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El sol en la religión y la arquitectura

El disco celeste de Nebra , descubierto en Alemania, es una de las representaciones más antiguas que se conocen la bóveda celeste

Es una evidencia el hecho de que nuestras vidas se rigen por los astros. y que se traduce hasta en nuestro lenguaje coloquial: “Desastre” no es sino “mala estrella” (dis-aster) y “Considerar” representa reflexionar mirando las estrellas (Con-siderare).

Gran parte de las religiones antiguas en la realidad filosofías naturales o astroteologías que se extraen sus principios filosóficos y sus conductas morales y rituales de una forma de observación de la naturaleza y particularmente de los astros.

Entre todos los astros, habia uno con especial importancia: EL SOL

Así, a lo largo de la Historia, todas las civilizaciones han adorado al Astro Rey.

Esta era una deidad solar del Antiguo Egipto que representa la disco solar en el firmamento.

En los primeros tiempos se representó como un hombre con la cabeza de halcón, después como disco solar y cual cirugías con manos extendidas hacia los creyentes, como se puede ver en el bajorrelieve

Durante su reforma religiosa, el faraón Amenhotep IV (“Amón está satisfecho”), su nombre por el de Akenatón “Resplandor o adorador de Atón”)

En Egipto prevaleció durante siglos y se asoció su poder a muchos dioses.

Helios. Baño de la Cúpula del Salón de Széchenyi, Budapest

En Grecia el dios Sol era Helios: que era imaginado como un hermoso dios coronado con la brillante aureola del sol, que conducía un carro por el cielo cada día hasta el Océano que circundaba la tierra y regresaba por este camino hacia la noche.

Más adelante, en una época romana, comparada con Helios, llamandole concretamente “sol invictus”

Los Incas lo adoraban a tal extremo de afirmar que los gobernantes eran sus hijos. El disco solar aparece en infinidad de simbólicas representaciones.

Inti es el nombre del sol, era el Dios al que más veneraban los Incas, y al que se lo sigue celebrando por parte de grupos indígenas en Perú, ya que es una cultura muy enraizada en esta zona. El ritual que se realiza es más bien una celebración, a la que llaman la fiesta del sol que se festeja cada Solsticio.

Torii del santuario de Itsukushima en Miyajima (Japón)

El disco rojo de la bandera de Japón representa al Sol, insignia del Sol naciente del imperio.

Por lo tanto, su culto parece ser una constante en todas las culturas, y muchas de nuestras actividades en la tierra parecen imitar la conducta del Sol.

PREHISTORIA

Stonehenge es un monumento megalítico tipo crómlech, de finales del neolítico del siglo XX a. C.

La arquitectura megalítica tenía en cuenta los criterios de observación de los astros, e incluso se interpreta a alguno de sus más destacados ejemplos, Stonehenge, como mecanismos de observación y predicción de los movimientos del sol, la luna y las estrellas

Lockey, publicó en 1870 sus estudios sobre las alineaciones astronómicas de Stonehenge, desde entonces multitud de estudios no han hecho sino confirmar la gran capacidad y destreza de las culturas megalíticas para construir estos círculos de piedra, que fueron erigidos, con toda intención, a modo de auténticos observatorios astronómicos.

Karnac: alineamiento de Kermario (Francia)

Ya las hileras de menhires estaban perfectamente orientadas en dirección N-S, cara a oriente

Dolmen de Axeitos, (Galicia)    Está fechado entre el 4000 a.C. y el 3600 a.C

Las “nuragas” de Cerdeña , son monumentos de una cultura local que se construyeron  aproximadamente a partir del 1500 a de C. . El caso mas claro seria la nuraga de Is Paras donde el sol ilumina el suelo interior solo durante el solsticio de verano.

Nuraga

Estas torres , no son ni mas ni menos que los monumentos mas altos construidos en piedra seca. No solo recuerdan a una torre de un castillo , sino que interiormente tienen una falsa cupula.

EGIPTO

Conocido es que los templos egipcios están orientados a levante y no es de extrañar si tenemos en cuenta la gran importancia que tuvieron diversas divinidades solares como Ra, Horus, Amón y Atón.

Templo de Nefertari (‘Pequeño Templo’) en Abu Simbel

Abu Simbel consta de dos colosales templos (el Gran Templo y el Pequeño Templo) labrados en la roca de la ladera de la montaña. La construcción del complejo fue encargada por Ramsés II y rescatado en 1968, tras la construcción de la presa de Assuan

Sancta Sanctorum del templo de Ramsés II

El templo está construido de forma que durante determinados días, los rayos solares penetran hasta el santuario, situado al fondo del templo.

El sol alcanza primero el rostro de Ramsés II, después se expande a su izquierda, donde se encuentra la estatua del dios Ra, antes de iluminar la parte a la derecha del faraón, donde cubre parcialmente la figura del dios Amón. Una vez más, el dios creador Ptah, la cuarta deidad sentada en el sancta sanctórum del templo, se queda fuera de los rayos del sol, haciendo honor a su origen vinculado con el submundo

Este pequeño “milagro de la naturaleza y la ingeniería” se produce dos veces al año coincidiendo con el aniversario del nacimiento y la coronación de Ramsés II, el 21 de octubre y 21 de febrero y se ha mantenido mas o menos a pesar del traslado del templo, a una zona mas alta del valle.

Templo de Horus en Edfú

En el culto al dios solar Ra, se cantaban himnos día y noche por cada hora de viaje del dios a través del cielo

En Egipto la entrada se situaba hacia oriente en los primeros tiempos. Los rayos de Sol Entraban en el templo  y los fieles miraban  hacia  el  oeste  durante  la   oración  con  el  sacerdote  frente  a  ellos.

Se construían sobre un eje orientado de Este a Oeste, lo que hacía que el sol saliera por el lugar más sagrado (la cámara del dios) y se pusiera entre los pilonos de la entrada

Desde los lejanos tiempos de Egipto se conocía el fenómeno del orto helíaco de Sirio, la estrella más brillante del firmamento, que tras seis meses oculta aparecía de nuevo, casi coincidente con el solsticio de verano y anunciando la época de inundaciones del Nilo y la revitalización de las tierras.

Los hebreos igualmente pudieron captar este simbolismo de la orientación solar durante su estancia en Egipto.

Los coptos, que tuvieron mucha influencia en la liturgia y arte paleocristiano, pudieron influir en la implantación constructiva de las iglesias cristianas orientadas hacia el orto solar siguiendo la tradición egipcia.

ROMA

Ya en  tiempos  de Augusto,  las  puertas  se  situaban  hacia occidente para así mirar a oriente durante la oración y sacrificios; el sacerdote miraba siempre al punto por el que se levantaba el Sol y daba la espalda a los fieles.

Leptys Magna, Foro de Severo (Libia)

Asi, tanto los templos romanos y las iglesias católicas se orientaban sobre el eje que va de levante a poniente con lo que a menudo, el templo tomaba la forma de cruz latina.

Un caso muy especial es este edificio que afortunadamente perdura en nuestros dias: el Panteón de Agrippa

“La luz puede llegar al Panteón a través de dos zonas: la gran puerta de entrada, en el norte, y el agujero en el techo. Dado que el edificio se orienta al norte, la luz del sol sólo puede entrar directamente al edificio a través del techo”

Durante los meses del invierno, la luz del Sol del mediodía traza una trayectoria a través del interior de la cúpula.

En verano, con el Sol en lo más alto del cielo, el rayo de luz alumbra los muros inferiores y el suelo. En los dos equinoccios, en marzo y septiembre, la luz solar que atraviesa el óculo impacta en la unión entre el muro y el suelo, sobre la gran puerta norte del Panteón. Una verja existente sobre la puerta permite que un haz de luz llegue al atrio de entrada, el único momento del año en el que esta zona queda iluminada si las puertas están cerradas.  cada 21 de abril. En esa fecha (en la que la tradición celebraba la fundación de Roma), el efecto luminoso es muy similar al anterior, con la luz del sol de mediodía incide directamente en la puerta de entrada.

Vitrubio en sus tratados, ofreció distintas soluciones de orientación para los templos romanos, aunque destacó las ventajas de la orientación que tenga en cuenta la salida del sol

Edificación en Pompeya

El conocimiento de la astronomía y la arquitectura de esa época eran a menudo un punto de encuentro en la construcción de casas y templos orientados de tal manera para aprovechar los movimientos del sol y las estrellas.

Ara Pacis Augustæ  (Roma)

También se utilizaba, en recintos vinculados a distintos emperadores, como la Domus Aurea de Nerón, o el Ara Pacis, el horologium y el Mausoleo de Augusto, en los que también existen evidencias de un diseño influido por cuestiones astronómicas.

ISLAM

Gran Mezquita de Damasco

 
 

Las  mezquitas  también  siguen  una determinada orientación, su planta es  rectangular y son siempre una reproducción esquemática de la casa de Mahoma.

En el Islam la orientación es particularmente importante: la “qibla” la dirección en la que debe hacerse el “salat” -oración islámica- y el muro de la sala de oraciones de las mezquitas esta en dirección hacia La Meca.

La mayoria, estan orientadas hacia la Meca, por eso su orientación cambia de unos paises a otros con  la puerta siempre como norma enfrentada al mhirab, altar del templo musulmán.

Mezquita de Córdoba

La orientación anómala de la Mezquita de Córdoba, hacia el sureste y no hacia La Meca como la mayoría de los recintos religiosos musulmanes, se debe a su adaptación a los límites urbanísticos preexistentes en la época tardorromana.

EQUINOCCIOS Y SOLSTICIOS

En las fechas en que se producen los equinoccios, el día tiene una duración aproximadamente igual a la de la noche en todos los lugares de la Tierra.

Los solsticios (del latín solstitium, “Sol quieto”) son los momentos del año en los que el Sol alcanza su mayor o menor altura aparente en el cielo, y la duración del día o de la noche son las máximas del año, respectivamente.

En esta vista se muestran los dos equinoccios como la intersección del ecuador celeste y la eclíptica. El Sol, en su aparente movimiento por ésta, está al norte o al sur del plano ecuatorial, causa de la sucesión de estaciones. Astronómicamente, el primer punto de Aries es una referencia fundamental.

La historia del equinoccio se remontan a la antigua cultura Maya, ubicada centro América, destacado por sus cultivos y diversos descubrimientos en diferentes ámbitos de la ciencia: astronomía, geografía y la arquitectura. El equinoccio se presenta dos veces cada año: Marzo 21-22 (primaveral) el cual le indicaba a los mayas el momento indicado para la siembra y en Septiembre 22-23 (equinoccio de otoño) indica que los frutos estaban pronto para su colecta.

El fenómeno del equinoccio es de suma importancia pues divide el tiempo, y servía de herramienta para la cultura Maya al  planificar sus cosechas.

Calendario azteca

O  Piedra del Sol, es un disco monolítico monumental de basalto de olivino con inscripciones alusivas a la cosmogonía mexica y a los cultos solares, que se suelen emplear en todos los pueblos de la Mesoamérica precolombina pero no necesariamente sincronizados entre ellos.

Pirámide de Kukulkan o de la “Serpiente emplumada”  (Yucatán)  visitantes observando los fenómenos solares

La alineación de la construcción de la pirámide permite que se puedan observar diversos fenómenos de luz y sombra, los cuales se producen en el propio cuerpo de la serpiente, durante los equinoccios y solsticios cada año.

El pueblo de Israel, pueblo nómada y pastor, celebraba desde tiempos remotos, al igual que otros pueblos de similares características, una serie de ritos de tipo propiciatorio coincidentes con el equinoccio de primavera para obtener la fecundidad del ganado en la época de la trashumancia que se iniciaba en esas fechas.

El solsticio de invierno (Janua coeli) y el solsticio de verano (Janua inferni) se corresponden con los Misterios Mayores y los Misterio Menores respectivamente. El dios Jano era el dios de la iniciación y por ello presidía las celebraciones de los Collegia Fabrorum romanos en los solsticios.

Los Santos Juanes. El Greco

El cristianismo asimiló esta tradición e identificó a Jano con los dos Juanes, el Evangelista y el Bautista, con los solsticios de invierno y verano.

En México el solsticio de Invierno, se relaciona directamente con el nacimiento del nuevo sol y el nacimiento del niño Mexi Huitzilopochtli, deidad mexica que es perteneciente al rumbo del sur y representa la esperanza del nacimiento del nuevo sol, sol de despertar colectivo de conciencia.

Cuando los conquistadores españoles llegaron a tierras americanas, se sorprendieron de la semejanza que había entre la navidad y las celebraciones que los mexicas dedicaban a su principal dios. Según la leyenda, Huitzilopochtli había nacido el último día del mes Pānquetzaliztli, lo que en los calendarios actuales equivale al 18 o 19 de diciembre, casi coincidente con el 25 de Diciembre, día del nacmiento de Jesús

En Europa, ante la llegada de los solsticios, desde tiempos prerromanos, se han realizado diversas celebraciones y rituales, con hogueras.

Del solsticio de junio se pueden citar las famosas hogueras de la Festividad de San Juan, que tienen lugar en España y en otros países del hemisferio norte, para celebrar el solsticio de verano. Estas provienen de fiestas paganas anteriores al cristianismo, que posteriormente fueron asimiladas por la Iglesia.

“Ave, Caesar. Io, Saturnalia!”  Sir Lawrence Alma-Tadema  (1880)   Akron Art Museum 

Y como tal parece que es más fácil hacer olvidar un dios que una fiesta, el método que se les ocurrió fue el siguiente. Tomaron celebraciones del solsticio de invierno que se remontaban a la antigüedad romana, como las “saturnales” (donde se intercambiaban regalos) y la del “Sol invictus”, para decir que en esa fecha había nacido Jesús

De esta forma, el cristianismo logró que se olvidaran de los dioses paganos

¿Suena parecido a lo que pasó en América con Huitzilopochtli?

¿A qué se deben estas coincidencias? Hay dos posibles respuestas:

1) que debido a la importancia del calendario solar y, por lo tanto del solsticio para todas las civilizaciones agrícolas, estas celebraciones hayan surgido por separado.

2) que sean supervivencia de una religión más antigua, una religión que rendía culto al sol y que hunde sus raíces en la prehistoria.

LAS MERIDIANAS

La meridiana es un sencillo instrumento que consta de un agujero (foro gnomónico) situado en el techo o en la pared de un edificio por donde entra la luz del Sol y una línea marcada en el suelo y orientada en dirección N-S donde se puede medir la altura del Sol al mediodía local, lo que permite determinar la época del año. En varias catedrales europeas se conservan meridianas astronómicas

En la basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires de Roma encontramos otra de las grandes meridianas monumentales. Fue un encargo del papa Clemente XI al polifacético matemático Francesco Bianchini. La meridiana, completada en 1702, tenía un triple objetivo: comprobar la exactitud de la reforma gregoriana del calendario, disponer de una herramienta fiable para la determinación de la Pascua y finalmente, no menos importante, que Roma dispusiera de una meridiana tan importante como la que Cassini había construido en Bolonia.

Detalle adicional fué, que la meridiana se encuentre sobre los baños de Diocleciano y transmite el mensaje simbólico del triunfo del calendario cristiano (gregoriano) sobre el romano (juliano).

El edificio actual, fue diseñado en 1562 por Miguel Angel, sobre la base del aula central de las Termas, a solicitud de papa Pio IV.

Esa figura en la imagen, que nos recuerda a un símbolo de infinito, se conoce con el nombre de “analemna” y es el resultado de fotografiar al sol cada día, a la misma hora, a lo largo de todo un año. Y así como el sol se encuentra en una posición diferente cada día, también sale y se oculta en sitios diferentes. El eje de rotación inclinado de la tierra es el responsable de estos cambios en la posición del sol y de las estaciones.

Movimientos del sol, en el solsticio de invierno.

CRISTIANISMO

Cristo rodeado de las 12 constelaciones del zodiaco, en el lugar que le correspondería al sol, en un manuscrito del siglo XI dC conservado en la Biblioteca Nacional de París y en una de las fachadas de la iglesia de Vezelay

A pesar de la idea extendida de que la Iglesia Católica impidió el avance de la Astronomía durante buena parte de los siglos anteriores a la Ilustración, lo cierto es que pocas instituciones invirtieron tanto en el estudio de los movimientos del Sol. El objetivo era eminentemente práctico, la determinación de la fecha de Pascua con varios años de antelación demostró ser un problema complejo debido a las particularidades de los movimientos de los cuerpos celestes.

I Concilio de Nicea, icono

En el primer concilio de Nicea (año 325) se estableció que la Pascua de Resurrección, fiesta central del cristianismo, tendría lugar el primer domingo posterior a la primera Luna llena ocurrida después del equinoccio de primavera. Por tanto, determinar la correcta fecha de los equinoccios revestía una importancia crucial para el culto.

Roger van der Weyden  Poliptico de la Navidad, S.XV.   Metropolitan Museum of Art NY

Varias fuentes apuntan a que Jesús, nació a principios de otoño, muy probablemente en septiembre u octubre. La celebración del 25 de diciembre surge durante la Edad Media, cuando la Iglesia deseaba difundir el cristianismo y que se olvidaran otras religiones paganas.

El sostilcio de invierno solia situarse entre el 21 y 22 de Diciembre y la Iglesia católica decidió situar en esa misma fecha, el 25 de diciembre, la Natividad de Jesucristo

LA ORIENTACIÓN DE LAS IGLESIAS

Basíica de Santa Irene

En los templos cristianos medievales el presbiterio se sitúa hacia oriente mientras que el pórtico se abre al occidente; los  cuerpos reposan en dirección este-este dentro de los sepulcros : los pies hacia levante, la cabeza hacia el oeste

Ahora bien, el punto del horizonte terrestre por donde “sale el sol” no es fijo sino movible, variando desde el solsticio de verano al de invierno.

Los  trabajos de orientación se iniciaban al mediodía. En el centro del emplazamiento elegido de clavaba una estaca perpendicular al  suelo, el “axis mundi” o cenit del lugar. A partir de este eje se describía un gran círculo y en el momento en que la  sombra proyectada por el eje era la más corta, se determinaba la dirección norte-sur

De este modo podían determinar el  lugar  por  donde  sale  el  Sol,  especialmente  durante  los  solsticios  y  los equinoccios.

Crucifixión de Mantegna

Conocer el día del equinoccio era de vital importancia en la antigüedad, pues servía para determinar la Pascua. Del comienzo de la primavera dependen las fechas de la Semana Santa. El Viernes Santo es el día inmediatamente posterior a la primera Luna llena de Primavera en el hemisferio norte, es decir, después del 21 o 22 de marzo

Orientación de las iglesias románicas (y otras) en Soria.

El arte románico fue el último de los artes religiosos cristianos que integró elementos de otras religiones y culturas, a modo de sincretismo. Especialmente fuertes fueron las influencias celtas, íberas, árabes y judías.

Por lo tanto, en concreto, el románico recogió tradiciones relacionadas con la esfera celeste y la astronomía, entre ellas para orientar sus templos.

Desde el cristianismo primitivo, la oración litúrgica se practicó mirando hacia el este (fuera o no esa la dirección de Tierra Santa), y la orientación arquitectónica de las iglesias se hace con la cabecera hacia el Este de modo que la luz de la mañana ilumina el altar mayor en cualquier parte del mundo

“Le Sette Chiesa di Roma” – Antonio Lafreri 1512

Como excepción, destacados ejemplos de la arquitectura paleocristiana de época de Constantino el Grande presentan los ábsides en su extremo occidental: en Roma Basílica de San Juan de Letrán, San Pedro del Vaticano, San Pablo Extramuros -en su configuración original- y la Basílica de San Lorenzo Extramuros

Como se ha observado con gran ingenio, esta necesidad simbólica de la orientación llevó a la arquitectura cristiana a la adopción de la planta basilical, en longitud, frente a la forma circular o semicircular del anfiteatro o del teatro que hubiera sido mucho más racional e infinitamente más práctica, ya que habría permitido a todos los asistentes, sentados en las gradas, ver las ceremonias litúrgicas y escuchar la palabra del celebrante o del predicador.

 

San Caprasio, ábside

Como consecuencia de lo anterior, podemos concluir que las tres  ventanas del ábside de San Caprasio en Santa Cruz de la Serós (Huesca) fueron orientadas astronómicamente  con  toda  intención,  de  forma  que  por  ellas  entrasen  los primeros rayos del Sol los días de los solsticios y equinoccios y tambien que representaran el símbolo de las tres Personas de la Divinidad:  por la situada más al noreste, el día del solsticio de verano; por la del centro los dos días de los equinoccios; finalmente, por  la situada al sureste, el día del solsticio de invierno.

 

Iglesia Omnium Sanctorum de Sevilla

El este es el lugar donde nace el sol, por lo que significa la luz, la vida, la purificación. Por lo cual, avanzar desde la puerta principal hasta el ábside simbolizaba una especie de “purificación” del alma, además de que, al colocar imágenes de la vida de Cristo en su interior, el pueblo salía aleccionado.

Asi, en Santa Marina o a Omnium Sanctorum, (Sevilla) para contemplar este espectáculo sorprendente, que se asemeja bastante al estado original que permitía la entrada de luz al amanecer por los ventanales del ábside, y al atardecer por los grandes rosetones de la fachada principal, o quizá al mediodía por los elevados huecos o portada de la fachada sur

Iglesia de Santa María de la Asunción, Duratón (Segovia) vista sudeste

Tampoco es casual el hecho de que en gran parte de los ábsides sean tres los ventanales que derraman luz sobre el altar.

Como ya se ha dicho, esta orientación en las iglesias cristianas va ligada a un simbolismo. El norte es la región del frío y de las tinieblas, donde reinan las fuerzas del mal. La nueva religión lucha contra la mitología que venera esta región  del  polo  y  que  podemos  asimilar  al  Antiguo  Testamento.  La  nueva revelación se efectúa a la luz  del Nuevo Testamento y se sitúa en el sur donde el Sol alcanza el apogeo.

Sin embargo, en muchas iglesias y catedrales medievales no es exactamente así, y la cabecera se encuentra desplazada unos grados hacia el Nordeste. Así que hay que tener en cuenta el  azimut:

Las posiciones extremas del Sol durante el año afectan a los ángulos de incidencia de las entradas de luz. En rojo, la salida y puesta del Sol en el solsticio de verano, y en verde, en el de invierno. Estos dos puntos determinan el azimut de la latitud, que es de unos 65º

LOS FENÓMENOS DE LA LUZ

Algunos pueblos presumen, con razón, del llamado “fenómeno de la luz equinoccial” en sus iglesias, como Santa Marta de Tera (Zamora) o San Juan de Ortega (Burgos), pero también ocurre en catedrales, como en Jaca, Palma de Mallorca o en San Isidoro de León.

Es un fenómeno producido por los rayos del Sol en las dos fechas del año en que el día es igual a la noche y que señalan el comienzo de la primavera (20-21 de marzo) y del otoño (22-23 de septiembre).

Voy a mostrar algunos de los mas conocidos.

 

Iglesia de San Bartolomé de Fonpedraza (Valladolid)

Hay una teoría no confirmada que apunta hacia la posibilidad de que la fundación de las iglesias se efectuara alineando el eje de las mismas con el punto del horizonte en que aparece el sol en el día del santo a que se van a dedicar.

 

Iglesia de San Bartolomé de Fonpedraza, el sol incidiendo en la Virgen

A la puesta del Sol del 22 de septiembre, la luz que traspasa la redonda ventana románica del coro, se posiciona y avanza poco a poco en nuestro retablo pintado del siglo XIV hasta colocarse exactamente durante unos momentos sobre la imagen de la Virgen.

De esta forma en la celebración de su festividad anual, los primeros rayos solares del amanecer, paralelos al eje del templo, iluminarían el altar.

Catedral de San Pedro, Jaca (Huesca)
 
 Durante unos minutos, la luz se proyecta sobre la imagen de la Inmaculada, en un bonito efecto visual.
 

En la hermosa iglesia de Santa Marta de Tera, pueblo zamorano situado el Camino Sanabrés de la Vía de la Plata, se puede ver desde el día 21 y hasta el  24 de Septiembre.

 

Capitel del alma salvada Santa Marta de Tera

A las 9.45 podemos mirar como un rayo de sol entra por una pequeña ventanita redonda que está en la zona del altar, llamada óculo y va iluminando un capitel situado unos metros por delante, en el ábside.

En Laguna de Duero, Valladolid,  la luz del equinoccio entra por el óculo de la fachada principal y durante unos instantes alumbra el retablo de la Virgen  de Ntra. Señora del Villar

Monasterio de San Juan de Ortega, Burgos

Fenómeno de la luz equinoccial

Capiteles de  estilo románico, donde se produce un mensaje simbólico de los constructores medievales que resulta único en occidente: durante los dos equinoccios (21 de marzo y el 22 de septiembre)

Capiteles de la Anunciación, Visitación y Natividad

 

Un rayo de sol ilumina a las 5 de la tarde hora solar el capitel de la Anunciación, apreciándose que la Virgen María se dirige a la luz y no a San Gabriel como es tradicional

“El milagro de la Luz”   por Javier Sancha Martin

En la  Catedral  de Santa María de Palma de Mallorca, con sus rosetones da lugar a un espectáculo de luz que nos ofrecen cada año.  Se trata de un templo de estilo gótico levantino construido en la orilla de la Bahía de Palma. La nave mayor está orientada aproximadamente 120º hacia el Sureste; en sus extremos hay dos rosetones de tamaño excepcional: el mayor , el que apunta al Este.

Su rosetón mayor es conocido como el ojo del gótico, con un diámetro de 13,8 metros y casi 100 metros cuadrados de vidrieras, está situado sobre el altar central en la cabecera, y no a los pies como era habitual , lleva inscrita una estrella de seis puntas ( la de David) formada por 24 triángulos y lo componen 1236 cristales.

He aqui el espectáculo de luz y color:

Durante unos veinte días alrededor del solsticio de invierno, se puede contemplar la salida del sol a través de las dos rosetones de la Seo -el rosetón mayor y el rosetón de la fachada principal-, creando así una especie de calidoscopio.

La luz del sol en el rosetón más grande se proyecta en la pared de enfrente, debajo del otro, formando un doble rosetón en forma de 8.

Esto se produce, si el día está nublado el 11 de noviembre, el día de San Martín) y el 2 de febrero, La Candelaria, (fechas simétricas respecto al solsticio de invierno).

Con el paso de los siglos, la orientación astronómica de nuestras iglesias góticas y barrocas se guarda, salvo en los casos en que se aprovechan los cimientos de construcciones anteriores y conservan la orientación, que no son pocos.

En el pasado no se tiene en cuenta esta orientación, desde el siglo XVI (Reforma protestante y Contrarreforma católica).

FUENTES:

https://www.smu.org.uy/elsmu/comisiones/reencuentro/jornadas/ryms.pdf

http://www.arquivoltas.com/Presentacion/Presentacion09.htm

http://sac.csic.es/astrosecundaria/pt/astronomia_en_la_ciudad

/iglesias%20romanicas%20final.pdf

https://culturacientifica.com/2017/10/13/meridianas/

https://es.wikipedia.org/wiki/Orientaci%C3%B3n_(arquitectura)

https://www.youtube.com/watch?v=Takce27w1tI

Iconografía del Niño Jesús

La iconografía es la ciencia que estudia el origen y la formación de las imágenes, las relaciones de las mismas con lo alegórico y lo simbólico, así como sus respectivas identificaciones por medio de los atributos que casi siempre las acompañan.
Muy poco aportaron los Evangelios canónicos a la iconografía del Niño Jesús, como consecuencia de la restringida información y extrema parquedad con que en ellos se trata su infancia, evidenciando el escaso interés de los evangelistas por los primeros años de Jesucristo. Marcos y Juan no hacen alusión alguna, mientras Lucas y Mateo, aparte de las escasas noticias sobre el Nacimiento y las Adoraciones, tan sólo hacen algunas referencias breves e inconcretas sobre episodios de su niñez, entre ellos la Circuncisión, la Imposición de su Nombre, o su presencia entre los Doctores.
Es patente que desde tiempos muy antiguos los católicos hemos tenido mucha devoción al Divino Niño Jesús, y hemos honrado su santa infancia.
En la Antigüedad, el Arte Romano nos ha dejado muestras de representaciones de carácter religioso, en las que se puede apreciar cierta analogía con la forma de realizar posteriormente las imágenes del Niño Jesús, ya que en ambas se ve englobado el sentido del dominio universal. Podemos citar las figuras de dos infantes: uno de la familia del Emperador Trajano y el otro, del también Emperador, cuando niño, Marco Aurelio. Se les representa con el globo imperial en la mano, corona laureada y reclinados sobre troncos de palmera. Estas figuras se encuentran integradas en la colección Brummer, de Nueva York, y en la Galería Borghese, de Roma, respectivamente

Vamos a intentar  un sencillo acercamiento a los orígenes y tipología de las imágenes exentas del Divino Infante, haciendo especial hincapié en la tradición de su presencia casi constante, en nuestros conventos.

El culto al Niño Jesús es muy antiguo, uno de los ejemplos más arcaicos le encontramos en la iglesia de Santa María de Aracoeli (Roma), que según la tradición, fue esculpido en un trozo de olivo del Huerto de Getsemaní, obra del siglo VII y se expone durante las fiestas navideñas en el Belén.

 Hacia el año 1200 San Francisco de Asís dispuso recordar con mucha solemnidad la Navidad haciendo un pesebre lo más parecido posible al de Belén y celebrando así entre pastores, ovejas, bueyes y asnos la misa de la medianoche, que se veneraba al Niño Jesús en la iglesia de Greccio, como uno de los ejemplos barrocos de la devoción a las imágenes infantiles del Señor.

Imagen de San Antonio con el Niño Jesús S.XIX

También, San Antonio de Padua fue un devoto tan entusiasta del Niño Jesús que según las imágenes que de él se conservan, mereció que el Divino Niño se le apareciera. La representación de Antonio de Padua en el arte pictórico o escultórico ha conocido una cierta evolución en algunos de los símbolos característicos. Antonio aparece en las primeras representaciones, además de vestido con el hábito franciscano (sayal y cíngulo que lo ciñe), con el libro de los Evangelios.

LOS PRECEDENTES

Fué en el Renacimiento, cuando en Italia, Flandes y España comenzaron a crearlos como estatua exenta para ponerlo en el foco de la devoción religiosa.

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Los precedentes más directos les encontramos en el Renacimiento italiano, más concretamente durante el Quattrocento, a partir de las figuras infantiles de Andrea del Verrocchio (1435-1488), que recreó distintos tipos clásicos de amorcillos romanos (putti) para presidir algunas fuentes.

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Francesco di Simone Ferrucci (1437-1493) también trabajaría en mármol algunas figuras de Jesús Infante con los atributos de la Pasión, siempre en un formato que apenas sobrepasa el medio metro de altura

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 Fue Desiderio da Setignano (1430-1464), formado en el círculo de Donatello, el pionero en elaborar una serie de imágenes del Niño Jesús en madera y mármol.

 LOS NIÑOS JESÚS DE MALINAS (BÉLGICA)

La producción italiana de figuras infantiles durante el siglo XV tuvo su contrapunto en la ciudad flamenca de Malinas, en cuyos talleres se comenzaron a elaborar unos modelos inconfundibles en madera en torno a los 30 cm

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Niño Jesús de la escuela de Malinas, s.XVI, perteneciente al convento de Santa Isabel de Toledo, llamado el “risitas”

Niño Jesús de la Bola Escuela de Malinas S.XVI en marfil tallado y dorado.

  Con una anatomía esquemática de anchas caderas, brazos en actitud de bendecir, rostros sonrientes, ojos rasgados y cabellos rubios y rizados. estas figuras tuvieron una gran difusión -sobre todo para la devoción particular llegando muchas de ellas a España.

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Niño Jesús ensimismado” colección particular

Será el siglo XVI el que contemple esencialmente la aparición de la iconografía y se continúe con gran auge durante los siglos siguientes.  

LOS GRANDES MAESTROS IMAGINEROS ESPAÑOLES

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Niño Jesús del Sagrario de Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

La cabeza y el busto son de estaño policromado. Descansa sobre peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

Se encuentra en la Capilla del Sagrario, adosada a la Catedral Hispalense , con especial protagonismo en los desfiles del Corpus.
El gran imaginero que tantas imágenes realizó, dentro de la Escuela Sevillana, hizo varios Niños Jesus, llamados “Montesinos” siendo el que aparece en la imagen, el mas famoso.

Durante el manierismo, en Sevilla se creó lo que podemos llamar el prototipo del Niño Jesús como escultura exenta destinada al culto, un paradigma muchas veces copiado (sin lograr del todo su calidad expresiva) y “exportado” a muchas regiones del Imperio Español. Se trata de una magnífica obra de Juan Martínez Montañés quien esculpió su famoso Niño Jesús de madera de cedro en el año 1606 o 1607. Hoy se encuentra en la Iglesia del sagrario al lado de la Catedral sevillana.

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Niño Jesús del Sagrario de Martinez Montañés vestido como Niño Eucarístico

Portando un cáliz y una hostia está concebido para presidir las celebraciones del Corpus.
El célebre Niño Jesús que realizara en madera Juan Martínez Montañés en 1606 para la Hermandad Sacramental del Sagrario de Sevilla, la imagen barroca infantil más bella de cuantas se hicieron en Andalucía y la más airosa de España, una auténtica joya de la imaginería a pesar de su aparente simplicidad.

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Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

Talla en madera con la cabeza y el busto de estaño policromado. Descansa sobre una peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

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Dulce Nombre de Jesús, titular de la Hermandad del Santo Entierro de Pilas

. Conocido como Niño Dios de las Carreritas. Obra anónima atribuida a Martínez Montañés. 

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Niño Jesús bendiciendo, de Juan de Mesa, discipulo de Martinez Montañés (Escuela sevillana S.XVII
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Huesca, Convento de Santa Teresa Niño Jesús, s. XVII

De la exposición “Signos, Arte y Cultura en Huesca”, 1994, ficha catalográfica de Belén Boloqui Larraya.
(No se menciona su autor, pero por su aspecto podria tratarse de un modelo de Mesa o Montañés.o al menos copia de ellos.)

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Niño Jesus atribuido a la Roldana (Escuela Sevillana) S.XVII Hermandad de la Redención de Huelva

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Niño Jesús Triunfante bendiciendo Atribuido a Alonso Cano (Granada, 1601-1667)

Entre 1634 y 1666 Peltre policromado Museo Nacional de Escultura, Valladolid

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Ya el pleno barroco nos traerá multitud de ejemplos, como el de la Hdad. Sacramental de San Juan de la Palma , obra de Francisco y Gaspar Dionisio de Ribas, donde el movimiento de los ropajes y la peana en forma de nube con querubines aportarán nuevos elementos a los modelos más afamados y del gusto de las corporaciones religiosas. Es costumbre que muchas Hermandades de la Semana Santa andaluzas, tengan un Niño Jesús entre sus imágenes. 

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Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia– encarga al escultor Jerónimo Hernández la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad.de Sevilla

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Francisco Salzillo. Niño Jesús del corazón. s.XVIII. Colección particular

El Niño Jesús del Corazón es uno de los temas más fascinantes, pero, por el contrario, más recientes en el corpus iconográfico cristológico.

LOS NIÑOS JESÚS CONVENTUALES:

El Niño Jesús entregando atributos de la Pasión a Santa Teresa de Jesús y a San Juan de la Cruz The Bowes Museum, en Durham (Inglaterra)

Es un cuadro muy raro, representa al Niño Jesús entregando signos de su pasión a santa Teresa de Jesús y a san Juan de la Cruz. El niño lleva puesto un roquete transparente con bordados, que deja ver todo su cuerpecito ( seguro que para el pintor o para los comitentes tenía algún significado) Los santos que más contribuyeron a difundir la devoción al Niño de Belén fueron Santa Teresa y San Juan de la Cruz, asi Teresa le tenía un amor tan grande al Divino Niño que un día al subir una escalera obtuvo tener una visión en la que contemplaba al Niño Jesús tal cual había sido en la tierra.

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Niño Jesús “el Lloroncito” de Santa Teresa. Convento de San José de Toledo

En recuerdo de esta visión la santa llevó siempre en sus viajes una estatua del Niño, y en cada casa de su comunidad mandó tener y honrar una bella imagen del Niño Jesús que casi siempre ella misma dejaba de regalo al despedirse. La hermosa imagen -que recuerda justamente al Niño Jesús de Praga, porque con su mano derecha bendice y con la izquierda sostiene un globo

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Niño Jesús de las Carmelitas de Sevilla

 Asi en museos carmelitas los Niños Jesús, cada uno bautizado con un apodo acorde con su iconografía o alguna de sus características, han sido vestidos de blanco, como se venía haciendo con motivo de la Pascua en los conventos del Carmelo Descalzo desde que fundara la orden Santa Teresa de Jesús. (Museo del Convento del Santo Angel de Sevilla)

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Era tradicional que algunas de estas imágenes fueran aportadas a la comunidad, durante el ingreso de las religiosas, como dote simbólico de su “matrimonio” con Cristo, dependiendo de las posibilidades económicas de las familias la calidad del escultor encargado de la talla y la riqueza de sus accesorios. Su presencia se implantó en todas las dependencias del convento: cocina, costura, lavandería, coro y en las propias celdas

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Curioso Niño Jesús articulado para vestir Escuela española,S. XVII. “Niño Jesús tipo melancólico”

En madera tallada policromada y dorada, con sistema articulado en brazos y piernas, cara de plomo y ojos de pasta vítrea

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Niño Jesús S.XVII Convento de las Carboneras del Corpus Christi (Madrid)

La presencia de pequeñas esculturas representando al Niño Jesús en las clausuras femeninas es un fenómeno extendido y en el que muchas veces se ha reparado, desde el punto de vista de la investigación, la devoción y la religiosidad popular. Acompañando el ajuar de las profesas, las representaciones del Niño Jesús servían de entretenimiento devoto y la posibilidad de modificar su ornamento y de trasformar su aspecto, suponían una agradable distracción.

Niño Jesús del Carmen, anónimo S.XVIII Convento del Santo Ángel de Sevilla
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Niño Jesús de las Carmelitas Descalzas, conocida popularmente como «Las Teresas»de Ecija

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Niño Jesús dormidito sentado Convento de Santo Domingo de Cadiz

Resultado de imagen de Niño Jesús de escuela española de fines del siglo XVI, perteneciente al convento de las Descalzas Reales de Madrid
Niño Jesús de escuela española del siglo XVI, convento de las Descalzas Reales de Madrid

En muchos monasterios femeninos era habitual la presencia de imágenes
del Niño Jesús
en las dotes de las religiosas; reflejo de ello son el largo
centenar de esculturas que se conservan en las Descalzas Reales. En esta
extensa colección se reúnen obras desde el siglo XVI hasta el XX, que
muestran muy variadas iconografías según los gustos artísticos y las
corrientes devocionales de cada época.

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Niño Jesús en Majestad del Monasterio de las Descalzas de Madrid

Las Descalzas Reales fué fundado a mediados del siglo XVI por la hija de Carlos V, doña Juana de Austria y contiene una preciosa colección de imágenes del Niño Jesús. Unos están desnudos, otros están cubiertos con pequeñas túnicas o camisas, los más suntuosamente vestidos con bordados y encajes; y mientras unos son delgados, otros son regordetes o decididamente obesos y con la cabeza llena de rizos.

EL CICLO LITÚRGICO EN LOS CONVENTOS

Resultado de imagen de En el monasterio de Santa Isabel de Madrid, se guarda esta imagen del Niño Jesús, tallada en madera en el siglo XVII.
Niño Jesús “Dormidito” Monasterio de Santa Isabel de Madrid

El ciclo liturgico era celebrado por las religiosas: Entre las actividades del Adviento figuraba en primer lugar la “Canastilla mística”, incitación a las religiosas a practicar la virtud mediante la realización de un pequeño sacrificio elaborando una prenda u ornato para una figura del Niño Jesús.

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Altar de las “Jornaditas· Convento de Santa Rosalía, Sevilla

El 16 de diciembre comenzaban las “Jornaditas”, procesión de las figuras engalanadas de la Virgen y San José por las celdas evocando el rechazo en la búsqueda de posada, Tambien se utilizaba el “Niño de las celdas”, una imagen del Niño

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Niño Jesús, “Tendidito”. Convento de Santa Clara, Montilla.

El día de Navidad se sacaban los mejores paños y objetos de orfebrería para la misa y una imagen del Niño Jesús presidía el refectorio, pasando después por todas las celdas para recibir de cada monja un verso que relataba los principales acontecimientos del año

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Niño de la Paja, Convento de Santa Clara Borja (Zaragoza)

En algunos conventos se celebraba el día 28 los Santos Inocentes y el día 30 la Sagrada Familia, practicándose el “Juego del Niño Perdido”, en alusión a la pérdida de Jesús en el Templo, consistente en esconder una imagen del Niño Jesús que la afortunada en encontrarla podía conservar un tiempo en su celda.

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Niño Jesús sentado Convento de Santa María de Dueñas o Convento de Nuestra Señora de la Consolación, Salamanca

El ciclo terminaba el 1 de enero con la celebración del Nombre de Jesús. Para ello se entronizaba una imagen del Niño Jesús y se le rendía culto con el apelativo de “Manolito”, nombre cariñoso derivado de Emmanuel. Tras la fiestas de los Reyes Magos y de la Purificación de María, conocida como la Candelaria, las imágenes del Niño Jesús, que recibían cariñosos apodos de las monjas, volvían a ocupar los arcones junto a sus ajuares.

LOS NIÑOS PASIONARIOS:

Niño Jesús del Convento de Santa Paula de Sevilla

La representación del Niño dormido responde al modelo de los Niños
de Pasión
que vincula la imagen infantil de Cristo con su futura muerte en
la cruz. A pesar de centrarse en el pasaje más dramático de su vida,
el semblante del Niño trasmite serenidad, fruto del convencimiento de
alcanzar la redención de todos los hombres a través de su Pasión de la que, finalmente, saldría victorioso.

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Niño Jesús del Cnvento del Carmen de Jeréz (Cadiz)

Otro de los modelos más significativos, y al que sencillamente denominaremos como Niño con los atributos de la Pasión, consiste precisamente en esto, una imagen de Jesús Niño a la que se complementa con atributos o elementos, habitualmente de reducido tamaño, identificables con la vía dolorosa.

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Niño pasionario-Convento de las Carmelitas de San José Toledo

Esta iconografía procede de las palabras de Santo Tomás: “Que en el momento de su concepción, el primer pensamiento de Cristo fue para su Cruz”. Es evidente que en el Medioevo se utilizaron los instrumentos de la Pasión, dominaban en la liturgia de las vísperas de la Semana de Pasión, en el canto del himno “Vexilla Regis” y encabezaban las procesiones del Jueves Santo. Será en el siglo XVI cuando se una la Infancia de Cristo con la Pasión, siendo los Jesuitas sus mayores propagadores, apareciendo con frecuencia

Cristo Niño jugaba en su casa de Nazaret tejiendo la corona de espinas, y se pinchaba en el dedo, del cual brotaba una gota de sangre, Como podemos observar en el Niño Jesús del Corazón

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Niño Pasionario de Alonso Cano

La túnica suele arrastrar por el suelo en señal de dolor por los sufrimientos. Sostiene una cruz de mayor tamaño revelando de este modo la aceptación de la Cruz a través de su unión al madero del suplicio.

Niño Jesús Pasionario S.XVIII

  No suelen presentar nimbo ni potencias, aunque por el contrario hay algunos que coronan su cabeza con lacerantes espinas.

El Niño meditabundo, a veces con sus mejillas llenas de lágrimas y otras con sus ojos llorosos, pero generalmente melancólicos, presiente y reflexiona sobre su trágico destino.
 Ordinariamente se presentan de pie aunque también pueden aparecer sentados sobre riscos de piedra o nobles sillones tallados, recostados, e incluso de rodillas.

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Niño Jesús Pasionario. Anónimo 1800. Convento de Jesús Nazareno. Chiclana (Cadiz)

A partir del siglo XVIII estas imágenes acentuaron el uso de postizos, incorporando pelucas reales junto a los ojos de cristal, destacando los ejemplares llegados desde los prestigiosos talleres napolitanos.

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Niño Jesús atado a la columna, es una representación poco usual como subtipo del Niño Pasionario.

Niño Jesús ensimismado de las Clarisas de Llerena (Badajoz)

 El Niño de Pasión también forman parte de este grupo los Niños que adoptan una actitud declamatoria, modelo denominado por algunos autores como “Niño ensimismado” o “Niño melancólico”, y que se representa habitualmente sin elemento iconológico alguno, y dirigiendo su mirada perdida al infinito o hacia el propio espectador; modelo que contó con gran difusión en los siglos XVII y XVIII.

“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid

Uno de los subtipos más recurrentes es el del Niño Jesús soñando con la Pasión. Se conservan ejemplares en los que el Niño aparece dormido sobre una cruz y una calavera que representa el triunfo de la vida sobre la muerte

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Niño Apocalíptico Convento de San Francisco de Asís de Sevilla

Las imágenes del Niño Jesús, en que éste aparece dormido o meditabundo sobre una calavera y que se puede interpretar como de Pasión por lo que de imagen premonitoria tiene

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“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid 
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Niño dormidito Convento de Santa Catalina Escuela castellana S.XVII Valladolid

Una de las representaciones menos frecuentes que se han  podido comprobar de los Niños estudiados han sido las imágenes de Niños Jesús en cunitas y este al estar recostado sobre la calavera, se le puede considerar entre los Apocalípticos.

 Otro ejemplar con su cuna

La espina, es una premonición de la Pasión de Cristo Es lógicamente esta escena una clara premonición de la Pasión de Cristo realizada a través de una descripción amable y en todo caso melancólica, que contó con una gran aceptación en la plástica colonial.

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Niño en la Cruz Monasterio de Santa María de Gracia

Regentado por las Madres Agustinas de Huelva, niño en la cruz contó con poca aceptación entre los fieles, debido a lo impactante que resultaba, rozando incluso lo desagradable, pero a pesar de haber sido censurada desde la propia Iglesia, se labraron y pintaron imágenes del Niño Jesús clavado en la cruz.


LOS NIÑOS TRIUNFANTES

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También llamados Victoriosos. de Jerónimo Hernández

 La Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia es la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad de Sevilla
Tiene que llevar en su mano izquierda una cruz o estandarte, pues la cruz no solo es símbolo de la Pasión sino también de la Resurrección y Victoria.Su tipo deriva muy directamente del creado por Juan Martínez Montañés, utilizado igualmente por Juan de Mesa.
Algunos autores consideran que hacia 1610, creó Martínez Montañés el tipo de Jesús desnudo, bendiciendo, en actitud naturalista, extendiéndose por España. También puede sujetar con la mano izquierda el globo terráqueo y bendecir con la mano derecha.

Niño de Plomo Aracena (Huelva)

Imagen antigua de estilo montañés La imagen esta realizada en metal de plomo policromado y porta una cruz de plata de ley.

NIÑO BUEN PASTOR

Presenta una mezcla iconográfica de dos tipos: bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda portando el estandarte, como Salvador del mundo, y también como Buen Pastor, con el báculo o cayado.

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El Buen Pastor de Bartolomé Esteban Murillo

Con este tema, sin embargo se produce una contraposición que raya casi en el antagonismo, entre pintores y escultores de la época.

Divino Pastorcillo de Hinojos, obra atribuida a Gabriel de Astorga.

Los primeros, salvo en raras excepciones, tratan la figura de Jesús Niño de una manera delicada y humana. Vemos Niños en los cuadros de Velázquez, de Zurbarán, pero sobre todo en los del artista que mejor ha sabido distinguir la infancia, Bartolomé Esteban Murillo, copiando sus modelos del natural e inmortalizándolos en lienzos de los que se conservan buena parte en nuestro país, repartidos por diferentes lugares, y muy especialmente en el Museo del Prado. Se representa en pintura al “Buen Pastor”, aparece Jesús Niño con una oveja, rememorando el pasaje evangélico de San Juan: “Yo soy el Buen Pastor y conozco a mis ovejas…

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Niño Pastorcito Divino de la Pastora de Capuchinos, obra de Cristobal Ramos

Su atuendo se compone de traje de pastor con zamarra, calzas y albardas, al que se incorporan, producto de la imaginativa piedad de la época, elementos complementarios como el zurrón, la esquila para llamar a la oveja perdida, sombrero de paja, pellica al hombro, e incluso en algunos modelos hasta navaja

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Niño Triunfante,llamado “Perdidito” de Antequera

Es otro de los modelos más populares y extendidos dentro del rico programa iconográfico de Jesús Infante, y tal vez por esta circunstancia sea uno de los que menos descripción necesita. En él se representa a Jesucristo en edad infantil siguiendo la iconografía bizantina de la Resurrección, muestra además el gesto bendiciente característico del modelo que nos ocupa 

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Niño Rey de Reyes S.XVIII Convento de Dominicas del Corpus Christi de Valladolid

  El Niño Majestad es uno de los primeros modelos del Niño Jesús exento que ha llegado a nosotros es el , modelo iconográfico, que nos muestra al Infante como Rey y Señor, vestido ordinariamente con trajes cortesanos y ostentando atributos propios de su realeza. 

Niño Jesús de la Virgen del Rosario del Convento de Madre de Dios de Sevilla

Niño Jesús entronizado del Convento de Santa Paula de Sevilla
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Niño Salvador del Mundo

Las más antiguas representaciones exentas del Niño Jesús que han llegado a nosotros pertenecen a los últimos años del siglo XV y principios del XVI, y la mayor parte de ellas corresponden al Niño Salvador del Mundo. En este modelo, como en otros tantos, se sigue más o menos libremente la iconografía homónima de la versión adulta de esta advocación. Así, el Niño Salvador o Niño Redentor, es otra interpretación de la realeza de Jesús, y que fue plasmada en la figura de Jesús, si bien derivada del Niño Majestad, despojada de atributos reales, pero mostrando el globo terrestre sobre el que se apoya o sostiene con su mano izquierda.

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Niño Jesús como Salvador del Mundo Convento de las Huelgas de Valladolid

  . 

Bendito Niño del Rosario de la Hermandad de los Remedios (Málaga)


OTRAS REPRESENTACIONES

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Vestido de sacerdote

  Hemos de referirnos también, a una gran variedad de adaptaciones que las figuras recibían en el interior de las clausuras, donde la indumentaria y los accesorios elaborados por las monjas les conferían diferentes caracterizaciones, dando lugar a un extenso catálogo en el que el Niño Jesús puede aparecer como pastorcillo, peregrino, abogado, hortelano, cocinero, fraile, sacerdote, obispo, papa, etc.

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Niño Jesús de la Paz de fraile franciscano La Algaba (Sevilla)

Se representa al Niño Jesús como emblema de una Orden con su propio hábito

 Niño Jesús de vestir Anónimo, siglo XVII
Niño Jesús Salvator Mundi “el Patroncito”   Anónimo, siglo XVII Valladolid

LAS DEVOCIONES EN ESPAÑA

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Algunas imágenes son el origen de célebres fiestas, como es el caso del Bautizo del Niño Jesús en Palencia, que celebra cada 1 de enero la Cofradía del Dulce Nombre del Niño, fundada en el siglo XVI y con sede en la iglesia de San Miguel.

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Santo Niño del Remedio (Madrid)

Es una de las más veneradas en la capital de España, tiene una singular historia: En el año 1898 un encuadernador de la costanilla de los Ángeles posee una talla de madera de un niño que, según creencia popular, posee unas propiedades curativas. Este niño reposó durante unos años en un oratorio particular de las cercanías y pronto la devoción popular del Santo Niño del Remedio se generalizó en Madrid

Bendito Niño Jesús de Ntra. Sra. de las Mercedes de San Fernando. (Cadiz)


LOS NIÑOS JESÚS DE OTROS PAÍSES 

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Santo Niño de Cebú (Filipinas)

Alrededor del mundo, nos encontramos con diversas veneraciones a Jesús Niño. Por un lado, se encuentran las que lo representan como un bebé, y por otro, las que lo caracterizan como un niño más grande. Con respecto a los Niños Jesús del segundo grupo mencionado,además de la veneración de La Rioja, existen otras esparcidas alrededor del mundo, tales como la del Divino Niño, la del Niño Jesús de Praga, la del Divino Niño Alcalde de Cuzco,el Niño Jesús de Perú, entre otras.  

Niño de la Compasión de la ciudad de Malolos.

La religiosidad popular cristiana en Filipinas tiene un ejemplo de ello es este Niño

Niño de la Bola o Santo Niño de la Bola iglesia de St. Michael de Ebersbach (Ravensburg)

  Esencialmente es el que lleva en su mano un orbe real (la bola) como símbolo de su poder sobre el mundo.

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Niño Jesús de Praga Iglesia de Nuestra Señora de la Victoria en Malá Strana

El Niño Majestad lo podemos observar en el Niño Jesús de Praga Muchos de estos modelos alcanzarían una gran popularidad devocional, Esta figura de origen español esta modelada en cera.

Niño Jesús de Aglipay de la ciudad de Malabon (Filipinas)

Esta ataviado de forma principesca.

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El Niño de la Espina (Cuzco- Perú)

  Esta es la historia del autor de una tradición enraizada en los cuzqueños de hoy, se trata del imaginero Antonio Olave Palomino quién realizó el primer Niño de la Espina o Manuelito, una representación del Niño Jesús.con el pie atravesado por una espina.

Santo Niño Jesus de Tucumán S.XVIII Argentina

En Tucumán puede apreciarse una pequeña imagen del Niño Dios, que data del siglo XVIII. Es originaria del Alto Perú y fue realizada en cera.

Algunos ejemplares de la imagineria peruana  la de la ciudad del  Cuzco. estan realizados con  féculas, cañas de maíz y maguey ( vegetal andino) incluso algunos tejidos orgánicos de animales (camélidos andinos)

Niño Jesús de la Demanda de la  la Iglesia de las Mercedes de Guatemala 

Niño de la Espina Cuzco
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Jesús Tinkunaco o Riojano vestido enteramente como un niño incaico 

Imagen del Niño Dios en disfraz de la cultura azteca (México)


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Santo Niño Jesús de las Suertes Concepcionistas de San Bernardo Xochimilco México

El Cabildo, convino que se echara en suertes entre dos conventos (de ahí su nombre de “las Suertes”), y que Dios mismo eligiera a qué convento de todos los de la ciudad quería ir. Se hizo la rifa y salió en suerte el Monasterio de San Bernardo. 

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  En la mayoría de este tipo de imágenes, los Niño Jesús se encuentran revestidos con atributos de autoridades civiles de distintas épocas. Este tipo de representación, comenzó aproximadamente en el siglo XVI en Europa, y desde allí se extendió hacia el resto del mundo. 

Niño de Belen de Xochimilco

 

FUENTES

http://www.lahornacina.com (fotos)

http://www.madrid.org/bvirtual/BVCM002463.pdf

https://prezi.com/h6nofxiczb24/iconografia-del-nino-jesus/

http://islapasionforos.mforos.com/1167541/6059431-imagenes-del-nino-jesus/?pag=3

En varias fotos, recogidas de la web, aparecen los nombres de sus autores.

Los palacios imperiales de Roma

 Se denomina Imperio Romano a la etapa de la historia, en la que Roma fue gobernada por emperadores. Estos implantaron el gobierno absoluto, concentrando en una persona todos los poderes: político, administrativos, religiosos y militares.
Esta etapa se inició en el año 29 a.C. con el gobierno de Augusto (Octavio) y concluyó con Rómulo Augústulo en el año 476 d.C.

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Su territorio, abarcó una gran extensión por varios continentes, pero el centro neurálgico era Roma.

Italia estaba habitada por distintos pueblos: los latinos, que ocupaban la llanura entre el río Tíber y los montes Albanos, con los umbros y los etruscos al norte del mismo rio.

La antigua Italia, fué heredera de múltiples culturas, como la de los etruscos y latinos y receptora de la colonización griega y cartaginesa y sobre todo, vio nacer el Imperio romano, que proporcionó gran parte de la cultura occidental y fué uno de los mayores de toda la historia. 

ROMA

Las colinas de Roma

Según la tradición, Roma fue construida sobre siete colinas, todas situadas al este del Tíber, menos una: el Aventino.

Área histórica y sus itinerarios

El centro de la ciudad actual está ocupado por una basta zona donde se encuentran las principales ruinas de la antigua Roma, divididas en cuatro áreas distintas:


-El valle del Foro
-La colina del Palatino
-El Coliseo
-Los Foros Imperiales


Pero en esta ocasión, vamos a centrarnos solo en una de estas zonas: el Palatino.

La colina del Palatino

El monte Palatino (en latín Collis Palatium o Mons Palatinus) es la más céntrica de las siete colinas de Roma, y la de menor elevación: se alza a 50 m​ sobre el Foro Romano, quedando entre este y el Circo Máximo.

EL PALATINO

Ruinas del Palatino por P.P. Rubens S.XVII

Asomada al valle del Foro , en esta colina, se encuentran las ruinas de la residencia imperial, comenzada por Augusto y agrandada espectacularmente por sus sucesores.

Vista del Foro Romano

El Palatino se levanta sobre el antiguo Foro romano y fue el lugar de residencia de los más altos ciudadanos del Imperio Romano, así como de los emperadores. Hoy en aquel lugar se encuentran las ruinas de la que un día fuera el centro administrativo donde se desarrolló gran parte de la Historia romana y que un día fueran las casa de Augusto, Livia o Septimio Severo

Disposición recreada de los distintos edificios

El primer palacio se le debe a Tiberio, que más tarde sería ampliado por Calígula hasta alcanzar al mismo Foro romano. Más tarde, entre los años 81 y 92 d.C. fue Domiciano el que construyó en el Palatino la Domus Augustana, la que fuera residencia oficial de todos los futuros emperadores durante más de 300 años. Sobre finales del siglo II, principios del III, Septimio Severo amplió el Palatino hacia el sur construyendo arcos de 30 m. de altura además de levantar el Septizodium, un escenario de varios pisos con columnas y estatuas dignos del boato de un Imperio.

Áreas arqueológicas de la Roma Quadrata

Es una de las áreas más antiguas de la ciudad de Roma, con yacimientos arqueológicos que datan en torno al año 1000 a. C. y formaba parte de la llamada Roma Quadrata.
Su importancia respecto al Foro es menor, pero a pesar de la dificultad de identificar sus distintas edificaciones arruinadas y transformadas a lo largo del tiempo, aún se pueden recorrer con gran interés muchas de ellas: peristilos, salas de audiencias, basílicas, galerías subterráneas, etc

Éstos son los principales lugares, de norte a sur, que os encontraréis en el recinto del Palatino:

Los restos de las cabañas de Rómulo (s.VIII a.C.). A pesar de su importancia, pasan desapercibidos para la gran mayoría .
La Casa de Augusto: abierta al público desde marzo de 2008, por los frescos que contiene (aunque, si lo que buscas son frescos romanos, los mejores están en el Palazzo Massimo alle Terme).
El Criptopórtico de Nerón, ahora abierto al público, que evoca las intrigas de los primeros sucesores de Augusto
Las vistas sobre el Foro Romano, desde los Jardines Farnese, y sobre la explanada del Circo Máximo. Son sugestivos jardines escalonados sobre el Foro Romano
Palacio de Tiberio.
Domus Flavia.
Templo de la Magna Mater
Templo de Apolo.
Supuesto Lupercale.

Para mas información y dada la dificultad de reconocer las distintas ruinas, os aconsejo visionar este video:

https://youtu.be/fVFXJ2SlgXI

MUSEO PALATINO

Museo Palatino

El Museo Palatino se encuentra cerca de la homónima colina, en Vía di San Gregorio 30, sobre las ruinas del palacio del emperador Domiciano.

Vista de una sala del museo

Tiene piezas de verdadero interés, es pequeño y se puede ver en media hora. Su visita ayuda a entender mejor las ruinas de la colina.

Fragmento de marmol del triclinio de la Domus Transitoria de Neron 54-64 DC

LUGARES DESTACADOS:

LAS CABAÑAS DE RÓMULO

Las cabañas de Rómulo, de las que se dicen que datan del siglo IX a.C. estan situadas en la parte más al norte del Palatino.
En 1948 excavando en la zona oeste de la colina, los romanos identificaron una serie de cabañas de madera de reducido tamaño con la supuesta vivienda de Rómulo, el fundador de Roma, y los honraron con un complejo religioso cuyos restos forman parte de la llamada Casa Romuli (casa de Rómulo)

Excavación de la supuesta Casa Romuli y la muralla

La casa Romuli era una cabaña que se reconstruía y restauraba continuamente. Estaba situada en donde luego, Augusto edificó su casa. Así, desde entonces, esta colina y sus construcciones pasaron a ser el símbolo por antonomasia del poder de Roma.

Rómulo y Remo con la loba por P.P.Rubens Museos Capitolinos

Cuenta la leyenda que los gemelos Rómulo y Remo fueron amamantados por una loba en este lugar.

Imagen relacionada
La loba Luperca con Rómulo y Remo Museos Capitolinos

Rómulo y Remo se propusieron levantar una nueva ciudad en las cercanías del lugar donde habían sido encontrados por la loba. En esa zona había dos colinas y cada hermano propone una para construir la ciudad sobre ella. Rómulo apuesta por la colina del Palatino y Remo por el Aventino.

La Roma Quadrata

Tras haber matado a su propio hermano, Rómulo fundó una aldea en aquel cerro aislado que se erguía sobre el río Tíber, muy cerca de la Isla Tiberina. Cuenta también esa historia que aquel surco cuadrado que trazara Rómulo el 21 de abril del 754 a.C. fue el punto donde nació el que habría de convertirse en uno de los más grandes imperios de toda la Historia de la Humanidad: Roma

Templo de Magna Mater en un relieve actual en la Villa Medici, Roma

Junto a ellas se encuentra el Templo de Cibeles, diosa de la fertilidad.

Diosa Cibeles, Metropolitan Museum de NY

En el 204 a.C., se introdujo el culto a la Magna mater, inspirado por el de Cibeles, una diosa cuyo origen parece estar en Frigia, un pueblo de estirpe indoeuropea que hacia el 1200 a.C. ocupó Asia Menor y siguiendo los consejos de los Libros Sibilinos, se erigió un primer templo en honor de la diosa en la ladera suroeste, entre el Templo de la Victoria y la Casa de Rómulo.

LAS CASAS DE AUGUSTO Y LIVIA

AUGUSTO

Roma, 23 de septiembre de 63 a. C.-Nola, 19 de agosto de 14 d. C

Plano de las casas de Augusto y Livia su esposa

El hecho de que Augusto hubiese nacido en la colina Palatina marcó el destino de este monte y la denominación de la vivienda imperial. El lugar también tenía su simbolismo, según la leyenda, era donde Rómulo y Remo fueron acogidos por la Loba (Lupercalia) y donde el primero de los hermanos, el fundador de Roma, instaló su cabaña (de las que los romanos conservaron restos).

Corte transversal de la situación topográfica del supuesto Lupercal

Recientemente se ha descubierto el Lupercal , la gruta donde la loba amamantó a los gemelos , la cabaña de Rómulo, el templo de la Gran Madre (Cibeles) y el templo de Apolo.

Bóveda del supuesto Lupercal – Fotografo: Benvegnù Guaitoli

Al noroeste de la colina (en el Germalus) hay un espacio ocupado por un grupo de casas de fines de la República (casa de Livia y casa de Augusto), que nunca fueron destruidas para dar lugar a los palacios imperiales.

Ruinas de la Casa de Augusto

Este hecho insólito, junto con las descripciones que se hicieron de la casa de Octavio Augusto, ha hecho pensar que ésta fue su residencia.

Domus Augusti, recreacción


La casa de Augusto, también denominada en latín Domus Augusti, era la residencia privada del emperador Augusto, situada en la colina del Palatino. La casa de Augusto fue el resultado de la unión de varias casas preexistentes de la época republicana, que el emperador hizo fusionar a partir de 36 a. C.
El emperador Augusto comenzó la transformación del Palatino en residencia exclusiva de los emperadores romanos en el 32 a.C. al adquirir la vivienda de Quinto Hortensio en la zona oeste de la colina. La llamada Domus Augusti tenía para Augusto un alto valor simbólico, al estar emplazada junto a la Casa Romuli.

Casa de Livia

La casa de Livia, justo enfrente de la de Augusto y donde no debéis perderos las pinturas murales que aún se conservan.

Frescos de la Casa de Livia

En la zona norte de la Domus Augusti original, expandió una antigua villa republicana que conectó con la Domus Augusti, hoy conocida como Casa de Livia, donde se retiraría a vivir su viuda Livia Drusila después de la muerte de Augusto en el 14 d.C

Decoración mural: “Friso Amarillo”

Algunas habitaciones, de dimensiones modestas, están decoradas con frescos del estilo segundo, que han sido restaurados y reabiertos para su visita pública.

DOMUS FLAVIA

Conjunto de la Domus Augusteana, Flavia y templo de Apolo

Domus Flavia

En la Domus Flavia, de la que se conserva el patio, de rico mármol, y según las crónicas romanas, una de las más espléndidas casas. Era la parte pública del palacio

TIBERIO

El emperador Tiberio

16 de noviembre de 42 a. C.-16 de marzo de 37 d. C.


El sucesor de Augusto, el emperador Tiberio, hijo de Livia, prefirió trasladar su residencia a un complejo más espacioso y lujoso en la zona noroeste del Palatino Tiberio construyó el primero de los palacios imperiales, en la esquina noroeste del Palatino, y luego Calígula lo amplió hacia el foro.

Domus Tiberiana

Allí, hizo construir el llamado Palacio de Tiberio, que miraba al Foro.

Vista aérea actual del Palacio de Tiberio

Se añadieron algunos elementos a la Domus Augustana al este del Templo de Apolo.

Criptopórtico tiberiano

Criptopórtico de Nerón, construido por Domiciano

También se construyó un pórtico de acceso privado al Circo Máximo

Y la exedra, una especie de mirador o balcón que daba al estadio.

NERÓN

El emperador Nerón

Roma 15 de diciembre de 37-9 de junio de 68)

Domus Transitoria, ruinas

Nerón construyó con gran lujo un nuevo palacio, la Domus Transitoria, en la zona norte de la colina y adyacente al Palacio de Tiberio.

Planta de la Domus Transitoria

Era ya un conjunto que unía la Domus Tiberiana con el monte Esquilino a través de jardines, columnatas y pabellones

Frescos de la Domus Transitoria
Letrinas de la Domus Transitoria foto: Alberto Pizzoli

A raíz del Gran Incendio de Roma en el 64 d.C., partes del Palatino, incluyendo la Domus Transitoria, fueron pasto de las llamas. Nerón decidió entonces reformar una parte sustancial del este de Roma, donde hizo erigir su famosa Domus Aurea entre el Palatino y el Esquilino

LA DOMUS AUREA

Situación de la Domus Aurea

https://youtu.be/U4zVNmQWZjg

Tras el incendio, ya mencionado, Nerón encargó a sus arquitectos Severus y Celer la construcción de un palacio-villa aún mayor y más lujoso, la Domus Áurea.

Situada, con alrededor de 50 hectáreas, entre las colinas del Palatino y el Esquilino, incluyendo en este la Colina del Oppio, la Domus Áurea formaba parte del proyecto que Nerón había ideado para convertir y transformar Roma en una nueva ciudad “Neropolis” siguiendo el modelo helenístico a la manera de Alejandría, esto es una ciudad de plano ortogonal con plazas y amplias calles rectilíneas.

y localización de la Domus Aurea

Esta construcción no llegó a acabarse, sin embargo se sabe que pretendía tener un frente de más de 1500 metros de largo y 50 hectáreas de extensión. Sólo fue utilizada durante unos pocos años, puesto que los Flavios renunciaron a esta residencia en favor de construir otra en el Palatino.
Además fue afectada por el incendio del año 104, por lo que se inutilizó y rellenó parte de ella con escombros para servir de cimentación a las Termas de Trajano. Esta circunstancia la preservó en parte de los ladrones de materiales de construcción y no fue redescubierta hasta el Renacimiento.

Sala octogonal

Del sector este son unas habitaciones cuyo principal interés es una sala octogonal cubierta con una cúpula de hormigón y óculo central, que precede temporalmente a la del Panteón de Agripa- Adriano. Con toda posibilidad debió ser el gran comedor circular que rotaba y del que hablaba Suetonio.

Otra de las salas

Al parecer esta villa era utilizada exclusivamente para fiestas, y ninguna de sus 300 habitaciones era utilizada como dormitorio. No se han encontrado areas de servicios, como cocinas y letrinas.

Grutescos de la Domus Aurea, admirado por artistas renacentistas, como Rafael

La Domus Aurea de Nerón finalmente ha sido abierta al público después de un largo período de restauración y es accesible exclusivamente con la visita guiada

DOMICIANO

Domiciano

(Roma, 24 de octubre de 51-ibídem, 18 de septiembre de 96)

Palacio de Domiciano

Planta del Palacio de Domiciano. E: entrada principal L: Lararium A: Aula Regia B: Basílica Po: pórtico P1: peristilo. C: Cenatio P2: segundo peristilo P3: tercer peristilo Co: apartamentos privados Ex: exedra S: estadio Tr: tribuna del estadio.

Detalles de las estancias del palacio

Domiciano con un criterio monumental lo reconstruyó por completo al mismo tiempo que la Domus Augustana. Desgraciadamente todo lo que se puede ver hoy día son los cimientos entre los jardines Farnesio. El palacio de Domiciano en la Domus Flavia, permanecerá como centro oficial del Imperio hasta la reforma de Diocleciano en 293/297.

Reconstrucción del Aula Regia y del Patio con fuente octogonal, llamado por Domiciano “Sicilia”
Frescos del palacio
El Aula Regia estuvo adornada con estatuas de Baco y Hércules , descubiertas en el S.XVIII, ahora en el Museo Nacional de Parma
Dioses Lares

Lararium al otro lado del Aula Regia, donde se adoraban a los dioses Lares del hogar.

El gran Triclinium por J.C. Golvin

Triclinium con un ábside donde se situaba el emperador, tenia un sistema de calefacción bajo el suelo y dos patios o ninfeos a cada lado

Domus Augustana o zona privada del emperador con gran patio, donde habia un templo dedicado a Minerva y jardines mas íntimos , uno de ellos con una fuente con cuatro escudos de amazonas, con sus estatuas correspondientes

Stadium

Stadium o Hipódromo: última parte del palacio construida por Domiciano, ornado con numerosas estatuas, que dieron lugar a importantes hallazgos arqueológicos.

Palco de Domiciano

Tenia en un lateral una gran exedra que haría las veces de palco imperial

SEPTIMIO SEVERO

Septimio Severo Munich Glyptothek

(Leptis Magna, África, 11 de abril de 146-Eboracum, Britania, 4 de febrero de 211

Palacio de Septimio Severo

Se encuentra en la parte más al sur del palatino, característico por sus arcos gigantes.
El Palatino siguió siendo habitado por los emperadores de Roma durante el siglo III pero mas tarde, el Palatino, aunque todavía nominalmente residencia oficial del emperador, dejó de ser ocupado, con la excepción de la zona suroeste (la Domus Augustana), donde los emperadores mantuvieron una residencia para sus estancias en Roma

El Septizodium por Paul Bigot, université de Caen

Domus Severiana, en el extremo final del Palatino con una estructura que da al valle y al Circo Máximo Es de la época de Septimio Severo que también construyó el Septizodium, dedicada a los siete principales astros.

Fachada del Septizodium

Que era una fachada monumental ninfea de unos 90 metros de largo adornada de estatuas y columnas, que al estar en la entrada a Roma por la Via Appia, impresionaba a los viajeros. Sixto V lo derribó y empleo sus materiales en nuevas construcciones

Termas de Caracalla

Se amplió, además, el palacio imperial y se inició la construcción de las que serían conocidas después como Termas de Caracalla

Las termas en la actualidad

Este edificio aún se conservaba en parte en el siglo XVI, momento en que fue demolido por orden de Sixto V par emplear los materiales recuperados para diversas obras.

Constantino el Grande

Prácticamente con Severo acabó el auge del Palatino, y fue a principios del siglo IV, con Diocleciano cuando comenzó a abandonarse. Tras Constantino, la capital se desplazó a Bizancio y el Palatino perdió toda su razón de ser.

Mausoleo de Teodorico en Rávena

TEODORICO
Teodorico el Grande, rey de los ostrogodos, decidió restaurar los palacios del Palatino, pero residió la mayor parte de su reinado en Rávena. El general Belisario también residió en el Palatino durante su breve estancia en Roma en el 536 tras tomarla a los ostrogodos.

EL PALATINO DURANTE EL RENACIMIENTO:


LOS JARDINES FARNESIANOS

Entrada a los Jardines Farnesianos

Mientras el Aventino era la colina ‘popular’ el Palatino era el símbolo del patriciado, de los ‘palacios’ en los que vivían los encargados de ejercer el poder. No por nada la familia Farnese eligió esta colina para construir a finales del s. XVI su residencia de verano (Horti Farnesiani) con magníficos jardines y ninfeos que aún podemos admirar en parte.

Jardines Farnesianos por Jean-Baptiste Camille Corot

Los Huertos Farnesianos, creados a mitad del siglo XVI por el cardenal Alessandro Farnese, miembro de una potente familia de la época (que tuvo entre sus integrantes al Papa Paulo III)

Estos lugares tenían un significado especial, cuando fue descubierta América aquí llegaron plantas exóticas que fueron colocadas en los famosos Huertos Farnesianos, que fueron el “primer huerto botánico de la historia”.
Otra característica, fueron las pajareras había también aves originarias de América, que en esos años representaban un simbolo de estatus y poder.

Vista de los Jardines Farnesianos en la actualidad
La Viña Barberini

Durante los Siglos XVIII y XIX, se llevaron a cabo las mas importantes excavaciones arqueológicas.


FUENTES:

http://sonia-rb.blogspot.com/2011/03/el-palatino-palacios-imperiales-y-la.html


https://youtu.be/_RDXhU-fSio Casa de Augusto y Livia


http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html

https://www.audioguiaroma.com/foro-romano.php

http://augusto-imperator.blogspot.com/2014/09/el-lupercal.html

Tronos reales

Foto de cabecera: Salón del Trono del Palacio Real de Madrid

Se define trono, como el asiento oficial sobre el que se sienta un monarca en ocasiones ceremoniosas. El trono tradicionalmente consiste en un asiento grande y lujosamente decorado que se sitúa sobre unas gradas y en los palacios, se situaba en la llamada sala del trono o salón del trono. Cuando el trono está bajo dosel se le llama solio, como por ejemplo el solio pontificio.  
El trono en un sentido abstracto puede también referirse a la monarquía o a la corona, es un caso de metonimia, también se utiliza en muchos términos tales como “el poder detrás del trono”. Los tronos fueron asociados siempre directamente al poder real
.En algunos países que conservan una monarquía en la actualidad, los tronos todavía se utilizan y tienen un significado simbólico y ceremonial importante, sin embargo muchas monarquías modernas de hoy en día han reservado su uso al simbolismo, como el de las coronas y coronaciones.

Voy a tratar, en esta entrada, de auténticos tronos que fueron en su día ocupados por Reyes, Emperadores, Papas y algún que otro mandatario.

CRETA
Sala del trono del palacio de Cnossos.
Cnosos fué asociada a la leyenda del rey Minos y de su palacio, el yacimiento, con ocupación humana desde el 7000 a. C., fue la ciudad más importante de Creta durante la civilización minoica
Se aprecia que el trono es ciertamente modesto. Es de alabastro. Y el salón del trono tampoco tiene la magnificencia ni las dimensiones de los salones del trono egipcios o persas. Tal vez porque la isla no daba para mucho. Y aquí es donde vamos a tomarnos la libertad de asomarnos a las ventanas y admirar el paisaje que admiraba el rey de Creta cuando se cansaba de reflexionar sobre cuestiones de Estado. El salón del trono estaba bien situado en el palacio y la vista desde él era, como es lógico, relajante. Aún lo es hoy en día.

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 EGIPTO
Trono de Tuthankamon
En el antiguo Egipto la silla era un símbolo de estatus, prestigio y autoridad. Este magnífico trono de oro es quizás el mejor de todos los tronos que todavía se encuentran de cualquier civilización antigua.
Fue descubierto debajo del sofá hipopótamo en la antecámara, cubierto con un manto de lino ennegrecido. Construido en madera elaborado tallado en forma de un sillón, su esplendor se logra a partir de su cubierta de hojas de oro y plata con incrustaciones en piedras semipreciosas, cerámica, y de cristal color oro 

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Trono de Tuthankamon
La escena representada en el panel principal es el del joven Tutankamon de perfil sentado de manera informal en el trono frente a su reina Ankhesenamun, que está ungiendo sus hombros con aceite perfumado. La composición en la tradición de Amarna es uno de los más encantadora en el arte egipcio. El rey y la reina se representan con realismo y la coloración es exquisita. La figura de niña de la reina está muy bien representada con los muchos pliegues de la bata que acentúan el contorno de su cuerpo. Toda la escena esta llena de vida, y los colores del vidrio,cerámica piedras de cornalina y otros se mezclan para crear un efecto vivo, cuando se combina con el oro y la plata.

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 GRECIA
Los griegos (según Homero) se sabía que colocaban tronos adicionales, vacíos, en los palacios reales y los templos de modo que los dioses pudieran estar presentes donde quisieran estar. El más famoso de estos tronos era el trono de Apolo en Amiclas
Habían también sillas de diferentes modelos:”difros” o taburetes, el “klismos” sillas de patas curvas, respaldo ligeramente inclinado y muy cómodas, será la silla mas imitada durante el siglo XVIII por su comodidad y elegancia.

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 ROMA
Los romanos también tenían dos tronos uno para el emperador y otro para la diosa Roma cuyas estatuas fueron asentadas sobre los tronos, que se convirtieron en centros de adoración.

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 ROMA
El solium, una especie de cathedra más lujosa. Era el asiento de honor del señor de la casa, cuya posesión pasaba de padres a hijos, así como el trono de los gobernantes y de los dioses, aunque no el sillón usado por los magistrados de la República. El solium estaba en el atrio de la casa, cubierto con un tapiz de lana de colores vivos que se retiraba sólo cuando iba a ser usado el asiento. Allí se sentaba el pater familias durante las recepciones. Este mueble también podía encontrarse en los teatros, destinados a la autoridad, y posteriormente, ya durante el cristianismo, para el obispo.

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 ROMA
La silla curul era plegable, con patas curvadas en forma de cruz. Al principio se hacía de marfil, después de metal, y se remonta a la época de los reyes. En aquel tiempo era un asiento sobre ruedas desde el que los reyes ejercían sus funciones legales. Después perdió las ruedas, pero se mantuvo como atributo de ciertos magistrados. Desde ella dictaban sentencia los jueces, pero también se permitía su uso a los cónsules, pretores y propetores y a los ediles curules; también al dictador, al general de caballería, a los decenviros y, en un periodo posterior, al cuestor

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 MEROVINGIOS
El denominado trono de Dagoberto I (c.600, Biblioteca Nacional, París), un taburete plegable de bronce, tiene patas de animales, semejantes a las de los muebles romanos, pero con una forma más audaz.

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Trono del Rey Dagoberto I

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  BIZANCIO
Museo Episcopal de Rávena
La Cátedra de Maximiano es una de las piezas más grandes realizadas en marfil que ha llegado hasta nuestros días. Se trata de una silla episcopal realizada para el obispo de Rávena Maximiano y es una de las piezas de arte bizantino más destacables de la época. Se trata de una pieza única que en la actualidad se encuentra en el Museo de Arzobispal de Rávena, y que fue realizada en madera y decorada con veintiséis placas talladas en marfil. la cátedra debe datar del año 545 o 547, han surgido diversas teoría respecto al mecenas y a la escuela que la diseñó, au se pueden distinguir al menos cuatro manos diferentes que trabajaron los diferentes paneles que decoran la cátedra  

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CAROLÍNGIOS
Trono de Carlomagno
De la Edad Media se conservan contadísimas sillas regias o tronos que también se ven figurados en los sellos reales y en las miniaturas de los códices. En dichos tronos especialmente en la época románica, abundan las figuras de los grifos o dragones formando los pies o brazos y es frecuente la forma de silla curul o de tijera. Tales son el trono llamado de Dagoberto (que se atribuye al siglo VII pero puede ser del XI ó XII) y la silla de San Ramón de la antigua catedral de Roda (Huesca) de finales del siglo XI. También es algo frecuente para tronos y sillas de respeto en la Edad Media, hasta el siglo XVI inclusive, la forma de silla curul pero con respaldo y brazos como la llamada de los Jueces en el Museo provincial de Burgos, atribuida al siglo XIII y otra de Carlos V en El Escorial.    

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CAROLINGIOS
El trono de Carlomagno
En la Capilla Palatina del desaparecido Palacio de Aquisgran representaba el otro aspecto del poder de Carlomagno, el poder religioso. El papa León III consagró el edificio en el año 805,9 consagrándolo a la Virgen María. Carlomagno había querido una suntuosa decoración para adornar su capilla: había hecho fundir en una fundición cercana a Aquisgrán puertas macizas de bronce. Los muros se hallaban revestidos de mármol, así como de piedras policromadas.26 Las columnas, aún visibles hoy en día, fueron arrancadas de edificios de las ciudades italianas de Rávena y de Roma para su reutilización en el edificio, con la autorización del papa Adriano
El monarca se sentaba en un trono formado por placas de mármol blanco, en la primera planta, al oeste; donde estaba acompañado por los más próximos de la corte.

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CAROLINGIOS
Trono de Carlomagno
El monarca se sentaba en un trono formado por placas de mármol blanco, en la primera planta, al oeste; donde estaba acompañado por los más próximos de la corte. 

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ITALIA
La silla de Elías en la basílica de San Nicolás de Bari.
El abad Elia (primera mitad del siglo XI – Bari , 23 de de mayo de, 1105 ) fue un arzobispo católico italiano , arzobispo de Bari y Canosa a partir 1089 a la 1105
La silla del Abad, es considerada como una de los artefactos más significativos de las obras esculturales mas importantes de Apulia románica .se caracteriza por la ornamentación cuidada, hecha en parte de marfil:, tiene el asiento elegantemente perforado y en los altos apoyabrazos, hay figuras expresivas en alto relievea En la parte posterior hay dos leonas intención de desgarrar a dos hombres. 

Imagen relacionada

Cátedra del obispo Maximiano (Rávena, h. 547).

Los 26 paneles abordan tres ciclos distintos: la vida de Cristo (16 del respaldo); el ciclo de José (reposabrazos). En la parte delantera, los mejor tallados muestran a los Evangelistas, el Bautista en el centro y un medallón con el cordero místico.

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ITALIA
La Cátedra de San Pedro (en latín: Cathedra Petri) es un trono de madera que la leyenda medieval identifica con la cátedra de obispo perteneciente a San Pedro como primer obispo de Roma y Papa.
Su estructura es cúbica, el respaldo con arquerías coronadas por un frontón y con anillas laterales para su traslado. El frente del trono está cubierto por 18 tablillas de marfil con tallas inspiradas sobre un tema pagano.la madera original de acacia de la primitiva sede ha sido embutida en otra estructura de roble. Con el tiempo se le fueron añadiendo refuerzos de hierro y unas argollas para facilitar su transporte, porque estuvo en uso durante siglos, como un elemento del mobiliario litúrgico para las ceremonias papales más solemnes

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Cátedra de San Pedro en el Vaticano, de Bernini

Durante las obras de enriquecimiento y decoración del interior de San Pedro encargadas por Urbano VIII al maestro Gian Lorenzo Bernini, el papa decidió reservar definitivamente la reliquia para su sóla exposición-veneración, y el gran genio del barroco idea el Altar de la Cátedra, una imponente estructura de bronces, mármol y estuco que centra el ábside de la Basílica Vaticana.  

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  ITALIA
Ciudad del Vaticano Trono de Inocencio X 

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ITALIA
Trono del Dux en Venecia
El dux (latín dux, «líder») o dogo (del italiano doge, adaptación del veneciano doxe, y este a su vez del latín dux) era el magistrado supremo y máximo dirigente de la República de Venecia durante más de mil años, entre los siglos VIII y XVIII.
Este título comenzó a utilizarse cuando la ciudad de Venecia estaba sujeta a la soberanía del Imperio bizantino, haciéndose permanente luego de que la ciudad alcanzara su independencia de Constantinopla.

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 ITALIA
Palacio Real de Nápoles Salón del Trono
Con unas dimensiones muy notables, el Palacio Real de Nápoles fue una de las principales residencias reales en el reino Borbón de las Dos Sicilias. El palacio da a la Piazza del Plebiscito majestuosa y, desde 1919, es la sede del Museo Histórico y la Biblioteca Nacional en la parte trasera del edificio, entre otras cosas, presenta raros manuscritos medievales, así como el famoso papiro de Herculano. El Palacio Real de Nápoles, así como muchos tours histórico de Nápoles, es una necesidad para los amantes del arte, historia y cultura.

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  ESPAÑA
De la época gótica es notabilísimo el trono de plata del Rey Don Martín El Humano, de tipo recto y sin figuras pero con hermosos calados.La silla de Martín el Humano, custodiada en la Catedral de Barcelona, es transportable. Tiene dos bisagras para plegarla para poder ser transportada en el pasado por las ciudades catalano-aragonesas . La butaca es una obra de finales del siglo XIV. El ostensorio, con viril de pedrería, representa una catedral gótica. Tiene el armazón de madera, recubierta por láminas de plata dorada de estilo gótico flamígero 

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    ESPAÑA
El único sillón conocido de Carlos I, es el que se encuentra en el Monasterio de Yuste, que utilizaba tanto para leer, para sus audiencias y para descansar, ya que esba articulado con objeto de aliviar sus crisis de gota  

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ESPAÑA
Carlos III:
Este sillón era el trono que el monarca Carlos III utilizaba en el Salón de los Reinos del Palacio Real de Madrid. En este lugar era donde el soberano recibía las audiencias de ceremonia.
Se trata de una silla grande dispuesta debajo del dosel del Salón de Reinos, con maderas talladas y doradas, cubierta de terciopelo carmesí con sobrepuesto de oro y en cuyo copete está tallado el busto del rey.
El asiento de manufactura napolitana y tejido de terciopelo genovés de seda, bordado a realce con hilo entorchado de plata sobredorada y recamado con pámpanos, hojas entrelazadas y una guirnalda en la parte superior del respaldo, responde estilísticamente al barochetto italiano (Nápoles, 1763-1773).

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ESPAÑA
Salón del Trono en el Palacio de Aranjuez
Aranjuez Felipe II encarga en 1561 a Juan Bautista de Toledo la construcción sobre los terrenos de una antigua residencia de la Orden de Santiago el Palacio Real, como lugar de recreo para residir en primavera; obras que posteriormente continuaría Juan de Herrera.
Tras un incendió acontecido en 1748, Felipe V inicia su reconstrucción y es culminada por Fernando VI de la mano del arquitecto italiano Bonavia. Finalmente, Sabatini, para acoger a la extensa familia de Carlos III, 

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    ESPAÑA
Palacio de Pedralbes (Barcelona)
Durante 1919-1931 fue la residencia de la Familia Real Española en sus visitas a la ciudad. 

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    ESPAÑA
Palacio Real de Madrid
Los sillones del Salón del Trono son copias de los originales realizados durante el reinado de Carlos III y, en la parte superior, figuran las efigies de los Reyes don Juan Carlos I y doña Sofía. A la izquierda, detalle de los cuatro leones de bronce que flanquean el escenario del trono y que fueron traídos por Antonio González Velázquez desde Roma. Cada uno tiene apoyada una garra sobre una bola de caliza rojiza 

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    EUROPA
Sillones-tronos de distintas épocas     

PORTUGAL
El Palacio de Ajuda se ubica en un espacio en el que anteriormente se encontraba emplazada una barraca de madera hecha construir por el rey José I de Portugal en el seno del vecindario de Ajuda de Lisboa. Fue mandada construir tras la destrucción del Palacio de Ribeira en el terremoto de 1755.
No fue hasta el reinado del rey Luis I de Portugal, hijo de la reina María II, que el Palacio de Ajuda se convirtió en centro de la vida privada de la familia real y de la corte portuguesa. Después de la muerte del rey Luis en 1889, se transformó en la residencia de la reina viuda María Pía.
Con la proclamación de la República Portuguesa en 1910, el Palacio de Ajuda se convirtió en un museo histórico que permanece abierto al público, y en el cual se puede observar el estilo de vida de la familia real portuguesa a finales del siglo XIX.
El Salón del Trono en el segundo piso del Palacio, con dos tronos reservados para el rey Luís y la reina María Pía.

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  REINO UNIDO
Un mueble muy conocido es el llamado Trono de la Coronación de la abadía de Westminster, que conserva bajo el asiento una gran piedra llamada “la piedra del destino”.       

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REINO UNIDO
Aún en uso, es el trono del rey Eduardo, en la cual coronan al monarca británico.En la foto se aprecia la piedra En el siglo XIII la Piedra fue capturada por el rey Eduardo I de Inglaterra y llevada a la Abadía de Westminster en Londres, para emplearla en la coronación de los reyes ingleses. En 1996, el Gobierno Británico decidió devolver la Piedra a Escocia, con la condición de que volviera a Londres para su uso en futuras coronaciones, por lo que ahora puede ser vista en el Castillo de Edimburgo, junto con las joyas de la corona escocesa hasta que se corone a un nuevo rey inglés, entonces volverá al trono de San Eduardo momentáneamente     

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REINO UNIDO
Palacio de Buckingham Salón de Trono     

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REINO UNIDO
Robing Room
La sala Robing es donde la Reina se prepara para la apertura del Parlamento. Se pone el traje de ceremonia y la Corona del Estado Imperial. La sala Robing está situado en el extremo sur del palacio de Westminster.   

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FRANCIA
Palacio de Versalles Trono Real.
Luis XIV dejó París y decidió construir Versalles como una pequeña ciudad alejada de los problemas. Tendría varias etapas constructivas, marcadas por las amantes de Luis XIV.

Primera etapa (1661-1668): Sería un palacete de caza al que se añadieron dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas.
Segunda etapa (1668-1678): Luis XIV pretende trasladar definitivamente la corte a Versalles. Se añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín
a doble altura y con acceso directo a cota cero desde el exterior, estando la Tribuna Real situada en el piso principal, desde donde el rey y su familia atendían a la misa.
Versalles vivió el apogeo de la Francia de los Borbones, pero también su destrucción: En Versalles se establecieron los Estados Generales desde 1789 hasta el 6 de octubre. En esta fecha, el palacio fue tomado por el pueblo y el rey y su familia obligados a trasladarse e instalarse en París.
En él se refugiaron, durante la Comuna, Adolphe Thiers y su gobierno.

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FRANCIA
Palacio de Fontaineblau Trono de Napoleón
A partir de una estructura inicial de Francisco I.
Este palacio introdujo en Francia el manierismo italiano, en la decoración de interiores y en los jardines..
El manierismo francés en la decoración de interiores del siglo XVI es conocido como «estilo Fontainebleau»: combina escultura, forja, pintura, estuco y carpintería. En jardinería supuso la introducción del parterre.

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FRANCIA
Palacio de Fontaineblau Trono de Napoleón
el emperador Napoleón Bonaparte comenzó a transformar el Château de Fontainebleau en un símbolo de su grandeza, como una alternativa al Palacio de Versalles que tenía connotaciones borbónicas. En Fontainebleau, Napoleón I de Francia firmó su abdicación, con el Tratado de Fontainebleau. Se despidió de su Vieja Guardia y partió al exilio.

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FRANCIA
Trono de Napoleón al Senado
Este trono, para el Senado, se inspiró en un asiento de mármol de época romana, llamado el “trono de una sacerdotisa de Ceres” llegó a Francia en 1796, seduciendo a David que hizo un buen estudio del mismo. El asiento está decorado con bordados en hilo de oro donde se encuentra la abeja, símbolo imperial y la figura del emperador en el respaldo. Los brazos son dos esfinges aladas. Un dosel sostenido por seis victorias de yeso dorado, coronada ese trono. Este sistema vino de la Galerie du Trone instalado en el Palacio de Luxemburgo bajo Napoleón III, a la Sala de Conferencias del actual Senado. 

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MÓNACO

El Palacio de Mónaco es la residencia oficial del Príncipe de Mónaco desde 1297. Se encuentra en la parte superior de la roca de Mónaco, con vistas al Mediterráneo a 60 metros. Es a la vez el corazón y el alma del Principado.
Construido en 1191, originalmente para convertirse en una fortaleza para la República de Génova, el edificio ha experimentado a lo largo de su historia, los bombardeos y los asientos de muchas fuerzas extranjeras. Desde finales del siglo XIII, es el hogar de la Casa de Grimaldi, que conquistó el lugar en 1297. Los Grimaldi gobernaron el Principado como señores feudales y, desde el siglo XVII, como príncipes soberanos.

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RUSIA
Trono de marfíl de Iván el Terrible
Fué el primero en llevar el título de zar (desde 1547) y es considerado como uno de los creadores del Estado ruso. Sus mayores aportes a su país fueron la conquista de Siberia llevada a cabo por Yermak, la creación de un nuevo código legal, el Sudébnik, la centralización del poder en la capital, la creación del Zemski Sobor y la Opríchnina, la conquista de los janatos tártaros de Kazán y Astracán

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RUSIA
Salón del Trono de Catalina la Grande
Fue emperatriz de Rusia durante 34 años, desde el 28 de junio de 1762 hasta su muerte, a sus 67 años.
Catalina, aunque no descendía de emperadores rusos, sucedió a su marido, tras el precedente establecido cuando Catalina I de Rusia sucedió a Pedro I en 1725. Su manifiesto de acceso al trono justifica su sucesión citando la “elección unánime” de la nación. Sin embargo, una gran parte de la nobleza lo consideró como una usurpación, tolerable solo durante la minoría de su hijo, el gran duque Pablo.

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RUSIA
El primer monarca de la Dinastía Románov, Miguel I de Rusia, subió al trono hace 400 años. La coronación de los zares y más tarde emperadores rusos culminaba con la entrega de los símbolos del poder soberano, la corona, el cetro y el orbe
El Trono doble. Pedro I e Ivan V fueron proclamados conjuntamente, zares de Rusia. al morir Fiódor Alekséievich sin descendencia a la edad de 20 años, surgió una disputa por el trono. Iván era oficialmente el siguiente en la línea de sucesión, pero no tenía las dotes para asumir el cargo. El Consejo de los boyardos (nobles rusos) eligió a Pedro, que tenía en ese momento 10 años de edad, para convertirse en zar y con su madre viuda ejerciendo la regencia. Sin embargo, la zarevna Sofía Alekséievna, dirigió una rebelión de los Streltsí (cuerpo militar de élite ruso). En el conflicto fueron asesinados muchos de los familiares y amigos de Pedro. El levantamiento permitió a Sofía, hermana de Iván y medio hermana de Pedro, y a sus aliados insistir en que Pedro e Iván fuesen proclamados zares conjuntamente, siendo Iván el zar mayor de entre los dos.  

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RUSIA
Trono de los Romanov
Fue una dinastía rusa establecida en Moscú desde el siglo XVII, que accedió al trono en 1613 con la coronación de Miguel I, hijo del patriarca Filareto (primo de Teodoro I de Rusia) y rigió el país hasta que la Revolución de Febrero de 1917 obligó al zar Nicolás II a abdicar.     

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 RUSIA
Trono de los Romanov
Nicolás fue el último Zar de Rusia, siendo destronado por la Revolución de febrero, producida en el marco de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución de Octubre, los bolcheviques fusilaron a la familia imperial en Ekaterinburgo (Urales) en 1918.

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 IMPERIO AUSTRO-HÚNGARO
Sala del trono en Miramar, mostrando el trono al final de la sala, con las cortinas rojas, suelos de entarimado, una chimenea con una pintura gigante por encima de ella, sillas en el lado de las habitaciones y de los candelabros gigantes tipo arañas colgando del techo

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HOLANDA
Trono de los Orange
La Casa de Orange- Nassau, casa reinante en los Paises Bajos, tiene su origen en el conde Hendrick III de Nassau, quien en el siglo XVI fué nombrado Stadholder de los Paises Bajos. El título venía a ser como gobernador de los Paises Bajos y tenía caracter hereditario.

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SUECIA
Trono de Plata
El Trono de Plata, confeccionado por Abraham Drentwett para la Reina Cristina en 1650
Suecia ha sido gobernada por reinas reinantes en tres ocasiones distintas: Margarita I de Dinamarca (1389-1412), Cristina de Suecia (1632-1654) y Ulrika Eleonora de Suecia (1718-1720)

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SUECIA
Sala de audiencias de Lovisa Ulrike, reina de Suecia entre 1751 y 1771 por su matrimonio con Adolfo Federico de Suecia. Está presidida por un trono bajo palio y las paredes decoradas con tapices que hablan de la historia mitológica de “Amor y Psique”

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DINAMARCA
Castillo de Rosenborg
Salón con el Trono Real. Este castillo es uno de los más antiguos de la Realeza Danesa y se encuentra en el centro de la ciudad . Es un castillo pequeño , rodeado de hermosos jardines con un pintoresco puente , que lleva al interior del recinto . Sus salones son maravillosos , de tiempos medievales
El rey Federico III de Dinamarca, encargó un trono de cuerno de unicornio y oro, que se puede ver hoy en día en el salón del reino del castillo-palacio de Rosenborg, en Copenhague. Icono central de la monarquía absoluta en Dinamarca y Noruega se utilizó como silla de coronación durante casi dos siglos- Construido por artesanos durante nueve años entre 1662 y 1671, este trono era la envidia de todos los monarcas europeos de la época.

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  DINAMARCA
Castillo de Rosenborg
Trono del Unicornio: llamado así, por los dos pares de columnillas del respaldo, que en realidad pueden ser de narvales (mamífero marino)
Y al igual que el bíblico Trono del Rey Salomón en el que se inspira, esta custodiado por tres leones de plata y oro a tamaño natural, de 130 kilos cada uno.

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 PERSIA
Sah Jahan sentado en el Trono del Pavo Real.
El Trono del Pavo real, llamado Tajt-e-Tâvús es el nombre de un trono originalmente del Imperio Mogol de la India, luego usado para describir los tronos de los emperadores persas desde Nader Shah Afsharí hasta Mohammad Reza Shah Pahlaví. El trono de los mogoles es llamado Trono del Pavo real en su traducción al hindi. Fue creado para el emperador mogol de la India Badshah Shah Jahanen el siglo XVII

Imagen relacionada

PERSIA
Trono del Pavo Real
En este caso ocupado por el último Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi, quien se nombró Shahansha (Rey de Reyes). A su lado aparece su esposa Farah Diba y su hijo.
Fue Sha de Irán desde el 16 de septiembre de 1941 hasta la Revolución islámica del 11 de febrero de 1979.
Tambien estuvo casado con la carismática Princesa Soraya.

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TURQUIA
El Palacio de Topkapi fue la residencia oficial del Sultan durante tres siglos.Topkapi significa la puerta redonda (“kapi”, puerta y “top”, redondo).Después de la caída de Constantinopla, en 1453, Mehmet II, el conquistador, construyó este magnífico palacio.
Hoy en día el complejo del Palacio es un gran museo con muchas habitaciones en exposición. donde se puede apreciar objetos en oro decorados con piedras preciosas (tronos, tazas de té, cuchillos, tenedores y cucharas, cunas, objetos de joyería y otros objetos trabajados en oro), objetos en plata, cerámicas, miniaturas, paños y objetos sagrados de Islam, entre ellos, la barba y la impresión del pie del profeta Mohammed.
El trono de Mural III que pesa 250 kg de oro puro. A cada lado dos candelabros de oro pesan cada uno 48 kg y albergan 6.666 diamantes

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 ETIOPÍA
Trono en Adis Abeba del Emperador Haile Selassie I (Ejersa Goro, 23 de julio de 1892-Addis Abeba, 27 de agosto de 1975), fue el último monarca en ocupar el trono imperial de Etiopía.
En 1936 se exilió en Bath (Inglaterra) a causa de la invasión de tropas italianas ordenada por el dictador fascista Benito Mussolini. Volvería a su tierra natal en 1941 tras la expulsión de los italianos con ayuda de tropas del Imperio Británico.
En 1974 resigna formalmente su trono frente a la Junta Militar de la revolución marxista. El Consejo de la Corona de Etiopía asegura que el emperador fue encarcelado por el Derg y luego asfixiado hasta la muerte por sus captores el 27 de agosto de 1975   

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TUNEZ
Trono del Bey
Bey o beg es un título de origen turco adoptado por diferentes tipos de gobernantes dentro del territorio del antiguo Imperio otomano. Fue también el título de los monarcas de Túnez. Se pospone al nombre.
Originalmente es un título que las tribus turcomanas usaban para designar a su jefe. Lo utilizó el monarca otomano hasta 1394, cuando Bayaceto I adoptó el título de sultán.     

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CHINA
Trono de las Dinastias Ming y Qing
Desde su finalización 1420 a 1644, cuando una revuelta campesina dirigida por Li Zicheng invadió, la Ciudad Prohibida sirvió como sede de la dinastía Ming. La siguiente dinastía Qing también ocupó la Ciudad Prohibida. En 1860, durante la Segunda Guerra del Opio, las fuerzas británicas lograron penetrar en el corazón de la Ciudad Prohibida y la ocuparon hasta el final de la guerra.
Después de ser el hogar de 24 emperadores-catorce de la dinastía Ming y diez de la dinastía de la Ciudad Prohibida-Qing dejado de ser el centro político de China en 1912 con la abdicación de Puyi, el último emperador de China. En virtud de un acuerdo firmado entre la casa imperial Qing y el nuevo gobierno de la República de China,
A Puyi, sin embargo, se le permite vivir dentro de los muros de la Ciudad Prohibida.    
Puyi y su familia conservan el uso del atrio interior, mientras que el exterior fue entregado a las autoridades republicanas. Un museo fue establecido en el atrio exterior en 1914. 

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 INDIA
Trono de Oro de Mysore
Mysore, es la segunda ciudad más grande en el estado de Karnataka, en la India.
La leyenda dice pertenecía a los Pandavas.
El trono de oro en el palacio de Mysore, es el blanco de todas las miradas durante las celebraciones de Dasara
El trono es una parte integral de las festividades de la familia real de Mysore. Maharajás se sentaba en el trono y llevar a cabo Durbar durante los días de la monarquía.
Pero desde la abolición de principados, el acto simbólico de ascender al trono y sosteniendo el Durbar fue continuada por Srikantadutta Narasimharaja Wadiyar, descendiente de la familia real, hasta su muerte en diciembre pasado.

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 TIBET
Dharamsala (o técnicamente, es la gemela de la ciudad de McLeodganj. es la ciudad del Himalaya que es el hogar del Gobierno tibetano en el exilio del Dalai Lama.El complejo es donde vive el Dalai Lama (su área de viviendas esta, obviamente, cerrado al público incluyendo la catedra Tsuglagkhang. 

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SILLAS PORTÁTILES
Esta silla portátil conocida también como silla de manos, tiene su origen en la lectica o “sella” romana que se usaba para transportar a los nobles patricios. Derivó con el paso de los años en la silla de manos cubierta (sedán) a partir del siglo XVI y está emparentada con los palanquines orientales. Un ejemplo que se puede ver en directo es la silla de manos de Felipe II en el monasterio del Escorial.     

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  De estos asientos, el más extravagante,quizá sea la portantina del papa León XIII adornada de ninfas desnudas en madera dorada, regalo de Grassi de Venecia  

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 “OTROS TRONOS”
Por último uno de los “tronos” mas apreciados por los monarcas, en este caso Luis XIV, el Rey Sol:
Réplica de un trono real con un inodoro camuflado desde el que el monarca Luis XIV de Francia atendía sus audiencias al tiempo que podía relajar tensiones corporales, que puede verse en el Museo Internacional del Retrete de Nueva Delhi.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Trono

Fotos y textos: tomados de la red de distintas páginas relacionadas con al tema.

El Greco

Imagen de cabecera: “Concierto de ángeles” 1608

El año 1541 Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco, nace en Candía (Creta), cuando la isla era territorio de la poderosa República de Venecia. El Greco se forma en Creta, en sus inicios fue uno de los grandes pintores de iconos, que mantenían las señas de identidad de la pintura griega ortodoxa, (a destacar su Adoración de los Magos)

Retrato de caballero anciano ca.1600

EL TALLER DEL GRECO:
El pintor organizó la producción de su taller a niveles distintos, los grandes encargos los realizaba en su totalidad él mismo, mientras que sus ayudantes realizaban lienzos más modestos con iconografías destinadas a la devoción popular. La organización de la producción contemplando obras totalmente autógrafas del maestro, otras con su intervención parcial y un último grupo realizado totalmente por sus ayudantes permitía trabajar con varios precios, pues el mercado de la época no siempre podía pagar los elevados precios del maestro. Por tanto hay múltiples obras del taller
En varios casos, el Greco y su taller pintaron varias versiones sobre un mismo tema, con variantes. Así sobre el Expolio, Wethey catalogó quince cuadros con este tema y otras cuatro copias de medio cuerpo. Sólo en cinco del artista y las otras diez las consideró del taller o copias posteriores. El tema que más se repitió es san Francisco, saliendo de su taller del orden del centenar de cuadros sobre este santo, de ellos veinticinco son autógrafos reconocidos, el resto son obras en colaboración con el taller o copias del maestro. Otros temas que repitió habitualmente son María Magdalena, los apóstoles, la purificación del templo, el bautismo de Jesús, el expolio de Cristo, Cristo con la cruz a cuestas, la Sagrada Familia y la Anunciación entre otros..

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Mapa de la isla de Creta (S.XVIII)

Domenico Theotokopoulos nació en la isla de Creta. Creta había sido la mítica isla de Zeus y Europa, del rey Minos, del laberinto y el Minotauro, para luego convertirse en parte del mundo griego y, más tarde, del mundo bizantino, ese mundo que pocos años antes había sido conquistado por los turcos.

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Knosos (Creta) frescos del Palacio de Minos

Fué el más importante de los palacios minoicos de Creta (Grecia). Fue construido hacia el 2000 a. C.

Domenico unió un gran interés por el color. La luz intensa de esta isla, en torno a la cual el sol hace brillar el Mediterráneo, hace que los colores se perciban de una manera especial, algo ya apreciable en las pinturas murales del palacio de Cnossos. Es habitual que las ciudades luminosas alumbren a pintores con una percepción especial de la luz y el color. Es así como surge un Sorolla en Valencia. Un Andrea Vaccaro en Nápoles. O un Tiziano en Venecia.


PERÍODO CRETENSE

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DOMENICO THEOTOCOPULI “EL GRECO”


Supuesto autorretrato año 1595-1600  Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) perIodo toledano de madurez

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La Dormición de la Virgen


Presenta la dualidad existente en la Escuela cretense del siglo XVI: la fidelidad a la Escuela bizantina tradicional y el eclecticismo inspirado en la Escuela italiana del Renacimiento, conocida gracias a estampas y algunos cuadros llegados de Venecia.
De un acertado eclecticismo que le lleva a incorporar novedades a un icono clásico: el tratamiento del grupo del cielo, la aparición del Espíritu Santo en forma de paloma, la inclinación de la figura de Cristo… Sin embargo, continúan los fondos dorados, el empleo de rostros estereotipados para las figuras o la ausencia de color y perspectiva

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San Lucas pintando a la Virgen

El Periodo cretense: Doménikos estudió pintura en su isla natal, Creta, y se convirtió en pintor de iconos en el estilo postbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años ya desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.

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San Lucas pintando a la Virgen detalle

 El estilo postbizantino era una continuación de la pintura tradicional, ortodoxa y griega, de iconos desde la Edad Media. Eran cuadros de devoción que seguían reglas fijas. Sus personajes se copiaban de modelos artificiales muy establecidos, que no eran en absoluto naturales ni penetraban en análisis sicológicos, con el oro como fondo de los cuadros.

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Adoración de los Reyes


Se trata de unas obras de la primera etapa de El Greco donde se puede apreciar claramente su formación como pintor de iconos en el taller de Georgios Klontzas.

PERÍODO VENECIANO:

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El muelle del Bacino de San Marcos en el día de la Ascensión, 1733-34, de Canaletto.
The Royal Collection, London.

En ese postbizantino, según Venturi, está el origen abstracto de las originales formas de la pintura del Greco. Logra el título de Maestro de la pintura y se traslada a Venecia en 1567. Venecia, capital de las artes y de la política cretense, donde conoce a los grandes maestros del Cinquecento veneciano como Tiziano y Tintoretto que convierten a El Greco en uno de los “madonneri” que, con una formación bizantina, trabajaron en Venecia.

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La curación del ciego , Gemäldegalerie (Dresde)

Realizada en 1567. Es la primera obra de su período veneciano.
Cristo y el ciego presiden el principal grupo a la izquierda, los discípulos a la derecha y un pequeño contingente en el centro. Todos se encuentra en movimiento, de acuerdo al eclecticismo de la época.

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Tríptico de Módena

La Galería Estense es el gran museo de bellas artes de Módena (Italia), heredero de las colecciones de los antiguos duques de la Casa de Este, que gobernaron durante el Renacimiento los ducados de Ferrara y Módena. Este museo tuvo su primera sede en el Palacio Ducal y fue trasladado en el siglo XIX a un sector del llamado Palacio de los Museos de la misma ciudad. Entre sus tesoros se cuenta el Tríptico de Módena, obra clave juvenil de El Greco
La tabla central tiene en su lado anterior esta imagen de la Alegoría del caballero cristiano y le acompañan en los laterales la Adoración de los pastores y el Bautismo de Cristo

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Tríptico de Módena reverso

Este pequeño altar portátil que se conserva en la ciudad italiana de Módena es una obra fundamental para entender la evolución del Greco durante sus primeros momentos de estancia en Italia. En su parte posterior una Vista del Monte Sinaí, la expulsión de Adán y Eva del Paraiso y la Anunciación.
 

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Anunciación de la Virgen

Perteneciente al Tríptico de Módena (Galería Estense), es una obra titubeante del inicio de su estancia veneciana.(ver foto anterior del tríptico completo)

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La anunciación, Museo del Prado.


Es una de las imágenes mejor logradas del período veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto, sobre todo en la arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un cuadro de ángeles
En estas obras estilísticamente distintas, se aprecia cómo asumió el lenguaje del Renacimiento veneciano.

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Tríptico de Ferrara La Oración en el huerto
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

El Tríptico de Ferrara, cuyas cuatro tablitas, de claro origen cretense, fueron las laterales del cierre del retablillo.

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Tríptico de Ferrara  La Crucifixión
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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Tríptico de Ferrara  El Lavatorio
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara  

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Tríptico de Ferrara Cristo ante Pilatos
Ca. 1567 Fondazione Cassa di Risparmio di Ferrara

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La última cena , Pinacoteca Nazionale, Bolonia, Italia

Obra de El Greco, realizada en 1568. Representa a Cristo en la Última Cena con sus apóstoles, antes de sufrir su Pasión. El espacio pictórico, representado en perspectiva, tiene poco volumen corporal y parecer estar suspendido sobre el aire

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El entierro de Cristo año 1569-70 Museo Alexandros Soutzos (Atenas)

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La Adoración del nombre de Jesús (finales de la década de 1570)

También llamado como La Liga Santa o bien El Sueño de Felipe II o La Gloria. Parece que este fue uno de los primeros encargos que recibió El Greco de Felipe II. El cuadro original se encuentra en el Monasterio de El Escorial (Madrid) y esta pequeña obra no parece ponerse de acuerdo si se trata de un boceto del pintor antes de componer  la gran obra o bien es una copia que hizo a posteriori para tenerla en su estudio (práctica habitual de El Greco).El cuadro representa un momento histórico en la vida de Felipe II y es que tras la victoria de la batalla naval de Lepanto (1571), formado por la Liga Santa de los países de España, Venecia, Nápoles y Roma, se frenó el avance de los turcos por el Mediterráneo

EL PERÍODO ROMANO:

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Miguel Ángel – “La tentación de Adán y Eva y la expulsión del Paraíso” (1508-1512, fresco, Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma)

Resultaba muy difícil conseguir un exito decisivo en Venecia, la metrópoli de la pintura renacentista. La competencia parecía demasiado genial y sobre todo muy firmemente establecida en el gran mercado del arte: Tiziano, Tintoretto, Veronese, Bassano. Quizás era ésa una de las razones que motivaron El Greco a abandonar “La Serenissima” en 1569 e intentar su suerte en Roma, donde, no obstante, la situación resultó parecida.
Allí permaneció desde noviembre de 1570 hasta 1577. Cuando El Greco vivió en Roma, Miguel Ángel y Rafael habían muerto, pero su enorme influencia seguía vigente. La herencia de estos grandes maestros dominaba el escenario artístico de Roma. Allí aprendió una forma de pintar que los pintores romanos habían establecido, un estilo llamado manierismo pleno o maniera basado en las obras de Rafael y Miguel Ángel, donde las figuras se fueron exagerando y complicando hasta convertirse en artificiales.

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La purificación del templo o La expulsión de los mercaderes

Realizada en 1571 durante su periodo romano. Se exhibe en el Instituto de Arte de Minneapolis.

Esta obra es una de las primeras muestras de la madurez de El Greco. El pintor mantuvo las líneas básicas de su primera versión y consigue crear dos grupos contrapuestos

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La Piedad año 1571-76 29 x 20 cm Museo de Arte (Filadelfia)

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional de Capodimonte Nápoles

  o El soplón es una obra de El Greco, realizada en 1571 durante la estancia del artista cretense en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque no se conoce a ciencia cierta su origen.
El pintor repetirá este tema varias veces a lo largo de su carrera. El cuadro está inspirado en un pasaje de la Naturalis Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.
Tradicionalmente se ha considerado esta imagen como producto de la influencia de Jacopo Bassano, aunque recientes estudios han determinado que intenta reproducir un cuadro de la Antigüedad clásica, hoy perdido.

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Fábula  1572 

 Otra versión del anterior

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Retrato de Giulio Clovio año 1571-72 Galería Nacional (Capodimonte)

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Retrato de Vincenzo Anastagi año 1571-76 Colección Frick (Nueva York)

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Retrato de Carlos de Guisa año 1572 Kunsthaus (Zúrich)

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Retrato de un hombre (Andrea Palladio?) año 1575 Museo de Arte (Copenague)

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La Anunciación El Greco, 1575 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Es una obra de El Greco, realizada en 1575-1576 y conservada en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Es una de las primeras obras de esta temática realizadas por El Greco, que repetirá este asunto varias veces más a lo largo de su dilatada producción artística.

La Virgen María, sentada en un reclinatorio, gira para recibir la visita del Arcángel Gabriel y la paloma que representa al Espíritu Santo. La escena se enmarca dentro de un fondo arquitectónico sencillo y bien trazado, acentuado por un cortinaje rojo y un piso embaldosado. Al fondo se distingue un grupo de querubines.
Aquí se refleja la impronta de Tiziano y Tintoretto, sobre todo en la luz y el color.

El Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana

  Fue encargado en 1580 por Felipe II para decorar una de las capillas laterales de la Basílica del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, concretamente la capilla consagrada al santo.
 Doménico tardó casi tres años en pintar esta soberbia obra en su taller de Toledo, entregándola personalmente a finales de 1582, lo que demuestra que el pintor quería conseguir el favor de Felipe II y la oportunidad de poder trabajar en la decoración de El Escorial.  A su regreso de Portugal en 1583, el rey pudo ver la obra pero no resultó de su agrado, aunque su calidad artística le fue reconocida al tasarse la obra en 800 ducados.

ESCULTURA
La dimensión escultórica de El Greco recobró cierto auge, que hizo volver la mirada sobre su producción .

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Así, excluyendo este Ecce Homo cuya peculiaridad con respecto a otras obras es que es la única que supuestamente está firmada [con las iniciales griegas delta y theta] por El Greco

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Es dudosa la concepción por parte de El Greco del Cristo Resucitado que está en el museo toledano del Hospital de Tavera (restaurado tras la guerra civil)

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Y mas seguro el conjunto escultórico de la Imposición de la casulla de San Ildefonso en la Catedral de Toledo

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  Y, con algunas reservas de conocedores de la obra del cretense, las estatuas de Epimeteo y Pandora del Museo del Prado. Son trabajos indocumentados pero la atribución al artista suele ser generalmente aceptada.

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Está basada en el testimonio de Pacheco, que vio en el estudio de El Greco una serie de estatuillas de cera, estuco, y madera, pero pueden haber sido simplemente modelos, como los que se usaban en los talleres italianos donde El Greco fue entrenado.

La atribución se basaría en algunos desnudos en las pinturas de El Greco, en sus dimensiones alargadas,( evidentemente desproporcionadas) sus posturas flexibles y su oposición en contrapposto.

MITOLOGIA Pandora fue una hermosa creación de barro realizada por Hefesto por instigación de Zeus, quien pretendía vengars...
Epimeteo y Pandora

La identificación de las figurillas es también problemática. Al principio se pensó que representaban a Adán y Eva o incluso a Vulcano y Venus, pero fueron correctamente identificados como Epimeteo y Pandora en el año 1961.

Pudieron ser un encargo concreto o ser una creación para uso del propio artista, sirviendo tanto para su uso en el taller, como modelos para composiciones pictóricas, se interpretó que estas figuras eran representaciones de viendo en ellas una reinterpretación del David de Miguel Ángel con ligeras variaciones: figuras más alargadas, distinta posición de la cabeza y las piernas menos abiertas. Salas también señaló que Pandora corresponde a una inversión de la figura de Epimeteo, aspecto característico del manierismo. se consideró que fueron modelos para determinar la posición más acertada de las figuras de la derecha de la pintura del Laocoonte.

 PERÍODO TOLEDANO INICIAL:

En Roma, El Greco no destacó exactamente por una falta de orgullo: propuso remplazar los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina por nuevas obras suyas que serían más “decentes”. Aquella propuesta, como era de esperar, provocó el rechazo indignado de muchos pintores romanos y contribuyó a su convicción que tampoco en Roma iba a encontrar la suerte deseada. 

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Monasterio de El Escorial

Por lo tanto, cuando en el año de su muerte 1576 el gran Tiziano le dió una carta de recomendación al Greco, dirigida al Rey Felipe II, el que estaba buscando muchos artistas para decorar las más de mil habitaciones de su nueva residencia, el Palacio del Escorial (antaño la obra más grande de Europa), el pintor de Creta decidió intentar a su edad de 35 años un nuevo comienzo en España.

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Vista y plano de Toledo 1610-1614

   Con esta obra el Greco contribuye a la difusión de la nueva imagen de la ciudad de Toledo al representar las principales construcciones modernas de aquel momento -el Alcázar, la Puerta de Bisagra y, sobre todo, el Hospital Tavera, que domina claramente la escena, al tiempo que oculta las emblemáticas construcciones medievales: la Catedral y el Monasterio de San Juan de los Reyes. Así mismo representa alegóricamente la gloriosa historia de la ciudad, enfatizando su pasado romano mediante la representación de un dios fluvial, que derrama el agua y simboliza al río Tajo. Además, muestra su carácter de lugar favorecido por la divinidad, con la representación del milagro de la aparición de la Virgen para imponer la casulla a San Ildefonso, obispo visigodo de Toledo.

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La Trinidad (1577-79)

Desde 1577 residió en Toledo. En estos primeros años toledanos aparece el estilo personal del pintor pero el planteamiento es plenamente italiano. El oleo, que formaba parte de El retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo, su primer gran encargo en Toledo. Es notoria la influencia de Miguel Ángel.
 

PERÍODO TOLEDANO DE MADUREZ: 

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El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo)

Su obra más conocida. Describe una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde.
En este periodo se han incluido las obras desde 1586 en que le contrataron el entierro del Conde de Orgaz hasta 1596 en que le confiaron el retablo de doña María de Aragón. Muestra ya su característica elongación longitudinal de las figuras, así como el horror vacui (miedo al vacío), aspectos que se harían cada vez más acusados.

PERÍODO TOLEDANO TARDÍO:

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Cristo expulsando a los mercaderes del Templo (hacia 1600)

A partir de 1600 evolucionó a un estilo muy dramático, propio y original, intensificando sistemáticamente los elementos artificiales e irreales: cabezas pequeñas descansando en cuerpos cada vez más largos, la luz cada vez más fuerte y estridente.
El Greco se basó en el pasaje del Evangelio de San Juan, 22 (13-17) para realizar esta obra. El Greco realizó 5 pinturas con esta misma temática, la conservada en la Galería Nacional de Arte de Washington (1568), el Instituto de Arte de Mineápolis (1571), la presente de la National Gallery (1600), otra de la Colección Frick de Nueva York (1600) y por último la conservada en la iglesia de San Ginés de Madrid (1610).

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La expulsión de los mercaderes del templo

. Este óleo sobre tela mide 106 centímetros de alto y 130 cm de ancho, y fue ejecutado hacia el año 1600. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean

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La expulsión de los mercaderes del templo

Realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en la Iglesia de San Ginés de Madrid.
Tres versiones pintadas en Venecia (1570), Roma (1571-1576) y Toledo (1610-1614) donde se observa su evolución. La primera incorpora el colorido cálido veneciano y las mujeres de Tintoretto. En la segunda, los grupos de figuras han adquirido jerarquía y la arquitectura más romana está más integrada gracias a la luz. En la última, las figuras son típicas grequianas, el cuadro es más estrecho y dividido en una zona inferior con figuras y una superior de arquitectura etérea.  Además existen otras cinco versiones de este mismo tema. Las dos primeras corresponden al periodo italiano

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Inmaculada Concepción

  A finales de 1607, el Greco se ofreció a terminar la capilla de Isabel de Oballe, que había quedado inconclusa por el fallecimiento del pintor Alessandro Semini. El artista, ya con 66 años, se comprometió sin gastos complementarios a corregir las proporciones del retablo y a sustituir una Visitación. La Inmaculada Concepción para esta capilla es una de sus grandes obras tardías, los alargamientos y los retorcimientos nunca antes habían sido tan exagerados o tan violentos

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San Jerónimo como cardenal (1590-1600)

La imagen de San Jerónimo fue un tema muy recurrido por el Greco. San Jerónimo es uno de los Padres de la Iglesia Latinos al traducir la Biblia del griego y el hebreo al latín.
Esta obra, realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en una de las salas del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

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Adoración de los pastores (1612-1614)


Una de sus últimas composiciones destinada a su capilla funeraria. Su estilo final es dramático y antinaturalista, intensificando los elementos artificiales e irreales: cuerpos muy largos en cabezas pequeñas iluminados con luces fuertes y estridentes.

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Firma de El Greco

Fuentes:

http://pedro-mundodebabel.blogspot.com.es/…/personajes-sing…

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/1418198

http://jmnavarron.blogspot.com.es/…/el-greco-y-el-museo-del…

http://materiaconstruida.blogspot.com.es/2014_03_01_archive…

http://www.academia.edu/…/Monogr%C3%A1fico_A%C3%B1o_Greco

Romerías, fiestas y verbenas de Madrid

La palabra romería viene de romero, nombre que designa a los peregrinos que se dirigen a Roma, y por extensión, a cualquier santuario.
Entre las antiguas romerías en la capital están la romería de San Blas, que acudía a la ermita de San Blas (ya desaparecida).
La romería del Santo Ángel de la Guarda que cada 1 de marzo acudía a venerar la imagen del Santo Ángel de la Guarda, venerada por porteros.
La desaparecida romería del Cristo de la Oliva que desapareció ya en el siglo XVIII, y cuya celebración se establecía el 3 de mayo, coincidente con la romería de Santiago el Verde que se dirigía a la ermita de San Felipe y Santiago a orillas del río Manzanares.
La más significativa de todas es la romería de San Isidro el 15 de mayo cuyo destino es la ermita de San Isidro.
La romería de la Virgen del Puerto (que con el tiempo se convirtieron en las fiestas de la Melonera) y que se dirigía a comienzos de septiembre la ermita de la Virgen del Puerto.
Y la romería de San Eugenio (denominada “Bellotera”) celebrada cada 15 de noviembre cierra el año
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Baile a orillas del Manzanares Francisco de Goya, durante la celebración de una de sus romerías.

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Licorería El Madroño, Lavapiés
La celebración de las verbenas más tradicionales son ocho, que comienza el 13 de junio con la de San Antonio en la Ermita de San Antonio de la Florida, el 24 de junio se celebra la de San Juan Bautista en el Prado, el 27 de junio la de San Pedro Apóstol y San Juan en el Prado, el 16 de julio la de la Virgen del Carmen en Chamberí, el 25 de julio la de Santiago en la plaza de Oriente, el 7 de agosto la de San Cayetano en Lavapiés (zona de Cascorro), el 10 de agosto la de San Lorenzo en el mismo Barrio (en el eje de Argumosa y plaza de Lavapiés), y el 15 de agosto la de la Verbena de la Paloma. De ellas comentaré solo las mas conocidas,y que aún se celebran con grandes festejos.

Se acostumbra a bailar el chotis al son del organillo, se bebe la típica limonada y se tomaban azucarillos con agua y aguardiente. Hoy dia, algunas de estas costumbres ya no se hacen.

LAS VUELTAS DE SAN ANTÓN

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Iglesia de San Antón
Las Vueltas de San Antón es una festividad popular en Madrid, celebrada el día 17 de enero en honor a San Antonio Abad. El espacio de la celebración se centra en los alrededores de la parroquia de San Antón en las madrileñas calles de Hortaleza y Fuencarral

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San Antón por Zurbarán

La celebración ha ido cambiando de forma y orientación a lo largo de los últimos siglos, desde una celebración de origen medieval (mundo rural), pasando por una romería y algarada con caballos (sociedad pre-industrial), hasta que a comienzos del siglo XXI se celebra como una bendición de animales de compañía

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La celebración de San Antón en Madrid ha pasado por varias etapas a lo largo de su historia, en la primera se celebraba el denominado cerdo del Concejo como fiesta de origen medieva El cerdo del Concejo (denominado también rey de los cochinos) fue una tradición popular del mundo rural, mediante la cual se cuidaba colectivamente un cerdo que se ponía a disposición del concejo. La celebración pronto se asoció a San Antonio Abad (protector de las bestias útiles al hombre).motivo por el que las imágenes de este Santo, siempre van acompañadas por este animal.

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Fiesta de San Antón, los animales aguardando para que los bendigan.

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Desde por la mañana, después de las misas programadas, el sacerdote bendice en la calle a los animales, que han estado haciendo rigurosa cola con sus orgullosos amos.

Bendiciendo a una mascota felina

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Los panecillos de San Antón

Que forman parte de la repostería santoral de las celebraciones madrileñas, en este caso en una de las primeras fiestas del año: San Antón.
LA ROMERÍA DE SAN BLAS
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Observatorio Astronómico.
La ermita de San Blas fue un templo con dedicación a San Blas ubicado en Atocha (Madrid). La ermita fue inaugurada el 3 de abril de 1588 por el arzobispo de Toledo, don Gaspar de Quiroga en los extremos de los Jardines del Buen Retiro. La romería que se celebraba el 3 de febrero era muy popular en el siglo XVI, siendo junto las vueltas de San Antón una de las primeras en ser celebradas al año. Se denominaba verbena de San Blas
En la actualidad en el Cerrillo de San Blas, esta el Observatorio Astronómico.

La ermita de San Blas en el cerrillo del Retiro
La verbena de San Blas que se celebraba el 3 de febrero con romería a la ermita de San Blas.

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Procesión de San Blas bajando hacia el Cerrillo por la calle Atocha.

La romería al santo se celebraba a comienzos de febrero y era anterior justamente al carnaval. Una de las misiones era que el santo les protegiese de las enfermedades de garganta, de las que el santo era considerado popularmente como su protector

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Esta tradición se mantuvo hasta que se comenzó a popularizar las fiestas de Santiago el Verde en los sotos del Manzanares.

En la actualidad se ha vuelto a rescatar y los romeros van al cerrillo con sus meriendas.a celebrarla
LOS CARNAVALES

Son una celebración que tiene lugar inmediatamente antes del inicio de la Cuaresma cristiana, que se inicia a su vez con el Miércoles de Ceniza, que tiene fecha variable (entre febrero y marzo según el año). El carnaval combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. un período de permisividad y cierto descontrol.

“Carnaval en el barrio de Tetuán” de José Gutierrez Solana
En uno de sus paseos por el barrio, Solana describe minuciosamente cada disfraz que va encontrando: “Se ven en Tetuán muchos mascarones vestidos de mujer (…), a algunos se les ve el bigote a través de las rotas caretas”; hay otro “vestido de moro, con una toalla arrollada a la cabeza y la cara tiznada de corcho quemado”, y pasa también “un hombre jovial, con un levitón, un orinal y una escoba entre las piernas, como si fuera montado en un caballo”.

En sus inicios, probablemente con un cierto sentido del pudor propio de la religión, el Carnaval era un desfile en que los participantes vestían disfraces y usaban máscaras.
Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia) y las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales).

EL ENTIERRO DE LA SARDINA
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El Entierro de la Sardina por Francisco de Goya

Refleja una tradición carnavalesca que celebra el último día de estas fiestas. Es el final del periodo de mundo al revés que supone el carnaval, con su transgresión de los valores vigentes, su interés por los instintos primarios, el protagonismo del pueblo llano frente a las instituciones y el predominio del caos frente al orden.
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La Alegre Cofradía del Entierro de la Sardina dirigiendose hasta la Fuente de los Pajaritos de la Casa de Campo para quemar los malos actos y pensamientos en una gran fogata.

Se dice que en época de Carlos III, un cargamento de sardinas, que no tuvo salida, hubo que enterrarlas por su putrefacción, coincidiendo que era un miércoles de ceniza. De ahí surgió el ritual que nos acompaña hasta la fecha.
LAS MAYAS
Alegoría del mes de mayo
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Es una festividad que se celebra uno de los primeros domingos del mes de mayo principalmente en el barrio de Lavapiés (Madrid), en la plaza de su nombre y en las calles aledañas del Barrio y de Salitre, en torno a la iglesia de San Lorenzo
El origen de la fiesta puede remontarse a épocas del imperio romano, que recrea a Maya (en griego Μαία) que es la mayor de las siete pléyades (hijas de Atlas)
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Era costumbre antigua que a la llegada del mes de las flores se plantase en las plazas el 1º de mayo un árbol frondoso, que solía ser un álamo, y se lo adornara con cintas, flores y colgaduras de colores vivos.
Debajo de él se sentaba a la joven más bella, y alrededor bailaban mozas y mozos, con tal bullicio y frenesí que llegó a prohibirse y recibir la censura de la iglesia.
Con el tiempo aquella vieja costumbre derivó en las Mayas, que era la soltera más hermosa del barrio, elegida de común acuerdo, y cuya casa por la noche era engalanada en puerta y ventanas con flores recién cortadas.

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Joven engalanada de Reina Maya
Este día, y por la mañana, cada casa del barrio adorna y engalana a una vecina joven que, con mantos de seda y de flores, se exhibe en el portal con el objeto de ser elegida: “reina maya”. Las mujeres se colocan en altares y capillas floridos, vestidas con los mejores trajes y rodeadas de ofrendas
FIESTA DE SANTIAGO EL VERDE

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(En algunas ocasiones denominado también día del sotillo) es una celebración realizada en Madrid el día uno de mayo. Se denomina así por ser romería que se realizaba con dirección a la Ermita de San Felipe y Santiago (conocida popularmente como Ermita de Santiago el Verde) que se encontraba ubicada en una de las pequeñas islas del río Manzanares

La florista de Goya representa a una muchacha que estaría en la romería que fue muy popular en el Madrid del XVI y XVII, decayendo su afluencia en el XVIII. El dramaturgo Lope de Vega popularizó la romería y sus costumbres en unas de sus obras

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Puente de Segovia: donde la gente se reunia en el llamado “Bajar al sotillo”:
Era costumbre mencionar entre los madrileños del siglo XVI la frase “bajar al sotillo” para indicar la asistencia a la romería que el primer día se mayo se ralizaba a las alamedas y sotos de la ribera del rio Manzanares (en la actualidad Madrid Río)
La romería de Santiago el Verde cayó poco a poco en el olvido durante el siglo XVIII, cediendo protagonismo a la Fiesta de San Isidro celebrada el 15 de mayo, en la pradera del mismo nombre.

LAS FIESTAS DE SAN ISIDRO

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Son unas fiestas anuales celebradas en Madrid a mediados del mes de mayo Tradicionalmente se suelen instalar en el barrio de San Isidro en Carabanchel. Se celebran durante un periodo de varios días en torno al 15 de mayo.

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Imágenes de San Isidro y su esposa Santa María de la Cabeza en la fachada de la Colegiata de San Isidro en la calle Toledo de Madrid

San Isidro nació en Madrid, es de suponer que fuese el 4 de abril de 1082. Según era mencionado en su época San Isidro poseía el don de serle fácil encontrar agua (zahorí). Algunos de los manantiales fueron marcados posteriormente como lugares mágicos, incluso algunos de ellos fue entendido como lugar de milagro.

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La celebración de esta festividad tiene lugar en la Pradera de San Isidro y en las calles aledañas. Existen cuadros de Francisco de Goya representando la popularidad de esta fiesta a finales del siglo XVIII.

La pradera de San Isidro, José del Castillo

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Madrileños almorzando en la pradera durante las Fiestas de San Isidro.

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Las vendedoras de rosquillas

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Surtido de las rosquillas de San Isidro. En orden de izquierda a derecha: listas, tontas, francesas y de Santa Clara.

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Fuente de San Isidro
Es costumbre ir en romería el 15 de mayo a beber el “agua del santo” que brota en un manantial anexo a la Ermita de San Isidro y que se considera milagrosa.

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Esta celebración se mezcla con la costumbre de merendar en las praderas de San Isidro si el tiempo lo permite.

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Un plato muy madrileño que nunca falta en las verbenas: Los entresijos y las gallinejas realizados con tripas y otras partes de casquería del cordero.
Los “gallinejeros-as” las preparan fritas en grandes sartenes.

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Los “Pitos” de San Isidro son silbatos de barro que se llenan con un poco de agua para que suenen.

VERBENA DE SAN ANTONIO DE LA FLORIDA

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Ermita de San Antonio de la Florida
La verbena es una festividad popular celebrada anualmente cada 13 de junio en honor a San Antonio en la ciudad de Madrid. El lugar de congregación de la romería por el paseo de la Florida hacia la ermita de San Antonio de la Florida.

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Milagro de San Antonio en los frescos del interior de la ermita.

En su interior Francisco de Goya pintó unos frescos sobre este edificio en los que representó uno de los milagros más famosos del santo. Cabe destacar la representación de los hombres y mujeres ataviados de majos, chisperos y chulapos.

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La ermita de Sabatini fue desmontada en el año 1792 durante el reinado de Carlos IV con motivo de una nueva remodelación urbanística de la zona
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Verbena de San Antonio de la Florida, dibujada por Francisco Pradilla y publicada en las páginas de La Ilustración Española y Americana el 16 de junio de 1873

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Según la tradición popular la fiesta nace con la costumbre de unas modistillas madrileñas del siglo XIX que vertían trece alfileres en agua bendita de la pila bautismal de la ermita, simulando el acto de las arras matrimoniales. El objeto de esta tradición popular es la de invocar a San Antonio como casamentero (procurador de novios)

Ritual de introducir la mano en la pila llena de alfileres: a mas alfileres adheridos…mas novios!

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Casa Mingo sidrería del Paseo de la Florida.
Parada obligatoria tras visitar la Ermita.
La verbena tambien se llenaba en sus días de diferentes vendedores callejeros: aguajoleros, buñoleros, barquilleros, reposteros, avellaneros, naranjeros, etc. En periodos más cercanos al siglo XXI se incluyeron puestos que ofrecían especialidades típicas de la cocina madrileña.

FIESTAS DE SAN CAYETANO

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Iglesia de San Cayetano
Se celebra el 7 de agosto (fecha del fallecimiento de San Cayetano en Nápoles), pero suele haber celebraciones parciales en los días cercanos, a lo largo de las calles del barrio. Una de las más populares es el engalanamiento de calles y balcones periféricos a la Iglesia.

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San Cayetano en la portada de su iglesia.

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Estas celebraciones forman parte del Madrid más castizo. Durante la primera quincena de agosto las calles que rodean el barrio de Lavapiés y La Latina entorno a las iglesias de San Cayetano y San Lorenzo así como desde la plaza de la Paja y calle Toledo hasta la plaza de las Vistillas se engalanan para conquistar a los viandantes con sus sabores y sonidos típicos.
FIESTAS DE SAN LORENZO

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Iglesia de San Lorenzo
La celebración de las Fiestas de San Lorenzo, desde finales del siglo XX se encadenan y solapan con las de Cayetano (7 de agosto) y las de la Paloma (15 de Agosto)

Las Fiestas de San Lorenzo son la celebración más popular y antigua del barrio de Lavapiés (Madrid) y se celebran cada 10 de agosto en honor a San Lorenzo, dentro de una ‘trilogía’ que completan las Fiestas de la Paloma y las Fiestas de San Cayetano. Desde finales del siglo XX se instala una verbena en la plaza de Lavapiés y las calles vecinas con castizos concursos de trajes y de bailes como el chotis.
LA VERBENA DE LA PALOMA

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Es una celebración veraniega localizada en su origen en el antiguo barrio de Calatrava, en las inmediaciones de la calle de Toledo y la plaza de la Cebada, administrativamente barrio de La Latina del distrito centro. Se celebran en honor a la virgen de la Paloma, en torno al 15 de agosto
La vertiente religiosa de las fiestas queda representada por la procesión que sale de Iglesia de la Paloma, junto a la Puerta de Toledo, después de que un representante del cuerpo de bomberos de la ciudad haya tenido el honor de bajar el cuadro de su retablo

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La Virgen de la Paloma en su trono procesional
Ha quedado documentación de la solicitud al ayuntamiento por Isabel Tintero, una vecina del barrio que vivía en la calle de la Paloma, para exponer la imagen en el portal de su casa durante algún tiempo. La popularidad del icono fue creciendo y atrayendo a vecinos y paseantes del barrio. Al parecer, esa popularidad hizo que se le mudara el nombre a la imagen que pasó de Virgen de la Soledad a Virgen de la Paloma (por la calle en la que se exhibía

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El recorrido suele mostrar balcones engalanados con mantones, imágenes de la virgen en diferentes fachadas. Algunos de los asistentes suelen vestirse con trajes de diferentes épocas, imitando en ocasiones la indumentaria tradicional de manolos, chisperos y goyescos

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La popularidad de esta verbena en el último cuarto del siglo XIX, dio lugar a una zarzuela, La verbena de la Paloma de Ricardo de la Vega y el maestro Tomás Bretón

ROMERÍA DE LA VIRGEN DEL PUERTO (LA MELONERA)

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La Ermita de la Virgen del Puerto
Está situada en el paseo de la Virgen del Puerto (antiguo Paseo Nuevo de la Corte), en las inmediaciones del Palacio Real. Es obra de Pedro de Ribera, fue construida entre 1716 y 1718

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Durante siglos fue el destino de la romería madrileña en adoración de la imagen de la virgen del Puerto que hay en su interior, costumbre que dio lugar a la verbena de la Melonera

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Baile en la Virgen del Puerto, del pintor barroco Manuel Rodríguez de Guzmán, describe la romería a la Virgen del Puerto. Este cuadro se encuentra en el Museo Romántico de Madrid. En el siglo XIX la romería se transformó en verbena. A mediados y comienzos del siglo XIX las verbenas se celebraron en las praderas de las Vistillas

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La Ermita de la Virgen del Puerto en las Fiestas de la Melonera.
El 8 de septiembre se acostumbraba acudir a la misa celebrada en la ermita y posteriormente se sacaba adornada en flores, y en procesión, una imagen muy venerada de la Virgen del Puerto.

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La denominación popular de la melonera se debe a la existencia de puestos de venta callejeros de melones y sandías cercanos al río, sobre todo al puente de Segovia (uno de los principales puntos de acceso a la capital), a mediados de septiembre.

ROMERIA DE SAN EUGENIO (LA BELLOTERA)
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San Eugenio Copia anónima de el Greco
La Romería de San Eugenio (denominada también como romería de la Bellota) es una celebración festiva en Madrid cada 15 de noviembre. El centro es la ermita de El Cristo de El Pardo (ubicado en las cercanías del actual convento del Cristo).
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La tradición romera nace de el día que se dio permiso real para recolectar bellotas de las numerosas encinas existentes en los alrededores del Real Sitio del Pardo.

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Esta costumbre dio lugar a la romería, que tiene sus orígenes a mediados del siglo XVII. Es la última romería madrileña campestre del año (la primera es la de San Blas).

FUENTES:
Bibliografía:
“Curiosidades y anécdotas de Madrid”, Isabel Gea.Ediciones La Librería
“El Madrid romero y devoto” Francisco Azorín Edic. La Librería 2006

Museo del Traje (Madrid)

El Museo del Traje es un museo español, ubicado en la Ciudad Universitaria de Madrid. Su objetivo básico es promover el conocimiento de la evolución histórica de la indumentaria.
El germen de este Museo fue la exposición que se celebró en Madrid en 1925, siendo
su director técnico Luis de Hoyos Sainz y para su ambientación se contó con el trabajo de varios artistas como Daniel Vázquez Díaz, Mariano Benlliure, Fernando Álvarez de Sotomayor, José Planes, Manuel Benedito y Mariano Fortuny y Madrazo
Una vez finalizada la exposición, los materiales recibidos en donación se trasladaron al palacio de exposiciones situado en los Altos del Hipódromo, donde actualmente se encuentra el Museo Nacional de Ciencias Naturales.
En 1928 tuvo que abandonar el Hipódromo, instalándose en el antiguo Hospicio, donde también se ubicaba el Museo Municipal de Madrid, y en 1930 se trasladó al Palacio del Marqués de Grimaldi.
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En la actualidad los terrenos en los que se erige el edificio fueron cedidos en 1967 por la Universidad Complutense de Madrid al Ministerio de Cultura y se encuentran en la Avenida de Juan de Herrera nº 3 en la Ciudad Universitaria
En el Museo se exponen indumentaria histórica (pocas piezas), moderna con la aportación de grandes modistos, joyeria y orfebreria y trajes tradicionales españoles que son los que voy a presentar y que son los mas interesantes, ya que forman parte de nuestra cultura y costumbres.

Traje de Vistas (La Alberca, Salamanca)
El traje carece de una iconografia directa, hasta comienzos del S.XX que nos permita reconstruir su historia y orígenes, pero piezas de indumentaria y organización de joyas parecidas aparecen en modelos de mujeres maragatas y charras desde mediados del S. XVIII.
Por el tipo de silueta que hace el traje de vistas, con su forma de reloj de arena que recuerda a la silueta que generaban los trajes denominados a la española en los siglos XVI y XVII y que han quedado en la indumentaria de las imágenes de la virgenes vestideras.

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Traje de Vistas de La Alberca (Salamanca)

Camisa con las mangas bordadas en negro, al igual que los puños que además están rematados en ganchillo del mismo color. Sobre ella, jubón que se ajusta al cuerpo con un cordón atadero. En la parte inferior lleva un manteo sin decoración, sobre el que se pone otro de paño morado, rematado con cuatro falsos bajos de varios colores, y decorado con tiras de terciopelo negro y cinta rosa sobre la que se aplica un encaje metálico. Encima, un mandil decorado de la misma forma, encuadra la joyería. La cabeza se adorna con una toca de algodón con cintas de colores. El traje de vistas de La Alberca es el que se adorna con mayor cantidad de joyería. Se utiliza sólo para las grandes ocasiones. Actualmente los pocos ejemplares que se conservan se pueden contemplar en los días 15 y 16 de agosto, denominado “Diagosto”, en los que se celebra la Virgen de la Asunción. El traje realza la joyería, con este fin se decora el bernio o mandil con vuelta que enmarca la caída de los grandes collares. El conjunto esta cargado de elementos simbólicos y protectores, no sólo en la joyería, sino en la ropa y en su disposición.

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Peliqueiro de Laza (Orense)

Camisa blanca, chaquetilla con aplicaciones de terciopelo granate, pasamanería y charreteras militares, calzón decorado con flecos de colores intercalados entre tiras de ganchillo, cinturón con dos grandes cencerros, y máscara de madera con una piel de gato en la parte posterior y un frontal de hojalata pintada.En Laza, los carnavales rurales españoles están cargados de simbolismo y llenos de personajes singulares. Los peliqueiros o cigarrones forman parte del grupo de las mascaras fustigadoras, personajes que protagonizan la fiesta y tienen el privilegio, entre otros, de perseguir y golpear con la “pellica” o látigo a la gente sin que ésta pueda replicar.

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Traje del Ramo Lagartera (Toledo)

El traje lagarterano es muy antiguo y de ello da testimonio  la riqueza de vocabulario que se utiliza para hacer referencia a sus prendas: “ruedo”, “vistas”, “cuendas”, ”crucetas”, ”andilgue”, “senojil”, “alforda”, “jugón” y la “Gorguera” que es una pieza rectangular con una abertura circular en el centro que se prolonga verticalmente por la pechera. Es una especie de cobertor con gran profusión de bordados,  normalmente en negro,un largo etcétera que, en muchos casos proceden de la época medieval.  Fuera de la iglesia, se sustituyen las piezas del ritual: la basquiña, el pañuelo y la mantilla, por los aderezos de fiesta. Vuelve a quedar a la vista el guardapiés azul y se coloca sobre el justillo el jubón negro con las cintas de espalda. Se descosen las cintas de la basquiña negra y se colocan sobre la azul. En la cabeza, las cintas del moño y la espumilla. Los zapatos  son “entrepetaos” con galón en la puntera, cintas y hebilla de plata.El conjunto se completa con el resto de la joyería y en el pecho, un ramo de flores artificiales da nombre al conjunto.

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“Tipos lagarteranos” Joaquín Sorolla. Museo Sorolla

Se puede observar todos los aditamentos, anteriormente descritos.

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Traje de la Vega de Almería
Jubón de terciopelo negro con mantoncillo de seda decorado con bordados de colores, falda de lana azul tableada y decorada con cintas aplicadas de seda azul y lazos en dos hileras en el delantero y mandil decorado con encaje blanco.Traje de fiesta de una mujer joven que recurre a todas las posibilidades de enriquecer un traje, por un lado los géneros son de calidad, dentro de las posibilidades de la propietaria, terciopelo y seda y por otro decora con el fruto del trabajo de su propietaria, los numerosos plisados de la falda, las cintas de coloniales con las que se adorna, el mandil blanco y la rica puntilla que lo decora y como remate el mantoncillo de Manila, prenda que desde mediados del s XIX pasa a ser el símbolo de la fiesta en la indumentaria femenina española.10 navarra

Danzante de Valcarlos (Navarra)

Conjunto de camisa y pantalón de algodón, decorado con pasamanerías doradas, bisutería, cintas rojas y amarillas y cascabeles. En la espalda, un conjunto de cintas que llegan hasta las rodillas, en la cabeza una boina y en los pies, alpargatas de esparto con cinta roja y cascabeles. En Valcarlos se les llama volantes. Este traje se encuentra en un estado evolutivo muy avanzado. Aunque se mantiene el color blanco propio de los danzantes y la simbología de la decoración, el conjunto está formado por piezas modernas, como el pantalón largo, la camisa y la boina. En algunas ocasiones utiliza la casca, gorro troncocónico similar a las mitras que los danzantes llevan habitualmente
08 segovia
Mujer segoviana

Camisa bordada en negro en la pechera y en los puños, jubona de paño rojo con faldeta decorada con pasamanería plateada, saya también de paño pero más grueso decorada con tiras de terciopelo negro, mandil de terciopelo picado encañonado en la cintura y pañuelo de gasa blanca sobre el que pone la montera. Segovia conserva piezas que perviven desde el s. XVII, como la jubona, y otras como la camisa que por sus motivos decorativos recuerdan a los bordados mudéjares. Aunque actualmente conforma el arquetipo de Águeda de Zamarramala, fue un traje de fiesta muy difundido en el centro de la Península.
12 Galicia
Coroza (Galicia)
Conjunto realizado en junco, compuesto por la caparucha (capa con capucha), bajo la cual se pone la coroza, que está confeccionada en tres partes, la exterior a modo de capote que cubre los hombros y llega hasta la cintura, y dos interiores que comienzan desde los hombros a modo de tirantes y que llegan hasta los pies. En la parte inferior de las piernas se ponen las polainas y para los pies unas botas de cuero con suela de madera. Es una prenda que sirve para protegerse de la lluvia. Las fibras exteriores se dejan libres, sin tejer, para aumentar dicha protección. Para su confección el junco ha de ser previamente majado.
05 extremadura
Traje de pastor extremeño
Camisa sobre la que se pone, un peto de cuero decorado con bordados hechos de lana y una chaqueta de paño que se refuerza y decora con aplicaciones de estezado. En las piernas, calzón de paño negro y faja, que quedan tapados por los zajones, confeccionados con cuero y piel con pelo. Sobre todo el conjunto el peto adornado con un picado en el delantero y con dos cintas en los extremos del delantero para adaptar éste al tamaño del cuerpo. Los oficios desarrollados al aire libre necesitan una indumentaria especial. Se emplean materiales que protegen de las durezas del clima, y se usan diseños funcionales adaptados a la necesidad del trabajo, como es el caso del peto, con bolsillos delanteros para guardar aperos de trabajo y del zajón que sirve de mandil para manipular el ganado y para proteger el calzón.
07 valencia
Mujer de Valencia

Camisa con manga rematada con encaje, justillo, armado con ballenas, con dos pequeñas aberturas en pecho para dar de mamar al niño y falda de seda sobre enagua de lino confeccionada con numerosas lorzas para darle mayor cuerpo. Su referente histórico es la moda culta del s. XVIII. Destaca la riqueza de las telas con las que están confeccionadas las piezas y la pervivencia del jubón, que es similar a las cotillas que armaban los cuerpos de esa época.
Medias: de tejidos como seda o algodón y con bordados y los zapatos: normalmente forrados con la misma tela del traje. Además hay una “joya”, que se coloca en la parte superior del corpiño junto al escote, el collar y las agujas que se clavan en el moño trasero y sirven de sujeción de éste  y de los rodetes.
02 ibizaPayesa ibicenca ( Ibiza )

Camisa de algodón bordada, basquiña de paño negro encañonada sobre su vuelo, cerrando al pecho con cordón y con tirantes que ajustan con cintas ataderas, mandil muy decorado en la parte superior, manguitos y un sombrero de ala muy amplia decorado con flores.El conjunto tiene su precedente histórico en el s. XV, en concreto este tipo de basquiña de cintura alta fue muy popular entre las criadas de ese periodo
14 murciaHuertano murciano

Camisa con gran cuello que cierra con cintas. Sobre ésta el chaleco, con los delanteros de terciopelo. En la cintura una faja y para las piernas unos zaragüelles, calzones con perneras de gran vuelo que llegan a la rodilla. En la cabeza llevaría la montera, de terciopelo negro. Los tejidos utilizados y el corte, indican su uso en zonas de clima cálido como son Levante y Andalucía oriental. Eran prendas habituales entre huertanos o labradores y con ellas se les identificaba como horchateros y naranjeros en los mercados españoles Es creencia extendida que los zaragüelles tienen un origen árabe, pero probablemente sean una variante de calzoncillos de amplio vuelo, encontrándose modelos similares en otras regiones.

03 campesino

Traje de campesino
Camisa de algodón blanca muy decorada con bordados del mismo color y lorzas, faja en tafetán de lana roja y chaleco, chaquetilla y calzón en pana de algodón marrón, decorados en los cuellos, solapas, puños y aberturas de las perneras con, pespuntes, bordados, botones con el centro de seda roja y con festón amarillo en los ojales. Gerona Este traje es la adaptación al gusto y a los recursos de las clases populares de la indumentaria culta de finales del s XVIII. Es similar a un traje masculino a la inglesa, pero sin los faldones del frac, y adaptado al gusto popular español con una generosa decoración de bordado en las pecheras, las solapas y cierres de las perneras, que abrochan con machos, y con la adición de una rica botonadura metálica en la chaquetilla y en el chaleco. Este traje esta a mitad de camino entre el traje a la inglesa y el traje bolero.04 granada

Hombre de Granada
Chaqueta y chaleco de terciopelo azul decorado con cordoncillo negro y botones de filigrana, calzón de punto con aberturas laterales que cierran con botones y para ajustarlos a la rodilla cordoncillo rematado con borlas. Destaca el color rosa de la faja. El conjunto representa al estereotipo de lo español en la primera mitad del s. XIX, encarnado, de forma escénica, en la escuela bolera. Puede verse también, en éste, a un antepasado del actual traje de luces, tanto por la decoración como por lo ajustado del calzón. La chaqueta corta, ceñida, muy decorada y sin botones, se denomina marsellés.
06 maragatoHombre maragato (León)

Camisa de algodón, chaleco de paño rojo bordado a colores, faja roja y sobre estas piezas, sayuelo de paño negro que cierra con cordoncillo pasado por ojetes, calzones de gran vuelo ceñidos en las rodillas quedando así abombados, y tabaquera, cinturón de cuero bordado, que lleva bolsillos para guardar los útiles para fumar.
Bordado en la tabaqueraERES DUEÑO DE MI AMOR. Los precedentes de alguna de las piezas que componen este traje se podrían remontar al s. XVI; de este momento es la pervivencia del cordón atadero para cerrar el sayuelo y el tipo de calzón de amplio vuelo utilizado por los militares europeos en este momento histórico. Este traje durante varios siglos fue el uniforme que identifico a los arrieros maragatos.

09

Traje de novia de Fraga (Huesca)

Mantón de seda color crudo, con flecos del mismo material, decorado con figuras orientales y flores bordadas, y saya con ligamento de faya francesa de seda con decoración espolinada floral polícroma. Es el traje vestido por las novias fragatinas después de la ceremonia, acompañado para enriquecerlo con joyas y lazos. Las grandes dimensiones y la riqueza del mantón crean un vestido con una falda realizada en una rica tela siguiendo modelos decorativos del s XVIII.
11 alistaCapa del Aliste (Zamora)

Capa de paño pardo muy pesada compuesta por la capa, de gran vuelo, la esclavina, el capillo con amplia vuelta, y la chiva, pieza que cuelga por la espalda del borde del capillo. Se adorna con grecas aplicadas de paño negro recortado y picado. Utilizada tanto por los pastores para trabajar, como en ceremonias, de boda o de luto
Tipos de Salamanca por Joaquín Sorolla
15 mallorcaTraje de payés (Mallorca)

Camisa de lino decorada con bordados en el mismo color, chaleco con el delantero en brocatel azul y amarillo, calzón bombacho a rayas de colores en algodón, faja verde en sarga de algodón y alpargatas de esparto que atan con cinta de algodón negra. Las islas son territorios que por su aislamiento facilitan la pervivencia de tradiciones e indumentaria. Este traje estuvo muy ampliamente difundido entre los campesinos mallorquines hasta comienzos del s. XX. Con las adiciones de prendas del momento mantuvo como pieza emblemática los largos calzones de amplio vuelo, similares a los maragatos, muy populares en el s XVI.
13 ama pasiegaTraje de Ama Pasiega (Cantabria)

Camisa con cuello y puños rematados con puntilla de ganchillo. La chaqueta, el mandil y la saya son de paño y terciopelo morado. La chaqueta se une al peto del mandil con botones, dejando ver parte de la camisa. La saya y el mandil están decoradas con tiras de terciopelo negro y pasamanería dorada y la parte trasera de la chaqueta con un gran lazo.Este conjunto, pese a ser rico no es de uso festivo, sino un uniforme de trabajo, utilizado por las amas se cría de Santander.
19 canarias
Traje de Maga de La Palma (Canarias)
Camisa de lino bordada, justillo con el delantero brocado que ajusta con cordoncillo, enagua de lino decorada con bordados negros de lana, falda de paño negro con el bajo ribeteado en rojo,toca de lino con forma rectangular y montera de paño negro ribeteada con vivo blanco. Uno de los factores que más marca a un traje es la climatología de la zona donde se va a utilizar. Este traje de uso diario esta adaptado al particular clima de las islas. Confeccionado con géneros ligeros que permiten aliviar el intenso calor, también abriga por las mañanas mediante la superposición de sayas y enaguas. Lleva una amplia toca sujeta por la montera que protege la cabeza y el rostro del sol y del efecto del fuerte viento de las islas.
18 anso
Mujer de Ansó (Huesca)
Camisa con amplio cuello plisado, basquiña de talle alto de paño verde plisada y con tirantes, manguitos unidos entre si con cintas llamadas cuerdas sujetas a la espalda de la basquiña, escarapela en el pecho con la imagen del Sagrado corazón y mantilla de paño fino blanco decorada con cinta adamascada y borla (cotufa) que cuelga en el centro de la parte frontal y que le da nombre a la pieza. Perviven piezas utilizadas ya en el siglo XV como la basquiña y el peinado llamado churros, similar al trenzado, usado por las mujeres de la época, conservando incluso la denominación de la cinta que lo recoge “trenzadera”. Además se incorporan del s. XVII el cuello de la camisa, similar a los cuellos de lechuguilla españoles del momento.
Tipos del Valle de Ansó de Joaquín Sorolla
Tipos del Roncal por Joaquín Sorolla

Los lienzos de la Hispanic Society of America

En 1911 The Hispanic Society of America encargó a Joaquín Sorolla pintar Visión de España, una obra colosal que ocupó los últimos años de su vida activa. Son 14 lienzos de gran formato en los que están reflejados la vida y tradiciones rurales de once regiones de España.
Según la experta en Sorolla, Blanca Pons-Sorolla, el artista, con el objetivo de adquirir una “mayor visión real in situ de la gente y los variados paisajes”, viajó por España pintando evocadoras instantáneas de las provincias, después de haber llevado a cabo meticulosos estudios de los trajes regionales, buscando los “trajes y joyas más auténticos, que en algún caso fueron incluso adquiridos por el propio artista”.
De dichos oleos os he puesto algunos ejemplos que se encuentran en el Museo de Sorolla de Madrid

La moda del S.XVIII

Durante el siglo XVIII, la todopoderosa Corte de Versalles marcó la pauta con respecto a la manera de vestir en toda Europa. Hacia 1707 la implantación de la nueva moda en España era un hecho. El vestido de la mujer podía ser entero o constar básicamente de dos piezas: casaca y basquiña. La primera era una chaqueta entallada que llegaba hasta las caderas, por cuyas mangas asomaban los encajes de la camisa; bajo la casaca se usaba el “monillo”, un cuerpo sin mangas. El “petillo” era una pieza de adorno rígida y en forma de triángulo que se cosía delante del pecho. El escote, que era pronunciado, podía ir cubierto por una especie de pañuelo llamado bobillo que solía ser de seda.

La basquiña o saya era la falda y habitualmente se confeccionaba a juego con la casaca. El guardapiés o tapapiés era una falda larga, por cuyo nombre sabemos su función. En España estaba muy mal visto que los pies de las mujeres quedaran al descubierto, se entendía como algo pecaminoso. Sin duda, esta era la pieza más costosa ya que para su confección se destinaban los materiales y adornos más lujosos como seda, raso, encajes o guarniciones de plata entre otros. A partir de mediados del siglo XVIII las faldas subieron un poco por lo que los pies ya quedaron a la vista

Algunos ejemplos:

Traje de corte en Inglaterra 1775-1780
Victoria & Albert Museum (Londres)

Traje de boda 1775 En el traje femenino se dio el «estilo Watteau», con faldas muy voluminosas sobre crinolina, con grandes drapeados en forma de pliegues y cola hasta el suelo.

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La Reina María Antonieta en traje de corte 1778 por Elisabeth Vigée-Lebrun

 En este vestido, también se ve la tendencia a los enormes drapeados

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La Reina María Luisa de Parma de España pintada por Goya.

    En este vestido, para ahuecar la falda se usaba una especie de miriñaque, llamado “tontillo” en España, este era un artefacto que comenzaba en las caderas, formado por cinco hileras de aros de caña o acero unidos entre sí por cuerdas. Esta pieza pasó de ser redondeada a tener forma mas bien rectangular como podemos apreciar en el retrato de la reina María Luisa de Parma, adoptando así la tendencia francesa llamada vestido “a paniers” (según la aclaración realizada por Beatriz Guerrero).
Como resultado cada dama ocupaba mucho espacio lo que incluso provocó la transformación de los asientos, retranqueando los brazos para su mejor acomodo. En ocasiones las faldas eran tan anchas que solo podían cruzar las puertas o espacios estrechos de una en una.

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Traje de boda 1775

  En el traje femenino se dio el «estilo Watteau», con faldas muy voluminosas sobre crinolina, con grandes drapeados en forma de pliegues y cola hasta el suelo.

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Vestido a la francesa de 1766
Victoria & Albert Museum (Londres)
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Traje de la boda de la Reina Sofía Magdalena de Dinamarca 1766 con Gustavo III de Suecia

El impresionante vestido de la novia estaba hecho siguiendo la última moda de Francia. Era un modelo heredero de los trajes de corte españoles del siglo XVII, y se introdujo como traje de ceremonia en Francia en tiempos de Luis XIV. Se usó en todas las cortes europeas hasta la Revolución Francesa.

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Vestido de la época de George III de Inglaterra 1770

La cotilla y el tontillo daban lugar a una silueta muy peculiar de la época de la moda barroca y la de transición al Neoclásico.

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Vestido del S.XVIII con exagerado tontillo

Esta prenda interior recibe este nombre porque según se decía servía para ocultar el embarazo, sobre todo en su primitiva forma redonda, aunque equivocadamente se siguió llamando guardainfante, a pesar de que este aplanaba el vientre. Esta moda estaba destinada a la nobleza y a las damas de la Corte…cuanto más importante era la dama, más grande era el tamaño de su guardainfante en los actos de la Corte. El guardainfante se conocía también como caderilla.

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Catalina II la Grande de Rusia

Importante personaje de la época, que fue emperatriz de Rusia durante 34 años, desde el 28 de junio de 1762 hasta su muerte, a sus 67 años

Resultado de imagen de moda S.XVIII delantal
Delantal inglés primera mitad S.XVIII

Ademas de los vestidos, el delantal, era otro elemento cotidiano que no sólo se utilizaba para las labores caseras, sino que formaba parte del atuendo tal y como puede verse reflejado en las pinturas de la época. Las damas los lucían de telas livianas como seda o muselina, a veces guarnecidos de encajes.

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Basquiña de seda negra

La basquiña la define el Diccionario de Autoridades como una saya larga que acompañaba a la casaca femenina. Pero el Diccionario de 1791 añade: “Pónese encima de toda la demás ropa y sirve comúnmente para salir a la calle.”

Resultado de imagen de basquiña y manto negro  S.XVIII
Francisco de Goya, Doña Narcisa Baranana de Goicoechea

Asi, a finales del siglo XVIII, la española comenzó a “uniformarse” para salir a la calle, usando una basquiña negra y larga sobre el resto de la ropa, que una vez llegaban a casa se quitaba. Esta prenda era algo consustancial a todas las clases sociales, cada mujer tenía al menos una; por lo que en los paseos de las ciudades se apreciaba cierto parecido en el vestir ya que todas usaban basquiña negra y mantilla.

Resultado de imagen de mantos de humo S.XVIII
Capotillo de finales del S.XVIII

Para abrigarse se cubrían con mantos o capotillos, cuyos materiales variaban según la estación del año, siendo el más común el paño, pero también eran corrientes la llamada piel de liebre (mezcla de lana y pelo de cabra) y la de camello, incluso para la confección de vestidos. Los mantos iban desde la cabeza al ruedo de la falda y se ataban a la cintura con una cinta; Los más elegantes se confeccionaban con telas ligeras, el manto de “humo” era negro en señal de luto, el “de lustre” brillante y el “de soplillo” muy fino, de ahí su nombre

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Maria Teresa de Borbón y Villabriga, futura Condesa de Chinchón por Goya 1783
National Gallery. Washington

La bella niña que aquí observamos es la hija menor del infante don Luis y doña Maria Teresa de Vallabriga, también llamada Maria Teresa. Con unos dos años y medio luciendo una delicada mantilla de encaje blanco, prenda tambien muy usada en el S.XVIII.    

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La reina María Antonieta, esposa de Luis XVI

En cuanto a los colores, conforme avanzaba el siglo se iban suavizando tendiendo a tonos pastel en tonalidades como el rosa, el celeste o el amarillo. Este último le encantaba a María Antonieta.

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Maria Carolina de Llorena reina de Nápoles 1768- Antonio Rafael Mengs Museo del Prado Madrid

Princesa austriaca, y hermana de la reina de Francia María Antonieta. Fue conocida como Reina María Carolina al ser reina consorte y gobernante de facto de Nápoles desde 1768 hasta 1799 al casarse con Fernando I de las Dos Sicilias, hijo de Carlos III de España.

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La Reina Carlota esposa de George III de Inglaterra 1789
por Sir Thomas Lawrence.
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Las Princesas Charlotte, Augusta y Elizabeth hijas de los anteriores Reyes
pintadas por Gainsbourgh.

Las tres van vestidas con colores pastel y peinadas al gusto de la época.

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En este oleo, queda reflejada la moda infantil en las clases nobles, que como apreciareis eran fotocopias reducidas de sus mayores.  

Resultado de imagen de moda S.XVIII capotillos S.XVIII

 

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Aqui se aprecia las diferencias, en tres países, de la parte posterior de los vestidos femeninos

 

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Vestido a la francesa de 1770-79

Muy caracteristicas las bandas que, a manera de cola, pendian de los hombros.

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Vestidos a la Francesa

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Casaca


En España era muy común el traje femenino compuesto por dos piezas: casaca y basquiña. La casaca se inspiraba en la masculina, era entallada y ceñida a la cintura. Su escote despejado y las mangas llegaban por debajo del codo

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Casaca siglo XVIII Museo del Traje de Madrid

Estaba entallado al torso y con gran escote de formas variadas en el delantero. Las mangas eran estrechas y largas con forma en el codo. La espalda acaba en una pequeña cola. Fue conocido en España con este nombre en el siglo XVIII y en Francia con el nombre de “pirrot”.

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Casaca

Llega hasta la cadera, con corte en la cintura y pliegues en los lados. La manga tiene forma triangular. El tejido es de la época de 1730 – 1740. Se usaban en la primera mitad del siglo XVIII.

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Petillo bordado

A veces iba acompañada del llamado peto o petillo, una pieza rígida en forma de triángulo invertido que normalmente se confeccionaba con la misma tela que la casaca. El peto cerraba la casaca e iba cosido o cerrado mediante alfileres, por lo que una dama precisaba de ayuda para vestirse

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Petillo de 1730

Tambien llamado “Stomacher”, identifica a una pieza en forma triangular que cubría el frente de los vestidos femeninos de finales del siglo XVII y todo el XVIII. 
Denominado en español, “pieza de estómago” su función era esencialmente decorativa, aunque contribuía a brindar rigidez y generar el efecto de afinar y alargar la cintura.
Estaban bordados en sedas de colores e hilos metálicos que dibujan motivos florales decorado con un encaje de punto de España. Cerraban por delante los vestidos del siglo XVIII.

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Camisa y guardainfante

Las mujeres llevaban una camisa hasta las rodillas y pegada al cuerpo, encima las enaguas de cintura para abajo y debajo no llevaban nada… Camisas y enaguas raramente estaban adornadas con encajes, la muselina estaba más de moda para este menester

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Cotilla o corsé

Las mujeres ricas tenían todas cotilla, cuerpo interior armado de ballenas y con aletas en la cintura

 La Revolución Francesa de 1789 origina profundos cambios entre los que destaca la desaparición de cualquier elemento y símbolo vinculado a la monarquía y la antigua aristocracia. La nueva mentalidad burguesa impulsa la eliminación de las cotillas y corsés, proyectados como símbolos de opresión, a favor de una moda de inspiración rural en la que destaca el gusto por la moda de las clases populares. Destaca especialmente la adopción por parte de las mujeres burguesas del uso de un pequeño corsé colocado encima de la camisa siguiendo la moda de las doncellas.
Los pantalones íntimos, o como se llamaban en España, pololos aparecieron mas tarde ya en el S.XIX

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Bolso francés del S.XVIII

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Faldriquera

Sobre las enaguas se llevaban atadas a la cintura las faldriqueras, donde las mujeres guardaban sus cosas, y a las que se y a las que se accedía a través de unas aberturas practicadas en las faldas, no había bolsillos en esta época.

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Manguito de la época de Carlos III Museo del Traje (Madrid)

A veces los conjuntos se acompañaban de manguitos, es decir, casaca, basquiña, peto y manguitos a juego; lo que hoy las revistas de moda llaman el “total look”.

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Zapatos del S.XVIII

Se caracterizan por su elevado tacón, situados en la combadura del pie para dar una mayor estabilidad. Durante el siglo XVIII no había diferencia en la horma entre el pie derecho y el izquierdo. Además del vestido, en el siglo XVIII se dedicó especial atención entre las capas altas de la sociedad a los complementos y adornos
En las piernas usaban medias, de seda o de algodón, con calcetas de hilo debajo, sujetas por una liga por encima de la rodilla

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Zapatos 1730 Museo del Traje (Madrid)

Caballeros y damas usaban zapatos de tacón, el cual levantaba el talón y empujaba el pie hacia delante, siendo la punta estrecha, el empeine se cerraba por medio de una lengüeta con hebilla. Las personas adineradas usaban hebillas de plata u oro, a veces salpicadas de piedras semipreciosas.

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Zapato inglés de 1720

El calzado se fabricaba con telas o pieles como el becerrillo, el cordobán o la badana.

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Un complemento absolutamente imprescindible fué el abanico, que no solo servía para refrescarse, pues con el ademas, se mantenia un lenguaje peculiar y muy elocuente.
Abanico de la boda de Luis Fernando delfín de Francia y Mª Teresa Rafaela infanta de España, Era hija de Felipe V de España, Rey de España y de su segunda esposa, Isabel de Farnesio.(1726-1746)

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Abanico francés “El festín de Baltasar” hacia 1760 Varillaje de nácar Museo Lázaro Galdiano
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Abanico inglés “El baile” hacia 1760. Varillaje de marfil y país de piel Museo Lázaro Galdiano
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Abanico francés “El columpio” hacia 1755 Estilo Luis XVI Museo Lázaro Galdiano

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Abanico italiano “Jano la renovación del tiempo” Atribuido a Joan Werner 1730 Museo Lázaro Galdiano

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Pañuelo con centro redondo, de batista de algodón, tipo organdí, y guarnición ancha de encaje de Bruselas con cestas y ramos, pasados sobre tul a máquina.S.XVIII

A continuación os pongo esta interesante página de la National Geographic, donde se completan datos sobre el tema de la moda en tiempos de María Antonieta:

https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/la-pasion-por-la-moda-en-la-era-de-maria-antonieta_7192/3

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Los peinados
Nunca las formas de vestir y los estilos de peinado de la gente fueron tan suntuosos, tan elaborados y artificiales.

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El cabello se puso a tono con el estilo “rococó”, que fue el estilo preponderante hasta casi el final del siglo

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Peinados de la época en damas y caballeros

Lo que no pudo lograrse con el cabello natural, fue aumentado con pelucas. Esta época fue una explosión de exhibición de peinados a cual más extravagante, una reacción totalmente contraria al pudor y recato de los siglos anteriores

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Peinados de 1770

En el S. XVIII las pelucas se llevaban empolvadas, para darles su color blanco caractéristico. Las que usaban las damas de la corte solían ser tan recargadas y voluminosas que se veían obligadas a viajar con la cabeza gacha en sus carruajes para no estropear el efecto de sus aparatosos tocados

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La vestimenta del hombre

Los hombres tenían todos camisa y calzoncillos, medias de seda, lana o algodón, y, los ricos, camisola que se ponía sobre la camisa y de la que se veía bajo el vestido la chorrera o guirindola en el escote y las vueltas de las mangas, en ambos casos de encaje en el caso de los muy ricos. También los pudientes tenían una bata, vestidura holgada para estar en casa; era una prenda usada por los hombres que trabajaban en el interior, como escritores y pintores.

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Casacas

La casaca, que es una prenda exterior semilarga, cuyos delanteros no cerraban) con el cuello de tirilla, que progresivamente va ganando altura durante el reinado de Carlos IV, hasta alcanzar el máximo con Fernando VII.
La chupa, que es la prenda que siempre acompañaba a la casaca, es una especie de chaqueta sin mangas y antecesora del chaleco.
El calzón, un pantalón a media pierna estrecho, que se ajustaba en la pantorrilla con hebillas o cordones y que dejaba lucir en el hombre la pantorrilla.

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Traje de corte masculino

Se trata de una casaca de gala para el día de paño batanado con botones de plata sobredorada.
El “Traje a la Francesa” es el atuendo de todas las aristocracias europeas, y durante principios del siglo XIX se sigue usando para los eventos en la Corte.

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Casaca masculina del S.XVII detalle

En esta imagen podemos ver en detalle uno de los pliegues laterales del faldón de la casaca, a través del cual se podía sacar la espada sin dañar la prenda

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Zapatos de hombre

Y ahora tres películas,donde quedaron reflejados perfectamente el ambiente, costumbres y vestuario de aquella época:

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“Amadeus” 1984

Director: Milos Forman

Interpretes: Tom Hulce, F. Murray Abraham y Elizabeth Berridge    

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“Las Amistades peligrosas” 1988

Director: Stephen Frears
Interpretes: Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman.

La imagen puede contener: 13 personas, personas de pie y boda
Marie Antoinette 2006

Escrita y dirigida por Sofia Coppola.

Protagonizada por Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Judy Davis, Rip Torn, Rose Byrne y Asia Argento en los papeles principales.

 

La imagen puede contener: una persona, primer plano

Para terminar me permito una pequeña broma: como sería Mr Bean en el S,XVIII? auténtico verdad…

FUENTES:

http://museodeltraje.mcu.es/…/2007-i…/Indumenta00-09-ALS.pdf

https://barbararosillo.com/…/el-vestido-femenino-en-el-sig…/

http://www.vam.ac.uk/collections

http://www.flg.es/agenda-de-actividades/exposiciones-temporales/abanicos-siglo-xviii-coleccion-lazaro-galdiano#.WPuaGNwlHbg

Las casas a la malicia

Empezaremos por las viviendas de Madrid y concretamente por un tipo de ellas, que proliferaron desde el S. XVI, debido a las necesidades creadas, al instalarse la Corte de Felipe II en la ciudad
Me refiero a las “casas a la malicia”que  fueron el fruto de un delito inmobiliario en el Madrid de los siglos XVI al XVIII, provocado por los privilegios otorgados a los funcionarios de la Corte Real por la ley denominada «Regalía de aposento».
La «Regalía de aposento» obligaba a todo vecino de la villa de Madrid no exento, a “alojar a un funcionario del rey en la mitad de la superficie útil”. La medida había sido provocada por la afluencia de familias al servicio de la Corte de Felipe II al instalarse la nueva capital española en 1561. La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación
El origen de las “casas a la malicia” de Madrid está íntimamente relacionado con la picaresca del pueblo español, una “cualidad” que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII. Pero para comprender mejor cuales fueron los motivos que propiciaron la aparición de este tipo de viviendas, lo mejor es retroceder en el tiempo hasta los días en que Madrid aun no era la capital de España

“Casa a la Malicia” que se puede ver todavía en Noviciado

Felipe II por Sofonisba Anguissola 1564  Museo del Prado Madrid

“El Rey Católico, juzgando incapaz la habitación de la ciudad de Toledo, ejecutando el deseo que tuvo el emperador su padre de poner su Corte en la Villa de Madrid, determinó poner en Madrid su real asiento y gobierno de su monarquía”. (Luis Cabrera de Córdoba, 1559-1623)

Entrada de Felipe II en Madrid

Hasta mayo de 1561, la capital de la nación más poderosa del mundo era la ciudad Imperial de Toledo, pero el lunes 19 de mayo de 1561, Felipe II hizo llegar al Concejo de Madrid una Cédula Real en la que se le hacía saber del inminente traslado de la Corte desde la ciudad del Tajo a Madrid, donde debería hallarse instalada al mes siguiente, a tiempo para la celebración del Consejo Real que debería celebrarse en la nueva capital. El día 21 de mayo, el monarca partió de Toledo hacia Aranjuez para inspeccionar las obras del palacio y jardines que allí se estaban construyendo y desde el Real Sitio se dirigiría directamente a Madrid, que a partir de ese momento se convertiría en la capital del España

Maqueta con una de las casas a la malicia

Tengamos en cuenta que Madrid en el siglo XVI no era una ciudad propiamente dicha como lo eran Toledo, Barcelona, Valladolid o Sevilla, era más bien un pueblo grande y amurallado, un “poblachón manchego”, como han escrito algunos, situado en un lugar relativamente privilegiado sobre un altozano, con un río de escaso caudal a sus pies, nuestro entrañable Manzanares.

Juan Bautista de Toledo

Se elaboró un ambicioso plan urbanístico al frente del cual Felipe II, tras hacerle venir desde Italia, puso al arquitecto Juan Bautista de Toledo, que percibiría un salario de 220 ducados anuales. Sin duda otro dato que avala la teoría de la capital renacentista deseada por el monarca.
Pero el ambicioso plan pronto comenzó a encontrase con serias dificultades. Si el plan se hubiese llevado a cabo rápidamente, sin duda la transformación de la Villa de Madrid en una gran capital europea habría sido coherente y homogénea, pero toda clase de dificultades, urbanas, sociales y económicas, hicieron que los trabajos se llevaran a cabo con gran lentitud, y muchas de las reformas acabaron convertidas en “agua de borrajas”

Probable retrato de Juan Bautista de Toledo de el Greco

Aunque según otras opiniones es de su hijo Juan Manuel Theotocopuli.(Lo añado aqui, por si alguien tiene conocimiento de su identidad y lo puede aclarar, yo no lo he conseguido, aunque apuesto por su hijo…)

Maqueta de una de las casas del Museo de la Ciudad

Ante esta grave situación, Felipe II se vio obligado a promulgar un edicto llamado “Regalía de aposento” mediante el cual, todas las casas de Madrid que tuviesen más de una planta, deberían ceder la planta superior mismas a aquellos que se considerase oportuno, habitualmente  al séquito o servicio real, muy exigido de alojamientos en una ciudad que acababa de ser escogida como capital del reino. 
Las “casas a la malicia”, fueron un recurso arquitectónico de los constructores del siglo XVII a requerimiento de los propietarios de las nuevas casas, para engañar a las autoridades municipales.

Plano de casa de “Muy incómoda” repartición

La picaresca inmobiliaria puesta en escena presentaba características exteriores que hacían suponer falsos interiores estrechos, incómodos y en definitiva no aptos para ser incluidos dentro del grupo de edificios que tenían que cumplir con la ley de Regalía de aposento, es decir: ceder la mitad de la casa a un funcionario de la Corte sin que tuviera que pagar alojamiento.

Ejemplo de Casa de Malicia
La casa esconde una fachada de dos alturas en su patio interior

La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación, inconveniente que se intentó solucionar años mas tarde, con la llamada Visita General de 1749, medida cuya aplicación quedaba registrada en un azulejo con la clave Visita Casa / Manzana nº (x) (azulejos que pueden verse todavía visible en muchas fachadas de edificios del casco histórico de Madrid)

Libro de los nombres y calles de Madrid

Sobre que se paga incómodas y tercias partes, manuscrito conservado en la Biblioteca Nacional con el nº 5918.

Casa señorial, junto al Convento de San Ildefonso, Trinitarias Descalzas

Los primeros en eludir la imposición real de la Regalía de aposento fueron los propietarios de las clases adineradas dueños de inmuebles en el Madrid convertido en Corte , en que casas de dos pisos e incluso tres alturas se camuflaban destinando de forma aparente  la planta baja a los establos para los animales, la primera a viviendas y la segunda a desván, aunque en realidad  todas las estancias se utilizaran como vivienda

Casa en la calle del Rollo

El Edicto Real establecía que el primer piso pertenecía al Rey, que podía disponer de él e incluso venderlo a quien decidiera. Eso sí, todo se hizo con el acuerdo del Consistorio, que lo aceptaba para que Felipe II no diera marcha atrás en su decisión de trasladar la capital a Madrid.

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Para encontrar estas casas, nos tenemos que adentrar en el barrio de la Latina, en la zona más antigua de Madrid, donde el trazado medieval se intuye en las calles angostas y las curvas improvisadas entre la Plaza de Carros, la Plaza de la Morería, el Jardín de las Vistillas, el Mercado de la Cebada, y la Plaza de la Paja

Rótulo de la casa en la calle del Rollo

Las “casas a la malicia” estaban construidas de tal forma, que vistas desde el exterior parecía que sólo tenían una planta a base de distribuciones imposibles y caóticas del interior de las viviendas con sótanos que no pudiesen verse desde fuera, con lo que aun siendo una casa de dos plantas, parecía que solo lo fuera de una, y por tanto no debía acoger a los miembros de la corte, tejados muy inclinados donde se habilitaban buhardillas, medias alturas y patios

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calle de los  de los Mancebos, esquina Redondilla.

El madrileño de entonces, incómodo con aquella ley, y deseoso de esquivarla, ideó este truco de sacar con caos las ventanas de fachada. También se practicó el truco de añadir buhardillas disimuladas, como puede comprobar el paseante de hoy mismo en esta

Azulejo con la clave para identificar las casa, que aun quedan en Madrid

Casa-Museo de Lope de Vega

Un buen ejemplo es la Casa Museo de Lope de Vega en la calle Cervantes)

Vista de una de las casa en la esquina de la calle del Agua con la de Tabernillas

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Casa en la Plaza del Alamillo

Hoy solo quedan algunos ejemplos de “casas a la malicia” en el Madrid de los Austrias y en los barrios de La Morería, Las Letras y Universidad, que os aseguro merece la pena intentar localizar mientras paseáis por las calles del viejo Madrid, rememorando un curioso capitulo de la picaresca española y madrileña que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII, durante la monarquía de la Casa de Austria.

Casa en las calles San Andrés con San Vicente, por supuesto muy modificada con reformas

Suele proponerse como ejemplo superviviente de “casa a la malicia” el edificio, bastante reformado, que en el barrio de la Morería ocupa la esquina que forman la calle de Mancebos con la de Redondilla, antes mencionada, cuya construcción original se ha datado entre 1565 y 1590.

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Casas en la Ribera de Curtidores

Pudieron ser a la malicia, muy reformadas también.

La ‘casas a malicia’ o el misterio de las ventanas asimétricas
Fachada en la calle Conde, poco antes de llegar a la plaza de la Cruz Verde

Ejemplo de las ventanas asimétricas, con resultados catastróficos para el urbanismo madrileño ya que los arquitectos recurrieron a argucias poco aconsejables como ocultar las habitaciones superiores mediante escaleras interiores o dejar casi sin luz amplias estancias, apenas iluminadas por pequeños ventanucos.

Fuentes :

https://www.pasionpormadrid.com/2010/06/

https://vramon1958.wordpress.com/2014/09/07/el-real-decreto-de-regalia-de-aposento-y-las-casas-a-la-malicia/

https://es.wikipedia.org/wiki/Casas_a_la_malicia

https://www.lavanguardia.com/local/madrid/20180505/443244808392/casas-a-malicia-ventanas-asimetricas-madrid-secreto.html

y fotos: internet. 

El árbol de Jessé

Árbol de Jessé es el nombre que tradicionalmente recibe el árbol genealógico de Cristo, a partir de Jessé, padre del rey David. La representación del árbol de Jesé consta de tres elementos básicos:,
que se asocian respectivamente a las figuras de Jessé, María y Cristo.

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La representación más común consta de la figura reclinada de Jessé, padre del rey David, de cuyo cuerpo,generalmente de su vientre, nace un árbol en cuyo tronco y ramas aparecen algunos antepasados de Cristo (David, Salomón y María, entre otros) y por último la flor que es el propio Cristo.

Jessé que aparece casi siempre acostado, aunque también se le ve sentado o de pie, siendo en estos casos en muchas ocasiones por cuestiones del espacio en donde ha de estar localizada la obra. El tronco suele salir de su costado, del estómago, aunque también puede salir del corazón

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un
carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen.

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Entre los antecedentes de esta compleja representación debe señalarse el candelabro judío de siete brazos o menorá, que fue asumido por la liturgia cristiana,
con su implícito simbolismo de la llegada de El Mesías, al menos desde el siglo XI.
Desde finales del siglo XI y durante todo el siglo XII, se desarrollan todas estas imágenes que evolucionan de una naturaleza simple a otra más desarrollada.

El rey David,  Pedro Berruguete, Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Nava

Según las profecías el Mesías procedería de la Casa de David y nos aparece  en Mateo 1:1-17 y en Lucas 3:23-38; en ambas genealogías, los evangelistas tratan de conectar a Jesús con David por la profecía mesiánica. Jesús mismo en el Apocalipsis de San Juan dice (Ap 22,16) “Yo soy la raíz y retoño de David” incluyéndose dentro de los descendientes de David.

L'enfant Jésus dans les bras de Saint Joseph, par Guido Reni en 1635.

San José con el Niño, Guido Reni 1640  Museum of Fine Arts. Houston (EE. UU.)

También se hace la conexión a través de José, el cual solo era “padre putativo” pero la ley judía acepta este hecho como de pleno derecho genealógico y conexión a la familia del progenitor adoptivo. 

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Los Profetas del Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo en Santiago de Compostela

La veneración del arte medieval por el mundo antiguo llevó a la incorporación de algunos de sus personajes más ejemplares en el tema, además de los profetas. Su representación se basó en la creencia de que los paganos tuvieron su propia revelación.

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Ancianos filósofos.  Fresco en el  Sucevita Monastery,  Rumania

En el arte bizantino aparecen filósofos como Platón, con una filacteria que alude al dios desconocido.

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Sibila Eritrea Miguel Angel, Capilla Sixtina Vaticano

En Occidente, con el mismo sentido se representa a las sibilas, en ocasiones de forma personalizada, como la de Eritrea y en otras de forma genérica como simplemente Sibila, seguramente por influencia del drama litúrgico del “Ordo Prophetarum”del ciclo de Navidad.

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El teatro litúrgico u “Ordo Prophetarum”. Santiago de Compostela

(Desde 2001 se representa cada Navidad en la Catedral de Santiago de Compostela).

Es de reconocida opinión que el drama litúrgico de los profetas (Ordo Prophetarum), inspiró las más extensas representaciones de reyes y profetas en el tema del Árbol de Jessé.  A diferencia de otras obras similares no tiene su origen en la dramatización de un episodio bíblico, sino en un sermón atribuído a San Agustín.

 REPRESENTACIONES EN EL ARTE:

Muy numerosas a través de los tiempos y en distintos estilos y soportes

Árbol de Jesé de Bamberg (Baviera)
Tallado en marfil, ca.1200  actualmente en el Museo del Louvre

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Arbol de Jessé Manuscrito 340 Biblioteca Municipal de Douai 

Ciudad y comuna francesa situada en el departamento de Norte en la región Norte-Paso de Calais, capital de la comarca del Douaisis.

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Linaje de Jesús en la catedral de Altar Mayor de Limburg- ca 1400

Distrito de Limburg-Weilburg en Hesse, Alemania. La catedral de San Jorge (Georgsdom), construida sobre la antigua iglesia del monasterio, fue consagrada en 1235

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Variante de un Arbol de Jessé en forma de cepa, con la curiosa representación de la embriaguez de Noé, después del Diluvio.
El Génesis dice que Noé comenzó a labrar la tierra y nos lo muestra plantando una viña, de cuyo vino se embriaga, Cam ve “la desnudez” de su padre y se ríe de él (algunos sabios del Talmud piensan que no solo se rió de él, también abusó de él), el cual al saberlo pronuncia una maldición en contra del hijo de éste, Canaán, del cual profetiza que llegará a ser esclavo de Sem y Jafet, maldición que, según algunos traductores, se cumple cuando Israel (de origen semítico) somete a los Cananeos

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El árbol de Jessé ilustrando una biblia

El árbol de Jessé se ha representado en la cultura cristiana en numerosas ocasiones, como en los códices.

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Ilustración en las “Crónicas de Nuremberg”

Es uno de los más preciados incunables (nombre que se da a los primeros libros salidos de la recientemente creada imprenta, entre 1450 y 1500), con xilografías  de gran valor artístico.

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“Crónicas de Nuremberg” detalle

Las primeras representaciones del tema y en las que aparece una mayor diversidad son las miniaturas de manuscritos como evangeliarios, biblias, leccionarios, salterios o antifonarios.

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Arbol de Jessé en el icono Alabanzas a la Virgen del Círculo Ioannis Apakas c. 1600, Museo Pushkin, Moscú
Esta es otra representación muy frecuente: los iconos

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Icono con el Arbol de Jessé S-XVII

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“Arbol de Jessé” oleo de Jan Mostaert 1500 Rijksmuseum de Ámsterdam

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Arbol de Jessé en una placa de marfil. Museo de Louvre, París.

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Grabado con el Arbol de Jesse, Israhel van Meckenem (German, c. 1445 – 1503 ), Rosenwald Collection

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Vista panorámica del fresco del árbol de Jesse en el Monasterio de Voroneț, que es un monasterio medieval situado en el pueblo rumano de Voroneţ en la actualidad parte de la ciudad Gura Humorului. Es uno de los famosos monasterios pintados del sur de Bukovina, en el distrito de Suceava.
Fue construido por Esteban el Grande en 1488 en tres meses y tres semanas para conmemorar la victoria en la Batalla de Vaslui.

Denominado a veces la “Capilla Sixtina del Este”, los frescos de Voroneț tienen un tono intenso de azul conocido en Rumanía como “azul de Voroneț”.

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Mural con el Arbol de Jessé en una iglesia de Lohja, Finlandia

Posiblemente de la miniatura, el tema salta a los muros y pronto cobra su versión monumental en la pintura mural románica, llegando incluso a techumbres de madera

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Árbol de Jessé. Parteluz del Pórtico de la Gloria  catedral de Santiago de Compostela.
También los relieves románicos monumentales como machones, columnas o enjutas de arcos encuadran el tema.

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Detalle del anterior: Virgen con el Niño.

Esta es la primera vez que se representa en la Península Ibérica este tema en la iconografía religiosa. La columna reposa sobre una base en la que hay una figura con barba recostada sobre el pecho (quizá una imagen de Noé) y dos leones. Una tradición llevaba a los peregrinos a poner la mano entre las cavidades del árbol mientras rezaban cinco oraciones, antes de entrar en la catedral.

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Arbol de Jessé en el machón SO del claustro del Monasterio de Santo Domingo de Silos,  Foto de Sira Gadea

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Arbol de Jessé en la portada de la Catedral de Beauvais c.1400

La catedral de San Pedro de Beauvais esta situado en la localidad de Beauvais, en el valle de Thérain de Picardie.
Es, en algunos aspectos, el logro más audaz de la arquitectura gótica, siendo su construcción coincidente con el ascenso al trono de Luis IX de Francia, y constituye el comienzo del gótico radiante
En el gótico, además de relieves monumentales, las galerías de reyes de Judá de las catedrales góticas francesas y por extensión las de otros territorios europeos, aunque no toman el esquema de árbol, se relacionan con el tema por representar la genealogía de Cristo.

Árbol de Jesse, en cuya copa-peana esta instalada la imagen de Santa María de la Redonda, talla del s. XV. Logroño.

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Retablo de la capilla de Santa Ana de la Catedral de Burgos

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen y  la genealogía se cumplimenta con la representación del propio Cristo, la de María su madre (a veces entronizada o con el Niño en su seno o como en este caso con Santa Ana 

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Arbol de Jssé en un retablo de la iglesia de Santa María del Castillo en Olivenza, Badajoz
El tema del Árbol de Jessé combina pues varios motivos y de acuerdo a que estén o no presentes, pueden establecerse diversas variantes iconográficas.

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Altar con el Arbol de Jessé en la capilla de Notre Dame de Berven

En Plouzévédé ciudad del departamento de Finisterre , en la región de Bretaña

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Retablo de la capilla del cementerio de Saint Thégonnec, en Bretaña.

La liturgia del tiempo de Adviento, tanto griega como latina, honra especialmente a la Virgen que resume en sí todas las esperanzas mesiánicas.

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Retablo mayor del Convento de Santa Clara en Briviesca, Burgos

Su renacentista Retablo Mayor, empezado a tallar en 1551 por Diego de Guillén pero elaborado fundamentalmente por el artista mirandés Pedro López de Gámiz. Facturado en madera de nogal y dejado sin policromar, posiblemente por problemas económicos,
Dedicado a la exaltación de la Virgen, los grupos escultóricos más destacados son los de la calle central, empezando por el Árbol de Jessé, un trabajo finamente calado con claras reminiscencias tardogóticas. Sobre esta escena se disponen la Virgen sedente rodeada de ángeles y la Ascensión.

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Arbol de Jssé en la iglesia de Saint Aignandistrito de Romorantin-Lanthenay 

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Arbol de Jessé relieve en la Catedral de Worms S.XV Alemania

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Rosetón del transepto sur de la Catedral de Saint Denis (Francia)

La representación en la vidriera gótica de la que es pieza clave en la famosa representación de Saint-Denis, que dio origen a numerosas versiones como la de la catedral de Chartres

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Vitral con el Arbol de Jessé en la iglesia de Saint-Etienne de Beauvais, Francia

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Vitral de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

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Púlpito Iglesia de Santa María en la Arena. Dettelbach (Bayern, Alemania)

Imagen relacionada

 Árbol de Jesse en el techo de la parte inferior del coro barroco en la iglesia de Santo Domingo en Oaxaca México

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El árbol de Jessé Franciscano

Las órdenes religiosas también utilizaron este tema iconográfico en sus representaciones, pero el arbol en vez de ser Jessé la raíz del mismo, es el fundador de la orden el que apareciendo tumbado le sale de las entrañas el árbol, y en cada rama aparecen santos de la orden o los miembros mas destacados de la comunidad. En la reforma de Villacreces, al ser un tema franciscano, tiene coronando al mismo una imagen de la Inmaculada.

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El árbol de la vida del refectorio de Santa Croce de Florencia 
 
Que tiene como antecedente la que con motivos de la vida de Jesús se encuentra en en la Galería de la Academia de Florencia.     foto: Sira Gadea
 
 
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Detalle del anterior. Foto de Sira Gadea
 
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Arbol de Jessé en la Galería de la Academia de Florencia 
 
 

Otro ejemplo de Arbol de Jessé de una orden monástica, en este caso Mercedarios que data de la época colonial, en Potosí, Bolivia S.XVIII

 

OTRAS REPRESENTACIONES:

-Árbol de Jessé. Pintura mural de la capilla de San Juan de Le Liget, Indre-et-Loire

– Árbol de Jessé. Vidriera de la fachada occidental de la catedral de Chartres, h. 1159.

– Árbol de Jessé. Biblia de Saint-Bertin, Champagne (Francia), h. 1170-1180. París.

– Árbol de Jessé. Folio del Hortus Deliciarum, h.1195.

– Árbol de Jessé. Techumbre de San Miguel de Hildesheim (Alemania), h. 1200.

– Árbol de Jessé. Salterio de Ingeburge, h. 1200. Chantilly (Francia), Musée Condé

– Árbol de Jessé. Vitae Sanctorum, Cîteaux (Francia). Dijon, Bibliothèque Municipale

– Árbol de Jessé. Relieve de la fachada de Notre-Dame de Poitiers, Vienne 1130.

 

Fuentes:
 

Los reyes del cine

El Cine Histórico, siempre resultó atractivo para casi todos, porque en los films se representaban las vidas de reyes, reinas y los personajes que los rodeaban, mas o menos noveladas o reales, con lo que conocíamos, no solo sus biografías llenas de pasiones, mezquindad, crueldad o bondad y justicia sino el entorno histórico en el que se desarrollaba, con sus paisajes, personajes, episodios etc y al menos así, aprendíamos las nociones de lo que en el pasado ocurrió y que pese a carencias o tergiversaciones, nos introdujeron, posteriormente al conocimiento mas profundo del acontecer humano, para que luego pudiéramos completar con su estudio en textos mas serios y rigurosos.
Algunos pueden tacharlas de pesadas, otros de cursis o demasiado increibles, pero todas nos moveran a la curiosidad de saber mas sobre estos reales personajes y a conocer mejor sus historias.
En esta selección, no he incluido a personajes ficticios, aunque algunas historias si lo sean. Al Rey Arturo, lo incluyo entre ellos, porque muy bien pudo existir.y al Rey de Siam, por las mismas razones.
En general son mayoría, las películas inglesas donde aparecen sus reyes, en especial Isabel I, .y he procurado ponerlos en orden cronológico, teniendo en cuenta las fechas en que reinaron.
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Troya  Año: 2004
Dirigida por Wolfgang Petersen
Reparto Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom
Personajes: la película opta por una aproximación más o menos realista a la guerra de Troya con los personajes del rey Agamenón, Helena, Páris , Ulises, Hector y Aquiles
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Cleopatra año: 1963 Países: EE.UU., Reino Unido, Suiza
Dirección: Joseph L. Mankiewicz
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton,
personajes: Cleopatra y su relación con Julio Cesar y Marco Antonio
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Los Caballeros del Rey Arturo  Año: 1953 País: Reino Unido
Dirección: Richard Thorpe
Intérpretes: Robert Taylor, Ava Gardner, Mel Ferrer
Personajes: El mítico Rey Arturo,  su esposa Ginebra y el caballero Lancelot.
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El león en invierno  Año: 1968  País: Reino Unido

Dirección: Anthony Harvey

Intérpretes: Peter O’Toole, Katharine Hepburn, John Castle, Nigel Terry, Timothy Dalton, Anthony Hopkins

Personajes. Enrique II Plantagenet y Leonor de Aquitania, reyes de Inglaterra y sus hijos

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El primer caballero Año: 1995 País: EE.UU.
Dirección: Jerry Zucker
Intérpretes: Sean Connery, Richard Gere, Julia Ormond
Personajes: El Rey Ricardo Corazón de León, la Reina Ginebra y Sir Lancelot
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Becket  Año: 1964  Países: EE.UU., Reino Unido
Dirección: Peter Glenville
Intérpretes: Richard Burton, Peter O’Toole, John Gielgud
Personajes: El Rey Enrique II Plantagenet, rey de Inglaterra, y Thomas Becket, Arzobispo de Canterbury
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Ricardo III. Año: 1944 País: Reino Unido 

Dirección: Laurence Olivier

Intérpretes: Laurence Olivier, Robert Newton,

Personaje: Ricardo III de Inglaterra: Último monarca de la Casa de York y su derrota y muerte en la batalla de Bosworth, basada en el drama de Shakespeare.

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Enrique V Año: 1989 País: Reino Unido
Dirección: Kenneth Branagh
Intérpretes: Kenneth Branagh, Derek Jacobi
Personaje: El Rey Enrique V de Inglaterra basada en la obra de Shakespeare
12592486_560360407464538_2435751216668454891_nLa Reina Cristina de Suecia. Año: 1933 País: EE.UU.

Dirección: Rouben Mamoulian

Intérpretes: Greta Garbo, John Gilbert

Personajes: La Reina Cristina de Suecia y su amante el Conde de Pimentel , embajador del rey de España en Suecia

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La Reina Santa Año: 1947 País: España

Dirección: Rafael Gil, Aníbal Contreiras, Henrique Campos

Intérpretes: Maruchi Fresno, Antonio Vilar

Personajes: Don Dionis e Isabel de Portugal, de cuyo matrimonio surge la alianza entre Portugal y Aragón. aunque en medio de las intrigas de los cortesanos.
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La vida privada de Enrique VIII Año: 1933 País: Reino Unido
Dirección: Alexander Korda
Intérpretes: Charles Laughton, Robert Donat
Personajes: Enrique VII y sus esposas
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Las hermanas Bolena año: 2008 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Justin Chadwick

Intérpretes: Natalie Portman, Scarlett Johansson

Personaje: La Reina Ana Bolena, segunda esposa de Enrique VIII y su hermana, antes de su boda.

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Un hombre para la eternidad Año: 1966 País: Reino Unido

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Paul Scofield, Wendy Hiller

Personajes: El Rey Enrique VIII de Inglaterra y su canciller, Sir Thomas Moro y su ejecución.

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María Estuardo Año: 1936 País: EE.UU.
Dirección: John Ford
Intérpretes: Katharine Hepburn, Fredric March
Personaje: María Estuardo Reina de Escocia, mandada decapitar por traición por la reina Isabel
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El favorito de la Reina Año: 1955 País: EE.UU.
Dirección: Henry Koster
Intérpretes: Bette Davis, Richard Todd
Personajes: Isabel I de Inglaterra y su amante
(Una Reina, frecuentemente representada en el cine)
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La vida privada de Elizabeth y Essex  Año: 1939 País: EE.UU.
Dirección: Michael Curtiz
Intérpretes: Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland
Personaje: Isabel I de Inglaterra y su amante el conde de Essex
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Elizabeth Año:1998 País Reino Unido
Director Shekhar Kapur
Reparto: Cate Blanchett, Geoffrey Rush
Personaje: Isabel I de Inglaterra
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Elizabeth I Año: 2005  país: Reino Unido
Dirección: Tom Hooper
Intérpretes: Helen Mirren, Jeremy Irons
Personaje : Isabel I de Inglaterra
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El hombre de la mascara de hierro Año: 1998 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Randall Wallace

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Gabriel Byrne, John Malkovich, Jeremy Irons y Gérard Depardieu,

Personajes: El Rey Luis XIV y los Mosqueteros (a través de la novela de Alejandro Dumas)

Vatel  Año: 2000  Países: Bélgica, Francia, Reino Unido

Dirección: Roland Joffé

Intérpretes: Gérard Depardieu, Uma Thurman, Tim Roth

Personajes: El Rey Luis XIV de Francia y el cocinero Vatel, que le organiza un banquete por orden de su jefe el Príncipe de Conde, para ganarse la confianza del Rey.

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El Rey pasmado   Año: 1991 Países: España, Francia, Portugal

Dirección: Imanol Uribe

Intérpretes: María Barranco, Joaquim de Almeida, Laura del Sol, Gabino Diego, Juan Diego, Fernando Fernán Gómez, Javier Gurruchaga, Eusebio Poncela

Personaje: El Rey Felipe IV de España (
Se inspira en una novela del escritor Gonzalo Torrente Ballester. )
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Cromwell  año 1970

Director Ken Hughes

Intérpretes: Richard Harris, Alec  Guinness, Robert Morley

Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra y  Cromwell

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Matar a un Rey Año: año 2003
Dirección: Mike Barker
Intérpretes: Tim Roth, Dougray Scott, Rupert Everett
Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra, y Oliverio Cronwell, que instauró la república tras decapitar al rey
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La Favorita  año 2018
director: Giorgios Lanthimos

Interpretes : Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz

Personaje: El padre de Ana, Jacobo II y VII de Escocia, fue rey durante 3 años antes de ser depuesto en la Revolución Gloriosa de 1688. En un momento de crisis”, Ana vio la unificación de Escocia e Inglaterra, lo que la convirtió en la primera reina de Gran Bretaña de la historia.

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María Antonieta   Año: 2006  Países: EE.UU., Francia, Japón
Dirección: Sofia Coppola
Intérpretes: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman

Personajes: La Reina Mª Antonieta de Francia y Louis XVI
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La locura del Rey Jorge Año: 1994 País: Reino Unido
Dirección: Nicholas Hytner
Intérpretes: Nigel Hawthorne, Helen Mirren, Ian Holm
Personaje: Jorge III de Hannover , rey de Inglaterra y la enfermedad que padeció.

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El Rey y yo Año: 1956 País: EE.UU.

Dirección: Walter Lang

Intérpretes: Yul Brynner, Deborah Kerr

Personaje: El Rey de Siam y la institutriz de sus hijos (basado en la novela de Margaret Landon, donde se muestra la vida en una corte oriental)

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Su Majestad Mrs.Brown Año: 1997 Países: EE.UU., Irlanda, Reino Unido
Dirección: John Madden
Intérpretes: Judi Dench, Billy Connolly
Personajes: La Reina Victoria de Inglaterra y su amigo James Brown, tras la muerte del esposo de la reina
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Sissí Año: 1955

dirección: Ernst Marischka

Intérpretes: Romy Schneider, Karlheinz Böhm, Magda Schneider

Personajes: La Emperatriz Isabel y el Emperador Francisco José de Austria
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Donde vas Alfonso XII? Año: 1958

Dirección: Luis César Amadori

Intérpretes: Vicente Parra, Paquita Rico

Personajes: El Rey Alfonso XII y su esposa Mª de la Mercedes Montpensier en su breve matrimonio
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Nicolás y Alejandra Año: 1971
Dirección: Franklin J. Schaffner
Intérpretes: Michael Jayston, Janet Suzman
Personajes: El Zar Nicolas y la Zarina Alejandra de Rusia, en los años previos a la revolución bolchevique.de 1917
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El último emperador  Año: 1987

Dirección: Bernardo Bertolucci

Intérpretes: John Lone, Joan Chen, Peter O’Toole

Personaje: Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, último emperador de China
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El discurso del Rey  Año: 2010  Países: Australia, Reino Unido

Dirección: Tom Hooper

Intérpretes: Helena Bonham Carter, Colin Firth,Geoffrey Rush Guy Pearce, Michael Gambon,
Personajes: El Rey Jorge VI , su familia y su logopeda (Jorge era tartamudo y tuvo que reinar tras la abdicación de su hermano Eduardo)

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The Queen  Año: 2006

Dirección: Stephen Frears

Intérpretes: Helen Mirren, James Cromwell

Personaje: Isabel II de Inglaterra, en los dias posteriores a la muerte de Diana