenía agujeros para los dedos y una boquilla provista de una lengüeta.

La flauta de Pan, también conocida como siringa (en griego συριγξ), Consistía en una serie de tubos de longitud variable que se afinaba cortando los tubos a la longitud deseada. El sonido se produce soplando a través de la única abertura del tubo.

Recreación del hydraulis, instrumento de viento que se manejaba desde un teclado (instrumento de teclado), precursor del actual órgano tubular. Tal y como indica su nombre, el instrumento utilizaba el agua para mantener un flujo constante de aire a través de sus tubos

En el siglo VII a.C. aparece la poesía lírica, llamada así por acompañar los textos con música interpretada con la lira, Otros instrumentos musicales de la antigua Grecia son el arpa, sambyke o magadis, y sus formas menores, pectis y barbitós.

William-Adolphe Bouguereau. “The Youth of Bacchus”, 1884 

A finales de VI a.C, en el terreno  de la música,  aparecen el ditirambo y el drama, sumamente importantes ambos, por la trascendencia que tuvieron en la historia universal.

El ditirambo, creado en el culto a Dionisio, consistía en unos bailes y cantos acompañados por el aulos.

Teatro de Epidauro

Los dramas griegos se basan en estos ritos antiguos. Los poetas-músicos creaban piezas con música y drama; es decir, que incluían poesía, danza y música. Los dramas se representaban en los teatros por actores que cantaban y bailaban.

El teatro griego consta de la escena, la orchestra y el graderío o koilon ultrasemicircular para el público.

La teoría musical de Pitágoras, para explicarla en términos sencillos, se basaba en las matemáticas y establecía una relación entre la longitud de una cuerda y el sonido emitido por la misma. Esto se medía con un monocordio, que era un instrumento que como su nombre indica tenía una sóla cuerda y un puente movil.

Todavía hoy se conservan sus 7 modos y escalas de “do” a “si”, que antiguamente se denominaban Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico, Locrio y servían para expresar los diferentes estados de ánimo

Platón y Aristóteles, en “La escuela de Atenas” de Rafael Sanzio Estancias de Rafael, Vaticano

Otros filósofos como Platón en su obra La República, analizaba qué tipos de música enriquecía y beneficiaba la formación de los ciudadanos y posteriormente Aristóteles demostró los fines terapéuticos de la música y su influencia en el estado de ánimo.

.

La canción presidía la vida griega siendo sus principales clases:

Los ditirambos para Dionisos

El peán para Apolo

Los himnoi para los dioses

Los enkomia para la alabanza

Los epinikia eran cantos de victoria, para los triunfadores en los Juegos

Los skolia para beber vino

Las  simposiakas para la amistad y la reunión de amigos

Los erotika para el amor y el deseo

Las elegias para situaciones luctuosas

Los himenoi para la boda

Las bukólicas para los cantos de pastores

Los trenoi para la muerte

ROMA

La música en Roma es heredera de la de otras civilizaciones, especialmente de la griega.

La mayoría de las canciones y modas musicales venían de Grecia, y a pesar de su popularidad los filósofos romanos la consideraban cosa de mujeres.

INSTRUMENTOS

Lo usaban en la música religiosa y adoptaron instrumentos musicales de esas culturas: la trompeta etrusca, el syrinx (flauta pastoril), la lira, el tympanon (pandereta), los cymabala (platillos), crotala (sonajas) y el scabillum (sonajas para los pies). Esas últimas se utilizaban sobre todo en las danzas que se realizaban en honor a Cibeles y Baco.

Se realizaban obras teatrales con música que acompañaba los textos, al igual que los griegos, como eran las danzas en forma de pantomima, que se acompañaban de la tibia, instrumento de viento, y el aulos griego que pasó a ser también el instrumento romano por excelencia.

En los teatros romanos se representaban comedias al estilo griego. Los autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio.  La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales

Peter Ustinov, en el papel de Nerón en el film “Quo Vadis”

Algunos emperadores como Adriano o Nerón se mostraban orgullosos de su maestría con la lira. De hecho, la poesía se escribía para ser cantada: Horacio se enorgullecía de que los jóvenes de ambos sexos cantaran su “carmen saecularis” en el coro.

También existía otro tipo de música en la antigua Roma, era la que acompañaba uno de los espectáculos más populares de la ciudad: las luchas entre gladiadores y de otro tipo que se podían ver en los anfiteatros, esta música distaba mucho de ser culta, y evidentemente tenía un caríz mucho más popular.

EDAD MEDIA

Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardío romano.

Sinagoga de Córdoba

Desde sus inicios, la liturgia cristiana y su música estuvieron marcadas por su origen en la tradición judía (canto de la sinagoga), al que vino a sumarse la influencia griega y romana, incluidas su teoría musical y su filosofía.

La escritura musical era alfabética en época griega y romana. Pero en la Edad Media se abandonó este tipo de notación por otra llamada neumática, que aparece en el siglo IX. Los neumas son unos signos valorados sobre cada sílaba de las palabras que conforma el canto.

LA MÚSICA SACRA 

La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y troveros, junto a los minnesinger alemanes

Pórtico de la Gloria, en Santiago de Compostela detalle de los ancianos del Apocalipsis, tocando instrumentos.

La única música medieval que fue escrita es la ligada a la Iglesia y las instituciones eclesiásticas, como monasterios, y en menor medida la profana creada en los círculos aristocráticos.

Una importante figura precursora fué: GUIDO D´AREZZO

Guido de Arezzo inventó el tetragrama: con cuatro lineas solo, era el pentagrama del S.XI

La mano Guidoniana, también diseñada por Guido de Arezzo, que le servía para solfear.

Los primeros cantos litúrgicos tenían dos estilos principales:

La salmodia, consistente en el recitado de versículos de salmos, para el que se usaban diversas fórmulas melódicas fijas (origen de los modos medievales). Antes y después de (incluso entre) los versículos del salmo se cantaba una antífona, de melodía más elaborada, a modo de estribillo.

La himnodia, consistente en melodías y textos de nueva creación y carácter más cercano a la comunidad.

Cada región europea desarrolló separadamente su propio canto, texto y reglas de celebración, más importantes fueron la romanala ambrosiana (en torno a Milán), la beneventana (sur de Italia), la hispánica o mozárabe (practicada por los cristianos bajo dominio musulmán, con centro en Toledo), la galicana (en la Galia) y la céltica o irlando-británica.

San Gregorio y San Ambrosio

San Ambrosio de Milán hizo extenso uso de los himnos.(canto Ambrosiano)

A finales del siglo VI el papa Gregorio I dirigió una reordenación, reforma y compilación de la liturgia romana, continuada por sus sucesores, que incluía una conformación más llana y sencilla de las melodías (canto romano antiguo y nuevo).

Desde entonces hasta al menos el siglo XVI el canto gregoriano fue el estilo musical más difundido e influyente en el mundo occidental

Las principales características generales del gregoriano son las siguientes: normalmente son obras de autor desconocido, son cantadas solo por hombres, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son obras escritas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido a pocas personas, la melodía se mueve grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos

.

Por su forma de interpretación los cantos suelen ser clasificados en tres categorías:

De estilo directo: son cantados íntegramente por el o los mismos cantores, sea un solista o un coro.

Responsoriales: el coro responde (responsorio) con una especie de estribillo al canto del solista. Por ejemplo, era practicada en la salmodia (salmodia responsorial), en la que el coro cantaba la antífona y el solista entonaba, con profusión de ornamentos, cada versículo de un salmo.

Antifonales (tipo no necesariamente relacionado con la antífona como pieza musical): dos coros de similar tamaño se responden o alternan, por ejemplo cantando versículos consecutivamente.

Por su parte, los cantos del oficio se usan en las diversas horas de oración (Laudes, Prima, Tercera, Sexta, Nona, Vísperas y Completas

Canto hispánico o mozárabe

Propio de la liturgia del mismo nombre: canto mantenido en las regiones de al-Ándalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto, como fue la ciudad de Toledo.

LA MÚSICA PROFANA

.

Los trovadores eran aristócratas que componían canciones y en ocasiones cantaban sus propias obras; de la interpretación y acompañamiento de estas se encargaban generalmente los juglares, músicos profesionales de extracción popular. La tradición de los trovadores nació en el sur (Provenza) y suroeste (Aquitania) de Francia, cuyo centro cultural era San Marcial de Limoges; precisamente el trovador más antiguo conocido es Guillermo IX de Poitiers, Duque de Aquitania (1086-1127).

Como ya no utilizan textos en prosa latina, sino en verso romance, la rítmica de sus obras ya no se basa en la cantidad métrica de cada sílaba; esto hace desarrollar ciertas fórmulas rítmicas, entre notas largas y breves, que tendrán gran repercusión en la música polifónica.

 

Los juglares, perseguidos constantemente por la Iglesia, solían ser personajes errantes que iban de aldea en aldea, de castillo en castillo, asombrando y divirtiendo a un público analfabeto. Herederos de los mimos y joculatores de la Roma clásica y pagana, mitad poetas y mitad saltimbanquis, mezclan en sus actuaciones la declamación y el malabarismo, la música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Ellos son los únicos transmisores de la música popular no litúrgica

Los goliardos eran clérigos, que satirizaban a la Iglesia Católica; cantaban y recitaban en latín y en lengua vulgar, y en su repertorio figuraba la poesía más refinada o dramática junto con las canciones al vino, a las mujeres, contra los eclesiásticos y un sinfín de otras curiosidades, según podemos ver en algunos códices que contienen sus obras, como los de Ripoll

“Carmina Burana” (cantos profanos) O Fortuna! adaptación de Carl Orff. oleos de Willian Turner

O los conocidos “Carmina Burana” (canciones encontradas en el Monasterio benedictino de Beuern, en Alemania).

LA POLIFONIA

Toda la música europea conservada anterior al siglo IX es monódica. A partir de ese siglo va a recogerse en los manuscritos un nuevo procedimiento de composición: la polifonía.se producía automáticamente cuando cantaban juntos hombres y mujeres: se produce una melodía formada por una voz grave y otra aguda a distancia de una octava. Los ejemplos de polifonía del siglo IX son llamados el organum.

LAS CÁNTIGAS DE SANTA MARÍA

Se incluyen dentro de las composiciones trovadorescas, como de las mas importantes, cantadas en galaico antiguo

El manuscrito de las Cantigas de Santa María, escritas en gallego medieval y en notación musical en la corte del Rey Alfonso X el Sabio durante la segunda mitad del siglo XIII, constituye una de las colecciones de canción monofónica más importante de la literatura medieval. La mayoría son cantigas que cuentan milagros sucedidos con la intervención de María.

Cantiga 23: Como Deus fez vynno d’agua

De corte trovadoresco y paralitúrgico, se diferencia de la temática abiertamente profana de los trovadores del resto de Europa y de la música sacra de la época.

Existen dudas sobre la autoría directa del rey Alfonso X el Sabio (1221-1284), pero nadie duda de su participación como compositor en algunas de ellas, siendo al menos diez de indudable atribución al rey.

“Cántiga nº 100: Santa María strela do dia” por la Capella Reial de Catalunya, Hespérion XX  Jordi Savall   imágenes: Monasterio de San Juan de la Peña (Huesca)

De las Cantigas de Santa María hay cuatro códices conservados, procedentes todos ellos de la propia corte del rey Alfonso X: El de la Catedral de Toledo, ahora en la Biblioteca Nacional; el que esta en la biblioteca de el Escorial; el de la Biblioteca Nacional de Florencia y el Códice Príncipe, tambien en el Escorial y muy adornados con miniaturas que representan los instrumentos  de la época , que han sido de gran utilidad a los estudiosos.

ARS ANTIQUA

Se llamaba ars antiqua a la forma de hacer música de los siglos XII-XIII, en los que se parte de los primeros ensayos polifónicos y se enriquecen hasta sentar las bases de la polifonía en su etapa de plenitud.

La constrcción gótica de la Catedral de Notre Dame de París, la fomentó, creándose la Escuela de Notre Dame

Sus distintas variantes eran:

El organum, que consistía en añadir a una melodía gregoriana, llamada cantus firmus , una segunda voz a la distancia de un intervalo de cuarta o quinta, llamada voz organalis.

El discantus, que consistía en dos voces que se mueven en dirección contraria.

El conductus, la melodía principal no es gregoriana, sino inventada por el compositor, con un ritmo más o menos procesional.

El motete, que constituye la gran invención de esta escuela. Se trata de un canto a dos o tres voces de carácter contrapuntístico. Tiene la peculiaridad de que cada voz independiente tiene un texto diferente y un ritmo también diferente, por lo que resulta una música muy vivaz y contrastada.

El canon, que es una forma polifónica en la que hay una sola melodía pero que se va repitiendo mediante entradas sucesivas de diferentes voces o instrumentos.

En esta época se desarrolla la técnica conocida como “nota contra nota” o contrapunctus

ARS NOVA

  Ilustración del Codex Squarcialupi, mostrando a Francesco Landini tocando un órgano pórtatil.

Designa la producción musical, tanto francesa como italiana, después de las últimas obras del ars antiqua hasta el predominio de la escuela de Borgoña.

Destacaron , Philippe de Vitry en Francia y el mayor compositor italiano del siglo XIV: Francesco Landini.

Los ritmos, temas y las melodías se vuelven más variadas. La música iba adquiriendo cada vez más complejidad en los ritmos y en las voces

RENACIMIENTO

El rico intercambio de ideas en Europa, como los sucesos políticos, económicos y religiosos en el periodo 1400 a 1600  dieron lugar a importantes cambios en los estilos de composición, los métodos de difusión de la música, los nuevos géneros musicales, y el desarrollo de instrumentos.

Pequeño esquema-resumen de esta época

Corte Borgoñona

Fue singularmente influyente, y atrajo a músicos de toda Europa. El más esencial de ellos fue Guillaume Dufay (1397-1474), cuya oferta musical variada incluia motetes y misas para los servicios de la iglesia

Por en torno a 1500, la música letrada europea estaba dominada por los músicos franco-flamencos, el más importante de los que fue Josquin Des Prez (1450-1521). 

Joaquin des Prez  (S.XV) promotor de la música polifónica. Con su estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono.

 Giovanni Perluigi de Palestrina compositor italiano de música sacra polifónica.

En la segunda mitad del siglo XVI. Italia es el país más importante de la música en el renacimiento, siendo los dos personajes más notables , Giovanni Pierluigi de Palestrina y Tomás Luis de Victoria

 

“Concierto campestre” de Tiziano (1511) Museo Nacional del Louvre
 

“El jardín de las Delicias: El infierno” Hieronymus Bosco

Donde se representan varios instrumentos de la época

Durante el Alto Renacimiento, se crean los llamados estilos nacionales. En Italia, el genero mas cautivador fue el madrigal, en Francia centra el desarrollo mas popular en el chanson y en Alemania el lied 

“Alegoría del oido” de Jan Brueghel el joven

Mas tarde, fué en la región flamenca (en los Países Bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI.

Música renancentista italiana

“Cantoría” de Lucca della Robbia  Museo della Ópera de Florencia

Existían dos tipos de formas musicales

la fróttola, que era un tipo de canción estrófica, silábicamente musicalizada a cuatro voces

la lauda, contrapartida religiosa de la fróttola; se cantaba en reuniones religiosas semipúblicas a capella

el madrigal, muy popular en el Trecento

“Gallarda napolitana” Antonio Valente (c.1520 – c.1580) Jordi Savall y enssamble

Claudio Monteverdi (1567-1643)

Fue un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y sobre todo el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII.

“Zéfiro torna” de Monteverdi con Nuria Rial y Philippe Jarouski. 

Imágenes de “La Primavera” de Botticelli

Órgano de papel, diseñado por Leonardo da Vinci y órgano de agua.

Música renacentista inglesa

 

En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desempeñó un papel crucial en la música de clave

“Geensleeven” música de la época de Enrique VIII, al que incluso se le ha achacado su autoría

Música renacentista española

Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española.

Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de los Reyes Católicos (Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón), el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria,  como este Ave María

o “Pan divino graçioso” de  Francisco Guerrero.

Propignan de Melyor del cancionero de Colombina (Emsemble Fontegara)

Este manuscrito fue copiado durante el reinado de los Reyes Católicos, posiblemente entre las décadas de 1460 y 1480. intervinieron varios compositores entre ellos Juan del Encina y Francisco de la Torre

Música renacentista francesa

La chanson, música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. En él destacan Pierre Attaignant, Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600. Es el canto de la reforma religiosa que se aplica a melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas

. Juan Calvino ( oleo de Holbein) utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.

LOS INSTRUMENTOS

Muchos instrumentos se originaron desde el periodo del Renacimiento; otros eran cambios o mejoras, de instrumentos que existían antes.

Será un periodo importante, ya que a partir del siglo XVI surgirán los diferentes desarrollos organológicos y sonoros de algunos instrumentos que marcarán la evolución y origen de las tres grandes familias instrumentales: cuerda, viento y percusión

Los mas usados y conocidos eran el órgano, clavecín, laud,  fagot, timbal, vihuela, guitarra, violin, y viola flauta

Y aqui me quedo de momento…Como habeis visto, la musica en el renacimiento es parte muy importante de su historia ya que fué una gran época donde se inventaron nuevos instrumentos y descubierto nuevos sonidos, que aportaron muchos beneficios.

En el próximo artículo, abordaré la historia musical, a partir del Barroco y de paso os ruego perdonéis los errores y omisiones que he podido cometer: el tema es absolutamente inmenso…Gracias!

FUENTES:

http://caminodemusica.com/sin-categoria/musica-en-la-antiguedad

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_m%C3%BAsica

https://elpincelconlienzo.wordpress.com/2013/07/14/la-musica-en-la-pintura/

https://musica-barroca.com/en-el-renacimiento/

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión /  Cambiar )

Google photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google. Cerrar sesión /  Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión /  Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión /  Cambiar )

Conectando a %s